Escultura contemporánea

• La escultura sufre en el
siglo XX
una revolución radical,
que levemente se
apuntaba ya en algunos
escultores desde
mediados del siglo
anterior.
• Su evolución, más lenta
que la pintura, quizá se
deba a su mayor
supeditación al encargo
y a los costosos
materiales necesarios,
actuando como un freno
a la experimentación.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html

Se produce la
pérdida del
humanismo,
sustituido por el afán
tecnicista y
experimental, y por
otra parte, surge un
fuerte individualismo
que se aparta de las
normas tradicionales
y de todo aquello que
suponga relación con
una escuela o modo
de hacer determinado
http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf

El lenguaje de la escultura que
fue definido en la Grecia clásica
había permanecido más o
menos invariable hasta finales
del siglo XIX.
La gran muestra de las obras de
Auguste Rodin, en la Exposición
Universal de París del año
1900, representó un punto de
inflexión que empezaba a
romper con los planteamientos
clásicos de la tradición
escultórica y suscitaba el
espíritu experimental que
llevaría a nuevos
comportamientos artísticos.
http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRC
RD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
Friné. James Pradier

Rodin, influenciado por las formas
idealistas a la manera de Miguel Ángel,
evolucionó desde un estilo idealista
romántico a uno crudo y más realista, que
persigue la expresión más libre e
individual.
Pionero de la escultura impresionista,
desdeñó la mímesis dominante en favor de
las imperfecciones y desproporciones
expresivas.
El principal componente en sus esculturas
es el movimiento y después la luz. En él se
funde una técnica impresionista que, con
la rugosidad de las superficies y la
multiplicación de planos causada por el
movimiento, obtiene efectos de luz
cambiante.

• Dotaba a su trabajo de
gran fuerza psicológica,
expresada a través del
modelado y la textura.
• En el arte de Rodin se
funden una técnica
impresionista, que con
la rugosidad de las
superficies y la
multiplicación de
planos obtiene efectos
de luz, la profundidad
vital y la fuerza
colosal que anima las
figuras.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-contempornea-rodin.html

• En los primeros años
del siglo XX se
manifiesta la influencia
de Rodin en
numerosos escultores,
de tendencia más bien
conservadora y clásica
(predominio de la
figuración o realismo
en las formas, uso de
técnicas y materiales
tradicionales).

• Antonio Bourdelle
(1861-1929), discípulo
de Rodin, mostró gran
interés por la escultura
arcaica griega y la
románica, su escultura
es naturalista y clásica.
Se caracteriza por el
culto a la fuerza y su
interés por representar el
volumen, de formas
geométricas y
proporcionadas.

Arístides Maillol (1861-1944), también francés, se mueve dentro de la
tradición clásica. Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse
por los detalles y elementos accesorios. Se distingue por su concepción del
volumen: simple, redondeado y de modelado liso. Su tema central es el
desnudo femenino, robusto, de formas opulentas, compactas y pesadas.

• Seguidores de Maillol son
los españoles Josep
CLARÁ, Josep LLIMONA y
Manuel HUGUÉ.

• El arte escultórico experimenta
la revolución más radical de su
historia en el siglo XX, en
paralelo y a remolque de los
cambios experimentados por la
pintura.
• Casi toda la escultura desde la
Antigüedad expresaba la figura
humana y, en menor grado, la
animal con fines estéticos o
expresivos.
• Pues bien, en el siglo XX, al
igual que había sucedido en
pintura (son movimientos o
fenómenos paralelos), la obra
escultórica expresará algo
totalmente distinto.
http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf

• El hueco.
• La deformación.
• La incorporación del
espacio.
• La abstracción.
• El movimiento.
• La luz.
• Nuevos materiales.
• Nuevas técnicas.
Algunas de las principales innovaciones de la
escultura del siglo XX son:

El hueco: crea formas como el silencio
en la obra musical (Gargallo).
El escultor fragmenta y cuartea el
volumen de la masa escultórica para
penetrar en las formas de las figuras
mediante el hueco
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm

• Durante casi dos milenios la
escultura fue entendida como
el arte de ocupar el espacio
con un volumen de un
determinado material, ahora
se concede especial
importancia al vacío, a los
huecos, como al silencio en
la música.

• La Deformación: constituye un
recurso tradicional del artista, en el
que descubren nuevas posibilidades
(Moore, Giacometti).

• La búsqueda de las
nuevas estructuras
esenciales de las
figuras, humanas o
animales,
despersonalizándolas
para destacar la
naturaleza del material.
• La deformación del
modelo, un recurso
tradicional del artista
con el que se
descubren nuevas
posibilidades
expresivas

• La incorporación del
espacio: la escultura se funde
con su contorno mediante el
desarrollo de las superficies en
el espacio (Pevsner).
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf

• La abstracción: las formas sin
apoyo en la realidad han
renovado el léxico escultórico
(Chillida, Oteiza,
constructivistas…).

• Mediante la abstracción, el uso de formas sin apoyo en la realidad,
se produce una renovación del lenguaje escultórico que ya no será
más un “arte de imitación”.

• La escultura cobra valor en sí
misma, se independiza fuera
de un conjunto o
ambiente determinado
y tiende igual que la pintura a
la abstracción y al uso de
nuevos materiales.
• Se desentiende
progresivamente de
las apariencias realistas,
sobre todo por influencia
del cubismo, del futurismo y
del impresionismo (Lipchitz,
Duchamp-Villon).
http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html

La evolución escultórica
actual pasa por la
abstracción y, dentro de ella,
la escuela denominada
Constructivismo busca la
forma al margen de la masa,
prefiriendo un desarrollo de
las superficies en el espacio,
como si la obra creciera
sobre sí misma encerrando
espacios. Por eso, esos
artistas se prefieren formas
ahuecadas antes que los
volúmenes cerrados.
http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf

En contraste con esas formas abiertas, también se presentan,
tanto en esculturas figurativas como abstractas, formas
compactas, cerradas, resaltando el valor plástico de la materia.

• El movimiento: unión de la
energía y la forma en esculturas-
máquinas (Futuristas, Calder).

• La escultura
tradicional había
reflejado el
movimiento fijo, como
en una instantánea.
• Al principio del siglo
XX los escultores
futuristas superponen
láminas o deshacen
las superficies rugosas
para presentar
posiciones sucesivas
de una figura.

El siguiente paso es
incorporar espacio en
el interior de la
escultura, el volumen
abierto produce formas
de continuidad en el
espacio, posiciones
sucesivas en las que la
figura “conquista”
fragmentos de espacio.

El último paso lo da la escultura cinética, inspiradora de
obras que se sostienen de manera inestable sobre un
precario punto de apoyo, que giran con el viento o que se
mueven de forma continua por un sistema descompensado
de pesos.
Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Calder.

Importancia de la luz.
Muchos artistas realizan
obras para ser situadas al
aire libre y estudian
cuidadosamente la
ubicación en su entorno;
otros buscan efectos en el
contraste de luz y sombra
producido por el juego de
vacíos y de masas
escultóricas (Gargallo);
algunos, como Chillida,
hacen que la luz penetre a
través de los huecos
dentro de la obra y formen
parte de ella.

Contrastes de
texturas. Algunos
escultores buscan
superficies
cuidadosamente
pulidas…pero muchos
otros basan su obra
en texturas non
finitas o intensamente
contrastadas, que
producen efectos
expresivos.

• La aproximación al concepto de obra de arte de
cualquier objeto tridimensional, convenientemente
sometido a la acción o a la interpretación del creador.

Experimentación del valor
expresivo de nuevos
materiales, incluso de desecho,
y realización de obras
escultóricas empleando objetos
apenas manipulados, como
hicieron los dadaístas
(Duchamp), los surrealistas
(Dalí) y otras tendencias
posteriores a la Segunda Guerra
Mundial.

Si bien se mantienen
materiales
tradicionales como el
mármol, la madera y
el bronce, toman auge
nuevos materiales,
como el hierro, el
acero, vidrio,
materiales
reciclados, nuevos
materiales sintéticos
e industriales
(hormigón, plásticos,
resinas, poliéster,
polietileno, látex…), o
incluso objetos
reciclados.

http://es.slideshare.net/padi1113/el-arte-del-siglo-xx-32636834

Nuevas técnicas:
Junto a las tradicionales
técnicas de modelado,
tallado o fundido, aparecen
otras propias del mundo
industrial, tales como:
• Vaciado en cemento u
hormigón
• Forja
• Soldadura
• Collage
• Ensamblaje
• Instalación

http://es.slideshare.net/mjrielo/la-escultura-6779169

Integración de formas
tridimensionales y
superficies pictóricas, en
busca de una obra de arte
integral.
Escultura y pintura pierden
su autonomía en aras de la
libertad del artista que es
quien decide lo que se
puede y lo que no se
puede hacer.
Los primeros pasos están
ligados al movimiento
Dadá, como, por ejemplo,
los relieves coloreados
de Jean Arp.

Nuevos temas:
• Se empiezan a abandonar los temas basados en la
Naturaleza y en la humanidad e incorporan otros
temas más transcendentales. Expresan los
grandes conceptos que tanto ha preocupado al
individuo.
• La obra de arte empieza a ser expresión de algo
más profundo que en otros tiempos: representa
conceptos filosóficos.
• Formas semejantes a signos con multiplicidad de
significados, de metáforas, de asociaciones, de
interpretaciones que reflejan la personalidad del
artista, su concepción del mundo, su visión interior,
su ideología, su subjetividad y sus aspiraciones.
• Son expresión del yo individual del artista.
http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm

Nuevos temas:
Ahora las nuevas
esculturas expresan:
dolor, sufrimiento,
angustia, desesperación,
terror, soledad, opresión,
los gritos de protesta, el
padecimiento de los
oprimidos y la tortura de
las guerras, la ironía, la
resignación, las
ambiciones, la fugacidad
de la vida y del tiempo, la
pasión y la muerte, la
ingenuidad, la fantasía,
las reivindicaciones
políticas o feministas o
las críticas hacia lo
tradicional...

http://www.taringa.net/post/arte/17905986/El-Arte-en-el-Siglo-XX.html

Nuevos temas:
O bien alegrías y optimismo, el ansia de libertad, los avances científicos
o los cambios democráticos, las interrogaciones y las reflexiones, las
investigaciones conceptuales, las contradicciones, las ambigüedades,
las relaciones en tensión, los conflictos, las paradojas mentales y
contrastes sexuales o políticos, los sentimiento libidinosos de los seres
y el amor físico y brutal, la perfección formal, la racionalidad mental, la
ley y el orden y el cálculo racionalista, la deformación física.

Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas:
.
http://www.arsgravis.com/?p=142

http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx

LA ESCULTURA Y LAS
VANGUARDIAS

• Las vanguardias históricas de
las primeras décadas del siglo
XX abren de par en par las
posibilidades expresivas
ampliando el lenguaje
escultórico hasta límites
insospechados.
• Los escultores vanguardistas
experimentan con todo tipo de
ideas, conceptos, técnicas y
procedimientos, y explotan las
posibilidades de los nuevos
materiales que la industria pone
a su alcance.

En este sentido, las aportaciones del cubismo, del expresionismo, del
constructivismo, del futurismo, del surrealismo, del dadaísmo, etc., han sido
fundamentales para la concepción de la escultura tal como la entendemos hoy en
día.

El Cubismo supone la
ruptura definitiva con la
tradición.
La figura humana pierde su
omnipresencia para dejar
paso a las formas
geométricas.
Pero, además de esta, la otra
gran característica de la
escultura contemporánea es
una cierta propensión al
patetismo y que convierte al
lenguaje escultórico en otro
medio de expresión de la
angustia del hombre actual.
Picasso, Tête de femme (Fernande), 1909, bronze, 41 x 24 x
26, Paris, Musée Picasso

Estas dos líneas, la geometrización, la abstracción y la inclusión de espacios por
un lado y el expresionismo y la trascendentalización de las formas por otro, son las
dos grandes líneas de la escultura, al igual que pasó en la pintura.

• Las repercusiones del
cubismo en la
escultura no fueron
menos importantes
que en la pintura.
• Desaparecen los
últimos restos realistas
y, de modo paralelo al
collage en dos
dimensiones, surge la
escultura construida, a
veces, con materiales
de desecho.

http://http://es.slideshare.net/carmentejera/tema-13a-el-siglo-xx-arquitectura-y-escultura-13184017?qid=39016560-8a06-4878-8821-172bebec446b&v=&b=&from_search=15

Como la obra no procede de un bloque homogéneo de piedra o mármol, el
resultado presenta huecos y vacíos entre las superficies, dando lugar a una nueva
estética de la ausencia de masa.
El escultor no define ya volúmenes sino espacios, y su método de trabajo tiende
idealmente a parecerse cada vez más al de los arquitectos.
Mujer desnuda con
guitarra
Autor: Jacques Lipchitz
Fecha: 1928
Museo: Tate Gallery
(Londres)

Pablo Picasso rompe con la
tradición formal e introduce la
descomposición geométrica como
un nuevo lenguaje en la escultura,
que apuntala el desarrollo de la
abstracción, e introduce
concavidades que sirven para
incorporar el vacío como elemento
escultórico.
Pablo Picasso. Cabeza.

Entre 1904 y 1914 realiza esculturas
introduciendo nuevos materiales (chapa,
alambre, cordeles), que cobra vida propia
con su manipulación: Cabeza de
Fernande, Guitarra... Más tarde hará
obras como Mujer con cochecito, La
cabra...

http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5

Otros artistas que, desde diferentes
perspectivas, aplicaron los preceptos
cubistas a la escultura fueron Alexandre
Archipenko (1887-1964), Jacques
Lipchitz (1891-1973) y Pablo
Gargallo (1881-1934).
En la obra de todos ellos se percibe la
articulación de planos y la síntesis de
formas propias del cubismo.
http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx

Alexander Archipenko es el introductor del hueco o del vacío en la masa
escultórica, al mismo tiempo que aplica los experimentos cubistas, progresando en
la concepción de la escultura como collage: Mujer andando; Mujer peinándose,
Carrusel Pierrot...

http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx

Jacques Lipchitz es uno de los pioneros del Cubismo en la Escultura . Recibió el
influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=296

Jacques Lipchitz: Mujer recostada.
Descomposición de la figura en volúmenes geométricos, presencia del
vacío en la escultura, geometrización. Formas simples, de influencia del
cubismo sintético.

Henri Laurens. Explora al máximo las posibilidades expresivas de los materiales,
resaltando las formas geométricas, las masas y los volúmenes.
Realizó numerosas “naturalezas muertas” y esculturas femeninas que parecen
surgir desde la materia bruta. Con el tiempo sus esculturas tienden a formas
curvas, más orgánicas.

Raymond Duchamp-Villon incorpora el dinamismo y el maquinismo propios del
futurismo a las formas volumétricas características del cubismo, así como va
abriendo camino hacia la abstracción, como en su famoso “Caballo”, en el que ha
estudiado fotográficamente su movimiento, lo descompone y sustituye algunas de
sus partes por elementos con aspecto de máquinas, empleando geometrizaciones
retorcidas.
Caballo Energía Máquina Movimiento ¿Guerra?

Es una escultura-atajo, una extraordinaria contracción en bronce de la esencia' del
caballo: la selección de ciertos músculos e índices característicos que una biela
arrastra a un impetuoso movimiento sin cambiar de lugar. Caballo-motor, escultura-
máquina en la que triunfa lo que.su creador llamaba el "pensamiento sintético". La
relinchante montura de Duchamp-Villon galopa entre el esquematismo de
Archipenko y el futurismo de Boccioni (1882-1916).
http://www.historiadelarte.us/arte-contemporaneo/desmantelamiento-de-la-forma-compacta.html

Futurismo: la
escultura
del futurismo italiano
aportó dinamismo y
percepción de
movimiento a los
principios cubistas de
descomposición de
perspectivas. El más
destacado escultor
futurista fue Umberto
Boccioni (1882-
1916).

• BOCCIONI (1876-1942) es el mejor
representante de la escultura futurista.
Sus obras tratan de representar el
movimiento a partir de posiciones
sucesivas, en las que la figura
"conquista" fragmentos del espacio.
• El manifiesto futurista defiende que “Un
coche de carreras es más bello que la
Victoria de Samotracia”, basa su arte en
el movimiento aerodinámico, la
velocidad y las formas variables.
• En Formas únicas de continuidad en el
espacio, los planos acentúan el
movimiento.
•
Intenta dar movimiento en la escultura,
para dar a la obra de arte dinamicidad y
agitación.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html

• La forma de conseguirlo es romper las
líneas cerradas en las que la escultura
tradicional envolvía su volumen, de tal
forma que sus límites queden
imprecisos e indeterminados para el
espectador.
• La escultura podría contemplarse
como una figura que avanza imparable
a gran velocidad, sensación que se
transmite abriendo el contorno de la
pieza a base de multiplicar planos y
ángulos de visión.
• Los planos de desarrollan en el
espacio como en una fotografía
estroboscópica.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx

Constructivismo:
• Los escultores
del constructivismo ruso
adoptaron preceptos
semejantes, aunque
orientados hacia el
maquinismo y el uso de
materiales industriales.
• En esta corriente
sobresalieron Anton
Pevsner (1886-1962)
y Naum Gabo (1890-
1977).
Naum Gabo: "Cabeza de mujer" (1917-1920).
Nueva York.

El origen de la escultura
abstracta habría que buscarlo en los
experimentos de los artistas del
Constructivismo del período de
entreguerras, que persiguen la forma
al margen de la masa, prefiriendo un
desarrollo de las superficies en el
espacio.
El Constructivismo profundizaba en
la belleza objetiva y las formas puras.
El concepto de masa tradicional era
abandonado en pos de una nueva
valoración de la profundidad del
espacio y, por ende, del vacío.
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://www.faena.com/aleph/es/articles/el-manifiesto-constructivista-el-arte-como-expresion-de-
la-vida/

Los máximos representantes son los
hermanos Pevsner.
Naum Gabo aplica teoremas
matemáticos de ingeniería a sus
superficies alabeadas (Construcción
nº 2), siendo el primero en hacer la
primera escultura cinética del mundo,
consistente en una lámina que vibra
por el impulso de un motor, y que
demuestra como una superficie se
convierte virtualmente en un
volumen.
Naum Gabo. Columna desarrollada. 1923.

Anton Pevsner se distingue por
los desarrollos helicoidales de
superficies curvas formadas por
varillas de bronce (anillos
envolventes): Columna
desarrollada, La Columna de
la paz.
Anton Pevsner. Proyección en el
espacio. 1924. Museo de Baltimore.

Anton Pevsner exploró nuevos
conceptos escultóricos centrándose
sobre todo en el desarrollo de formas
en el espacio.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pevsner_anton.htm

Constantin Brancusi es una de
las grandes personalidades de la
escultura del siglo XX.
De espíritu independiente, este
rumano experimenta con inquietud
cómo penetrar más allá de la
apariencia, hasta llegar a la
esencia y alcanzar la belleza
eliminando detalles y simplificando
formas.
A pesar de llegar a una
extraordinaria estilización no
acepta el arte no-figurativo; el
punto de partida es siempre algo
real.

CONSTANTIN BRANCUSI (1876-1957).
Es uno de los más grandes de los innovadores del lenguaje
escultórico.
Rumano, se traslada a París donde busca formas puras frente
a las obras de Rodin y sus seguidores.
Se ve influido por el Cubismo y sus seguidores, sobre todo en
algunas cabezas de 1907 y 1909. Trabaja en los años
siguientes la piedra (formas pulidas) y la madera (formas
rugosas).
Además del Cubismo se siente influido por el Expresionismo,
movimientos que sintetiza en algunas de sus obras.
De esta época es su Pájaro en el espacio, hecha en 1925, que
nos transmite no la imagen de pájaro sino la de su poder para
levarse en lo alto.
Le atrae el volumen cerrado.
Trabajó el bronce, la piedra y la madera.

Evolucionó
progresivamente hacia
una mayor esencialidad
formal para crear
formas puras y
elementales.
En sus obras, Brancusi
buscaba una belleza
pura y espiritual,
expresada a través de
sus figuras favoritas (el
pájaro, el huevo, las
cabezas femeninas)
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brancusi.htm

A diferencia de la
mayoría de los maestros
del siglo XX, le atrae el
volumen cerrado,
tradicional, aunque da
vida de forma diferente a
los objetos con gran
simbolismo y
estilización.
Sus mejores obras han
ido en una línea de
depuración formal hasta
alcanzar lo absoluto en
cuanto a perfección y
despojamiento
anecdótico.
Torso mujer joven. Material: Onyx.

Experimenta con inquietud cómo
penetrar más allá de la
apariencia, hasta llegar a la
esencia y alcanzar la belleza
eliminando detalles y
simplificando formas.
Le atrae el volumen cerrado,
tradicional, aunque da vida de
forma diferente a los objetos con
gran simbolismo y estilización.
En su obra convergen los
principios escultóricos clásicos,
refundidos en clave de
vanguardia, aunque sin
vinculación a un movimiento
concreto.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx
Foca I. 1930-32. Caliza y Mármol

Podría decirse que
Brancusi buscaba las
pureza de las formas, pero
que éstas no eran más
que un pretexto para
mostrarnos el espíritu, lo
inmaterial, lo permanente.
Tal vez ello explique
porqué muchas de sus
esculturas presentan esas
formas alargadas tan
características, como si
quisieran soltarse de sus
pedestales y romper a
volar, libres de toda
atadura.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html Columna al infinito.

http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html
Lo primordial, lo salvaje y lo
arcaico constituyen, en efecto, un
componente esencial de la
rebelión de los vanguardistas
contra el arte oficial.
Es justamente en la época en que
Brancusi llega a París, cuando los
artistas de avanzada estaban
descubriendo el arte negro, los
fetiches y las máscaras de
Oceanía, lo que influye en el
vuelco brancusiano de pasar
desde una cultura fervorosamente
guiada por las huellas de Rodin
hacia las formas de un sintetismo
plástico primitivo.
Margit Pogany - 1913-1915

http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html
El beso: la imagen del hombre y
la mujer que se abrazan uniendo
estrechamente frente con frente,
ojo con ojo, boca con boca, no
transmite a un simple episodio, ni
a un gesto, es un símbolo
concreto de la génesis.
Especialmente en esta escultura
puede notarse una característica
estilística que se irá tornando cada
vez más dominante en la
evolución de su arte: la
comprensión de la forma hacia su
interior, la concentración de la
energía plástica dentro de un
núcleo cerrado, compacto.

http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm
Es la obra maestra en la que Brancusi logra por
primera vez el equilibrio perfecto entre fondo y
forma, la síntesis de los cuerpos y el bloque en el
que están esculpidos.
Son dos figuras abrazadas, que se besan. La
unión entre ambas es completa. En la cara
destacan los ojos, casi simétricos y la boca, que
es la misma para los dos. El pelo es un
movimiento de líneas paralelas onduladas, los
brazos están pegados a las figuras y el cuerpo
solamente es insinuado por la línea que los
divide y los une, la misma para ambas.
La textura es tosca, evita el pulido para
evidenciar la talla directa y los instrumentos
empleados.

http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm
El rasgo que destaca en esta obra es la
unión de dos personas al besarse, que está
determinada por el bloque de piedra en el
que se representan. Se fundamenta en
componentes escultóricos, en aspectos
que pertenecen la propia naturaleza de la
escultura como son el volumen, la masa, la
textura y la sencillez compositiva.
Tiene una fuerte influencia del primitivismo
en el modo de representar los ojos, la
incisión del cuerpo, el cabello ondulado, los
brazos, etc.
En el beso se aprecia la búsqueda de la
esencia y la simplificación de la forma.

http://es.slideshare.net/manolo1952/152-vanguardias-histricas-futurismo-dadaismo-surrealismo-38817419

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