Este documento presenta información sobre la formación estética visual y contenidos relacionados como la prehistoria, el arte y los pensadores filosóficos. Explica conceptos como el dibujo, la escultura, los murales y el arte rupestre. Describe las etapas de la prehistoria incluyendo la Edad de Piedra y de los Metales. También resume las ideas de Immanuel Kant sobre lo bello y lo sublime.

1. UNIVERSIDAD DE LOS ANDES
FACULTA DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN
ESCUELA DE EDUCACIÓN
EDUCACIÓN ESTÉTICA
Br.Yulymar Urbina Fernández
C.I 22.987.305
Prof(a) Betty Osorio

2. Introducción
La Formación estética visual para la educación tiene como finalidad abordar
diversos contenidos presentados por el grupo Expositor nº 5, es por ello que
para complementar toda la información presentada, investigue un poco más
para obtener un desarrollo de búsqueda más completo y lograr utilizarla para
mi formación docente, asimismo iniciar las actividades relacionadas con la
formación estética visual, la prehistoria, la pedagogía y el tratamiento curricular
actual. A continuación presento información de contenidos antes mencionados
de una manera más amplia y explicativa.

3. Formación Estética Visual
Las Formas y expresiones de arte que se encuentran enfocadas
preeminentemente a la creación de trabajos que son visuales por naturaleza
como pueden ser: la Pintura, la Fotografía, el Grabado, la Escultura, la
Arquitectura, el diseño.
Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción
visual en la cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos
mediante elementos materiales utilizando diversas técnicas que le permiten
expresar sus sentimientos, emociones y percepciones del mundo que lo rodea.
Las Artes Visuales son formas de arte cuyas obras son principalmente visuales
en naturaleza.
El Dibujo
Es la técnica primordial y básica de
todas las manifestaciones de las
artes plásticas. Detrás de cada
manifestación artística (pintura,
escultura, cerámica, entre otros) se
vislumbra la ejecución, real o mental,
de un dibujo previo. Gracias al dibujo
es posible resolver determinados
problemas planteado, por ejemplo, a
la hora de realizar un cuadro, la
valoración de tonos, la composición de
forma o la perspectiva, no se podrían
solucionar fácilmente si no se tuvieran los conocimientos y la práctica del
dibujo.
Dibujar es una representar gráficamente bajo un color exclusivo,
generalmente, el negro, los dos aspectos que toda imagen presenta: la forma y
el volumen, ya sea sobre una superficie, generalmente plana, por medio de
Figura 1 El dibujo en la prehistoria

4. líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios o de formas puramente
abstracta.
Para comprender en toda su magnitud el concepto global del dibujo, será
preciso que el lector reflexione sobre un hecho simple, pero muy importante: el
ser humano ve los objetos en relieve, y estos objetos tienen un volumen. He
aquí donde radica la dificultad a la hora de dibujar, puesto que se tiene que
expresar en dos dimensiones (en el papel de trabajo) aquello que se ve en tres
dimensiones (forma y volumen) sin el
apoyo del color, el dibujo deberá recurrir
fundamentalmente al estudio de las
proporciones y al análisis de las sombras.
Por su necesidad de representar todo lo
que le rodea, el hombre encuentra en el
dibujo el medio más eficaz para satisfacer
ese deseo.
La Escultura
La escultura es el arte de
modelar, tallar y esculpir un
material, con el fin de
representar figuras u objetos
en tres dimensiones. Esto
quiere decir que, a diferencia
de la pintura, que es
bidimensional y plana, las
esculturas tienen volumen y
pueden ser apreciadas no
sólo de frente sino desde distintos puntos.
Figura 2 Dibujos realizados en
cavernas
Figura 3 La Venus de Willendorf

5. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso. Como
primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y
plaquetas de marfil, y hueso grabados, además de ser un arte mobiliar,
realizado principalmente con piedra y hueso, materiales empleados por el
hombre primitivo.
Los Murales
Con origen etimológico en el latín
murālis, mural es un adjetivo que se
utiliza para referirse a lo vinculado
con un muro. El término también
puede emplearse como sustantivo
para nombrar a la pintura que se
desarrolla sobre una pared.
A lo largo de la historia, el ser
humano siempre ha elegido a los muros para desarrollar manifestaciones
artísticas. La pintura rupestre, de hecho, se desarrollaba sobre las paredes de
las cavernas. La pintura mural es una forma de arte muy antigua. Se
encuentra en las paredes de las cuevas prehistóricas, como en las de
Altamira, en España, y las de Lascaux, al suroeste de Francia, y
constituye un aspecto importante del arte paleolítico.
Arte en la prehistoria
Arte Rupestre
Se denomina Arte Rupestre a
manifestaciones las gráficas realizadas
sobre soportes rocosos de diverso tipo.
Dichas expresiones se pueden encontrar
en cuevas, aleros, afloramientos rocosos
o rocas sueltas dispersas al aire libre.
Figura 4 Mural de Altamira
Figura 5 pictografías

6. Según su técnica de confección se presentan como grabados, pinturas y
geoglifos. Estos últimos diseños han sido realizados en grandes superficies de
terreno con distintas técnicas, como la remoción de tierra o acumulación de
rocas.
 Las imágenes simbolizan seres
humano, animales y el medio ambiente.
 Por lo general se usaban dos
colores como: el rojo, amarillo, ocre.
 Sus instrumentos eran las ramas
quemadas de los árboles o pintaban
directamente con los dedos y el pelo de
los animales
Arte mobiliario o arte de mueble
También llamado arte miniatura o arte portátil consiste en figuras y objetos
decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados
toscamente en arcilla.
Estas figuras son pequeñas estatuillas
antropomórficas (todo aquello que tiene o recuerda
la figura humana) y zoomorfas (figura animal)
talladas en arcilla y piedra. Particular interés ofrecen
unas características figuritas femeninas de pequeño
tamaño talladas en piedra, denominadas
genéricamente Venus. Estas estatuillas tienen una
clara tendencia a la esquematización y un especial
interés por resaltar los atributos sexuales. De entre
las más de cincuenta figuras descubiertas destacan
la Venus de Willendorf y la Venus de Savignano.
Figura 6 Escenas de caza
Figura 7 La venus de
Savignano - Museo
Prehistórico Pigorini (Roma -
Italia)

7. Arte Megalítico
Se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente
labradas, erguida en solitario o combinadas para formar una estructura,
levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o
como monumentos conmemorativos de sucesos destacados. Los de Europa
occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce.
Figura 8 Venus de Willendorf -
Museo de Historia Natural (Viena -
Austria)
Figura 9 Caballo - Museo de las
Antigüedades Nacionales (St. Germain-
en-Laye - Francia)
Figura 10 Mapa representativo de la civilizacion magalítica

8. Los principales tipos de monumentos megalíticos son:
El menhir: También llamado monolito es una
gran piedra clavada verticalmente en el suelo
El dolmen: Se trata de un monumento
formado por varios menhires sobre los
que descansan horizontalmente otras
grandes piedras. Muchos de estos
dólmenes servían como cámara
funeraria.
El crómlech: Círculos formados por
varios dólmenes y menhires.
Figura 11 Menhir de
Filitosa (Córcega -
Francia)
Figura 12 Vista interior del dolmen
de la Menga - Antequera (Málaga -
España)
Figura 13 Crómlech de Stonehenge
(Wiltshire - Gran Bretaña)

9. Etapas de la Prehistoria
Abarca el período desde que apareció el ser humano, hasta que comenzó a
dejar escrita su historia. Abarca la parte inicial del pasado humano y del cual
los hombres no dejaron memoria escrita; siendo esta una de sus principales
características. Se cree que la duración de la prehistoria fue de
aproximadamente 95 000 años.
Edad de Piedra
Se calcula que la Edad de Piedra tuvo una duración de unos Cuarenta mil años
(40 000 años). Se divide, a su vez, en Paleolítico y Neolítico.
1) Paleolítico: Este período es el más largo de la Prehistoria que
comprende desde la aparición del primer hombre hace 2.5 millones de
años hasta el año 10.000 a. C. Se subdivide en tres períodos:
 El Paleolítico Inferior: desde la aparición del hombre, hace 2.5 millones
de años hasta el 125.000 a. C. En esta etapa desarrollaron su actividad
el Homo hábilis y el Homo erectus. Fabricaron hachas de mano y piedra
tallada. Vivían de la caza, en campamentos al aire libre y conservaron el
fuego.
 El Paleolítico Medio: comprende desde el 125.000 a. C. al 40.000 a. C.
y en él vivió en Europa el hombre de Neanderthal. Utilizaron hachas de
mano de forma triangular.
 El Paleolítico Superior: se inicia hacia el 40.000 a. C. y llega hasta el
10.000 a. C. Se corresponde con las culturas creadas por el hombre de
Cro-Magnón y por el Homo sapiens sapiens. Este último inventó el arco
y la flecha y fue un artista genial en la pintura rupestre.
2) Neolítico: Entre los años 8.000 y
6.000 a. C. hubo un cambio climático
favorable con aumento de las
temperaturas. Esto motivó nuevos
modos de alimentarse: descubrió la
Figura 14 civilizaciones neoliticas

10. agricultura, la ganadería y la cerámica.
Parte de la humanidad se hizo
sedentaria y se agrupó en aldeas y
ciudades. Surgieron los primeros
oficios artesanos que construían
azadas para cavar la tierra,
hoces de piedra para segar el trigo
y molinos para moler el grano.
Al inventar la rueda pudieron hacer
el carro y el torno del alfarero. Otro
invento importante fue el arado, que tirado por bueyes o asnos permitía labrar
la tierra.
Edad de los metales
Edad de cobre: Es un período de la Prehistoria ubicado entre el Neolítico
(Nueva Edad de la Piedra) y la Edad del Bronce. En esta etapa el hombre
descubre la utilidad del oro, la plata y el cobre. Logra el dominio de la técnica
para el fundido de los metales. Aparecen las primeras joyas, elaboradas en oro
y plata, así como los primeros utensilios de cobre (5 000 años).
Figura 15 instrumentos parala recoleccion de
alimentos

11. Edad de Bronce: Es el período de la Prehistoria en el que se desarrolló la
metalurgia de este metal, resultado de la aleación de cobre con estaño. Este
metal fue descubierto de manera fortuita en el Antiguo Egipto, al mezclar los
pobladores cobre con estaño. Este descubrimiento hizo posible la metalurgia
en los pueblos del Cercano
Oriente y permitió a estas
comunidades la fabricación de
diversos objetos y armas más
sólidas para su defensa (1 700
años).
Edad de hierro : Es el período en el cual se descubre y populariza el uso del
hierro como material para fabricar armas y herramientas. En algunas
sociedades antiguas, las tecnologías metalúrgicas necesarias para poder
trabajar el hierro aparecieron en forma simultánea con otros cambios
tecnológicos y culturales, incluyendo muchas veces cambios en la agricultura,
las creencias religiosas y los estilos artísticos, aunque este no ha sido siempre
el caso.
Su descubrimiento fue de
mucha importancia para el
hombre, pues mediante la
fundición de este metal obtuvo
la elaboración de diversos
objetos, haciendo menos dura
la realización de sus labores
diarias (900 años).
Figura 18 Intrumentos hechos con estaño.
Figura 19 Arte Metalurgico

12. Pensadores Filosóficos
Immanuel Kant (1724-1804)
Fue profesor de filosofía en la universidad de
Königsberg, en Alemania. Su obra más
famosa “La crítica de la razón pura” apareció
en 1781. Kant permaneció soltero y llevo una
vida metódica y sin sobresaltos. Un autor muy
preocupado por el pensamiento humano y por
como conocemos la realidad sostuvo que
existe un conocimiento a priori sobre la
realidad de las cosas y luego nuestra mente
añade su propio orden a las sensaciones (conocimiento a posterior), no
tenemos una mente pasiva. Dijo además, que debe establecerse una distinción
entre un fenómeno y un nóumeno. El primero se refiere a una idea o
percepción, es la manera en que las cosas se nos aparecen en la mente. El
nóumeno, por el contrario, se refiere a la “cosa-en-si”, la existencia efectiva de
un objeto. Esta diferenciación nos sugiere que nunca podemos conocer la
realidad directamente, somos prisioneros de nuestros órganos sensoriales y de
las percepciones de nuestra mente.
¿Qué es lo bello para Kant? Para resolverlo, Kant se refiere a la
representación, no tratando de entender al objeto para conocerlo, sino
utilizando la imaginación respecto al sentimiento de placer o dolor. Su juicio
pues, no es lógico, es estético, entendiendo que su base determinante no
puede ser más que subjetiva. Es decir, se debe tener conciencia de la
representación del objeto, y unirla a la sensación de satisfacción, para lo cual,
no hace falta el conocimiento del tal objeto. Cuando se quiere determinar si
algo es bello, no se requiere darle importancia a su existencia, sino a la
contemplación que le damos y la satisfacción que nos causa tal contemplación.
Por tanto, para determinar si algo es bello debe bastar con saber si la mera
representación del objeto va acompañada en quien contempla de satisfacción,

13. aun si le es completamente indiferente la existencia del objeto representado.
Esto, según Kant, porque cuando se mezcla el interés, el juicio es parcial y no
un juicio del gusto. Distingue lo bello de lo sublime, el cual, al igual que lo bello,
genera satisfacción desinteresada en quien lo contempla, y ambas son,
placeres originados por el juicio del gusto que pronuncia Kant. Lo sublime suele
representar cosas grandiosas, impresionantes o conmovedoras de la
naturaleza, en casos unidas al terror, a lo noble o a la magnificencia. Es decir,
lo sublime place, pero tal placer lo transmite infestado de asombro y respeto.
Ejemplos de representaciones sublimes son: La muerte, la noche, el tártaro,
entre otros. Lo sublime puede acompañar al placer de cierto terror o
melancolía; en algunos casos, meramente de un asombro tranquilo, y en otros,
un sentimiento de belleza extendido sobre una disposición general sublime.
ARTHUR SCHOPENHAUER (1788-1860)
Para Schopenhauer nuestro mundo está hecho del mismo material que el
de los sueños, el "Velo de maya" de los hindúes. Sólo existe una fuerza
cósmica: la voluntad; que tanto hace nacer estrellas como crecer las plantas o
generar y liquidar nuevos seres humanos sin cesar. Éstos se ven atrapados en
una dolorosa paradoja: no pueden resistirse al impulso de la voluntad ciega e
irracional de su propia naturaleza que muchas veces les acarrea el sufrimiento,
y a la vez aspiran a estar libres de él. Sólo hay dos formas al parecer de

14. liberarnos o de al menos reducir este sufrimiento. La primera es con la muerte,
pero esto es algo de carácter completamente ilusorio y engañoso. Un trance en
el que la naturaleza, una vez acabada su función en nosotros, pondrá otro
nuevo individuo en nuestro lugar para continuar su tarea sin fin, y el sufrimiento
no terminará, haciendo que actos como el del suicidio sean totalmente inútiles.
La segunda es la tarea que llevan a cabo místicos y ascetas, que mediante la
aniquilación de su voluntad y su victoria sobre la naturaleza consiguen rasgar el
velo de maya, ver "más allá". Ésta es la única salida y victoria posible.
En lo que respecta a la estética y la función del arte, muchas son las
formas de arte que pueden dar acceso al reino de lo que Schopenhauer
designó como "lo bello". Menor es el número de formas de arte que pueden
conducir al individuo más allá, dándole acceso al reino de lo que dicho autor
llamó "sublime", caracterizado por el arrobamiento y, según lo dicho por el
autor, superior al de lo bello. Finalmente, el arte visionario en el cual "todo es
símbolo" puede dar acceso a la epoché estética y, en el caso de individuos
familiarizados con las instrucciones de las supremas tradiciones universales de
sabiduría, es incluso posible que este tipo de arte pueda emplearse como
medio de acceso al supremo reino de lo que Schopenhauer denominó "lo
santo". El acceso a este último reino implica una metodología distinta de la
señalada por el filósofo alemán que tanto apreció el budismo mahayana y los
Upanishads, y el reino al que se tiene acceso por medio de dicha metodología
no es exactamente el nirvana en los términos en que él lo describió.
Friedrich Nietzche (1844-1900)
Friedrich Nietzsche es uno de los autores más
reconocidos y admirados. Sobre todo por aquellos
que no le han leído. Autor complejo, enigmático,
fragmentario e incendiario. Sus textos son
provocadores, sumamente estimulantes para el
lector, pero es fácil permanecer bajo el embrujo

15. de la forma sin reparar en el contenido. “(...) sólo como fenómeno estético
aparecen justificados la existencia y el mundo”. Con esta contundente frase
y todas las consecuencias que de ella se derivan podría resumirse la primera
etapa del pensamiento nietzscheano. Su obra central, El nacimiento de la
tragedia, está inspirada en la filosofía de Schopenhauer y Nietzsche esperaba
que sus tesis sobre el arte fueran aplicadas por Wagner en sus óperas. Esta
obra es, entre otras cosas, un profundo estudio filológico, artístico y filosófico
centrado en el nacimiento y evolución de la tragedia griega. Dos fuerzas
esenciales están presentes en estas obras teatrales: por un lado Apolo, el dios
griego del sol y la luz, y, por otro lado, Dionisio, el dios del vino y la
embriaguez. Ambos dioses son utilizados por Nietzsche de un modo metafórico
y simbólico, relacionándose con estos significados: Dionisio es la voluntad
(objeto central de la filosofía de Schopenhauer), lo irracional, la noche, lo
instintivo, y en la tragedia se correspondería con los momentos musicales y de
danza, y aquellos en los que participa el coro. En cuanto a Apolo, representaría
la luz de la razón, la armonía, la alegría, la luminosidad del día, y se
corresponde con las palabras (lógos, palabra-razón) y los personajes.
Evidentemente, sus valores son opuestos: Dionisio es lo común (aquella parte
de la tragedia en la que todos participan, fundiendo su conciencia en una fiesta
colectiva) y Apolo es lo individual (el personaje con unas ideas, pensamientos o
principios morales propios, que no se identifica con lo colectivo).
La propuesta nietzscheana consiste precisamente en recuperar el sentido
originario de la tragedia griega: en desenmascarar a Apolo, para que Dionisio
retome el protagonismo que le corresponde. Eso es lo que Nieztsche
personifica en Schopenhauer y en Wagner. En la medida en que la voluntad (y
no el pensamiento o la verdad, como en la mayoría de los filósofos anteriores)
es uno de los conceptos clave de Schopenhauer, Nietzsche espera que su
pensamiento sea un punto de inflexión que permita volver a los valores
dionisíacos. Igualmente, proyecta sobre Wagner todos los presupuestos
artísticos que se derivan de El nacimiento de la tragedia, esperando que la
ópera de Wagner, concebida como un arte total en el que se conjugan todas
las demás, asuma la misión de volver a Dionisio. Los desencuentros
personales con Wagner unidos a su negativa de realizar este proyecto artístico,

16. provocarán un distanciamiento progresivo, que terminará con una ruptura
definitiva entre ambos autores. Sin embargo, el protagonismo de Dionisio y
todos los valores que éste simboliza, reaparecerán una y otra vez en toda la
filosofía nietzscheana. La propuesta dionisíaca vendría a ser como el ave fénix
filosófico: muerto Dionisio, todas sus ideas vuelven a la vida encarnadas en
una nueva figura simbólica: Zaratustra.
Friedrich Von Schiller (1759-1805)
¿El arte hace humano al hombre? Algo
que también se preguntó el poeta,
dramaturgo y filósofo mejor conocido por
ser el “poeta de la libertad y de los
ideales nobles y abstractos” una
etiqueta que nos presenta a un hombre de
altos principios de humanidad el alemán
Friedrich Von Schiller. Para este autor así
parece ser. De hecho Schiller escribió, entre sus tantas obras, una en especial
titulada “Cartas sobre la educación estética del hombre”. El hombre llega a
ser humano, se convierte en hombre porque el arte lo hace hombre.
Es una de las ideas que se desarrolla en éste texto donde encontramos que
la belleza es el eje, el centro de las páginas. De allí que haya continuado una
penetrante búsqueda del significado de lo bello, de la libertad, de la creación
artística pero esta vez pensada como el “instinto” del juego. Siempre se dice
que es importante educar la mente, esto obviamente implica los estudios en
cualquier área, lo que genera que la persona sepa cosas, se cultive para él
mismo y la sociedad. Esto como reconocemos se desarrolla en un estadio por
lo general netamente racional.
Un rasgo que encontramos en las ideas de Schiller es que propone además
de educación mental una que se dirigiera a las emociones, que las limpiara de
tal modo que se volviesen más sensibles. Esto último porque es una cualidad

17. inherente al ser humano que, al parecer, anda dormida. Si esto se logra
(educar la emoción) parafraseando al autor resultaría que “la capacidad del
hombre para lo bello aumenta”. Vemos entonces un punto que forma parte de
aquellas diferencias que lo separaba de otro pensador importante como
Immanuel Kant, porque Schiller señala que la razón no debe hacerse enemiga
de la sensibilidad, más bien su aliada. “El enemigo que no cambia puede aún
revelarse: pero el enemigo que se reconcilia es verdaderamente vencido”
(Schiller, 1990, carta V p. 141)
Esa fragmentación o separación razón-sensibilidad hace que el hombre
camine incompleto. Y es en este punto donde el arte juega el papel decisivo,
pues, es sólo por este medio que el hombre vence esa desfragmentación, se
reúne y funda el verdadero hombre. Este fenómeno de la llegada del arte a la
vida de las personas sucede —usando la misma imagen del autor- como el
niño cuando aún tiene cierta ingenuidad, pero una tremenda capacidad para el
entusiasmo, por la alegría del descubrimiento, el hombre —de igual forma-
reacciona a la belleza en la naturaleza, y la recrea en el arte. Crea en él, el
potencial de la razón. Como poeta nos dice el valor que le colocaba a la belleza
“Lo que recibimos aquí como belleza/Se nos presentara un día como verdad”
(Schiller, 1994, p.49)
Karl Marx (1818-1883)
Karl Marx nació en Prusia en 1818 y
murió en Londres en 1883. Se le
considera junto a Friedrich Engels el
padre del “socialismo científico” 4 y del
comunismo. Dos grandes influencias en
la teoría marxista son por un lado, la
visión materialista de la historia de
Feuerbach, y por otro lado, la dialéctica
hegeliana. Se conoce que para Marx el

18. capitalismo con sus características o preceptos básicos (la propiedad privada,
separación del trabajo y del salario, plusvalía, etc.) produce una alienación del
trabajador que se convierte en una mercancía más. De hecho, se produce un
extrañamiento del trabajador hacia el producto de su trabajo, y por extensión se
produce también un extrañamiento de su interior:
"Todas estas consecuencias están determinadas por el hecho de que el
trabajador se relaciona con el producto de su trabajo como un objeto extraño.
Partiendo de este supuesto, es evidente que cuánto más se vuelca el
trabajador en su trabajo, tanto más poderoso es el mundo extraño, objetivo que
crea frente a sí y tanto más pobres son él mismo y su mundo interior, tanto
menos dueño de sí mismo es”. Por tanto, el capitalismo enajena al trabajador
de sí mismo y de su mundo interior, por lo que la belleza o el placer que no sea
la mera satisfacción de una necesidad básica no tienen cabida. De hecho, el
trabajo produce belleza para el rico, o lo que él llama “deformidades” para el
trabajador. Éste se ve abocado a sus necesidades más básicas, las de la
subsistencia, y es obligado a dejar de lado las necesidades más espirituales
(no referidas a la religión, a la que Marx ve como elemento enajenador al igual
que al capitalismo). Por tanto, hay funciones humanas entre las que estaría el
arte, tanto la creación como el disfrute del mismo, que quedan en manos de
unos pocos.
Hay una cierta similitud entre arte y trabajo desde esa perspectiva de
esencia humana. Marx habla de “fuerzas esenciales”, la capacidad de producir
objetos materiales por parte del hombre que expresan su esencia, como
pueden ser las obras de arte, que se elevan a un grado superior. Arte y trabajo
es entonces, actividad creadora por la que el ser humano produce objetos que
hablan de él y por él. A pesar de este comienzo en común, Marx hace una
importante división entre trabajo y arte, ya que los productos del primero
satisfacen una necesidad humana, y son útiles en cuánto satisfacen esa
necesidad precisamente. El arte sería más bien un suplemento, una necesidad
no básica, aunque sí necesaria.

19. Estética, Arte y Pedagogía
Jusualdo Sosa
Maestro y escritor, se dedicó a las letras
para demostrar la posibilidad de una
educación “nueva” y manifestar su
"rebelión como hombre" y su "escondida
venganza contra la despersonalización
de la escuela hacia el individuo". Su
primera experiencia docente la realizó en
la Escuela Experimental Nº 1 de
Montevideo. En su tarea chocaba a
menudo con directores e inspectores
que consideraban que su clase "paseaba
demasiado".
Relata su experiencia en la escuela rural de Canteras del Riachuelo, a la que
describe con las siguientes palabras:
“...escuelita de un rincón de la tierra, simple barracón de cinc y madera,
descascarado; podridas sus puertas; raídos sus pisos; con latas y cartones por
vidrios; con un grupito de maestros salidos de la entraña de la realidad más
que de cartapacios pedagógicos, como sostenedores e inquietadores...”
Se apoyó en el método de Decroly colocando como principales pilares:
1. La observación
2. La organización
3. La asociación.
El accionar del maestro: se ve como objetivo para llevar a cabo todos los
aprendizajes por medio de experiencias, además de formas de expresividad
como el lenguaje, la música, la danza, entre otros, las cuales serían las
principales para el proceso de enseñanza-aprendizaje del niño(a).

20. Lograr extender el aula escolar a su entorno, trasladar a los niños a salidas de
campo y conseguir la capacidad crítica con experiencias que en el futuro
pueden ser mucha ayuda para toda una sociedad.
Su propuesta se vinculaba a esta concepción ya que estructuraba el trabajo
partiendo de la realidad concreta de lo que ocurría en el medio, de la relación
con los hogares, de la situación social y económica de sus habitantes, de la
peripecia de cada uno de los niños, lo que implicaba el análisis con ellos del
programa a desarrollar para atender a sus inquietudes y valorar sus iniciativas.
También se discutían y planificaban en conjunto con los niños las normas de
responsabilidad y disciplina colectiva, así como la publicación del periódico
escolar realizado por los niños y los maestros, llamado “El marrón”, nombre
inspirado en la herramienta utilizada por los trabajadores de la cantera
para romper la piedra, emblema que también se encontraba en la bandera del
equipo deportivo de la escuela.
Animación Pedagógica
La animación representa la modalidad más típica de la educación. La
animación es el estilo con que se educa y abarca todos sus contenidos,
proceso y metodología. Educar desde la animación supone entender que el
verdadero cambio brota del interior de la persona, según ella se oriente en
libertad hacia un proyecto de vida. El educador puede incidir en el ambiente,
proponer un modelo de vida y un cuadro de valores, pero es el joven, sujeto y
protagonista de su desarrollo, quien ha de interiorizarlo. El estilo y el método de
la animación lo hacen posible.
La animación, pues, no se reduce a una técnica, a una metodología, a una
actividad o a un momento determinado, sino que es una mentalidad con la que
actúa el educador (PASTORAL JUVENIL 1985,41). Esa mentalidad se
fundamenta en:

21. · Una antropología, una manera de entender a la persona, sus dinamismos y
procesos, en los que entra en juego su maduración. Gracias a sus recursos
interiores, la persona es capaz de hacerse cargo de los procesos que la
afectan.
· Un método, que sabe escoger los recursos y los momentos educativos y que
los organiza de modo que tiendan a liberar y promocionar, y no a restringir y
controlar.
· Un estilo de caminar con los jóvenes, de sugerir, de ayudar a crecer y de
saber captar los estímulos que de ellos proceden y descubrir sus posibilidades
reales y sus aspiraciones.
· Un objetivo y finalidad última de devolver a cada persona la alegría de vivir
plenamente y el valor de esperar y proyectar con ilusión y creatividad.
· Una función, que asume el rostro concreto de una persona, el animador, que
acompaña y discierne la validez del proceso formativo.
· Una estrategia educativa unitaria, que prefiere la calidad de las actuaciones
educativas a la cantidad, y ordena, por tanto, los tiempos, lugares y agentes
diversos en torno a procesos convergentes y unificados.

22. Conclusión
De acuerdo a la búsqueda de información realizada y complementada es
importante destacar que en la lectura correspondiente al trabajo se propicio una
enriquecida respuesta a todas las preguntas que me realice durante la
exposición de los contenidos, los cuales abordaron distintos ámbitos que
emergieron desde hace muchos años y que hoy en día son utilizados como
formación y educación que contempla una belleza estética a partir de las
creaciones del hombre, con formas de expresividad a través de distintos
instrumentos, logrando utilizar su propio cuerpo para el desarrollo de una
sociedad. Las cuales tuvieron como principal objetivo la comunicación entre
ellos.

23. Referencias Bibliográficas
 http://el-dibujo.webnode.com.ve/el-dibujo-/
 http://www.ecured.cu/index.php/Artes_Visuales
 http://www.icarito.cl/enciclopedia/articulo/primer-ciclo-basico/educacion-
artistica/artes-visuales/2010/05/29-9088-9-la-escultura.shtml
 http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artepreh.htm
 http://www.mercaba.org/ARTICULOS/L/la_animacion_una_opcion_peda
gogi.htm