El documento presenta una discusión sobre la fotografía de paisajes contemporánea y los artistas que se dedican a este género. Explora cómo los fotógrafos ahora enfocan más en la presencia humana y su impacto en el medio ambiente. También introduce varios artistas españoles como Bleda y Rosa, Xavier Ribas y Gonzalo Puch, resumiendo brevemente sus enfoques y obras relacionadas con el paisaje y la historia.
Arte contemporáneo IIIº Medios FotografíaSGCfotografia
Este documento presenta una introducción al arte contemporáneo como la instalación, el performance, el video y el land art. Explica que surgen a partir de las vanguardias del siglo XX que buscaban renovar el arte y eliminar la distancia entre el arte y la vida. También describe el arte conceptual de los años 60 y 70, el cual priorizaba la idea sobre la forma, así como el land art que integraba el paisaje en la obra artística. Finalmente, menciona algunos exponentes importantes de estas corrientes como Christo, Robert Morris y Alice Adams.
El arte objetual involucra objetos cotidianos que son modificados o intervenidos para adquirir un carácter artístico. Fue iniciado por Marcel Duchamp al incorporar objetos comunes a sus obras y recodificarlos. Las tendencias objetuales sustituyen la representación de la realidad por la representación de objetos reales. Se caracteriza por dar relevancia al azar en la composición y por protestar contra la mercantilización y aislamiento del arte en galerías y museos.
Este cuadro de 1905 titulado "La raya verde o Madame Matisse" es un retrato de la esposa del pintor fauvista Henry Matisse. Matisse utiliza colores vibrantes y contrastados en áreas planas para capturar sus propias sensaciones e impresiones sobre su esposa, en lugar de retratarla de forma realista. El uso revolucionario del color por parte de los fauvistas, incluido Matisse, rompió con las convenciones del impresionismo y marcó el comienzo de la revolución pictórica del siglo XX
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 que rompió con la perspectiva tradicional al fragmentar las formas de la naturaleza en figuras geométricas. Liderado por Picasso, Braque y Léger en Francia, el cubismo analítico descompuso las formas en múltiples partes geométricas entre 1909 y 1911, mientras que el cubismo sintético desde 1911 usó elementos del mundo real pegados en los lienzos como una construcción.
La revolución industrial destruyó las tradiciones y oficios manuales, dando paso a una nueva clase media. Los artistas se sintieron ajenos a las convenciones y se reunieron en París, donde desarrollaron el impresionismo capturando la luz y atmósfera a través de pinceladas rápidas. Monet, Renoir, Pissarro y otros pintaron en plein air, influyendo en el rechazo de la fotografía y el academicismo en favor de representar las propias sensaciones. El impresionismo marc
Victor Brecheret fue un escultor brasileño nacido en 1894 en São Paulo. Estudió en Brasil y en Italia, donde se especializó en figuras monumentales. Al regresar a Brasil en 1919, expuso sus obras y se convirtió en uno de los principales escultores del movimiento modernista brasileño. A lo largo de su carrera, Brecheret creó esculturas que iban desde figuras religiosas y mitológicas hasta representaciones de la cultura indígena brasileña, siendo considerado el máximo exponente de la escultura
Este documento presenta una breve introducción a los principales géneros pictóricos: paisaje, retrato, bodegón, desnudo y escena de género. Define cada género y proporciona ejemplos de obras representativas, describiendo cómo cada uno fue adquiriendo importancia a lo largo de la historia del arte.
Arte contemporáneo IIIº Medios FotografíaSGCfotografia
Este documento presenta una introducción al arte contemporáneo como la instalación, el performance, el video y el land art. Explica que surgen a partir de las vanguardias del siglo XX que buscaban renovar el arte y eliminar la distancia entre el arte y la vida. También describe el arte conceptual de los años 60 y 70, el cual priorizaba la idea sobre la forma, así como el land art que integraba el paisaje en la obra artística. Finalmente, menciona algunos exponentes importantes de estas corrientes como Christo, Robert Morris y Alice Adams.
El arte objetual involucra objetos cotidianos que son modificados o intervenidos para adquirir un carácter artístico. Fue iniciado por Marcel Duchamp al incorporar objetos comunes a sus obras y recodificarlos. Las tendencias objetuales sustituyen la representación de la realidad por la representación de objetos reales. Se caracteriza por dar relevancia al azar en la composición y por protestar contra la mercantilización y aislamiento del arte en galerías y museos.
Este cuadro de 1905 titulado "La raya verde o Madame Matisse" es un retrato de la esposa del pintor fauvista Henry Matisse. Matisse utiliza colores vibrantes y contrastados en áreas planas para capturar sus propias sensaciones e impresiones sobre su esposa, en lugar de retratarla de forma realista. El uso revolucionario del color por parte de los fauvistas, incluido Matisse, rompió con las convenciones del impresionismo y marcó el comienzo de la revolución pictórica del siglo XX
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 que rompió con la perspectiva tradicional al fragmentar las formas de la naturaleza en figuras geométricas. Liderado por Picasso, Braque y Léger en Francia, el cubismo analítico descompuso las formas en múltiples partes geométricas entre 1909 y 1911, mientras que el cubismo sintético desde 1911 usó elementos del mundo real pegados en los lienzos como una construcción.
La revolución industrial destruyó las tradiciones y oficios manuales, dando paso a una nueva clase media. Los artistas se sintieron ajenos a las convenciones y se reunieron en París, donde desarrollaron el impresionismo capturando la luz y atmósfera a través de pinceladas rápidas. Monet, Renoir, Pissarro y otros pintaron en plein air, influyendo en el rechazo de la fotografía y el academicismo en favor de representar las propias sensaciones. El impresionismo marc
Victor Brecheret fue un escultor brasileño nacido en 1894 en São Paulo. Estudió en Brasil y en Italia, donde se especializó en figuras monumentales. Al regresar a Brasil en 1919, expuso sus obras y se convirtió en uno de los principales escultores del movimiento modernista brasileño. A lo largo de su carrera, Brecheret creó esculturas que iban desde figuras religiosas y mitológicas hasta representaciones de la cultura indígena brasileña, siendo considerado el máximo exponente de la escultura
Este documento presenta una breve introducción a los principales géneros pictóricos: paisaje, retrato, bodegón, desnudo y escena de género. Define cada género y proporciona ejemplos de obras representativas, describiendo cómo cada uno fue adquiriendo importancia a lo largo de la historia del arte.
El Cubismo fue un movimiento artístico francés desarrollado entre 1907 y 1914 fundado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Representaba la naturaleza utilizando formas geométricas básicas como cubos, cilindros y conos en lugar de la perspectiva tradicional. Pasó por etapas como el Cubismo Analítico, que usaba colores no realistas, y el Cubismo Sintético, que incorporaba materiales como periódicos.
El documento resume los principales rasgos del postimpresionismo y de algunos de sus principales exponentes como Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Cézanne rechazó el naturalismo impresionista y buscó representar lo permanente por encima de lo efímero, utilizando formas geométricas y colores en amplias superficies. Gauguin evolucionó desde el impresionismo hacia un estilo más simbólico y primitivista influenciado por el arte japonés. Van Gogh pintó paisajes y escenas de la vida rural
El Impresionismo fue un movimiento pictórico que surgió en Francia a finales del siglo XIX, cuyos artistas buscaban capturar la luz y el color tal como se percibían en un momento dado, eliminando detalles y representando formas a través de pinceladas cortas de color. Algunos de los principales impresionistas fueron Monet, que se enfocó en plasmar la vibración cromática de la luz; Degas, interesado en capturar el movimiento; y Renoir, que ofreció una interpretación más sensual
Este documento describe diferentes corrientes artísticas modernas, incluyendo sus características, ejemplos y períodos de tiempo. El Arte Nuevo surgió a finales del siglo XIX y se manifestó en las artes, diseño y arquitectura. El Impresionismo se centró en la luz natural y temas cotidianos y surgió a finales del siglo XIX. El Expresionismo reveló los sentimientos humanos y la angustia existencial. El Cubismo mostraba objetos desde múltiples perspectivas y surgió en 1907
El cubismo fue un movimiento artístico vanguardista que se desarrolló entre 1907 y 1914. Sus principales representantes fueron Pablo Picasso y Georges Braque, quienes a través de técnicas como la descomposición de formas y la perspectiva múltiple, buscaban representar el objeto desde múltiples puntos de vista simultáneos.
El documento describe las características y objetivos de varios movimientos artísticos vanguardistas como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo. Estos movimientos buscaban recrear el mundo de una manera subjetiva y provocadora en lugar de simplemente reproducirlo, criticar la sociedad burguesa, y liberar la verdad interna de la realidad más allá de las apariencias materiales a través de la deformación, la ironía y la evocación de sueños e imaginación.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado en Francia entre 1907 y 1914 liderado por Picasso, Braque y Gris. Rompió con el realismo y la perspectiva al representar objetos desde múltiples ángulos en un mismo plano usando formas geométricas y tonos apagados. Sus principales características incluyen la ausencia de un punto de vista único y profundidad, así como el uso de collage.
Este documento resume los principales movimientos artísticos relacionados con el uso del color desde el Impresionismo hasta el Neoexpresionismo. Comienza con el Impresionismo y su énfasis en captar las impresiones visuales a través del color, seguido por el Postimpresionismo y el uso del color para expresar sentimientos. Movimientos como el Fauvismo, el Expresionismo y el Futurismo distorsionaron la realidad a través del color para lograr mayor expresividad. El Bauhaus investigó los atributos del color, m
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo en el siglo XIX. En particular, señala que los impresionistas se centraron en la pintura al aire libre y temas cotidianos en contraposición a los temas clásicos promovidos por la Academia. También destaca algunos de los artistas más importantes del movimiento como Monet, Renoir, Sisley y Manet.
El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia liderado por Pablo Picasso y Georges Braque. Rompió con la pintura tradicional al representar objetos desde múltiples perspectivas en un mismo plano y descomponer formas en geometrías. Se distinguen dos etapas: el Cubismo Analítico que descomponía formas entre 1909-1911, y el Cubismo Sintético a partir de 1911 que incorporó materiales reales en los cuadros. Otros pintores cubistas incluyen a Juan Gris y Fernand Léger.
El documento presenta información sobre el cubismo, un movimiento artístico del siglo XX que se alejó de la reproducción realista de la naturaleza. El cubismo descomponía los objetos en formas geométricas y podía mostrarlos desde múltiples ángulos simultáneamente. Artistas clave como Picasso, Braque, Gris y Léger influyeron en este nuevo estilo pictórico que también exploró formas como el collage.
Tema 12 Pintura impresionista ,Rodin y pintura postimpresionistafrancisco gonzalez
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX, incluyendo el impresionismo de Monet, Renoir y Degas, las esculturas de Rodin, y el posimpresionismo de Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Describe las técnicas pictóricas del impresionismo como captar la luz y sombras cambiantes y pintar en exteriores, así como las obras clave de los principales artistas. También resume la escultura innovadora de Rodin y sus obras más representativas.
El impresionismo se caracteriza por (1) el uso de pinceladas cortas y cargadas de pasta para captar efectos lumínicos y atmosféricos, (2) el énfasis en el color y la luz sobre el dibujo y el modelado, y (3) el estudio de la luz vibrante en el paisaje a través de versiones de un mismo motivo en diferentes momentos del día.
El impresionismo fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa, especialmente en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracterizó por intentar plasmar la luz y el instante a través de pinceladas sueltas y colores aplicados directamente, sin mezclar en la paleta. Pintores impresionistas como Monet, Renoir, Pissarro y Degas pintaban escenas cotidianas y paisajes al aire libre, enfocándose más en cómo se verían las imágenes desde la distancia que en detal
Impresionismo y postimpresionismo, simbolismo y modernismoFeerbt
La ruptura de la tradición en el arte durante la Revolución Francesa llevó a cambios en varios campos como la arquitectura, pintura y escultura. En pintura, el impresionismo emergió rompiendo con la representación detallada de la realidad y enfatizando la luz y sensación visual. Artistas como Manet y los impresionistas aplicaron nuevos principios como el uso de colores puros y pinceladas sueltas para capturar impresiones fugaces, aunque al público le costó aceptar estos cambios. El imp
Este documento resume las principales tendencias artísticas del siglo 20, incluyendo el fovismo, futurismo, cubismo, expresionismo, informalismo, po art, arte científico, hiperrealismo, neofiguración, deconstrucción, street art y arte digital. Para cada tendencia, proporciona una breve descripción y muestra una obra de arte representativa con el artista y fecha.
Exposición sobre el impresionismo y sus variantes.
(Advertencia: Este powerpoint fue creado para ser usado en una disertación, por lo que algunas diapositivas pueden no contener descripción puesto que quien disertaba debía describirla al momento de la exposición)
Armas para una estética de la destrucción (Sema D'Acosta) Sema D'Acosta
El documento presenta una exposición colectiva en el Museo Vostell de Malpartida (Cáceres) dedicada al artista alemán Wolf Vostell para conmemorar los 50 años desde su primer encuentro con España. La exposición reúne obras de 26 artistas inspiradas en la obra de Vostell, conocido por su estética de la destrucción y por establecer el Museo Vostell en 1974 en Malpartida, un lugar idílico y puro alejado de las influencias urbanas.
Este documento presenta una guía de 9 pistas para un circuito de observación de arte público en Bogotá. Cada pista describe una obra de arte, incluyendo su título, autor, breve reseña biográfica del artista y detalles sobre los aspectos artísticos, expresivos y urbanísticos de la obra. Las obras presentadas son de varios medios como pintura, escultura y muralismo.
El Cubismo fue un movimiento artístico francés desarrollado entre 1907 y 1914 fundado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Representaba la naturaleza utilizando formas geométricas básicas como cubos, cilindros y conos en lugar de la perspectiva tradicional. Pasó por etapas como el Cubismo Analítico, que usaba colores no realistas, y el Cubismo Sintético, que incorporaba materiales como periódicos.
El documento resume los principales rasgos del postimpresionismo y de algunos de sus principales exponentes como Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Cézanne rechazó el naturalismo impresionista y buscó representar lo permanente por encima de lo efímero, utilizando formas geométricas y colores en amplias superficies. Gauguin evolucionó desde el impresionismo hacia un estilo más simbólico y primitivista influenciado por el arte japonés. Van Gogh pintó paisajes y escenas de la vida rural
El Impresionismo fue un movimiento pictórico que surgió en Francia a finales del siglo XIX, cuyos artistas buscaban capturar la luz y el color tal como se percibían en un momento dado, eliminando detalles y representando formas a través de pinceladas cortas de color. Algunos de los principales impresionistas fueron Monet, que se enfocó en plasmar la vibración cromática de la luz; Degas, interesado en capturar el movimiento; y Renoir, que ofreció una interpretación más sensual
Este documento describe diferentes corrientes artísticas modernas, incluyendo sus características, ejemplos y períodos de tiempo. El Arte Nuevo surgió a finales del siglo XIX y se manifestó en las artes, diseño y arquitectura. El Impresionismo se centró en la luz natural y temas cotidianos y surgió a finales del siglo XIX. El Expresionismo reveló los sentimientos humanos y la angustia existencial. El Cubismo mostraba objetos desde múltiples perspectivas y surgió en 1907
El cubismo fue un movimiento artístico vanguardista que se desarrolló entre 1907 y 1914. Sus principales representantes fueron Pablo Picasso y Georges Braque, quienes a través de técnicas como la descomposición de formas y la perspectiva múltiple, buscaban representar el objeto desde múltiples puntos de vista simultáneos.
El documento describe las características y objetivos de varios movimientos artísticos vanguardistas como el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo. Estos movimientos buscaban recrear el mundo de una manera subjetiva y provocadora en lugar de simplemente reproducirlo, criticar la sociedad burguesa, y liberar la verdad interna de la realidad más allá de las apariencias materiales a través de la deformación, la ironía y la evocación de sueños e imaginación.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado en Francia entre 1907 y 1914 liderado por Picasso, Braque y Gris. Rompió con el realismo y la perspectiva al representar objetos desde múltiples ángulos en un mismo plano usando formas geométricas y tonos apagados. Sus principales características incluyen la ausencia de un punto de vista único y profundidad, así como el uso de collage.
Este documento resume los principales movimientos artísticos relacionados con el uso del color desde el Impresionismo hasta el Neoexpresionismo. Comienza con el Impresionismo y su énfasis en captar las impresiones visuales a través del color, seguido por el Postimpresionismo y el uso del color para expresar sentimientos. Movimientos como el Fauvismo, el Expresionismo y el Futurismo distorsionaron la realidad a través del color para lograr mayor expresividad. El Bauhaus investigó los atributos del color, m
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo en el siglo XIX. En particular, señala que los impresionistas se centraron en la pintura al aire libre y temas cotidianos en contraposición a los temas clásicos promovidos por la Academia. También destaca algunos de los artistas más importantes del movimiento como Monet, Renoir, Sisley y Manet.
El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 en Francia liderado por Pablo Picasso y Georges Braque. Rompió con la pintura tradicional al representar objetos desde múltiples perspectivas en un mismo plano y descomponer formas en geometrías. Se distinguen dos etapas: el Cubismo Analítico que descomponía formas entre 1909-1911, y el Cubismo Sintético a partir de 1911 que incorporó materiales reales en los cuadros. Otros pintores cubistas incluyen a Juan Gris y Fernand Léger.
El documento presenta información sobre el cubismo, un movimiento artístico del siglo XX que se alejó de la reproducción realista de la naturaleza. El cubismo descomponía los objetos en formas geométricas y podía mostrarlos desde múltiples ángulos simultáneamente. Artistas clave como Picasso, Braque, Gris y Léger influyeron en este nuevo estilo pictórico que también exploró formas como el collage.
Tema 12 Pintura impresionista ,Rodin y pintura postimpresionistafrancisco gonzalez
El documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX, incluyendo el impresionismo de Monet, Renoir y Degas, las esculturas de Rodin, y el posimpresionismo de Cézanne, Gauguin y Van Gogh. Describe las técnicas pictóricas del impresionismo como captar la luz y sombras cambiantes y pintar en exteriores, así como las obras clave de los principales artistas. También resume la escultura innovadora de Rodin y sus obras más representativas.
El impresionismo se caracteriza por (1) el uso de pinceladas cortas y cargadas de pasta para captar efectos lumínicos y atmosféricos, (2) el énfasis en el color y la luz sobre el dibujo y el modelado, y (3) el estudio de la luz vibrante en el paisaje a través de versiones de un mismo motivo en diferentes momentos del día.
El impresionismo fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa, especialmente en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracterizó por intentar plasmar la luz y el instante a través de pinceladas sueltas y colores aplicados directamente, sin mezclar en la paleta. Pintores impresionistas como Monet, Renoir, Pissarro y Degas pintaban escenas cotidianas y paisajes al aire libre, enfocándose más en cómo se verían las imágenes desde la distancia que en detal
Impresionismo y postimpresionismo, simbolismo y modernismoFeerbt
La ruptura de la tradición en el arte durante la Revolución Francesa llevó a cambios en varios campos como la arquitectura, pintura y escultura. En pintura, el impresionismo emergió rompiendo con la representación detallada de la realidad y enfatizando la luz y sensación visual. Artistas como Manet y los impresionistas aplicaron nuevos principios como el uso de colores puros y pinceladas sueltas para capturar impresiones fugaces, aunque al público le costó aceptar estos cambios. El imp
Este documento resume las principales tendencias artísticas del siglo 20, incluyendo el fovismo, futurismo, cubismo, expresionismo, informalismo, po art, arte científico, hiperrealismo, neofiguración, deconstrucción, street art y arte digital. Para cada tendencia, proporciona una breve descripción y muestra una obra de arte representativa con el artista y fecha.
Exposición sobre el impresionismo y sus variantes.
(Advertencia: Este powerpoint fue creado para ser usado en una disertación, por lo que algunas diapositivas pueden no contener descripción puesto que quien disertaba debía describirla al momento de la exposición)
Armas para una estética de la destrucción (Sema D'Acosta) Sema D'Acosta
El documento presenta una exposición colectiva en el Museo Vostell de Malpartida (Cáceres) dedicada al artista alemán Wolf Vostell para conmemorar los 50 años desde su primer encuentro con España. La exposición reúne obras de 26 artistas inspiradas en la obra de Vostell, conocido por su estética de la destrucción y por establecer el Museo Vostell en 1974 en Malpartida, un lugar idílico y puro alejado de las influencias urbanas.
Este documento presenta una guía de 9 pistas para un circuito de observación de arte público en Bogotá. Cada pista describe una obra de arte, incluyendo su título, autor, breve reseña biográfica del artista y detalles sobre los aspectos artísticos, expresivos y urbanísticos de la obra. Las obras presentadas son de varios medios como pintura, escultura y muralismo.
La Academia de Arte de Düsseldorf se caracteriza por la fotografía documental realista y en serie de construcciones industriales realizada por Bernd y Hilla Becher y sus alumnos como Andreas Gursky, Candida Höfer y Thomas Struth. Estos fotógrafos capturan aspectos cotidianos de la vida para registrar el estado social y económico del mundo de una manera objetiva, aunque algunos también exploran temas populares y el impacto de la globalización. La escuela continúa influyendo en generaciones de fotógrafos a nivel mundial.
El documento describe el Land Art, un movimiento artístico contemporáneo que utiliza materiales naturales como madera, tierra y rocas para crear obras a gran escala en entornos naturales. Algunas de las obras más representativas se realizaron en desiertos de Estados Unidos en los años 1960. Artistas como Richard Long, Robert Smithson y Walter de Maria crearon esculturas efímeras que exploraban la relación entre el arte, el paisaje y el medio ambiente. El Land Art buscaba producir emociones en el espectador y reflejar temas como
El arte contemporáneo frente a la crisis ecológica Lourdes ValerianoLou Valeriano
El documento discute el arte contemporáneo en respuesta a la crisis ecológica. Se describe el Land Art de los años 60 y 70 que ocurrió en entornos naturales para plantear la naturaleza como parte de la estética y el activismo. También se analizan obras de artistas como Mario Merz, Robert Smithson y Alan Sonfist que usaron materiales orgánicos y procesos naturales para crear piezas que fomentan la conciencia ecológica. Finalmente, el documento explica cómo el arte actual continúa involucrándose con
El documento anuncia dos exposiciones en el Museo de Cáceres sobre los fotógrafos Erich Lessing y Carlos Pazos, así como otras actividades del museo como conferencias, cursos y exhibiciones de arte de una asociación local.
El documento resume la obra y carrera del pintor ecuatoriano Estuardo Maldonado. Comienza explorando influencias como el arte precolombino y el constructivismo europeo, y describe cómo Maldonado fusiona estas tradiciones en su arte abstracto y de vanguardia. Más adelante, detalla la evolución del estilo de Maldonado hacia formas geométricas y el uso de nuevos materiales para examinar conceptos como los hiperespacios. En general, el documento muestra cómo Maldonado creó un estilo innovador y personal que combinó lo ancestral
Un libro que describe como el territorio que no se puede determinar propiamente a un lugar sino a varios y por medio de esos lugares nos cuente como se percibe y mira el territorio.
Este documento resume cinco géneros pictóricos principales - pintura de historia, retrato, pintura de género, paisaje y naturaleza muerta - y presenta un artista y obra representativa de cada género. Incluye detalles biográficos sobre cada artista y una breve descripción e interpretación de la obra presentada. El documento concluye listando varias fuentes bibliográficas sobre arte.
El documento describe los principales estilos artísticos del siglo XIX en Europa, incluyendo el neoclasicismo, el romanticismo, el realismo y el impresionismo. El neoclasicismo se basó en el arte clásico de Grecia y Roma y rechazó las fantasías del barroco. El romanticismo se centró en temas fantásticos e inspirados en la Edad Media. El realismo representó escenas cotidianas y a las clases humildes. El impresionismo se caracterizó por el uso de manchas de color y la influencia de la f
Este documento presenta información sobre varios pintores paisajistas y costumbristas colombianos de la época de la modernidad, describiendo brevemente sus estilos y temas pictóricos preferidos. También analiza el retrato en la pintura colombiana de fines del siglo XIX y principios del XX, señalando que los artistas seguían estilos europeos tradicionales y pintaban principalmente para la sociedad provincial de la época.
Este documento resume las principales corrientes artísticas desde el Rococó hasta el Modernismo, incluyendo el Neoclasicismo, Romanticismo, Realismo, Impresionismo, Postimpresionismo y Vanguardias. Describe las características y artistas representativos de cada movimiento, como Fragonard para el Rococó, David para el Neoclasicismo, Delacroix para el Romanticismo, Courbet para el Realismo, Monet para el Impresionismo, Van Gogh y Cézanne para el Postimpresionismo, y Gaudí para el Modernismo
Este documento presenta la inauguración de una exposición colectiva de arte en el ayuntamiento de Alcublas, Valencia, tras su rehabilitación. La exposición incluye obras de varios artistas locales como Adrián Soler, Agustín Albalat, Andreu, Aurora Gil y otros. El alcalde expresa su agradecimiento a los artistas por compartir su talento y hacer del ayuntamiento un espacio cultural accesible para todos los vecinos de Alcublas.
Este documento presenta una introducción a la teoría del arte. Explica conceptos clave como vanguardias históricas como el fauvismo, expresionismo y cubismo. También analiza temas como la naturaleza de la obra de arte, el estilo artístico, la función del arte y teorías sobre el arte. El documento ofrece una visión general de los movimientos artísticos del siglo XX como punto de partida para comprender mejor la teoría y evolución del arte.
Este documento presenta una serie de artistas venezolanos y sus obras más representativas. Comienza describiendo a pintores impresionistas como Monet, Sorolla y el puntillismo de Seurat y Van Gogh. Luego explora el expresionismo de Munch y Kollwitz y el uso del color puro en obras como las de Matisse. Finaliza presentando artistas cinéticos y ópticos venezolanos como Cruz-Diez, Soto y Boccioni y sus obras escultóricas interactivas.
Óscar Muñoz es un artista colombiano reconocido internacionalmente. Su trabajo explora temas como la
corporeidad, la temporalidad y la memoria a través del uso de diversas técnicas como el dibujo, la
fotografía y el video. Sus obras abordan de manera alegórica el conflicto armado en Colombia y los
fenómenos de la desaparición y la pérdida a través del uso de materiales efímeros como el agua y el
carbón.
Óscar Muñoz es un artista colombiano reconocido internacionalmente por su trabajo conceptual que aborda temas como la desaparición, la memoria y la temporalidad. Sus obras utilizan diversas técnicas como el dibujo, la fotografía y el video, así como materiales efímeros como el agua y el polvo de carbón. Algunas de sus instalaciones más conocidas incluyen Ambulatorio, que representa un mapa de Cali cubierto de vidrio roto, y Proyecto para un Memorial, que muestra retratos desvanecié
El documento presenta un resumen de 10 obras de arte ubicadas en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá. Cada obra incluye el título, autor, una breve reseña biográfica del artista y una descripción de los aspectos artísticos y expresivos de la pieza. Las obras pertenecen a diferentes medios como pintura, escultura y muralismo e incluyen estilos y temáticas variadas.
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX como el Romanticismo y el Realismo. En el Romanticismo se enfatizó la subjetividad y las emociones frente a la razón. Artistas como Delacroix y Géricault crearon obras comprometidas políticamente. El Realismo surgió luego con pintores como Courbet y Millet que retrataban la vida cotidiana de manera objetiva. El documento también describe las características del paisajismo y la escultura durante este período.
3. • Hoy en día nuestra relación con
la tierra no es tan directa como
antes, pocos artistas ven el
territorio como algo natural,
neutral o carebte de problemas.
4. • Cada vez más un creciente
número de fotógrafos se dedican
a explotar la presencia humana y
su impacto sobre el entorno, que
no es siempre de progreso.
5. • Esta experiencia
fenomenológica lleva a
ediciones de libros casi
feichistas y espectaculares.
6. • El territorio debe
experimentarse físicamente y
por ello hay una tendencia a
los formatos grandes.
7. • Los artistas de hoy ofrecen las
reacciones que experimentan
ante lugares y exploran temas
como la identidad
nacional,cultural, migración, los
límites y las fronteras.
8. • Pero lo más importante es que la
fotografía paisajística ofrece un
espacio para explorar la cuestión
de nuestro lugar en el mundo, un
tema filosófico que nunca ha
perdido relevancia.
80. las imágenes de Tyler podrían
interpretarse como metáforas de la
soledad, aunque no debemos
hurtarles su intención estrictamente
visual de acotar un segmento de la
realidad, de una realidad
prefabricada y provisional, y
ofrecerlo en toda su pureza, en toda
su pobreza arquitectónica, pero, por
eso mismo, carente de retórica
alguna.
81.
82.
83.
84. Esta serie, iniciada en 2001, posee
asimismo un contenido crítico, pues
quiere llamar la atención sobre la acción
del hombre sobre el paisaje, el impacto
ecológico del desarrollo y del progreso.
Los pigmentos minerales tiñen estas
imágenes de unos colores sobrios pero
con una fuerte personalidad,
indicándonos sus rectas sin fin un
incierto destino por parte de la especie.
El mismo sentido podemos atribuir a los
cruces de varias direcciones.
209. Bleda y Rosa
María Bleda (Castellón, 1969)
y José María Rosa (Albacete, 1970)
210.
211.
212. Viven y trabajan en Valencia.
Su quehacer exclusivamente
fotográfico aborda un tema
igualmente unitario:
la Historia.
La Historia entendida como
memoria colectiva y también
como olvidos compartidos.
213. Memoria y olvido comparten, en
su caso, un territorio común,
aquel en el que acaecieron
hechos históricos o sucesos
banales en los que se vieron
implicadas personas de distinta
condición, clase social y
presencia.
214. A lo largo de cuatro largas series de
imágenes tituladas
Campos de fútbol, Campos de batalla,
Ciudades y Origen
(actualmente en curso), han ido
construyendo una trayectoria de gran
coherencia y solidez. Los títulos de sus
proyectos reflejan perfectamente las
intenciones de sus autores: reflejar los
espacios que habitamos haciendo
resaltar el complejo entrecruzamiento de
culturas que los conforman
215. Para Bleda y Rosa, el territorio
está ocupado por el peso de
la historia, un pasado que
hacen aflorar en sus obras a
través de la evocación de las
huellas y testimonios que
conforman nuestra memoria
259. • Sus primeras imágenes, siempre de interior, tienen una
atmósfera peculiar donde la figura humana se coloca en
escenarios propios de la docencia o la experimentación
como aulas o laboratorios, con elementos convenientes
como pizarras, batas blancas o probetas, mezclados con
otros totalmente fuera de contexto como bicicletas,
pequeños incendios espontáneos o plantas exóticas.
• Esta conjunción de búsqueda del conocimiento mezclada en
su dimensión práctica también se ve alentada en su parte
teórica con el metalenguaje que supone dibujar sobre las
pizarras fórmulas matemáticas imposibles, reproducir
estampas de paisajes lejanos o cuadros famosos de la
historia del arte dentro de las propias fotografías.
• Además en estas primeras series ya se intuía una
predilección por la naturaleza (representada mediante
plantas) que tuvo su culminación en la exposición del Jardín
Botánico en Madrid con motivo de PhotoEspaña 2006.
260. • Estas imágenes parten del encuentro casual del
fotógrafo con una persona caída en un charco. Este
accidente lo lleva a reflexionar en torno a la idea de
encuentro con la naturaleza y sobre todo
escenificando ese momento por medio de un
elemento tan consustancial al hombre como es el
agua. Piezas donde los personajes aparecen en
posturas inverosímiles.
• No hay nada de manipulación digital, es más,
Gonzalo Puch gusta de construir escenarios para
sus personajes y así reflejar su manera de
interpretar el mundo. Es como un nuevo artesano
de la cotidianidad.
• Imágenes que contienen una búsqueda, una
llamada al interior para tratar de solventar la
incertidumbre de no ser capaz de encontrar el
sentido último de lo que nos está diciendo. De esta
manera el artista consigue subirnos a su mundo.