La colección Otoño/Invierno 2012 de Iris Van Herpen se inspiró en cinco estilos arquitectónicos. Sus diseños presentan formas orgánicas y estructuradas con entrelazados, calados y transparencias. Van Herpen se basa en la innovación técnica y en materiales como cuero, encaje y láminas metálicas para crear esculturas de vestimenta que expresan movimiento y tensión.

1. INTRODUCCIÓN
¿Qué significa diseñar?
Diseñar es una tarea compleja que implica una integración de varios elementos, como observación,
análisis, investigación y crítica, teniendo en cuenta varios aspectos y conceptos técnicos
(materialidad, forma, volumen, y color) , conceptos sociales, culturales y económicos. Además,
de estar constantemente capacitado y observando su entorno, la característica fundamental del
diseñador se basa en tener una capacidad creativa, captando tendencias, aportando nuevas ideas y
estando a la altura de las exigencias de la sociedad, con un compromiso consciente, teniendo en
cuenta los cambios en su paradigma.
En la actualidad, el concepto de diseño está erróneamente utilizado, es muy común confundirlo
con el termino moda. Tanto el diseñador como el consumidor son victimas del sistema de la moda,
cuyo objetivo es producir en masa con un fin exclusivamente económico.
A lo largo de este trabajo se desarrollará el análisis de la colección Otoño/Invierno 2012 de Iris
Van Herpen y la colección Otoño/Invierno 2012 de Thierry Mugler. Se analizarán aspectos
formales de las mismas relacionados con el diseño así como también se realizará una relación de
ciertos aspectos de las colecciones con conceptos teóricos extraídos de la bibliografía.
El análisis fue realizado con una visión avalada por conceptos técnicos específicos de un diseñador
haciendo una crítica de los discursos y trabajos de los diseñadores seleccionados.

2. COLECCIÓN IRIS VAN HERPEN OTOÑO-INVIERNO 2012/2013

4. Diseñadora: IRIS VAN HERPEN
Iris Van Herpen es una diseñadora alemana que representa una reciprocidad entre la artesanía y la
innovación en técnica y los materiales.
Crea una nueva dirección de la costura que combina técnicas de finos trabajos manuales con la tecnología
digital futurista.
Van Herpen fuerza a la moda a la contradicción extrema entre belleza y regeneración. Es su única manera
de reevaluar la realidad y de expresar y subrayar la individualidad.
Su esencia es expresar el carácter y las emociones de una mujer única, y ampliar la forma del cuerpo
femenino en detalle. Mezcla la artesanía -utilizando viejas y olvidadas técnicas- con innovación y materiales
inspirados en el mundo que está por venir.
Discurso del Diseñador
“Para mí la moda es una expresión de arte que está muy cercanamente relacionada conmigo y con mi
cuerpo. La veo como mi expresión de identidad combinado con el deseo, el estado de ánimo y entorno
cultural. En todo mi trabajo trato de dejar en claro que la moda es una expresión artística, mostrando y
usando el arte, no sólo como una herramienta comercial funcional y carente de sentido. Con mi trabajo
intento mostrar que la moda sin duda tiene un valor agregado para el mundo, que es atemporal y su consumo
puede ser menos importante que sus principios. Usar ropa puede crear una forma muy emocionante e
imperativa de auto-expresión. 'La forma sigue la función' no es un lema con el que estoy de acuerdo. Por el
contrario, me parece que son formas de complementar y cambiar el cuerpo, y por lo tanto la emoción. El
movimiento, tan esencial para el cuerpo, es muy importante en mi trabajo. Al llevar la forma, estructura y
materiales juntos de una nueva manera, trato de sugerir y dar cuenta de una tensión óptima y movimiento.”
Descripción de la Revista Elle
“En la Colección Otoño / Invierno 2012 de alta Costura, a la que nombro Capriole (volteretas), Iris Van
Herpen ha trasladado la arquitectura moderna a diseños y volúmenes que se escapan de toda mente humana.
Se inspiró en cinco estilos arquitectónicos. Presentó un contraste oscuro respecto a sus desfiles anteriores con
creaciones abstractas y poco convencionales. En las profundidades de la imaginación, borrando los límites
entre el arte y la moda, la diseñadora muestra una colección que nos lleva a los tiempos de la alquimia,
tratando de convertir en oro materiales ordinarios.”
Crítica del discurso:
La diseñadora, en su discurso, hace una utilización errónea del término moda, no existe una coherencia del
significado de este término con lo que ella explica en su discurso acerca de cómo plasma en sus creaciones, la
expresión de su identidad, su deseo, su estado de ánimo y su entorno cultural. Siendo moda, un término que
nace con el sistema de la moda, donde todo se produce en masa y para todos, donde no hay individualidad
sino que prevalece la sociedad como un todo.
Al hablar sobre sus principios, sus características a la hora de diseñar y su manera de pensar, la diseñadora
crea un mundo que gira en torno a su persona, a pesar de diseñar para mostrar al mundo sus creaciones y tratar
de trasmitir algo a través de las mismas, no logra poner en palabras aquello que quiere comunicar a pesar de
tener sus diseños la característica única de hablar por si mismos. A pesar de tener un discurso confuso y poco
válido, observando sus trabajos es posible comprender aquello que la diseñadora dice que quiere transmitir.
Luego de ver detalladamente esta colección, se llega a la conclusión de que ella realmente expone sus diseños
como obras artísticas, los cuales son estructuras independientes del cuerpo humano y no un elemento pura y
exclusivamente que tiene como función vestirlo.
En su trabajo se observa innovación, tanto en siluetas, técnicas y texturas, sobre la materialidad que emplea
la diseñadora. Además, crea un efecto tridimensional que da un fuerte impacto visual. Sus creaciones son
claras manifestaciones artísticas, mostrando al diseño como arte. Teniendo en cuanta que la diseñadora tiene
un compromiso consiente, es decir que está alerta a lo que sucede a su alrededor, en su entorno, en el mundo,
ofreciendo creaciones únicas que generan inquietudes en la sociedad.

5. Su trabajo de basa en crear múltiples cortes con distintos materiales, como cuero, encaje, láminas
metálicas, poliamidas, hojas transparentes y gasas tornasoladas creando volúmenes en algunos casos
orgánicos, y en otros geométricos, que dan formas a estas estructuras, manteniendo la formalidad y la
elegancia que proporcionan movimiento a las prendas, como es el agua, convirtiéndose en algo sólido.
Las prendas tienen un desarrollo tecnológico e innovación en textiles y materiales, generando sus cortes a
través de cortantes lasers, transformando su colección en esculturas arquitectónicas y obras de arte.
Con respecto a los estilos arquitectónicos a partir de los cuales utilizó elementos para diseñar y crear la
colección Capriole, a pesar de no estar nombrados, se puede encontrar una similitud con el trabajo de algunos
arquitectos reconocidos como por ejemplo Antoni Gaudi, Calatrava, Zaha Hadid asi como también
similitudes con el Constructivismo Ruso y la arquitectura Oriental.
Gaudi es un arquitecto español, con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran
capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a
planos. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie
de trabajos artesanales. La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por
la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, integrado su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y
oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un
estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores,
generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación.
Podemos apreciar ciertos elementos de algunas de las obras de Gaudi en los diseños de Iris Van Herpen,
como por ejemplo, en las obras Casa Batlló , Cripta de Gaudi , El Dragón de Hierro , Palau Güell y La
Sagrada familia. Comparando estas obras de Gaudi con el trabajo de la diseñadora, podemos encontrar el
claro traslado que ella hizo de algunas formas y elementos que aparecen en sus diseños.

6. El Dragón de Hierro, Gaudi
Colección actual
Cripta Gaudi, Gaudi
Colección actual

7. Pieza de la obra sagrada familia, Gaudi
Colección actual
Casa Batlo, Gaudi
Colección actual

8. Palau Guell, Gaudi
Colección actual Colección actual

9. Calatrava es un arquitecto, ingeniero y escultor español. La obra de Calatrava supone una auténtica
revolución en la arquitectura, caracterizada por la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que vienen
circulando separadas desde el siglo XVIII. Santiago Calatrava supone un reencuentro con la tradición
constructiva de la arquitectura, con influencias de Fernando Higueras, Jorn Utzon, Antonio Gaudí, y las
arquitecturas gótica y romana.
Podemos apreciar ciertos elementos de algunas de las obras de Calatrava en los diseños de Iris Van Herpen.
Comparando estas obras de Calatrava con el trabajo de la diseñadora, podemos encontrar el claro traslado que
ella hizo de algunas formas y elementos que aparecen en sus diseños.
Oriente station, Calatrava
Colección actual
Chicago Spire, Calatrava
Colección actual
L'Umbracle, Calatrava

10. El concepto de arquitectura oriental es confuso y típicamente occidental. Sin embargo, resulta bastante
apropiado para englobar la arquitectura de una enorme zona geográfica que comprende la India, Indochina,
Indonesia, China y Japón.
El chino es el único sistema arquitectónico cuyas estructuras son principalmente de madera, lo que es un reflejo
de la ética del país, su criterio estético y el valor que da a la naturaleza. Son construcciones que se basan en
profundas tradiciones culturales y así, la arquitectura china se caracteriza porque en ella destaca la ideología de la
superioridad del poder imperial y el compacto sistema de clases.
Generalmente se utiliza una distribución a base de patios situados de manera simétrica respecto a un eje central
respetando la armonía con la naturaleza para lograr una bellaza neutral, modesta, implícita y profunda.
Según los modelos arquitectónicos, la arquitectura china incluye construcciones de estilo palaciego, templos,
jardines, mausoleos y tumbas y viviendas civiles.
Colección actual
Palacio de shenyang, China
Templo del Cielo, China
Colección actual

11. El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914, se originó
como respuesta al caos que se vivía en esos años de conflicto. Se caracteriza por ser muy abstracto,
recurriendo a figuraciones geométricas para la representación de los objetos de sus obras. El constructivismo
por tratarse de un movimiento en el que predominada lo tridimensional, se destaca mucho en escultura,
arquitectura y diseño industrial, en donde se recurría a la elaboración de los productos con materiales
modernos utilizando líneas puras para reforzar la naciente estética del funcionalismo.
Naum gabo, Constructivismo ruso 1913
Colección actual
Antoine Pevsner, Constructivismo Ruso

12. Zaha Hadid (arquitecta iraquí) es una , una de las principales figuras de la arquitectura contemporánea mundial.
Su estilo arquitectónico tiene ciertos rasgos característicos como el uso de volúmenes livianos, las formas
puntiagudas y angulosas, los juegos de luz y la integración de los edificios con el paisaje.
Torre Dorobanti, Zaha Hadid
Colección actual
Torre Sunrise, Zaha Hadid
Sonnabend Gallery, Nueva York, Zaha Hadid Colección actual

13. World Trade Center Transportation Hub, Zaha Hadid
Colección actual
Une Architecture Mobile, Zaha Hadid
Colección actual

14. Discurso del Diseñador:
“Para mí la moda es una expresión de arte que está muy cercanamente relacionada conmigo y con mi
cuerpo. La veo como mi expresión de identidad combinado con el deseo, el estado de ánimo y entorno
cultural. En todo mi trabajo trato de dejar en claro que la moda es una expresión artística, mostrando y
usando el arte, no sólo como una herramienta comercial funcional y carente de sentido. Con mi trabajo
intento mostrar que la moda sin duda tiene un valor agregado para el mundo, que es atemporal y su consumo
puede ser menos importante que sus principios. Usar ropa puede crear una forma muy emocionante e
imperativa de auto-expresión. 'La forma sigue la función' no es un lema con el que estoy de acuerdo. Por el
contrario, me parece que son formas de complementar y cambiar el cuerpo, y por lo tanto la emoción. El
movimiento, tan esencial para el cuerpo, es muy importante en mi trabajo. Al llevar la forma, estructura y
materiales juntos de una nueva manera, trato de sugerir y dar cuenta de una tensión óptima y movimiento.”
Discurso limpio de adjetivaciones:
“Para mí el diseño es una expresión de arte que está muy relacionada conmigo y con mi cuerpo. Lo veo
como mi expresión de identidad combinado con el deseo, el estado de ánimo y entorno cultural. En todo mi
trabajo trato de dejar en claro que el diseño es una expresión artística, mostrando y usando el arte, no sólo
como una herramienta comercial y carente de sentido. Con mi trabajo intento mostrar que el diseño sin duda
tiene un valor agregado para el mundo, que es atemporal y su consumo puede ser menos importante que sus
principios. Usar ropa puede crear una forma de auto-expresión. 'La forma sigue la función' no es un lema con
el que estoy de acuerdo. Por el contrario, me parece que son formas de complementar y cambiar el cuerpo, y
por lo tanto la emoción. El movimiento, esencial para el cuerpo, es importante en mi trabajo. Al llevar la
forma, estructura y materiales juntos de una nueva manera, trato de sugerir y dar cuenta de una tensión y
movimiento.”

15. Análisis formal:
La línea general de esta colección es irregular con un volumen orgánico estructurado. Los diseños
presentan repetición, ritmo, proporción, equilibrio, radiación y contraste. Aparecen formas orgánicas y
estructuradas, es importante resaltar el entrelazado de formas y líneas así como también los calados, las
transparencias y la superposición.
Podemos encontrar también distintas líneas, en cuanto a siluetas, entre las que predomina la regular
trapecio de manera invertida, ya que mediante diferentes elementos, la diseñadora pone volumen en los
hombros. Está presente la línea adherente y la regular bombé an algunos diseños cuyos materiales generan
diferentes efectos que marcan la silueta de la modelo así como también otros la esconden.
Silueta:
Irregular
Con respecto al volumen, mencionado en el primer párrafo, es en esta colección un elemento
fundamental, a través del cual la diseñadora logra exponer diferentes formas tridimensionales que
envuelven al cuerpo humano encerrándolo en estructuras rígidas que condicionan sus movimientos.
Volumen:
Orgánico Estructurado

16. Presenta una paleta de colores neutros blanco, negro y gris a los que se suman el color bronce, dorado,
arena y marrón. En la mayoría de los diseños se combinan los colores generando un fuerte contraste entre
ellos y marcando los límites de las diferentes partes. Así como también hay algunos donde un solo color
invade toda la estructura dando una sensación de equilibrio y armonía.
Paleta de colores
Por otro lado, es interesante resaltar las texturas generadas por los materiales utilizados y la forma en que
estos fueron trabajados. Son texturas táctiles, con relieve y que además se pueden percibir a través del
sentido de la vista. La utilización de materiales rígidos y estructurados trae como resultado interesantes
tramas que hacen al todo de cada prenda.
Texturas
Es interesante conocer la forma en que trabajó la diseñadora para crear estos diseños, quien primero
digitalizó sus diseños en el photoshop y luego con la ayuda de una arquitecto desarrolló modelos en 3D que
fueron impresos sobre un polímero durante una semana, de lo que resulta un vestido listo para usar, el cual
es una réplica exacta de la versión originalmente bocetada. A través de esta técnica, la diseñadora logró un
efecto muy interesante que hace único cada diseño.

17. Aparecen como constantes de esta colección, la intención de colocar mayor volumen en los hombros así
como también la repetición de algunos materiales que conectan algunos diseños. Sin embargo, predominan
las variables, ya que resulta difícil establecer una coherencia general entre todos los conjuntos que forman
parte de la colección. Si bien, la diseñadora tuvo la intensión de repetir los materiales para conectar algunos
conjuntos, hay otros cuyo material y estructura no permiten encontrar una conexión. Da la sensación de que
la diseñadora quiso mostrar 5 estilos de estructura diferentes entre si y cómo intereactúan las mismas al
formar parte de una misma colección.
Armonia

18. LAS DICOTOMÍAS DIALÉCTICAS
Según Marta Zátoryi “... No hay una sin la otra, uno existe porque es su propio otro...” Al analizar la
colección de Iris Van herpen, se llega a la conclusión que predominan varias dicotomías dialécticas, pero
están solapadas, ya que están presentes las otras en menor medidas.
SOCIEDAD vs INDIVIDUO
Según Marta Zátonyi “... El individuo puede existir, en cuanto a su sociedad y la sociedad, en cuanto al
individuo. El poder de la sociedad (Estado) asegura los derechos para el hombre, para el individuo, pero
el individuo al mismo tiempo, debe cumplir los deberes marcados por su sociedad...”
En ésta colección, predomina el individuo, ya que cada conjunto se rebela, va contra la ley, de esta manera
no cumple con los requisitos, en un contexto humano en la sociedad. Cada prenda es individual, no tienen
relación a simple vista, con los demás conjuntos. Es complejo, encontrar que la colección cumpla con una
coherencia, los conjuntos son individuales. En cambio, la sociedad se encuentra en un porcentaje mejor.
SUJETO vs OBJETO
Según Marta Zátonyi “...El individuo es tal, en base a sus condiciones únicas. Lo que es único en uno, es su
condición interior, su historia, su duración, es lo subjetivo y quién lo tiene, es el sujeto; lo que está fuera de
él, lo que responde a un código aceptado y comprobado por la sociedad en corte diacrónico (tiempo) y en
corte sincrónico (relaciones establecidas en un momento), es el objeto...”
En ésta colección, predomina el objeto, ya que los materiales le imponen al cuerpo una estructura rígida,
que limita los movimiento, es decir, el sujeto se encuentra limitado dentro del objeto, siendo éste último
una estructura sólida y rígida que lo protege, una estructura que le da cierta seguridad. Además de las
prendas, el calzado también limita el andar del sujeto. El objeto domina como fuerza determinante sobre el
sujeto.
IDEA vs CONCRETO
Según Marta Zátonyi “ ...Generar idea, es generar abstracción. En base a experiencias concretas elabora
aquello en lo que coinciden determinados fenómenos (acciones, objetos, situaciones, personas, etc.), y
desde allá elaborar la esencia, lo concreto...”
En ésta colección, predomina la idea, ya que propone responder a lo general, universal, abstracto e ideal,
olvida al hombre concreto, sus necesidad y posibilidades. Cada conjunto encierra al hombre en una
estructura abstracta, complicando su movilidad e imposibilitándolo a la hora de satisfacer sus necesidades.
A su vez toma elementos concretos que en conjuntos forman una estructura abstracta.
RACIONAL vs IRRACIONAL
Según Marta Zátonyi “...Al racionalismo pertenecen aquellas vertientes filosóficas que consideran la total
cognoscibilidad, por una u otra vía. Mientras en el irracionalismo se agrupan aquellas corrientes que
desde el vamos, rechazan la total cognoscibilidad...”
En ésta colección, las prendas son estructuras irracionales, ya que no es posible incorporarlas a nuestros
esquemas cognoscitivos, no se logra comprenderlas, ni nombrarlas con facilidad, se encuentran fuera del
código establecido. Se observa una intensión de transgredir lo existente en la cultura, saliendo de las formas
convencionales.
Por otro lado, estas estructuras irracionales parten de objetos racional, que se reconocen particularmente,
pero nos genera incertidumbre la estructura en su conjunto. También, algunas estructuras irracionales nos
remiten a objetos racionales.

19. KALAKAGATHIA vs ANTIKALAGATHIA
Según Maarta Zártony “... Lo bueno es bello(...), es bueno porque es interés del Estado, de la máxima expresión
de los dueños del poder. Sólo desde lo bueno, desde lo deseado y necesitado por el poder se puede generar lo
bello...”
En ésta colección, predomina la antikalakagathia, debido a que la formas rompen con el canon de belleza
establecido por el Estado, en las formas de las prendas no se reconocen tipologías, tanto la
materialidad como éstas formas no tiene utilidad alguna, al contrario generan una incomodidad permanente.
Incorpora lineas y volumen que generan una proporción fuera del cuerpo. Y la Kalakagathia, se observa en las
texturas en forma individual, en algunos conjuntos.
Antikalakagathia Kalakagathia
CONCINNITAS vs ANTICONCINNITAS
Según Marta Zártony “...Alberti, arquitecto, tratadista, esteta(renacentista florentino), determina la belleza de la
siguiente manera: lo bello es aquello de lo que no se puede sacar nada, a lo que no se puede agregar nada, en lo
cual no se puede cambiar nada sin descomponer el conjunto...”
En ésta colección predomina, lo concinnitas, ya que al ser una estructura cerrada y simétrica, no se le puede quitar
ninguna parte. Sino, quitandole algún elemento o parte a cada prenda, se descomponería el conjunto, generando un
desequilibrio y cierta incertidumbre.
Por otro lado, salvo excepcionen de prendas, que contienen en su superficies muchas partes pequeñas, que forman
parte de la textura, si se les quita una de ellas, no se descomponeria el conjunto, ya que no influiria en su forma, y
de esta manera, peor en menor medida, estaria presente lo anticoncinnita.
Anticoncinnitas Concinnitas

20. LÚDICO vs DEBER
Según Marta Zártony “... El “instinto de lo material” y el “instinto de los formal” puede unirse
con armonía, sólo en el “instinto lúdico”. Lo lúdico no es una actividad inferior del hombre, sino al contrario,
es la manera superior de realizarse, dice Schiller, y señala que el hombre es libre sólo cuando juega. (...) El
poder le ofrece al hombre, más bien, le impone, la heroicidad de cumplir. La tragicidad del deber. El goce, el
eros, lo lúdico, serán desterrados y su lugar ocupado por los solemne...”
En ésta colección predomina lo lúdico, ya que la diseñadora busca un lugar para poder expresarse, haciendo
intervención en las prendas, con formas llamativas e innovadoras, jugando e interactúa con distintas texturas.
En cambio el deber, se observa con un porcentaje muy escaso, ya que las prendas no responden a una tipología
especifica, pero en algunos casos, se puede hacer una excepción y decir que se lee una tipología convencional,
que responde a lo impuesto por el poder.
LAS DOS VERTIENTES
Según Marta Zártony “...Podemos establecer entonces dos vertientes dialécticas contrapuestas pero existentes
una en la otra.
Una de ellas, llamémosla Vertiente 1, tiene las siguientes características: apela a lo social, objetivo, universal,
ideal, racional, abstracto, es kalakagáthico y concinnitas. La vertiente 2 hace lo propio con lo individual,
subjetivo, concreto, particular, irracional, es antikalakagáthico y anticoncinnitas...”
Luego de analizar cada una de las dicotomías, se llegó a la conclusión que la Vertiente que predomina en la
mayor parte de la colección de Iris Van Herpen, es la vertiente dos, ya que hay una ruptura de lo bello,
transmitiendo distintas sensaciones, entre ellas una sensación de profundidad, por las formas de algunos
diseños, haciendo referencia a objetos que a su vez causan una sensación de impotencia.

21. PARADIGMA
Según Marta Zátonyi “...El paradigma, en sí y por sí, no es un fenómeno concreto sino una abstracción. Nos
acercamos a su aprehensión por medio del entendimiento de sus tres componentes fundamentales: la
edificación cognitiva, el sistema axiológico y el universo simbólico...”
En la actualidad, más específicamente, durante los últimos 10 años, el artista cuenta con medios y herramientas
innumerables que le facilitan la expresión a través de sus creaciones, las cuales además, adquirieron un
significado más profundo, el cual es descubierto por el espectador a través de la observación y el análisis de la
obra.
En el campo de la ciencia y la tecnología, la aparición de novedad está más limitada por la inercia de los
paradigmas existentes. En el campo del arte, por el contrario, existe más libertad de movimientos, más
tolerancia hacia las propuestas inesperadas, inusuales, insólitas o extravagantes. Los dogmas pueden derribarse
más fácilmente por medio de la expresión artística.
Consideremos cómo evoluciona el número de personas que se expresan por medio de manifestaciones artísticas.
Hasta hace poco, se trataba de un grupo muy reducido. Sin embargo, ya ha empezado a crecer
exponencialmente y, durante el siglo XXI, se va a expandir mucho más. No será tanto porque todo el mundo se
dedique al arte, sino porque cada vez habrá más gente que compatibilizará su ocupación o su profesión con la
expresión artística.
En esto la tecnología puede ayudar mucho. Antes, la expresión artística, aparte de talento, requería una gran
inversión en tiempo y dedicación para adquirir una técnica. Sin embargo, con el avance tecnológico actual, se
logran excelentes resultados reduciendo la cantidad de tiempo con respecto a los procesos de producción, lo
cual se ve reflejado en la colección de Iris Van Herpen, que al trabajar utiliza técnicas innovadoras que le
permiten obtener sus diseños terminados en menos tiempo al tener la posibilidad de plasmar previamente sus
bocetos en forma digital y luego solo imprimiéndolos en un polímero con ayuda de un arquitecto, obtiene el
producto terminado en cuestión de horas. Así como también es importante destacar la técnica de corte con
láseres que le permite realizar detalles y terminaciones en los diseños.
Un diseñador puede explorar y experimentar sus ideas en forma virtual antes de empezar a trabajar con los
materiales definitivos. La tecnología facilita asimismo la difusión de la obra.