Este documento resume la historia de la música desde la prehistoria hasta la antigüedad. Explica que la música ha estado presente en todas las culturas y que los primeros instrumentos eran objetos que producían sonidos. Describe las características y los instrumentos musicales más comunes en las antiguas civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, Grecia, Roma y China.

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La música es el más universal de los lenguajes. Es universal en el tiempo, porque desde
la más remota antigüedad ha ocupado un lugar preferente en todas las culturas. Y es
universal en el espacio, porque todos los pueblos la han utilizado por eso la música como
arte y como ciencia es un privilegio para los hombres, por que no tiene fronteras, raza, ni
credo religioso o político. Es como el sol que sin diferenciación alguna, llega a todos los
humanos con toda su belleza, sus cualidades y bondades.
Sin embargo el estudiar la música como ciencia, o como arte, ya tiene divisiones que son
de carácter regional, cultural, estructural, por la forma en la que se produce, y el tiempo
y espacio en que se genera.
Cada cultura posee su propia música. Las tradiciones clásicas, folklóricas y populares de
una región suelen estar muy relacionadas entre sí y son fácilmente reconocibles como
parte de un mismo sistema.
Historia de la música
La Historia de la música es el estudio de los diferentes acontecimientos y transformaciones,
y su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la
Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha ve-
nido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión historia de la música
para referirse a la historia de lo que actualmente se denomina música docta o académi-
ca. (Incorrectamente llamada música clásica).
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según
algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más
de 50.000 años. Es por lo tanto una manifestación cultural universal.
Historia de la música

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Música en la Prehistoria
Generalidades:
La escritura es el limite entre la pre –historia y la historia. Todo lo que se refiere a la pre-
historia está basado en hipótesis, que dan como evidencia los restos, pinturas o fósiles
encontrados en cuevas o excavaciones hechas en algunas ruinas, en cambio la historia
es más precisa por que todos los hechos y sobre todo los detalles no dejan lugar a dudas
sobre aquello que aconteció y se quiere dar a conocer.
En lo que respecta a la música podemos señalar que:
Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las cul-
turas prehistóricas.
Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música, mientras
que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades vin-
culadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad
supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona con los rituales de apa-
reamiento y con el trabajo colectivo.
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y
muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble
clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida
mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.
El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También
aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para
producir sonidos.
Hay constancia de que hace unos 50 siglos en Sumeria ya contaban con instrumentos
de percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamenta-
ciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas
donde, alrededor del fuego, se danzaba hasta el agotamiento. La música está basada
principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales. Las manifestaciones
musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del
sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para
comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que
podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:
a) Autófonos o Idiofonos: Aquellos que producen sonidos por medio del material
con el que están construidos.
b) Membranófonos: Serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el
hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez de coco,
un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.
c) Cordófonos: Que tienen en su construcción cuerdas, y una caja de resonancia,
como la lira, el arpa, o el laúd.

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d) Aerófonos: El sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno
de los primeros instrumentos: la "flauta" en un principio construida con un hueso con
agujeros.
La música en el Mundo Antiguo (5000 a. c.– 476)
En todas las culturas conocidas, la arqueología permite rastrear huellas musicales en
restos, grabados y relieves en los que se pueden ver instrumentos, danzas y otras mani-
festaciones de la música.
En estos tiempos obedecía a tres características generales:
a) Ritual: Alabanza a los Dioses o seres supremos, conocidos; también la música
era parte importante de los ejércitos de ese tiempo, ya que con trompetas o tam-
bores transmitían órdenes a los batallones, o infundían el coraje para el combate.
b) Ceremoniosa: los acontecimientos más importantes de cada sociedad o comu-
nidad eran acompañados de música, como la siembra, la cosecha, las bodas de
los nobles o líderes, el recordar acontecimientos importantes, como una batalla o
guerra ganada, una cacería exitosa, etc.
c) Espiritual: Todo aquello que en ese entonces no tenia explicación, era conside-
rado divino, el sol, la luna, la lluvia, el trueno, el viento etc.
Antiguo Egipto y Mesopotamia
La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sa-
cerdotes, en el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó
con instrumentario rico y variado, algunos de los más representativos son el arpa como
instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En Mesopotamia
los músicos eran considerados personas de gran prestigio, acompañaban al monarca
no sólo en los actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en
las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia.
Antigua Grecia

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Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este bajorrelieve procede de la cultura indo-
griega. Era habitual encontrar a un músico tocando una siringa o similar. Anciet Orient
Museum de Tokio.
En la Antigua Grecia, la música se vio influenciada por todas las civilizaciones que la rodea-
ban, dada su importante posición estratégica. Culturas como la mesopotámica, etrusca,
egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas
como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al valor edu-
cativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el poema épico. Aparecen
los bardos que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y
guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se
relacionó la música estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor
cultural de la música. Pitágoras la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la
utiliza para llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a Dionisos, acompaña-
dos de danzas y el aulos, un instrumento parecido a la flauta. Surgen asimismo dramas,
tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y la
poesía.
Euterpe con una flauta. Sarcófago de las musas. Museo del Louvre, en París.
Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, el aulos, la siringa
(una flauta de pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en
manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas.
Antigua Roma
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y aunque ambas cul-
turas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la manera
romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la música en las
grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes
humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una manera bohemia
rodeados siempre de fiestas.

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En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los autores
más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia siendo
su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas obras tea-
trales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Éstos eran unos
actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae, una especie de aulos. Los ro-
manos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos nuevos
artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco.
Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece considerable-
mente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y las que pro-
venían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer antiguos estilos como
la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Eran habituales los cer-
támenes y competiciones en esta disciplina. Pese a todo esto, no está claro que Roma
valorara institucional y culturalmente a la música.
La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china
Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional
china.

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Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima consideración.
Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música China está em-
papada de la tradición, legendaria y misteriosa de una de las culturas más antiguas del
mundo.
En el teatro chino tradicional, la música juega un papel fundamental anexo a las represen-
taciones. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido concordantes
con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cada momento,
con su contexto correspondiente.
Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica, sin
necesidad de humanos ni seres mitológicos enviados al Olimpo chino. Como cosa natural
debieron haber relacionado las distintas longitudes de los tubos con los distintos sonidos
que en estos se obtienen.
La altura de los sonidos tenía para ellos un valor simbólico. Armonizar el cielo con la tie-
rra.
Representación de una cadencia típica en la música china.
Sistema tonal chino tradicional.
Para que la afinación de los lu no se alterara, los construyeron en piedra o metal, mate-
riales mas durables que las cañas de bambú. Los lu construidos con lajas constituyeron
los litófonos o carrilloner de piedra. En un comienzo eran doce lajas, luego se añadían
seis más. Los litófonos no eran instrumentos melódicos propiamente dicho, sino puntos de
r'i-tse (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los primeros antepasados en wu-
i(instrumentos) y chia-chung (canto). Todo esto debía relacionarse, asimismo, con danzas
específicas.
Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. La hilera inferior
correspondía a los lu impares (principio YAN, masculino) y la superior a los lu pares (principio
YIN, femenino). Según Van Aalst, el primer lu es la perfección en sí mismo pues de él depen-
de todo el sistema, es la fuente de origen del mismo, es el sistema en potencia. Por eso a la
hilera impar le correspondía el principio YAN.
Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino, el masculino, es esposo y el fe-

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menino esposa. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino, el tubo femeni-
no es la madre y el masculino el hijo.
Existen evidencias de una escritura musical China, que data aproximadamente de unos
500 años antes de Cristo, y era de una manera simbólica y sencilla donde están escritas tres
campanas de diferentes tamaños, con tres diferentes alturas de sonido la mas aguda YIN
la del medio YAN y YON para la campana de sonido grave
La música en Israel.
Por la Biblia conocemos la existencia en Israel de trompetas que sonaron en torno a Jericó
o el arpa que tañía David, o los grandes salmos que cantaban en coros que llegaban a las
5000 voces, acompañados de cítaras y otros instrumentos.

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Edad Media (478–1492)
Tras el final del imperio Romano en el siglo V, la Iglesia Católica se convirtió en garantía de
estabilidad y de orden social, extendió su autoridad a todos los ámbitos culturales.
La más grande, y única motivación para las composiciones artísticas es DIOS.
EL NOMBRE DE LAS NOTAS:
La primera forma de escritura musical se dio entre los siglos VIII y XIX , y hoy se conoce como
escritura neumática,. Los neumas palabra que significa aire en latín, no eran notas sino
signos elementales que se colocaban sobre cada silaba, del texto y que servían de guía
para recordar la melodía que debía ser cantadas, perteneciente a un repertorio conocido
de antemano.
En el siglo X comenzaron a usarse líneas para señalar con cierta exactitud la altura de los
sonidos musicales. Al principio una línea roja trazada en el pergamino señalaba el sonido
FA y servia como referencia para los demás sonidos. Luego se añadió una segunda línea
para el sonido DO.
En el siglo XI, el monje Guido d´ Arezzo introdujo dos novedades importantes para la escritu-
ra musical, estableció el tetragrama (4 líneas) como base del sistema de escritura y dando
nombre a las notas al poner música al Himno a san Juan Bautista, cuyo texto en latín dice
lo siguiente:
UTqueart laxis MIra gestorum SOLve polluti
REsonaris fibras FAmuli tuorum LAbi reatum
Sancte loannes ( este ultimo verso se añadio mas tarde)
Con el tiempo la primera silaba se cambio por DO, excepto en Francia, y se añadió el SI
de sancte loannes.
Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música
del periodo Románico.
La evolución de las formas musicales apegadas a la religión de manera estricta y sin restric-
ción se instauro a fines del siglo VI en el llamado canto gregoriano.
La música en la Iglesia católica primitiva.
Constantino instauró en Roma la sede del catolicismo hacia el año 325 d. C. Este nuevo
espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos.
Estos cristianos primigenios, buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos
musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época.
Para unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdujo melodías orientales.
Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo Testamento dentro del Libro de
los Salmos, ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición
helénica. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodía can-
tada sólo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, las que
dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio.

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El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros, uno de los cuales canta una
estrofa y el otro le responde. En la liturgia católica se le conoce como antífona, y se puede
cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación.
El canto gregoriano
El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia Católica. Es utilizado como expresión
y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. Las principales
características generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras
de autor desconocido, monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales, son
obras redactadas en latín culto, el ritmo es libre, el ámbito de su interpretación es reducido
a pocas personas, utiliza grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos, tiene
forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros. (Con poca o ninguna
armonía)
Origen del canto gregoriano
El canto Gregoriano o canto llano, es música vocal religiosa sin acompañamiento instru-
mental (a capella). Varios cantores entonan al unísono una única melodía o monodia con
texto en latín, con ritmo, no sujeto a acentos regulares, y que se desarrolla en un ambiente
sereno y altamente espiritual, apropiado a su objetivo de transmisión de la palabra sagra-
da.
El papa Gregorio (540 – 604) fue el hombre que dio nombre a esta forma de canto. En su
primer intento de atajar cualquier brote de herejía dentro de la iglesia. Unifico las diferen-
tes escuelas liturgicas y los cantos con los que los cristianos celebraban sus actos religiosos,
desde hacia siglos. (liturgias galicanas, ambrosiana, bizantina y mozarave).
Estas medidas, que la tradición atribuye a San Gregorio, contribuyeron a dignificar la mú-
sica pues aunque se impartía teoría musical en las enseñanzas del trivium – dedicado a
las letras- y el cuatrivium dedicado a la enseñanza de las ciencias, no hay que olvidar los
ejercicios de oficios manuales, ya que así se consideraba la música algo propio de gente
inferior.

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La enseñanza en la edad media:
Características del canto Gregoriano
- Intencionalidad religiosa, la música al servicio de la palabra de DIOS.
- Melodías de dos o tres sonidos.
- Ritmo libre y regular, todas las notas duran igual.
- Textos en latín.
Estilos y formas del canto Gregoriano
1 – Silábico - una nota para cada silaba
2 – Salmódico – Sobre una nota varias silabas

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3 – Adornado – Un pequeño grupo de notas para una silaba
4 – Melismático - Un gran numero de notas para una silaba
Otros tipos de liturgia
• Ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV, que crea el himno e influye en
el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial.
• Mozárabe: canto mantenido en las regiones de Al-Andalus, los centros serán Córdo-
ba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, es sustituido por el canto gregoriano, menos
en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto,
como fue la ciudad de Toledo.
• Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana.
Música no Gregoriana durante el románico
La música religiosa:
Durante toda la Edad Media la música religiosa representa el arte sabio y refinado.
Aparte del canto Gregoriano, se destacan en la música religiosa, las laudas y las cantigas.
- Las laudas - son cantos populares devotos escritos para cantar en lengua romance,
se atribuye su creación a San Francisco de Asís, quien en su juventud fue un trovador,
una vez consagrado, utilizo el canto de los trovadores para expresar su amor a la na-
turaleza, y así elevar su espíritu en la oración.
- Las cantigas - son cantos de alabanza dirigidos a la virgen Maria, España contribuye
en este genero de la edad media con muchos aportes de Alfonso X.
Música profana.
Se denomina música profana a la que no tiene nada que ver con la religión.
La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. XI y
XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli, juglares, trovadores y
troveros, junto a los minnesinger alemanes.

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El laúd es el instrumento más popular en la edad media
Goliardos – Actores de sátiras donde el canto es esporádico.
Menestrelli – Relatores de odiseas, y cuentos de manera cantada, usan dos sonidos.
Trovador y Trovero – Poetas líricos y compositores, Sus poemas emplean nuevas formas,
melodías y ritmos, originales o copiados, de la música popular. El primer trovador del que se
tiene noticia fue Guillermo IX de Aquitania. La mayoría de los 400 trovadores que vivieron
en esta época fueron nobles o reyes para quienes componer e interpretar canciones era
una manifestación más del ideal caballeresco.
Juglares – Artistas profesionales, cantantes, relatores de historias, y acróbatas, cantan
composiciones de los trovadores y troveros, iban de ciudad en ciudad llevando noticias e
historias de los lugares que visitaba.
Minnesinger o Meistersanger – Son trovadores alemanes, cuya temática principal en sus
composiciones es el amor, son de origen noble y de una formación elevada.
En el siglo XIII de la escuela de Notre Dame de París, la polifonía alcanzó un alto grado de
sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars
Nova.

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SABIAS QUE: Los trovadores, los juglares, y posteriormente los minnesanger, eran personas
que llevaban noticias de población a población?, al relatar historias de héroes también
relataban de manera cantada las ultimas acontecimientos en los pueblos que habían visi-
tado, la gente se reunía para escuchar las “ultimas noticias”, como quien se había casado
con quien o que nueva guerra se había desatado, etc.
LA MÚSICA EN EL GÓTICO: LA POLIFONIA
Nace un nuevo estilo arquitectónico, el arte Gótico, y un nuevo estilo musical La Polifonía.
Se conoce como polifonía a el conjunto de sonidos simultáneos, en el que cada uno tiene
una idea musical, formando al final un todo armónico.
Son varios sonido al mismo tiempo enriqueciendo una melodía.
En los siglos XII y XIII la música quiso salir de la línea recta del canto llano, que en cierta for-
ma limitaba las posibilidades armónicas, para ello y en base de la monodia gregoriana,
superpuso otra línea melódica y a esta otra.
Estas son las principales formas del gótico:
Ars Antiqua siglos XI y XIV:
- Organum – diafonía o contrapunto musical.
- Discantus – Voces paralelas en movimiento contrario, si una sube la otra baja o
viceversa.
- Conductus – Ya no es extraída del canto Gregoriano, el compositor crea su línea
melódica principal y sobre eso la armoniza.
- Gymel y Fabordón – De origen Inglés, intervienen las 6tas y 3ras.
Ars Nova siglos XIV y XV:
Nace una corriente que defiende la belleza de la música cuya justificación era la hermo-
sura de los sonidos más el goce sensitivo de los mismos.

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Las normas del Ars Nova son:
- Mayor fluidez y expresión de la melodía.
- Nuevos conceptos rítmicos, y un acercamiento a los compases actuales.
- Mayor coherencia en la sintáxis musical, frases con mejor secuencia.
- Nuevos conceptos armónicos.
- Aparición de música profana con mayor libertad
- Mayor libertad para el uso de la voz.
APARECEN LAS PRIMERAS PARTITURAS CON EL SISTEMA POLIFÓNICO CONOCIDO
EL ÓRGANO LEGADO MUSICAL DE LA EDAD MEDIA
El órgano es un instrumento musical en el que los sonidos se producen por el aire que pasa
por tubos de distintas longitudes y regulados por medio de teclas.
El origen del órgano se remonta al siglo III a. de C. cuando Cresivius de Alejandría invento
un órgano hidráulico. Llegaron a existir órganos de tamaño reducido que podían transpor-
tarse y que se tocaban colgados del cuello mediante correas, o colocándolos sobre una
mesa.
A partir del siglo XI, el órgano empezó a usarse en las iglesias. En Europa la evolución del
órgano fue continua comenzando su auge en el siglo XIV. Dos siglos después ya se habían
delimitado las características del órgano clásico con dos teclados y con pedales. Fue en
los siglos XVI y XVII cuando se crearon los grandes y hermosos órganos que se instalaron en
las catedrales e iglesias.

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Renacimiento (1501–1600)
El Renacimiento es un movimiento cultural que tuvo su origen en Italia y se extendió por
toda Europa durante los siglos XVI y XVII. Los hombres del Renacimiento quisieron rescatar
los valores de la antigüedad Griega y Latina. Hacerla renacer.
Características del Renacimiento:
- Reencuentro deliberado del hombre, con la antigüedad (cultura Griega del V al VI
a. de C.).
- Desprecio por las formas medievales.
- Consideración del hombre como centro de la reflexión y de la inspiración.
- Visión del hombre y la naturaleza.
- Fusión de la música religiosa y la profana
- Mayor equilibrio entre las voces.
- Uso sutil y atenuado de acordes disonantes.
- Sustitución de voces por instrumentos. Música instrumental para danza.
- Mayor dignificación del músico profesional.
Novedades musicales renacentistas:
- La invención de la imprenta, que tuvo un impacto decisivo en la difusión de la mú-
sica.
- El descubrimiento de América por Colón en 1492, que provoco, la mezcla de cultu-
ras musicales de Europa, África y las indígenas.
- La reforma Luterana en 1517, que marca el inicio de una tradición musical diferente
a la romana.
La música que se compuso en el renacimiento, era casi exclusivamente vocal.
La mayor novedad consistió en la aparición de la polifonía coral. En la música de la edad
media cada parte de la polifonía era ejecutada por un solista. En el coro renacentista por
el contrario son varios los cantores que entonan cada parte.

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En el renacimiento en la música de carácter religioso se destacan dos formas musicales
vocales. El Motete y la Misa.
- Motete – composición de dos, tres o más voces, de argumento generalmente sa-
grado, se cantaba en las celebraciones religiosas de adviento, cuaresma y semana
santa.
- Misa – se estructura sobre los textos litúrgicos de esta celebración, son sus partes:
Kyrie, gloria, credo, santus, y agnus.
Entre la música vocal de carácter profano:
- Canzona – Canción trovadoresca sobre un poema.
- Ricercare – canción de estilo imitativo y repetitivo.
- Chanson – canción francesa con texto sentimental onomatopéyico ingenuo y a
veces picante.
- Villancico – son canciones cantadas a los villanos.
La música instrumental:
Hasta el siglo XVI, los instrumentos musicales tan solo se utilizaban, para duplicaciones de
las partes cantadas o para interpretar las transcripciones de la polifonía vocal.
Los instrumentos de viento fueron perdiendo importancia siendo sustituidos por los instru-
mentos de cuerda y por los de sonido punteado. Destacan lo instrumentos capaces de
dar acordes, como el órgano ahora mejorado con dos teclados y pedales, el clavicém-
balo, el laúd, y la vihuela.
Formas musicales instrumentales:
- Variaciones – Tiene un tema, y el segundo tiene variaciones sobre el mismo tema.
- Tocata – Obra breve para teclado.
- Fantasía – Composición superditada a la improvisación del interprete. Dio origen a
la fuga.
- Danza – Obra para ser bailada.
Escuela flamenca
Es en la región flamenca (Países bajos) donde, por su desarrollo económico, la polifonía
recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Los mú-
sicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa, y una
inspiración cuasi-divina. En poco tiempo, esto se vio reflejado en una mayor influencia por
parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa.
Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Esto se vio, además, po-
tenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran
cantidad de schola cantorum (escuela de canto).
Ya para finales de siglo XV, apareció en la escena musical un gran personaje, de quien
se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Joaquín Des Pres.
Aunque de nacionalidad francesa, vivió desde muy joven en Italia. Con su estilo cautivó a
más de uno, mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono.
Se dice que Des Pres escribía tan sólo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el
comienzo de una gran libertad para los compositores.
Música renacentista francesa
La Chanson, música de tipo vocal que dara origen al Madrigal. En él destacan Pierre

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Attaignant, Janequin y Calude Jeune. Las peculiaridades de estos compositores son el
enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extravertido,
se distinguió por tener realismo expresivo, describe la naturaleza y resalta la expresión del
texto; uno de sus exponentes es Clement Janequin. Escribió una de las canciones popu-
lares llamada L'Ahutte. Esta melodía describe escenas de cacería, cuadros de batalla,
parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. Lo describe como si quisiera
pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común.
Música renacentista italiana
La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores fla-
mencos como: Adrian Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holan-
dés. En menos de un siglo, Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida mu-
sical europea. Existían dos tipos de formas musicales: las frottole (frottola en singular), eran
canciones estróficas, silábicamente musicalizadas a cuatro voces, con esquemas rítmicos
marcados, armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior.
Tiene varios subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Se solía ejecutar
cantando la voz superior y tocar las otras tres voces a modo de acompañamiento. Sus tex-
tos eran amatorios y satíricos. Sus principales compositores fueron italianos. La contraparti-
da religiosa de la frottola fue la lauda. Se cantaban en reuniones religiosas semipúblicas a
capella, o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. Eran en su mayor parte
silábicas y homófonas, con la melodía en la voz superior.
Música renacentista inglesa
En la música del renacimiento inglés, se destaca el compositor William Byrd, quien desem-
peñó un papel crucial en la música de clave; otro compositor de alta relevancia es John
Dowland, compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd.
Música renacentista alemana
Durante el siglo XVII, Alemania vivía la guerra de los 30 años, el Sacro Imperio Germánico a
cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I, enfrentaba una guerra contra
el protestantismo en Alemania, por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión
por parte del clero antes y durante la guerra; entre otros, no era permitido componer en

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alemán, sin embargo se dio la paz de Westfalia, por la intervención del cardenal Richelieu
en la guerra, y las artes florecieron en Alemania, entre los primeros compositores en desta-
carse están Esaías Reusner, Johann Pachelbel y H. Schütz, aunque éstos no escribieron la
música religiosa en alemán, uno de los primeros en componer en alemán fueron los orga-
nistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.
Música renacentista española
En la música renacentista española destacan las obras del compositor Tomás Luis de Vic-
toria.
La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe,
incluso el mismo Alfonso X el sabio compuso las cántigas bajo la influencia árabe, ya que
era un gran admirador de su cultura; entre las obras más importantes del renacimiento se
destacan: El Cancionero de Palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando
II de Aragón, el cancionero Al-Andaluz, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra,
los compositores Luys de Narvaez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

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Barroco (1600–1750)
El termino Barroco proviene del portugués barouco, que significo en su tiempo “perla irre-
gular y deforme”. Se empleo para describir de manera despectiva las formas artísticas
demasiado recargadas.
La música acompaño en todo momento los profundos cambios experimentados en la so-
ciedad, la cultura y el arte, y el Barroco se convirtió en la época del virtuosismo musical,
con grandes intérpretes y un enorme desarrollo de la orquesta y de las técnicas para cons-
truir instrumentos.
La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y
primera mitad del siguiente. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplen-
dor en Alemania durante el barroco tardío. Es uno de los periodos más ricos, fértiles, creati-
vos y revolucionarios de la historia de la música.
En este período se desarrollaron nuevas formas y se óperaron grandes avances técnicos
tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad,
bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite,
fuga y la sinfonía.
Características del Barroco musical:
- Predominio del estilo vertical u homofónico.
- Nacimiento del bajo continuo o bajo cifrado.
- Supremacía de un estilo armónico de sentido vertical.
- Delimitación e independencia entre música vocal y música instrumental.
- Nacimiento y esplendor de la música dramática, ÓPERA CANTATA etc.
- Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.
- Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado.
- Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia.
- Supremacía de la música profana, sobre la religiosa

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El bajo continuo
También llamado continuo, designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos
del período barroco, y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura
musical. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan sólo el contorno
de la melodía y el bajo cifrado, dejando las voces medias, o sea el relleno armónico, a la
invención del continuista. La ejecución del continuo requiere dos instrumentista un instru-
mento melódico grave (viola da gamba, violoncello, contrabajo, fagot, etc.) que ejecuta
las notas del bajo y un instrumento armónico (laúd, clavecín, órgano) a cargo del conti-
nuista, quien desenvuelve improvisadamente las armonías, de acuerdo con las cifras del
bajo cifrado, en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones, todo ello de conforme
al estilo y las necesidades expresivas del texto musical.
El sistema tonal
El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta
su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del postromanticismo.
En sus comienzos, se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos: las
notas, los intervalos, los géneros, los sistemas de escala, los tonos, la modulación y la com-
posición de melodías.
EL CLAVESIN ES EN ESTA ÉPOCA EL INSTRUMENTO DE ACORDES MÁS UTILIZADO Y MÁS VER-
SÁTIL
Los castrati:
Los primeros músicos en alcanzar la categoría de estrellas fueron los castrati, para cuyas
voces se componía la ópera Italiana, en los siglos XVII y XVIII, un castrati era una maravilla
vocal, un precioso instrumento musical vivo, de una belleza y extensión asombrosa.
Los castrati eran varones, procedentes de hogares humildes y elegidos por la belleza de
su voz infantil, a los que se castraba antes de que llegaran a la pubertad, por este cruel
procedimiento se conseguía que estos cantantes conservaran el timbre de su voz blanca,
pero unido a la capacidad pulmonar de un adulto, recibían una esmerada educación

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vocal musical, y los que triunfaban, amasaban grandes fortunas, por lo que su destino era
envidiable.
Carlo Brosqui llamado también “FARINELLI”, fue uno de los más famosos castratis
Los luthiers:
Durante el barroco la construcción de instrumentos musicales llego a niveles difíciles de
superar. Los maestros artesanos llamados desde entonces luthiers, que perfeccionaron la
técnica de construcción de violines y otros instrumentos, hicieron de su oficio, un arte y una
tradición que continua viva en nuestros días.
Los más famosos luthiers vivieron en la ciudad de Cremona en Italia. Cuyos apellidos son:
STRADIVARIUS, AMATI y GUARNERI. Poseer un instrumento construido por ellos sigue siendo
el sueño para cualquier músico.
SABIAS QUE: por el año 1745 en Cremona Italia las tres familias vivían en un solo edificio,
después de años de pacifica convivencia, la tienda Amati decide hacer publicidad po-
niendo en su ventana el siguiente cartel”Hacemos los mejores violines de Italia”. La tien-
da de los Guarnieri reacciona señalando “Hacemos los mejores violines del mundo”. Por
ultimo, la familia Stradivarius cuelga su cartel “hacemos los mejores violines del edificio”.

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EL GRÁFICO PRESENTA, LA VARIACION DE SONORIDADES QUE PRESENTA UN VIOLIN STRADI-
VARIUS
Formas musicales del Barroco:
Formas vocales:
- La cantata –Texto religioso y profano carácter lírico.
- El oratorio – Viene de los oratorios de San Felipe Neri cantan la historia de un drama
religioso.
- La pasion – Dramaliturgico sobre la pasion y muetre de Cristo no es actuada.
- La ópera – Es el drama literario musical mas grande creado por el hombre y solo
es superado por el cine. Intervienen todos los elementos del drama y la música con
la participación de orquesta, coro, solistas, ballet, cuerpo de teatro, y un equipo de
escenografia que para esas epocas tenian todos los efctos deseados. Como barcos
navegando, el vuelo de dragones etc.
Formas instrumentales:
- El Preludio y la Tocatta - Piezas breves para instrumentos de teclado.
- La sonata - Obra para ser tocada en oposición a una obra cantada, tiene cuatro
movimientos que alternan rápido y lento.
- La suite – Sucesión de danzas populares, alemanda, polonesa, bourre y zarabanda,
entre otras courante, giga, paspie, minueto,etc.
- La fuga – Forma compleja de la polifonia occidental, consta de una melodía princi-
pal llamada motivo, y es imitada por la respuesta alternando de diferentes maneras.
Nacimiento y desarrollo de la ópera
A finales del siglo XVI en Florencia Italia, la camerana florentina y un grupo de nobles italia-
nos combinaron el arte de la canción con el drama de una historia narrada.
Tratando de imitar la tragedia Griega que reunía en si todos los elementos del teatro músi-
ca, poesía y danza, en los salones de los condes Bardi y Corsi buscaron un nuevo estilo en

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la expresión dramática, donde la palabra este permanentemente acompañada con el
canto. El grupo en cuestión se agrupo bajo el nombre de camerata Florentina.
SABIAS QUE: uno de los primeros en cantar ópera fue Vicenso Galilei, padre del astrónomo
Galileo Galilei, que compuso e interpreto el mismo una escena dramática de la ópera “el
lamento de Ugolino”
Barroco italiano
Claudio Monteverdi
Importantísimo compositor italiano, uno de los primeros en desarrollar los recursos Barroco,
los que aplicó extensamente a la ópera, el madrigal y la música religiosa. Dominó tanto los
nuevos estilos de comienzos del siglo XVII, como los más avanzados recursos de la polifonía
franco-flamenca. Fue niño de coro en Cremona, su ciudad natal; fue discípulo de Ingeg-
neri; poco después de los veinte años entró al servicio del Duque de Mantua, donde residió
hasta 1612. Desde 1613 estuvo activo en Venecia, como maestro Capilla de San Marcos.
Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Compuso gran cantidad
de música religiosa y más de 250 madrigales. Gran parte de sus óperas se han perdido. Se
conservan sólo tres "Orfeo" (1607), "El regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624).
Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas, estilos y texturas
antiguas y nuevas, del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder carac-
terizador de los instrumentos de la orquesta.
• Arcangelo Corelli
• Alessandro Scarlatti
• Antonio Vivaldi
concerto grosso de las quatro stagioni de Vivaldi (il prete rosso —el cura rojo—, por el color
de su pelo).
Barroco francés
• Jean Baptiste Lully
• François Couperin
• Jean-Philippe Rameau

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• Marc Antoine Charpentier
Barroco español
• Francisco Correa de Arauxo
• Juan Cabanilles
• Gaspar Sanz
• Antonio de Literes
• José de Nebra
• Padre Soler
Barroco inglés
• Henry Purcell
• Georg Friedrich Händel
Georg Friedrich Häendel
Häendel es uno de los compositores más importantes del barroco, siendo junto con su
contemporáneo Bach, el más importante de la primera mitad del siglo XVIII.Nacido en
1685, en Alemania, en 1712 se iría a vivir a Inglaterra para consagrarse como uno de los
mejores compositores británicos, consiguiendo en 1727 la nacionalidad británica. Es me-
nester comprender que Häendel provenía de una familia rica y no tenía los impedimentos
o limitaciones propios de la mayoría de los músicos. En 1759, con una gran reputación entre
el círculo musical londinense, moriría a la edad de 74 años, siendo enterrado en la abadía
de Weillmesiter.
Su obra musical es muy numerosa, más de 600 obras. Entre lo más destacable se incluye
sus óperas (Julio César, 1724); sus oratorios (El mesías, 1741); sus conciertos (Conciertos para
órgano Op.4, 1735) y sus suites orquestales (Música acuática,1717, y, los Fuegos Artificiales,
1749).
Barroco alemán
• Heinrich Schütz
• Dietrich Buxtehude

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• Johann Pachelbel
• Georg Philipp Telemann
• Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach (1685–1750) fue un organista y compositor alemán, miembro de
una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas
de la música universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su
belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su épo-
ca y del pasado y su incomparable extensión. Bach tendrá enorme influencia en músicos
posteriores, en especial a raíz de su redescubrimiento, debido al músico Felix Mendelssohn.
Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música
europea y de la música universal. Toda su obra está perfectamente acabada y destaca
por su originalidad y perfección técnica, si bien cabe mencionar como especialmente re-
levantes los Conciertos de Brandenburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la
Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg.

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Clasicismo (1750–1800)
El término “Clásico” hace referencia a las características del arte propio de la antigüedad
grecolatina: sencillez de líneas, sobriedad, equilibrio. En lenguaje cotidiano, todo aquello
que se califica como clásico es percibido como valor estable, “aquello que nunca pasa
de moda”
Es el estilo caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada entre estructura y
melodía, clara y comprensible. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Ha-
ydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes
más destacados
Características del Clasisimo musical
- Composiciones objetivas, buscan el ideal de la belleza.
- Línea melódica predominante sobre la armonía
- Estilo alegre y brillante
- Frases bitemáticas y cuadradas,
- Ritmo regular dentro de una sencillez natural
- Armonía poco compleja y eminentemente consonante.
- Aparición de nuevos timbres y matices como consecuencia del mayor perfeccio-
namiento de la orquesta.
- Predominio total de la música instrumental.
- Nacimiento de las formas musicales: sonata, sinfonía y concierto en su concepción
actual.
- Mayor “democratización” de la música al hacerse extensiva a un
- público más numeroso.
La sonata clásica:
El plan formal de la sonata clásica podría aplicarse a un solo instrumento, por ejemplo so-
nata para piano, o a un solista con acompañamiento, sonata para piano y violín. Sin em-
bargo, cuando se aplica a otras agrupaciones instrumentales recibe nombres diferentes;
así por ejemplo una sinfonía es una sonata aplicada a la orquesta sinfónica; un cuarteto
es una sonata escrita para cuatro instrumentos y un concierto clásico es una sonata para
un instrumento solista y orquesta, por ejemplo concierto para violín y orquesta.
La sonata consta de tres o cuatro movimientos:
- Alegro
- Adagio
- Andante o largo
- Minueto o scherzo
- Final alegro o presto
La sinfonía clásica:
Para los griegos, sinfonía significaba instrumentos que suenan juntos, mas tarde, sinfonía
fue sinónimo de consonancia a finales del siglo XVI se denomino sinfonía a los trozos ins-
trumentales situados entre partes de una obra teatral. La sinfonía es una forma musical
instrumental, escrita estrictamente para ser ejecutada por una orquesta sinfónica, es una
de las obras instrumentales mas completas, por la participación equilibrada de la armonía
y la participación de todos los instrumentos para la que fue escrita.

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El concierto clásico:
Tiene la forma sonata y es aplicada a un instrumento solista con acompañamiento de or-
questa. A mediados del siglo XVII el concierto clásico reemplazo al concerto grozzo, en el
que alternaban un grupo de solistas y la orquesta.
Los instrumentos solistas del concierto clásico son principalmente el violín y el piano, aun-
que puedan ser todos, en particular los instrumentos de viento.
Como la parte principal del concierto es la del solista, este tiene que tener cualidades
como el virtuosismo en la ejecución de su instrumento para que la exhibición de su talento.
SABIAS QUE: la danza en el clasicismo surgió en Francia como resultado de la llegada al
trono de monarca Luis XIV, quien además de ser bailarín, fundo la academia Royale de
Dance en 1661
La orquesta:
La orquesta fue evolucionando, hasta convertirse en uno de los medios de expresión mas
utilizados por los compositores
En la segunda mitad del siglo XVII aumento el número de componentes de la orquesta,
añadiéndose clarinetes y trompas, los músicos estaban colocados en dos grupos opuestos,
cada uno en un lado del escenario y uno enfrente del otro.
Músicos destacados en el periodo clásico:
•Franz Joseph Haydn (1732–1820), compositor austriaco, una de las figuras más influyentes
en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750–1820).llamado el padre de la sinfonía,
compuso mas de 140.
De origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrauan en Keitha, cerca de Viena
y murió el 1 de mayo de 1820. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de
ruedas. Algunos suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la

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escuela coral de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación
académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como músico
independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas lecciones del presti-
gioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora. En 1755 trabajó para el barón
Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En
1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. El año
1760 contrajo matrimonio con Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo
descendencia. Desde 1761 hasta su muerte, trabajó al servicio de los príncipes Esterhazy
-primero Paul Anton y luego Nikolaus-, donde tuvo a su disposición una de las mejores or-
questas de Europa.
SABIAS QUE: Haydn era un hombre de muy buen carácter, amable y sin enemigos. Y tenía
un excelente sentido del humor. En la sinfonía llamada sorpresa incluyó un estallido de
instrumentos de percusión y de metal en medio de un pasaje delicado, de sonidos muy
suaves y melodiosos, ese estallido, estaba destinado a hacer saltar de sus butacas a los
que acuden a dormir en los conciertos
•Wolfgang Amadeus Mozart:
Nació el 27 de enero de 1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes
Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Estudió con Leopold Mozart, su padre, co-
nocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de
Salzburgo. Su padre fue gran influencia para su vida musical. Desde pequeño fue niño
prodigio y un genio musical. Se dice que era el compositor perfecto, debido a que en sus
borradores casi no se detectaba error alguno. Se caracterizaba por su estilo sencillo, claro
y equilibrado, aunque sin huir la intensidad emocional. En su enorme producción musical
(más de 600 obras, a pesar de su corta vida) destacan, entre muchos otrós géneros musi-
cales, sus conciertos para piano y sus óperas.

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SABIAS QUE: Mozart fue un hombre entregado totalmente a su arte, su rebeldía de no que-
rer ser dependiente de nadie, lo llevo a cambiar de una vida relativamente cómoda en
Salzburgo, por una de total necesidad en Viena, lo que al final causo su muerte.
• Ludwig van Beethoven (1770–1827), compositor alemán, considerado uno de los más
grandes de la cultura occidental.
Nació en Bonn el 16 de diciembre de 1770. Se formó en un ambiente propicio para el
desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento
musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la
capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para
mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian
Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II,
mostraban ya una gran inteligencia, y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena
para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo
que estos planes no pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para
estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Beethoven ha sido reconocido tanto
por sus principios clásicos como por su libertad de expresión, por lo que se lo sitúa como el
último de los clásicos y el primero de los románticos.
PARA REFLEXIONAR: Beethoven, aunque sin el sentido más importante para un músico (el
oído), fue capaz de regalarnos, lo que hasta el día de hoy son consideradas las más bellas
obras musicales, . . .. .pensar que muchos de nosotros teniendo todos los sentidos, pone-
mos siempre la excusa ante la primera dificultad diciendo, “no puedo”.
El músico que marca el paso o transición del clasicismo al romanticismo, es Ludwig Van
Beethoven, con su novena sinfonía, y la inclusión de la voz humana por primera vez en
una sinfonía. Esta es la razón para poner en práctica una de las características del roman-
ticismo, ya que los músicos empezaron a tener mas independencia y libertad para poder
componer, sin depender de las decisiones de un príncipe o de una iglesia, así el artista
componía lo que sentía, y por otra parte lo que le pedían, cobrando por aquello, viviendo
de esta manera con mayor comodidad.

30. 30
Beethoven y su producción musical:
Ludwig Van Beethoven fue quien transformo las formas musicales del clasicismo para dar
cabida a la expresión y al pensamiento romántico. Su obra inauguro la música del siglo
XIX. En su música se proyecta el mismo y su vida que llevo, y como dijo otro músico re-
nombrado Ricardo Wagner “Beethoven no es un músico, sino que el mismo es la propia
música”.
Las características de su música son:
- Expresión profunda de sentimientos subjetivos
- Estilo armónico, siendo raro el contrapunto.
- Sobriedad de las líneas melódicas.
- Gran capacidad para el desarrollo temático.
- Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta clásica, como el trombón y el con-
trafagot, y la ampliación de la percusión.
- Perfeccionamiento de la técnica del piano, no hay que olvidar que Beethoven fue
un virtuoso de ese instrumento.
Obra musical:
- 9 sinfonías
- 5 conciertos para piano y orquesta
- 1 concierto para violín y orquesta
- 10 sonatas para violín y piano
- 5 sonatas para violonchelo y piano
- 17 cuartetos de cuerda
- 32 sonatas para piano
- 1 opera Fidelius
- música de escena
- ballets
- variaciones, bagatelas y obras religiosas
Su mal carácter a menudo era mal interpretado, porque el solo mostraba su rebeldía, ante
la burla del destino “un sordo músico”.

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SABIAS QUE: “El Réquiem de Mozart”, y la “Novena sinfonía de Beethoven”, son considera-
das las obras musicales mas grandes?,. . . . . . por eso cuando el hombre piso la luna por
primera vez, los astronautas llevaron a la luna en un CD de oro, todo lo mejor del hombre
en lo que se relaciona a la cultura y el arte de la humanidad. Estas dos obras, fueron la
representación de la música.
Escuela de Mannheim
La escuela más importante durante el primer clasicismo fue, sin lugar a dudas, la escuela
de Manheim. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. A partir de
1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron
los músicos más sobresalientes de Europa, liderados por el compositor Johann Stamitz y so-
bre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período.
Esta escuela contribuyó a:
• Fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta
entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas.
• Divide la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí.

32. 32
Romanticismo (1800–1900)
El romanticismo como movimiento cultural y artístico se extiende desde finales del siglo XVIII
hasta fines del XIX. Surgió como reacción contra el formalismo neoclásico y en defensa de
la libertad, el individualismo y sobre todo el sentimiento.
El principal motivo de inspiración en este periodo es el amor, como una concepción total y
plena de los sentimientos. El amor a la pareja, a la familia. Es por esta razón, que se hace
uso de lo más bello que tiene el humano, el sentimiento, y es con este argumento que na-
cen las obras más populares entre los años1815 y 1880
Características de la música romántica:
- Composiciones intimas y humanas.
- Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza ex-
presiva.
- Estilo melódico de mayor riqueza, con melodías apasionadas e intensas y una calu-
rosa expresión de los sentimientos.
- Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el clasicismo. Desaparición de
las frases cuadradas.
- Ritmos complejos y libres.
- Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes con el fin de dar
mayor expresión.
- Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través de los
matices.
- Atención especial al folklore y a otras melodías populares como fuente de inspira-
ción.
- Predominio de la música instrumental sobre la vocal
- Consolidación y ampliación del número de instrumentos de la orquesta sinfónica.
- Mayor empleo de los instrumentos de madera, metal y percusión.
- Creación del poema sinfónico, forma musical con mayor libertad que la sinfonía.
- Aparición del ídolo virtuoso, bien como instrumentista o como intérprete vocal.
- Preferencia por el piano y el violín, y recuperación de otros instrumentos como el
arpa y la guitarra.
El piano romántico:
El siglo XIX es conocido como el siglo del piano, instrumento para el que se compusieron
numerosas formas musicales típicas del Romanticismo. El piano no faltaba en las grandes
salas de conciertos, en los salones y en los hogares de la burguesía europea.
Hacia finales del siglo XIX, el piano, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, llegó a
ser el instrumento musical por excelencia, considerado hasta hoy, “el rey de los instrumen-
tos musicales”.
SABIAS QUE: Para que el piano tenga una mayor sonoridad, fue necesario diseñar un
mecanismo que sea capaz de soportar una tensión de las cuerdas metálicas que supera
las 20 toneladas, para esto se construyo un montaje de hierro fundido en una sola pieza,
y esto solo fue posible con los medios de la industria que en esos años recién empezaba.

33. 33
Formas musicales del romanticismo:
- Preludio – Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuo-
sismo, escrita principalmente para piano.
- Bagatela – Composición corta para piano sin ninguna pretensión.
- Estudio – Obra breve de restringido de temática, es la misma que cada vez tiene
mayor dificultad.
- Improntu – Obra que no se sujeta a ninguna norma, donde el ejecutante tiene liber-
tad de improvisación.
- Nocturno – Composición de carácter apacible y sentimental, con una delicada y
expresiva línea melódica.
- Lied – Canción culta, refinada intima y de sugerencias líricas.
- Sinfonía y concierto – la sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los
ideales románticos.
- Música programática – Comunica al oyente por medio de un programa la idea
musical que es el argumento, dio origen al poema sinfónico.
- Poema sinfónico – Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla
musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica que establece la unión
entre la poesía y al música.
Músicos destacados en el periodo romántico:
Franz Schubert (1797–1828), compositor austriaco, gran incomprendido en su tiempo, cu-
yos Lieder (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre
las obras maestras de este género, y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el
clasicismo y el romanticismo del siglo XIX.

34. 34
Nació en Lichtenthal, cerca de Viena, el 31 de enero de 1797. Hijo de un párroco maestro
de escuela, entró en el coro de niños de la Capilla Imperial en 1808 y comenzó a estudiar
en el Konvikt, una escuela para cantantes de la corte, en cuya orquesta también tocaba
el violín. Escribió además obras para piano, música sinfónica, religiosa y numerosas óperas.
Murió el 29 de octubre de 1828 a los 31 años de edad.
Felix Mendelssohn (1809–1847), compositor alemán, una de las principales figuras de co-
mienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.
Nació el 3 de febrero de 1809 en Hamburgo y su verdadero nombre era Jakob Ludwig Felix
Mendelssohn-Bartholdy. Nieto del famoso filósofo judío Moses Mendelssohn, adoptó su se-
gundo apellido, Bartholdy, cuando la familia recibió una herencia de un pariente con este
apellido, aunque normalmente se le conoce por su primer apellido. En su infancia toda la
familia se convirtió al protestantismo. Fue de genio precoz, de niño conoció a Goethe y
recibió una cuidada educación. A los 9 años Mendelssohn debutó como pianista y a los
11 años interpretó su primera composición. Compuso la obertura Sueño de una noche de
verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años
después. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al com-
positor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la
obra de Johann Sebastian Bach, al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo.
Frédéric Chopin, Nació el 1 de marzo de 1810 en Zelazowa Wola, Polonia, cerca de Var-
sovia. Hijo de padre francés y madre polaca, comenzó a estudiar piano a los cuatro años.
Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta, aunque más
tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. También
fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Desde muy joven
mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales, ante quienes tocaba en sus re-
uniones musicales. Tras graduarse con honores en el conservatorio, su padre solicitó una
beca del gobierno polaco para que pudiera ampliar su formación en el extranjero, ayuda
que le fue denegada. A los 20 años de edad deja su Polonia natal en un viaje de estudios;
nunca regresará. Se establece en París, donde morirá el 17 de octubre de 1849, víctima de
la tuberculosis. Su obra se caracterizó por el intimismo, la delicadeza, la facilidad melódica,
y una revolucionaria técnica de ejecución. El piano fue su instrumento por excelencia, y
tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época.
Robert Schumann (1810–1856), compositor alemán del Romanticismo. Desde niño, ya de-
mostraba sus cualidades musicales, y su padre lo apoyó durante su formación procurándo-
le un profesor de piano. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte
de su padre, aunque posteriormente reprendería sus estudios. Fue un brillante compositor
y crítico musical, lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de
veinte años. En 1839, Robert se casó con Clara Wieck, y tuvieron ocho hijos. Finalmente, du-
rante sus últimos años se acentuaron las depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos
de reclusión. Murió de tifus en un sanatorio.
Franz Liszt (1811-1886), pianista y compositor de origen húngaro. Fue el precursor del recital
para piano y, a través de sus numerosos discípulos, el pianista más influyente del siglo XIX.
Nació el 22 de octubre de 1811 en la localidad de Raiding, cerca de Sopron. Comenzó a
estudiar piano con su padre. En Viena recibió clases del pianista austriaco Carl Czerny y del
compositor italiano Antonio Salieri. En 1823 marchó a París con sus padres, ciudad donde
pronto se dio a conocer como pianista. Mientras tanto, tomó lecciones de composición de
Ferdinando Paër, compositor de óperas italiano, y de Anton Reicha, compositor y teórico
checo-francés, también maestro de Berlioz y de César Franck.

35. 35
Entre 1839 y 1847 realizó giras por Europa, desde Lisboa hasta Moscú y desde Dublín hasta Es-
tambul, y consiguió una fama sin precedentes. En 1847 abandonó su carrera como virtuoso,
y sólo en contadas ocasiones volvió a tocar en público. Ese mismo año conoció a la princesa
rusa Caroline Sayn-Wittgenstein, que permaneció a su lado para el resto de sus días. Desde
1848 a 1861 fue director musical en la corte ducal de Weimar, donde interpretó obras com-
puestas por Berlioz, Wagner y otros compositores, así como las suyas propias.
Liszt fue una de las personalidades más importantes de su tiempo. Aparte de sus logros como
pianista y director, dio clases a más de cuatrocientos alumnos, compuso unas 350 obras y
escribió o colaboró en ocho volúmenes en prosa, sin contar su correspondencia. Además
realizó más de 200 paráfrasis y transcripciones de otros compositores para piano.
Entre sus obras pianísticas destacan los doce Estudios de ejecución trascendental (1851), las
veinte Rapsodias húngaras (1846-1885; nº 20 sin publicar), los Seis estudios sobre un tema de
Paganini (1851), el Concierto nº 1 en mi bemol mayor (1849; revisado en 1853), el Concierto
nº 2 en la mayor (1848; revisado en 1856-1861), y las piezas que forman los tres volúmenes de
Años de peregrinación (1855, 1858, 1877). Algunas de estas últimas anticipan el impresionis-
mo del compositor francés Claude Debussy con su representación de escenas naturales. Las
obras orquestales incluyen, aparte de las sinfonías Fausto y Dante (ambas de 1857), trece
poemas sinfónicos, género que inventó Berlioz y que Liszt bautizó con ese nombre; Les prélu-
des (1854), el más conocido se basa en un poema de Lamartine. La originalidad de su obra
está fuera de toda duda. La armonía y forma que empleó en sus últimos trabajos anticiparon
la música de algunos compositores del siglo XX, como el austriaco Arnold Schönberg (en la
atonalidad de obras como la Bagatela sin tonalidad) y el húngaro Béla Bartók con sus prime-
ras obras nacionalistas.
Johannes Brahms, de origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo
XIX, cuyas obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. Brahms nació en Ham-
burgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contra-
bajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer
bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó
una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del
violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro,
Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se
quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escri-
bió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms co-
bró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann,
y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin
descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara,
aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y
jamás se casó.
La opera romántica Alemana:
“La opera es la obra literaria musical, más grande creada por el hombre, superada solo, por
el cine.”
Intervienen una orquesta sinfónica completa, cuerpo de teatro y baile, coro mixto,
solistas y todo el elenco posible para que las presentaciones sean lo mas realistas posibles,
al margen de todos los participantes mencionados, esta otro grupo igual de numeroso, que
atiende estrictamente lo que se refiere a la escenografía, ya que dependiendo de la opera
variaran los escenarios y los efectos especiales como barcos navegando, el vuelo de drago-
nes, ataque a los castillos etc. , así como la iluminación, y el decorado del interior de cada
escenario.

36. 36
En Alemania uno de los precursores mas representativos de la opera es Richard Wagner,
quien tenía estas características en sus obras.
- Uso y potenciación del alemán es todas sus operas
- Temas basados en mitos y leyendas alemanas.
- Utilización del “leit motiv, o motivo musical que caracteriza a los diferentes persona-
jes de la opera en cuyos contrastes se consigue el aspecto dramático.
- Evolución hacia el drama musical, donde las escenas se encadenan sin distinción
entre el aria y el recitativo.
Richard Wagner (1813-1883), teórico y compositor alemán, una de las figuras más impor-
tantes del siglo XIX.
Marcó un cambio importante en la composición operística. Creía que el drama y la música
eran igualmente importantes. Su obra más famosa es la tetralogía El anillo del nibelungo
(1853-1874), basada en el Cantar de los nibelungos, poema épico alemán escrito hacia
el año 1200.Hulton Deutsch Nació el 22 de mayo de 1813 en Leipzig y estudió en la uni-
versidad de esta ciudad. Entre 1833 y 1839 trabajó en los teatros de ópera de Würzburgo,
Magdeburgo, Königsberg (actual Kaliningrado) y Riga. En estos años escribió sus óperas Las
hadas (1833) y La prohibición de amar (1836), y varias obras orquestales, entre ellas una
sinfonía compuesta a los 19 años. En 1836 residiendo en Königsberg contrajo matrimonio
con la actriz Minna Planer. En Riga finalizó el libreto y los dos primeros actos de su primera
ópera importante, Rienzi.
En 1839 Wagner concibió su segunda ópera importante, El holandés errante (1841). El 20
de octubre de 1842 se representó su ópera Rienzi en el Hoftheater de Dresde, Alemania. Su
éxito propició que se representase en la misma ciudad su ópera El holandés errante el 2 de
enero del siguiente año y que fuera nombrado director del Hoftheater.
La ópera romántica Tannhäuser se estrenó en Dresde el 19 de octubre de 1845. Esta obra,
innovadora desde el punto de vista técnico y estructural, asombró a una audiencia acos-
tumbrada a la ópera convencional del momento y produjo una gran avalancha de crí-
ticas. Sin embargo, el compositor húngaro Franz Liszt, gran admirador de la música de
Wagner y unido a él por una amistad que duró toda la vida, decidió representar la ópera
Tannhäuser en Weimar, Alemania, tres años después. Este mismo año Wagner finalizó su
ópera romántica Lohengrin, pero la dirección del Hoftheater de Dresde, presionada por

37. 37
la reacción crítica del público, rechazó la obra. De nuevo llegó Liszt en su ayuda y estrenó
esta ópera el 28 de agosto de 1850 en Weimar.
El anillo del nibelungo El compositor alemán Richard Wagner compuso el texto para El ani-
llo del nibelungo durante sus primeros años de exilio en Suiza. Aunque este drama musical
está basado en el poema épico alemán Das Niebelungenlied (c. 1200), se ha considerado
que simboliza los conflictos entre países y clases sociales y la lucha por el poder."La cabal-
gata de las Valkirias" de Wagner: The Ring .
PARA REFLEXIONAR: En la segunda guerra mundial los nazis alemanes, asesinaron a ocho
millones de judíos en los campos de concentración, y según cuentan ponían de fondo la
música de Wagner a todo volumen, para apagar los gritos de las victimas. Cuando acabo
la guerra, los judíos como algo simbólico, prohibieron la música de Wagner, es decir que
en Israel esta totalmente prohibida la música de este compositor
La opera romántica Italiana:
En la Italia del siglo XIX la opera se impuso como genero predilecto, al extremo de eclipsar
a las demás formas musicales. La opera romántica sirvió para expresar las ideas de unidad
libertad y patriotismo, por las que Italia durante ese siglo.
Características generales:
- Lo vocal prima sobre cualquier otro motivo, quedando en segundo plano los aspec-
tos orquestales y armónicos.
- El virtuosismo del cantante se acentúa más que en otras épocas.
- En ciertos momentos de la representación (arias y dúos) se busca la brillantez y luci-
miento de los solistas más que la unidad escénica y conceptual de la obra.
Entre los más destacados operistas Italianos se encuentran:
Giacchino Antonio Rossini (1792-1868), compositor italiano, conocido especialmente por
sus óperas cómicas. Fue uno de los máximos exponentes del bel canto del siglo XIX, género
que realza la belleza de la línea melódica por encima del drama o la profundidad emo-
cional.

38. 38
Nació el 29 de febrero de 1792 en Pesaro, estudió en el conservatorio de Bolonia. Es autor
de 37 óperas, desde Demetrio y Polibio (1806) hasta Guillermo Tell compuesta a los 37 años
(1829). Su primera mujer, la soprano española Isabel Colbran, interpretó varias de sus prime-
ras óperas. Sin lugar a dudas la ópera más famosa de Rossini es El barbero de Sevilla, escrita
en Roma en 1816. Otras óperas suyas que figuran en el repertorio actual son L'italiana in
Algeri (1813), Il turco in Italia (1814), La Cenerentola (1817), Semiramide (1823) y Comte Ory
(1828). En 1831 Rossini dejó de componer óperas y durante el resto de su vida sólo escribió
dos obras importantes, el Stabat Mater (1842) y La pequeña misa solemne (1864). A pesar
de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del
mundo operístico. Falleció el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia. Las óperas de Ros-
sini fueron las últimas compuestas dentro del estilo italiano de opera buffa (ópera cómica).
Ligeras y animadas, su música destaca por sus características cómicas. Rossini utilizaba el
bel canto para crear melodías alegres de gran brillantez y emotividad.
Giussepe Verdi 1813 – 1901, nació en Roncole, Italia. Estudio música en Milán y su primer
éxito lo logro con la opera “Nabucco” en 1842 obre de trascendencia politico – social y
cuyo coro de lamentación de los hebreos cautivos en Babilonia lo cantaba la gente por
las calles de Paris Y Londres.
La obra de Verdi tiene tres periodos:
- El denominado “patriótico”, por su compromiso con la libertad del pueblo Italiano
dominado entonces por Austria. Bajo la influencia de Rossini, Verdi compuso “Rigo-
letto, La Traviata, y el Trovador”.
- En el segundo periodo, demuestra mas interés por el drama y su unidad con la dis-
tinción psicológica de los personajes, trabajo en temas mas elaborados como obras
de este periodo “Simón Bocanegra, La fuerza del destino, y don Carlos”.
- Al final escribió “Aída y Otelo” y por ultimo y a sus 80 años” Falstaff”.
El verismo musical:
A finales del siglo XIX surge una nueva corriente dramático - musical denominada Veris-
mo, esta influida por la literatura de la época donde las cosas mas simples de la vida se
ven reflejadas en las composiciones, así el actuar de un ama de casa y sus problemas del
mercado, o el cabalgar en caballos de primera clase, o el panadero que es protagonista
de una encrucijada romántica y absurda. Puccini es el compositor más importante del
verismo musical.
La música romántica en Francia:
París se convirtió en la capital europea de la opera.
La opera fue cultivada por compositores como:
- Charles Francois Gounod 1818 – 1893 alcanzo la fama con sus operas “Fausto, Ro-
meo y Julieta, Mireille”
- Geoges Bizet 1838 – 1875 excelente pianista sus operas: “los pescadores de perlas”,
y la que lo consagro la opera “Carmen”, opera verista.
- Jacques Ofenbach 1819 – 1880 creador de la opereta que es derivada de la opera
seria, las principales “Orfeo en los infiernos, la bella Elena (basada en la guerra de
Troya)”.

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SABIAS QUE: que el primer conservatorio, como tal empezó a funcionar en Paris?, los exá-
menes de admisión eran sumamente exigentes y ante numeroso público
La danza romántica:
A lo largo del siglo XIX, se extendieron por toda Europa, procedente de Viena, una serie de
danzas y composiciones musicales como valses, mazurcas y polcas encabezadas por los
maestros indiscutibles, la familia Strauss.
El vals es un baile de salón de origen Vienés (Austria) se realiza por parejas en movimientos
giratorios.
Los más grandes compositores de valses:
Johan Strauss (padre) – 1804 – 1849 nació en Viena fundo una orquesta propia y fue direc-
tor de los bailes de la corte.
Johan Strauss (hijo) – 1825 – 1899 fue director de orquesta y bien llamado el “rey del vals”,
compuso y ejecuto con su orquesta mas de 150 valses, creando una música de gran rique-
za melódica y elegancia forma,. Entre sus obras principales están Danubio azul, Las mil y
una noches, el vals del emperador, Cuento azul.
PARA REFLEXIONAR: Después de tanto tiempo, aún el ritmo del vals es considerado como
uno de los bailes mas elegantes y selectos, en nuestro medio se los baila solo en eventos
muy importantes y trascendentales en la vida de las personas como la celebración de los
15 años de las señoritas y en las bodas, lo bailan los nuevo esposos, y toda la familia.

40. 40
LOS NACIONALISMOS (1850–1950)
En la segunda mitad del siglo XIX se originaron en Europa movimientos nacionalistas que tu-
vieron como guía las ideas de libertad e igualdad propagadas por la Revolución Francesa
y la afirmación y exaltación de la identidad nacional de cada pueblo o nación.
En este periodo se considera al amor por la nación, y sus características culturales y folkló-
ricas, como fuente de inspiración para las composiciones musicales.
Características de la música nacionalista:
- Interés por el folklore propio, que es considerado como la esencia expresiva del
canto y de la música de un pueblo.
- Expresión del sentimiento nacionalista. como manifestación política y como ma-
nifestación de la cultura autóctona de un pueblo. Por eso las obras nacionalistas
incluían leyendas ritmos, melodías populares e instrumentos autóctonos.
- Reacción contra el dominio musical de Alemania, Austria, Italia y Francia.
- Huida de las formas clásicas para dar culto a la música popular.
- Nacimiento de nuevos modismos basados en la música de cada pueblo.
- Valoración de la riqueza tímbrica de las orquestas.
- Redescubrimiento de nuevos instrumentos para la música sinfónica, sobre todo en
la percusión.
- Gran variedad de riqueza melódica.
Los periodos de la evolución del nacionalismo musical son dos. El primer periodo se inicio
a mediados del siglo XIX y duro hasta comienzos del siglo XX, tiene características de corte
romántico y muy ligado al folklore. El segundo periodo se extendió hasta la mitad del siglo
XX, la música de este periodo fue más independiente y creativa.
Rusia
El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una
Vida para el Zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo
de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos en base a la cultura rusa. Más tarde
fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El Convidado de
Piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.
Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Una
vez depurado su estilo de composición en base a sus estudios posteriores, despertó una
gran atención tanto en su país como en en extranjero. Sus operas rusas ofrecían una síntesis
de composición occidental pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con
una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico.
El Grupo de los Cinco.
De este grupo de cinco, sólo dos eran músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, am-
bos poco conocidos. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En
las Estepas de Asia Central y por Bailes Polovtsian de su ópera Príncipe Igor.
Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore
ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa, tan característi-
cas en sus obras. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Mon-
te Calvo y Cuadros en una exhibición, que posteriormente llamaron la atención a Maurice

41. 41
Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas.
El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov, que fundamentó su tra-
bajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. Sus obras más improtantes
fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. También utiliza
elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua Rusa.
Compositores no nacionalistas:
Piotr Ilich Tchaikovsky 1840 – 1893 Fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y
color brillantes. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida, y realizó, también la música
de tres famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Obras
como la obertura de Marcha Slava, y Capricho Italiano ubican definitivamente a Tchaiko-
vsky dentro del nacionalismo. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se
consideran entre las obras más famosas jamás construidas.
Antón Rubinstein. 1829 – 1894 fundador del conservatorio de San Petersburgo, se enfrento
al grupo de los5 y fue profesor de Tchaikovsky su obra mas famosa es “melodía en fa”.

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Sergei Rachmaninov. 1873 – 1943 fue virtuoso del piano y autor de de tres sinfonías, cuatro
operas, cuatro conciertos para piano, su ,música esta inscrita en la tradición romántica
Rusa.
Bohemia:
Smetana ( Mi patria) y Dvorák (Danzas eslavas, Sinfonía del Nuevo Mundo)
España
Albéniz (Suite Iberia) y Granados (Goyescas)

43. 43
IMPRESIONISMO (1860–1940)
El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios
del XX sobre todo en la música francesa, con la necesidad de los compositores de probar
nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el
Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres, con los que se consiguen
diferentes efectos. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se
ejecutan en sucesión de impresiones. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo
pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de
los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel.
- Gabriel Fauré
- Claude Debussy
- Maurice Ravel El Bolero de Ravel, obra trascendental
- Isaac Albéniz Suite Española y Suite Ibérica como obras trascendentales
- Enrique Granados
- Manuel de Falla
- Joaquín Rodrigo El Concierto de Aranjuez como obra trascendental
- Jesús Guridi El Caserío como obra trascendental.
EXPRESIONISMO
Movimiento estético que floreció en Europa, en especial en el área alemana, en el primer
cuarto del s. XX (entre 1905 y 1925) y que se caracterizó por la expresividad anímica y sub-
jetiva del arte, como reacción frente a la sensorialidad del impresionismo y el positivismo de
fines del siglo XIX. La música expresionista se caracteriza por el intenso empleo del cromatis-
mo y por la tensión expresiva, a menudo teñida de pesimismo. Sus compositores más repre-
sentativos son los miembros de la llamada escuela de Viena (Schönberg, Berg y Webern).
El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX.
Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti,
quien redacta el Manifeste du Futurisme, y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario
Le Figaro de París.
Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos
convencionales de la historia del arte. Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por

44. 44
medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. El futurismo recurría a cual-
quier medio de expresión; artes plásticas, arquitectura, poesía, publicidad, moda, cine y
música; con el fin de construir de nuevo el perfil del mundo.
Los primeros trabajos futuristas en el campo de la música empezaron en 1910, mismo año
en que se firma el Manifiesto de los músicos futuristas. Los principales compositores futuristas
fueron Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.
Russolo concibe el «arte de los ruidos» como una consecuencia a los estudios previamente
realizados por Pratella. La «música de ruidos» fue posteriormente incorporada a las perfor-
mances, como música de fondo o como una especie de partitura o guía para los movi-
mientos de los intérpretes. Russolo fue el antecedente de la «música concreta», un lenguaje
sonoro en el cual se utilizaba cualquier sonido, fuese este uno producido por la naturaleza
o por la técnica (técnica gutural, fuesen palabras o un lenguaje inarticulado).
Música del realismo socialista
El realismo socialista es una corriente estética cuyo propósito es llevar los ideales del comu-
nismo al terreno del arte. Fue la tendencia artística predominante durante gran parte de la
historia de la Unión Soviética, particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin.
Las corrientes vanguardistas eran vistas como un natural complemento para las políticas
revolucionarias; en las artes visuales florecía el constructivismo y en poesía y música se
elogiaban las formas no tradicionales y vanguardistas, como el caso de la ópera atonal
La nariz, de Shostakovich, basada en el relato homónimo de Gógol Sin embargo, esta
situación no tardó en generar críticas de algunos elementos del Partido Comunista, que
rechazó estilos modernos como el impresionismo, el surrealismo, el dadaísmo y el cubismo,
debido a los principios subjetivistas que subyacían a ellos (el subjetivismo chocaba frontal-
mente con la aspiración objetiva del materialismo dialéctico) y a los temas que trataban
(el realismo socialista sólo consideraba relevantes los temas relacionados con la política y
los trabajadores).
El realismo socialista fue, en cierto modo, una reacción contra los estilos burgueses anterio-
res a la revolución, convirtiéndose en política oficial del Estado en 1932 al promulgar Iósif
Stalin el decreto de reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas. Se fundó
la Unión de Escritores Soviéticos para promover esta doctrina y la nueva política fue con-
sagrada por el Congreso de Escritores Socialistas de 1934, para ser a partir de entonces
estrictamente aplicada en todas las esferas de la producción artística. El 10 de febrero de
1948, se dictó el llamado decreto Zhdánov, que marcó el comienzo de una campaña de
críticas y descalificaciones contra muchos compositores soviéticos, entre ellos Vano Mura-
deli, Dmitri Shostakovich, Serguéi Prokófiev y Aram Kachaturian. Posteriormente el gobierno
de Stalin pasaría a apoyar a alguno de dichos artistas, llegando Shostakovich y Prokófiev a
recibir el Premio Stalin.

45. 45
Siglo XX (1900–2000)
Expresionismo, Dodecafonismo, Serialismo
Segunda Escuela de Viena
• Arnold Schönberg (1874–1951), compositor austriaco vienés de origen judío de música
clásica del periodo moderno (1900–1950). Uno de los músicos más grandes del siglo XX;
es, junto con Ígor Stravinski y Béla Bartók, el compositor más importante e influyente de la
primera mitad del siglo XX y una figura clave, junto con Monteverdi, Bach, Beethoven y
Wagner, en la evolución de la música académica occidental.
Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición
atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en se-
ries de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo y del método
cancrizante o del espejo de la segunda mitad del siglo XX. Además fue fundador de la
Segunda Escuela de Viena.
• Alban Berg
• Anton Webern
Otras tendencias
• Béla Bartók
Estudió en Presburgo (ahora Bratislava, Eslovaquia) y en Budapest, donde enseñó piano
en la Real Academia de Música (1907–1934) y trabajó en la Academia de Ciencias (1934–
1940). En 1940 Bartók emigró a Estados Unidos por razones políticas. Realizó investigaciones
en la Universidad de Columbia (1940–1941) y enseñó música en la ciudad de Nueva York,
donde vivió con serias dificultades económicas. Murió de leucemia el 26 de septiembre de
1945 en Nueva York.
Igor Stravinsky
El Grupo de los Seis (Le Groupe des Six)
Grupo francés formado a instancias del escritor Jean Cocteau, integrado por: Louis Durey,
Germaine Tailleferre, Georges Auric, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc.
• Olivier Messiaen
• Benjamin Britten
• György Ligeti
• Luciano Berio
• Krzysztof Penderecki
Música electrónica, música concreta
• Pierre Boulez
• Karlheinz Stockhausen
• Pierre Schaeffer
El jazz y sus variantes

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• McCoy Tyner
• Thelonius Monk
• Charlie Parker
• Bud Powell
• John Coltrane
• Herbie Hancock
• Art Tatum
• Miles Davis
• Duke Ellington
• Gene Krupa
• Buddy Rich
• Louis Armstrong
El cine del siglo XX y otros artes escénicos
• Henry Mancini
• Leonard Bernstein
• Ennio Morricone
• Clint Mansell
Musical
• Memories
• Cats
• El fantasma de la Ópera
• América
• Chicago
Videojuegos
• Koichi Sugiyama
• Kōji Kondō
• Nobuo Uematsu
• Motoi Sakuraba
Pop-rock (1960–1969)
• The Beatles
• Bob Dylan
• The Rolling Stones
• Michael Jackson
Pop-rock español
La Plaga de Langostas, Micky y Los Tonys, Los Mustang, Los Pekenikes, Los Secretos, Parálisis
Permanente, Radio Futura, Aviador Dro, Duncan Dhu, Siniestro Total, El último de la fila, 091,
Los Planetas, Fito y los Fitipaldis, Platero y Tu y Los Delincuentes.
Siglo XXI (2000–presente)
• Música contemporánea

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Estas son las corrientes musicales más importantes de los últimos años:
• Música contemporánea del siglo XXI
• Bandas sonoras
• Jazz y jazz fusión
• Pop
• Rock
• Heavy metal
• Rap
• Electrónica
• Hip Hop
• Punk
• Ska
• Reggae
• Alternativa
MUSICOS DESTACADOS EN LA HISTORIA DE LA MUSICA

48. 48
HISTORIA DE LA MÚSICA EN BOLIVIA
La historia de la música en Bolivia, al igual que la música universal, tiene diferentes face-
tas, de acuerdo a las épocas o eras en las que le toco vivir a nuestra patria. Los estudios
revelan la existencia de muchas culturas antes de la llegada de los colonizadores, a esta
etapa se la denomina precolombinas es decir antes de la llegada de Colon a tierras ame-
ricanas, las evidencias de los restos de estas culturas revelan un alto desarrollo social, polí-
tico, económico y artístico, a esta parte de nuestro estudio la denominaremos, “la música
en el incario”. Cuando llegan los españoles a colonizar estas tierras, ellos influyen en todo
aspecto, dejando una herencia particular de la cultura europea, y sobre todo lo referente
al arte de la música, también en este periodo nacen nuevas expresiones artísticas y musi-
cales, mezcladas con lo nativo u originario, a este desarrollo llamaremos “la música en la
colonia”. Finalmente cuando llega la independencia de nuestra nación, se puede decir
con mucha certeza, que recién empieza nuestra identidad cultural, teniendo como una
base aquello que dejaron los primeros habitantes de estas tierras y aquello que heredamos
de los europeos.
LA MÚSICA EN EL INCARIO
El estudio de las expresiones musicales de los grupos humanos autóctonos de nuestro país,
es investigado por etnomusicólogos y folklorólogos, los mismos que han cotejado varios
documentos escritos que dejaron cronistas españoles y mestizos del siglo XVI. Y el resultado
nos da una idea más o menos exacta de lo que fue el quehacer musical en nuestro país
antes de la llegada de los españoles. Una gran cantidad de costumbres y tradiciones han
llegado hasta nuestros días, y su sola observación nos permite pensar que nuestros ante-
pasados constructores de Tiwanaku, conocieron y cultivaron el arte de los sonidos para su-
blimizar sus ritos religiosos, o para enardecer a las tropas antes de las batallas, o solamente
para amenizar uno que otro acontecimiento de la vida social o militar .
La música en lo que es ahora Bolivia, también tiene una historia, la misma que empieza
hace miles de años, cuando en estas tierras los habitantes, dedicaban toda su existencia
al mejoramiento y engrandecimiento del imperio; La música y todas las formas de expre-
sión artística, era de alabanza y gratitud a sus dioses, tomando a la música en especial
como una forma divina de adoración.
Entre estas expresiones divinas se encuentra la Pachamama (madre tierra), el Tata Inti (sol),
la Killa (luna), el viento (wayra), la lluvia, (jilli – jilli), etc.
La música inca, fue cultivada mayormente en el Tahuantinsuyo, y a la par con la danza,
desempeñaba un papel importante en distintas ocasiones, encontrando nuevas facetas,
en los comportamientos sociales. Se sabe que al margen de la música ceremonial religio-
sa, había música y danza de características románticas, guerreras, fúnebres y agrícolas. La
música inca se componía de 5 notas musicales, por eso es llamada pentatónica.
Una característica inca fue la ejecución de música durante las labores agrícolas en tierras
del Estado, con lo cual convertían las duras faenas del campo en amenas reuniones.
Los instrumentos musicales empleados en las manifestaciones corporales eran diversos se-
gún las danzas a interpretar, los integrantes, las regiones o los motivos de las celebraciones.
Las flautas eran uno de los instrumentos más populares. Las quenas por lo general, eran
confeccionadas con huesos humanos mientras que otras flautas eran de arcilla, plata o,
las más comunes, de carrizos.

49. 49
Entre ellas destacan los sikus de caña y de cada instrumento está dividido en dos mitades
con tonos complementarios y tocados por un par de instrumentos. Para formar una melo-
día es necesario que ambos instrumentos toquen alternadamente cuando les corresponde
y de manera conjunta producir la melodía deseada.
Los incas contaron con varios instrumentos musicales de viento y percusión entre los que
se encuentran: la quena, la tinya, el calabacín, la zampoña, la wankara y la baqueta. La
música incaica era de las más desarrolladas de las músicas prehispánicas.
La quena, es tal vez junto con la zampoña el instrumento más representativo de la música
inca.
Características
Estudios realizados sobre este arte, consideran las siguientes características:
No toda la música inca era "pentafónica",(do, re, fa, sol, la), como lo señalaron en un
principio los D`Harcourt. André Sas demostró que los Nascas (mil años antes de los Incas)
poseían antaras cromáticas como se puede observar y constatar en los museos de Nasca,
del Perú y del mundo además de investigaciones de distinguidos musicólogos.
La música era de ritual y de múltiples expresiones, manifestándose especialmente en la
danza]
Este arte era sumamente sentimental, melancólico y monótono. La mayoría de instrumen-
tos estaban hechos de arcilla, hueso y/o madera
Instrumentos musicales
Los incas tuvieron instrumentos de viento y percusión, no conociendo los instrumentos de
cuerda, estos instrumentos musicales han sido motivo de estudios muy profundos por parte
de Arturo Jiménez Borja, Policarpio Caballero y por estudiosos franceses. El arqueólogo
peruano Federico Kauffmann Doig clasifica los instrumentos musicales incas en tres tipos:
Instrumentos aerófonos
Eran aquellos instrumentos que para poder ser ejecutados se utilizaba el aire por acción
humana, dentro de los cuales encontramos:
Flautas: Las cuales fueron confeccionadas con materiales propias de las zonas de quienes
las ejecutaban, como cañas de carrizo, huesos y cerámica.
Quena: Instrumento de uso muy generalizado, del cual se confeccionaban de distintas for-
mas y materiales, siendo el más típico el longitudinal de una sola pieza con varios agujeros
y abierta en ambos extremos.
Pincullo: Era una especie de flauta de gran tamaño, la cual se confeccionaba con cerá-
mica, siendo adornada con motivos y colores propios del ayllu o región.
Antara: Es un instrumento musical cuyo uso sigue siendo muy extendido entre los músicos
de los Andes. Este instrumento es conocido también como “flauta de pan” o “zampoña”.
Se confeccionaba con cañas de carrizo y huesos.
Pututo: Instrumento musical confeccionado de un caracol marino, el cual estaba aguje-

50. 50
rado en la base por donde se sopla. Emitía sonidos profundos, siendo un instrumento muy
utilizado por los chasquis, para enviar mensajes y como señal de guerra.
Quepa: Este instrumento musical estaba confeccionado con una calabaza agujerada en
forma de mate.
Manchaypuito: Una especie de cántaro hecho de barro, el cual consistía de dos flautas
fabricadas con fémures humanos, y con el cual se podía entonar una melodía triste.
Instrumentos membranófonos
Dentro de esta clase de instrumentos tenemos los tambores, los cuales fueron confeccio-
nados con el cuero de los animales y otros fabricados con la piel del vientre del enemigo
vencido; también eran usados los huesos largos de los brazos o de las piernas con los que
golpeaban el tambor. Podemos distinguir dos tipos de tambores:
Tinya: Este tipo de tambor era pequeño, el cual era usado principalmente en las faenas
del campo.
Huáncar o wankaras: Eran tambores más grandes, que eran utilizados en las guerras o en
los grandes bailes.
Instrumentos idiófonos
Instrumentos que eran de suma importancia en las danzas, ya que eran utilizados para se-
guir el compás de estas danzas. Entre este tipo de instrumentos podemos distinguir:
Sacchas o chajchas: Que eran cascabeles de metal o de pepas. Estas sacchas se coloca-
ban en las rodillas.
Sonajas: Estos instrumentos eran colocados en las muñecas.
Bastones con sonajas: Estos instrumentos servían para seguir el ritmo tanto de la música
como de la danza.
La ejecución de los números musicales iban de la mano con las danzas y eran frecuen-
tes en la vida diaria. La música incaica estaba referida a diversos aspectos y actividades
como la agricultura, religión, guerra y fiestas diversas. La música variaba según la región o
provincia y podemos decir que constituye la base del folclore andino.
Formas musicales de origen incaico
Harawi o yaraví: Es una canción nativa de motivos amorosos, de cadenciosa melodía que
expresaba los sentimientos del alma. Se cantaba, en su texto, la ingratitud de la amada, la
ausencia de la penas de amor.
Huayno o huayño: Es de expresión festiva y alegre. Actualmente toma diversas denomina-
ciones según la región (wayno, chuscada, qachwa, etc.), aunque estas hacen más refe-
rencia al baile que a la melodía.
Trilla-takiy: Eran canciones ejecutadas durante la trilla.
Jaylli: Es una canción y melodía, de carácter melancólico, se cantaba para recordar a los
seres queridos que se habían marchado al mundo de los muertos

51. 51
LA MÚSICA, EN LA EPOCA COLONIAL
La musicología histórica boliviana según el Dr. Robert Stevenson, asegura que la música
fue un arte profusamente cultivado en los tiempos virreinales entre 1535 – 1809 de manera
preferencial en la Audiencia de Charcas.
Al margen de las investigaciones y hallazgos de este profesor de la universidad de Cali-
fornia en Los Angeles, muchos otros investigadores continuaron con otros aportes, entre
ellos mencionaremos a: Samuel Claro, Waldmar Roldan,Cármen Garcia Muñoz, entre otros
especialistas el Dr.Gunnar Mendoza, Mons.Julio Garcia Quintanilla, y la distinguida investi-
gadora Dra. Julia Elena Fortun. Gracias a todos ellos se tiene una mejor visión de lo que
fue la usica en la época de la colonia.
En la ciudad de La Plata, hoy Sucre se instalo el mayor centro musical de América, ubi-
cando su principal cede en la catedral, la misma que se convirtió en escuela, y centro de
prácticas, donde niños de corta edad hacían gala de sus talentos, conformando de esta
manera el coro de “seises” niños cantores, quienes con el paso el tiempo se convertían en
cantores adultos, instrumentistas, organistas y hasta maestros de capilla. Bolivia conserva
en varios archivos la colección mas grande del continente de manuscritos musicales de los
siglos XVI, XVII, y XVIII, entre algunas de esas obras que fueron cuidadosamente transcritas,
han sido dadas a conocer en los tiempos modernos en conciertos y grabaciones, las mis-
mas que han causado la más viva admiración dentro y fuera de nuestras fronteras.
Entre los músicos más destacados de este periodo podemos mencionar a: Guierre Fernán-
dez Hidalgo, quien transformo al villancico español en una forma musical perfecta con
partes corales de hasta 16 voces Gesualdo de Venosa, ambos seguidores de Palestrina.
su obra pertenece al barroco musical, Juan de Araujo cuya obra es vastísima, sus manus-
critos se encuentran en la catedral de Sucre y de Julia Elena Fortun, en la iglesia de San
Ignacio de Moxos y en la biblioteca del seminario de San Antonio Abad del Cuzco.
Tras la conquista de los Españoles, junto a su idioma, religión y costumbres, llegaron los
primeros instrumentos musicales, las trompetas, pífanos (flautas) y atabales (tambores), mu-
cho después la vihuela y otros instrumentos de cuerda y teclado, a través de los núcleos
religiosos que se dedicaron a impartir la enseñanza de la música culta y religiosa, inicián-
dose con ello la labor pedagógica y cultural de la Iglesia Católica. Por las ordenes de Fran-
ciscanos, Dominicos, Jesuitas etc; Que en el afán de evangelizar llegaron hasta las tribus
de moxos chiquitanos, y todos los pueblos y comarcas de toda la audiencia de charcas,
capacitándolos en el manejo de instrumentos musicales y una infinidad de artesanías, que
fue la base para crear más delante los colegios y conventos.
En la época de la colonia, nacen una variedad grande de formas musicales, y muchos ins-
trumentos, que a la larga se mantendrían como parte importante de nuestra cultura, para
una clasificación que identifique su origen, y justifique la unión de dos culturas la europea y
la americana, al resultado de la mescla de ambas le llamaremos CRIOLLA o MESTIZA según
el caso.
Características:
- Había mucha diferencia entre música nativa y música europea
- Se crean varios instrumentos nuevos basados en ambas culturas, y con los materia-
les del lugar
- Nacen varias formas musicales nuevas, criollas y mestizas.
Algunas formas musicales y danzas que derivan de formas musicales europeas:

52. 52
- La cueca: danza de carácter netamente romántico deriva de la jota española.
- El sarao: llamada también danza de la trenza, deriva del arlequín Italiano,.
- El carnavalito: danza oriental deriva del vals vienes (Austria)
Algunos intrumentos musicales bolivianos que tienen su origen en instrumentos europeos:
- El violín chaqueño: construido de una sola pieza de tacuara, viene del violín austria-
co.
- La vihuela: Instrumento parecido a la guitarra criolla. Tenía en principio como cuer-
das, tripas de gato.
- El charango: es originario de Bolivia, pero tuvo como modelo a la bandurria
Como complemento, debemos señalar que la música en Bolivia, durante la época de la
colonia, mantiene características y rasgos culturales europeos de todas las épocas; es de-
cir que hay obras con características del periodo Medieval – Gótico, del Renacimiento, del
Barroco al que se denomino BARROCO CRIOLLO, del periodo Clásico, y del Romanticismo.
La diferencia es que todas estas obras tienen modelos europeos, nada tiene un origen na-
tivo, a excepción de las obras que dejaron las misiones Jesuitas, en San José de Chiquitos
(Santa Cruz), tanto en la arquitectura (templos) como en la música la que se denomina
como grupo cultural URUBICHA
LA MÚSICA EN LA REPUBLICA
Lo mas destacado en el campo musical en la época de la república, son el Himno nacio-
nal y los himnos departamentales, composiciones musicales que describen las luchas por
la independencia y las bases sociales sobre las cuales deben vivir los nuevos habitante de
la flamante nación.
HIMNO NACIONAL DE BOLIVIA:
MUSICA: Leopoldo Benedetto Vincenti Franti. Nació en Roma, Italia en 1815, vino invitado
a Bolivia por el presidente José Ballivián, en 1845, se le pidió que escribiera la música de
nuestro himno, la misma que se estreno con el nombre de “Canción Patriótica” el 18 de No-
viembre de 1845, posteriormente el presidente Manuel Isidoro Bélzu, mediante un decreto
supremo, cambió la canción patriótica a Himno nacional.
LETRA: José Ignacio de Sanjinés, Nació y murió en Sucre, abogado y poeta, desempeño
varios cargos importantes en el gobierno de Andrés de Santa Cruz, escribió los versos de
nuestro himno mereciendo grandes elogios de propios y extraños.
HIMNOS DEPARTAMENTALES:
HIMNO A CHUQUISACA: Letra: Ricardo Mujía, Música: Eduardo Verdeció
HIMNO A LA PAZ: Letra: Ricardo Bustamante, Música: Eloy Salmón
HIMNO A ORURO: Letra: José Encinas Nieto, Música: Cesar Achával
HIMNO A POTOSI: Letra: Daniel Campos Vortez, Música: Manuel Romero
HIMNO A PANDO: Letra: Wálter Calvimontes Fernández, Música Fortunato d. Uribe

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HIMNO A COCHABAMBA: Letra: Benjamin Blanco Unzueta, Música: Teófilo Vargas
Candia
HIMNO A SANTA CRUZ: Letra: Felipe Leonor Rivera, Gastón Guillaux Humery
HIMNO AL BENI: Letra: Alfredo Pereyra, Música: Rafael Saghers
HIMNO A TARIJA: Letra Tomas O´Connor D´Arlach, Música Juan di Fiori
LA MÚSICA, EN LA VIDA REPUBLICANA
La llegada y posterior construcción de los primeros órganos en Sucre y Potosí, facilito la
practica y enseñanza de los pobladores, que iban creando obras con motivos y lenguajes
vernaculares, costumbristas cristalizando muy pronto formas y géneros de música folklórica
criolla, rescatando y clasificándola, fue de gran valor el trabajo del Potosino Julián Vargas
y del chuquisaqueño Alejo Franco. En la parte literaria se da inicio con el resurgimiento de
poetas y literatos de la talla de Juan Wallparrimachi, Vicente Pasos Kanqui, José Manuel
Loza, Manuel Urcullo. Después de estrenarse el primer teatro de espectáculos en la ciudad
de la Paz en 1847, la creación de la Sociedad Filarmónica de Sucre 1834, la Estudiantina
Paceña 1892, la Escuela Militar de música fundada en 1904, al que le sigue en importancia
y el Conservatorio Nacional de Música en 1907 dirigidas estas instituciones por músicos
extranjeros y posteriormente por directores Bolivianos, estas se convierten en importantes
centros de enseñanza y formación de los mas destacados músicos y compositores que
mas tarde se preocuparon de estructuraran y formar la vertiente musical de nuestra patria.
La trayectoria y evolución que ha seguido la música como ciencia, parte del término “Fo-
lklore” dado a conocer por primera vez en la revista londinense “El Ateneo” por Williams
John Thoms el 22 de agosto de 1846, para permitir la recolección y clasificación de toda
la obra literaria, musical y popular, la Palabra Folklore esta compuesto por dos sustantivos
“Folk” que significa “gente-pueblo; y “Lore” conocimiento-saber. En nuestro País recién se
pudo catalogar a través de la creación del Instituto Tiahanacu de Antropología, Etnográfi-
ca y Prehistoria de Bolivia, fundada por don Manuel Vicente Ballivián en 1918, en la ciudad
de la Paz.

54. 54
EXPRESADA EN EL ARTE DE LA CIENCIA DEL FOLKLORE
Desde tiempos inmemorables las razas que conformaron nuestra Patria Boliviana, mezcla
de quechuas, aymaras, chiquitanos, chiriguanos, moxos etc. Fue venerada, con cantos
y bailes empleando diversos instrumentos en todos sus ritos y manifestaciones. Una de las
mas importantes culturas indígenas fue Tiahuanacu, núcleo fundamental de la gran cul-
tura colla-aimara, con amplio conocimiento en la ejecución de instrumentos de viento y
percusión. De acuerdo a la práctica y costumbres de las primitivas civilizaciones la música
tenia triple función: moralizadora, religiosa y social.
Mediante su sistema musical incásico llamado “Pentamodal” creaban su música agrícola
de gran vitalidad evocativa; su música ritual con profunda tonalidad expresiva; y su música
sentimental la que transmitía pasajes de lamento y penas. La mayoría de los instrumentos
usados por los incas constituyen los de viento hechos de piedra, tibias humanas, madera,
cobre, y cañas, con los que se fabricaban una serie de flautas de diversos tamaños, predo-
minaban los de percusión o menbranófonos hechos con parches de cuero estirado sobre
un tronco o marco que servía como caja de resonancia.
“folklore es el quehacer cultural de un pueblo”
Desde que el Folklore se constituye en ciencia independiente, se ha tratado de explicar
sus alcances en varios congresos, simposios y seminarios donde se ha establecido las seis
funciones básicas del fenómeno Folklórico que son las siguientes:
La Tradicionalidad, El Anonimato, La popularidad, La funcionalidad, La plasticidad y
La Ubicabilidad.
La Tradicionalidad, Determina el hecho folklórico, de transmisión cultural a través del con-
ducto oral y/o de imitación a lo largo de la sucesión de varias generaciones por una super-
vivencia del pasado.
El Anonimato, Contribuye a esclarecer las condiciones de desconocimiento del, o de los
autores, por efecto del tiempo transcurrido.
La Popularidad, Es el carácter que nos muestra que los fenómenos folklóricos son colectivos

55. 55
que atañen a la sociedad misma en forma parcial o total.
La Plasticidad, Por circunstancias sectoriales, regionales y hasta locales, muchos hechos
folklóricos cambian de acuerdo a los usos y costumbres, que acontecen en cada parcia-
lidad. Por otra parte un mismo fenómeno puede quedar estático, mientras se dinamiza en
otra región.
La Funcionalidad, Desde el momento que una manifestación satisface elementales nece-
sidades biológicas o espirituales se hace funcional. En materia de folklore, las manifestacio-
nes son funcionales por que ponen de manifiesto todo el sentir de la misma, en el ámbito
de la popularidad.
La Ubicabilidad, Es finalmente la característica, que debería precisar con objetivos de estu-
dio y conocimiento generalizador, la localización de cualquier acontecer folklórico.
Características folkloricas:
- Cultura: Todo lo que el ser humano realiza como parte cotidiana de su existencia,
es cultura; desde la manera de peinarse, hasta la forma de cumplir y hacer cumplir
sus leyes religiosas y sociales.
- Arte: Las tradiciones, costumbres, y festividades, son el patrimonio cultural de cada
país, región, o pueblo, por eso forman parte de su folklore la literatura, la música, la
danza, la escultura, la arquitectura, la vestimenta, la gastronomía, los textiles (trajes
típicos).
Tipos de folklore:
- Ancestral: Es la denominación que reciben las características folklóricas, que vienen
de nuestros ancestros, también recibe el nombre de original o étnico. Por ejemplo: la
lagua, el poncho, el chulo, etc. El khantus. Los wititis, etc.
- Popular: Es el que llega a la gente con mayor facilidad, y es parte del desenvolvi-
miento de la vida cotidiana. Por ejemplo: el chicharrón, el fricase, etc. La diablada,
la morenada, etc.
- Transcultural: El es tipo de folklore, que tiene elementos de otra culturas que se
adaptan y adoptan, por ejemplo: la salchipapa, la salteña, etc. La guitarra, teclado,
etc.

56. 56
CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS DE BOLIVIA
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN LA PAZ
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN ORURO

57. 57
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN POTOSÍ
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN COCHABAMBA

58. 58
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN CHUQUISACA
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN TARIJA

59. 59
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS DEL BENI
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN SANTA CRUZ

60. 60
ALGUNAS DE LAS CARACTERÍSTICAS FOLKLÓRICAS EN PANDO

61. 61
PROMOTORES Y CULTORES DE LA MÚSICA POPULAR BOLIVIANA
La diversidad de obras creadas por reconocidos cultores, lamentablemente nunca fue re-
conocida por el Gobierno y la sociedad Boliviana, por cuya causa se está perdiendo una
gran producción literaria y musical, por la falta de interés de hacer un registro que permita
conocer con mayor precisión la biografía y obras de todos quienes han aportado en la
creación de una variedad de obras, producto de un sacrificado trabajo de inspiración e
investigación. A continuación detallamos un resumen de los más reconocidos composito-
res, autores e intérpretes de cada departamento:
CHUQUISACA
SIMEÓN RONCAL GALLARDO
Músico y compositor nació en la ciudad de sucre el 20 de abril de 1870.Su formación
musical comenzó con la ayuda de su padre don Juan Roncal quien desde niño le inicio
en el manejo del teclado recibiendo las primeras lecciones de piano y que muy pronto
complemento sus conocimientos al asistir a la catedral metropolitana de Sucre, donde
formo parte del coro de la iglesia y más adelante como organista de la misma, entre sus
profesores citemos a Eduardo Berdecio fundador de la “Sociedad Filarmónica de Sucre
con quien conoció la riqueza artística en el ambiente chuquisaqueño, Simeón Roncal fue
uno de los pocos compositores que dedico su vida a la creación y la perfección de la for-
ma nacional denominada “cueca”, fue un talento innato de ese semillero de músicos del
que formo la Escuela de música de la catedral de chuquisaca convirtiéndose años mas
tarde en un virtuoso del piano. El maestro Roncal supo darle a la “cueca Boliviana” un sello
muy propio que la distinguió y convirtió en la señorial y romántica expresión musical, no nos
imaginamos a la “cueca” antes de Ronca pero gracias a su virtuosismo y capacidad supo
darle la jerarquía, manteniendo el estilo criollo de nuestra nacionalidad. Dentro el campo
de sus creaciones, compuso magistralmente sus famosas cuecas incomparables por su
técnica pianística, por el desarrollo perfecto del tema musical y por la expresión autentica
del espíritu del pueblo.
Simeón Roncal, poseía unas manos dotadas, para dominar sorprendentemente la estruc-
tura pianística de los acordes de la mano izquierda, lo que le facilito, el ser “zurdo” y de este
modo llegar a tener una interpretación notablemente extraña y desconocida entonces, la
técnica pianística de roncal solamente puede ser admirada en la interpretación del piano.

62. 62
Luego de haber impresionado con su arte y sus obras, viajo a la República de la Argenti-
na donde hizo conocer su arte ya consagrado, entre sus obras cuentan: 40 cuecas para
concierto, kaluyos, bailecitos, marchas, himnos, sus cuecas mas conocidas: la ausencia-la
brisa-noche tempestuosa-rosa-la huérfana virginia-lección de piano-el olvido- lagrimas –
concepción-impresiones-soledad-marcha 3 de febrero- a sucre – y muchas más. Por su
talento musical mereció las siguientes distinciones, entre ellas se destacan el “Cenáculo
Universitario” de San Francisco Javier de Chuquisaca ,varias distinciones de las Honorables
Alcaldías de Sucre, Potosí, y la Paz, de la Universidad de San Andrés, del Ministerio de Edu-
cación de Bolivia, de la “Unión Panamericana” y de otras instituciones, que reconocieron
el talento de quien fuera el “padre” de la cueca Boliviana, virtuoso del piano y violín, Don
Simeón Roncal se caso con la señora Virginia Cortés, a quien le dedico la cueca “huérfana
Virginia”
Tras la muerte de su madre; El maestro Roncal falleció en la ciudad de la Paz a la edad de
83 años, el 13 de enero de 1953.
SABIAS QUE: las obras de Roncal se tocan en el conservatorio de Paris, en los exámenes de
grado para los postulantes a pianistas profesionales.
MAURO NÚÑEZ CÁCERES
Músico Compositor, nació en villa Serrano un pueblito del departamento de Chuquisa-
ca - Bolivia, el 15 de Enero 1902, donde vivió hasta sus 12 años creciendo en un ambiente
acogedor disfrutando del bello paisaje de su pueblo que la naturaleza hizo de él un niño
inquieto y hábil en el manejo de sus pequeñas manos las que ya demostraban ser propias
de un futuro artista. En 1914 se traslada a la Capital Sucre para iniciar sus estudios sobre ar-
tes plásticas alternando con el aprendizaje del charango un instrumento que deriva de la
vihuela de mano, cuya transformación en: forma, tamaño, cordaje y sonoridad, se debe a
los primeros artesanos asentados en los pueblos de la villa imperial de Potosí, de donde se
ha expandido por varios pueblos y regiones de Bolivia; en este rustico instrumento de clavi-
jas de madera, trastes de alambre y cuerdas de tripa de gato, Mauro Núñez aprendió a to-
car del mismo modo y forma que lo hacia el campesino Boliviano, de forma autodidacta,
A los 19 años se presenta al servicio militar en la localidad de Copacabana, en este lugar
es donde empieza a conocer y diferenciar las distintas formas de tocar el charango, tanto
en punteado y ka lampeado, las conocía y aprendía de distintos compañeros provenien-
tes de Potosí, Cochabamba, La Paz, Oruro, quienes tenían su modo de tocar y templar
este pequeño instrumento, cuya caja sonora fabricada en madera, hueso, caparazón de
armadillo (quirquincho), fue una valiosa oportunidad que Mauro Núñez supo aprovechar
para conocer los secretos de ejecución en este instrumento, las que fue perfeccionando
hasta convertirse en un maestro tomando en serio el aprendizaje recorre muchas provin-
cias de Potosí y Chuquisaca, alternando el arte de la pintura y el tallado. En 1931, ya con-
vertido en artista, es invitado a formar parte de la Compañía artística Tiahuanacu de la ciu-
dad de la Paz, en una gira por las republicas de Perú y el Ecuador, que luego de cumplir su
compromiso, se queda a radicar por casi 20 años en Lima Perú, donde perfecciona el arte
del tallado y la pintura, y es invitado al elenco teatral de la cantante Ima Sumac, viajando
a Buenos Aires, donde cumple una admirable temporada, exponiendo su arte en tallado
y pintura vinculándose con reconocidos maestro como Ariel Ramírez, los hermanos Abalos.
Después de esa experiencia retorna Sucre donde es proclamado como hijo predilecto de-
dicándose a la formación de jóvenes artistas en la ejecución del charango, la pintura y el
tallado, producto de esa preocupación nacen a la vida artística sus sobrinos Moisés Jesús
y José hijos de su hermana Ursinia Núñez Cáceres, con quienes experimento en la creación

63. 63
de su famosa Charangologia, que es la unión de cuatro charangos de distinto tamaño
el mas pequeño de 30 centímetros y el mas grande de mas de un metro logrando una
sonoridad distinta y única, paralelamente a sus investigaciones surgen otras innovaciones
como el charango-pinquillo, insertando un pinquillo en el diapasón del charango hacien-
do coincidir los orificios con la parte posterior de la entrastadura tal modo que podía servir
como instrumento aerófano y como cardofono caso único en la órganografía universal,
otra innovación en el charango consiste en la creación de un registro que hace de sordina
para apagar el color del sonido y así aumentar las posibilidades de matiz, mecanismo que
esta montado en la caja del instrumento y que es accionado por el ejecutante que tiene
la libertad de regular la intensidad del mismo.
También hizo unos cambios en el cordaje puso una cuerda mas gruesa en la cuarta para
darle distinto sonido; En los instrumentos de percusión hizo algunas modificaciones creando
su "Kara tinya”" pequeño bombo de donde sale una cuerda tensada por el ejecutante al
mismo que regulando la tensión, produce un distinto sonido, pareciéndose a un contra-
bajo; También es de la creación del maestro Núñez, las “Chajchas” formadas por pezuñas
de cabra afinadas en dos timbres, las de macho y las de la hembra, dando rigen a los
instrumentos de entre-choque.
Polifacético artista ha desarrollado una técnica en el arte del tallado en madera con sello
propio de las que mencionaremos las mas importantes; Busto de Simón Bolívar tallado en
algarrobo, 3 charangos, uno con figuras de brujería nativa, el padre nuestro incrustado,
y el cristo de la Cruz, Varios Escudo, la cuesta de Sama, 3 toten tallados, Varios monolitos,
Mapa de Bolivia, La huida de José y Maria, mural hecho en hierro forjado, E1 Bombo mas
grande del mundo, Cofre para conservar las enseñas de Bolivia y la Argentina, y muchas
obras que están en Universidades hospitales, Museos y centros culturales etc.
Mauro Núñez Cáceres, inquieto y multifacético artista Boliviano, que a través de sus obras,
fue conocido en América y Europa, Hombre de gran sensibilidad, creador de varios instru-
mento inspirado compositor, talentoso artista plástico falleció en su pueblo natal Serrano
provincia de Chuquisaca- Bolivia, 11 de octubre de 1975.

64. 64
MATILDE CASAZOLA MENDOZA
Nació en la ciudad de Sucre, Bolivia en l943, creció en el seno de una familia de intelectua-
les, fue nieta del reconocido hombre don Jaime Mendoza.
Desde muy niña Matilde, se dedicada a la lectura y le gustaba escuchar con atención
los versos que su madre la leía, por el que imaginariamente ella iba desgranando fantasías
que le permitieron moldear su sensibilidad e inspiración poética. Al cumplir 11 años gana
el Primer Premio en los Juegos Floreales Infantiles de la Ciudad de Sucre. Con este estimulo
comienza a escribir poemas cortos, Con el deseo de ampliar sus conocimientos, ingreso a
la Escuela Nacional de Maestros, sección musical, recibiendo del Profesor don Pedro Gar-
cía Ripoll, la mayor dedicación y orientación en la técnica de la métrica musical, que años
mas tarde aplicaría en sus composiciones.
Matilde Casazola, se iba convirtiendo en un ser del que brotaba imaginarias fantasías, que
permitía anidar en su alma un caudal de sentimientos En 1974, visita la Argentina, recorrien-
do pueblos y ciudades guitarra en mano, llevando el mensaje de la canción y el sentimien-
to de nuestra cultura, Lejos de la Patria volcó toda su inspiración retenida por la ausencia
de su gente y sus costumbres creando hermosas obras musicales, que se resume en la letra
de su cueca “El Regreso”. En 1982, ya con mayor experiencia y un repertorio extenso viaja
a Europa donde efectúa una serie de presentaciones dando a conocer poemas y cancio-
nes de su autoría, las que recibieron buenos elogios y comentarios.
Ha publicado las siguientes obras literarias: “Los ojos abiertos”Los cuerpos”El espejo del
ángel”Los Racimos”Una Canción y 4 poemas”.De sus obras musicales destacan: “Cuen-
to del Mundo”El Regreso”La sonrisa de piedra”Tiempo”Descanso en el arroyo”Viento
Pasajero”El milagro”El ser feliz”Tu reino es de este mundo”De tu hermosura”El fueguito, y
muchas mas.
Matilde Casazola, enriqueció su mundo interior enfrentándose en diversas experiencias,
por eso sus canciones encierran mucha nostalgia y cariño a su tierra y su gente. Tiene a la
fecha varias grabaciones discográficas, libros de poemas, ensayos, y composiciones mu-
sicales.

65. 65
FIDEL TORRICOS CORS
Músico interprete del piano nació en la capital de la república Sucre el 31 de diciembre de
1916 desde niño tuvo la oportunidad de vivir entre músicos pianistas, a la edad de 8 años
inicia el aprendizaje del piano con el maestro Filomeno Rivero durante dos años y medio,
alternando sus estudios primarios en el colegio Religioso Compañía Sagrado Corazón de
Jesús, en la segundaria fue alumno del colegio Nacional Junín donde demostró excelente
formación de principios morales y destacada disciplina.
A fin de profundizar sus conocimientos y practica en la ejecución del piano, Fidel Torricos
recibió las lecciones del Profesor Mario Estenssoro con quien incursiona en el campo de la
música clásica interpretando las obras de los grandes compositores del genero universal,
practica y experiencia que le sirvieron en su formación pianística, dada la gran capacidad
del maestro Estenssoro y la innata vocación del alumno que fue convirtiéndose en un hábil
ejecutante del clásico instrumento.
Fidel Torricos que con el tiempo se destaco en un excelente intérprete del piano, y cuya
perseverancia le ha permitido conocer y crear una técnica pianística elegante y de pro-
fundo sentimiento con un estilo de ejecución incomparable, cuando sus manos se des-
lizaban sobre el teclado marfileoso del piano interpretando cuecas, kaluyos y bailecitos
de reconocidos compositores y cuya ejecución solo podía ser comparable con la de los
grandes músicos, casi siendo el único y ultimo interprete de la línea musical del maestro
chuquisaqueño Simeón Roncal.
Músico de vocación se ha convertido en un investigador del folklore nacional, cuando
llego a poseer una colección de mas de 180 bailecitos, alrededor de 120 cuecas y algo
más de cien kaluyos y géneros diversos de música nacional, de los mas representativos y
anónimos autores.
Como todo en este mundo tiene tiempo y lugar, el Maestro Fidel Torricos Cors, luego de
una enfermedad que le aquejaba falleció a los 86 años, el 25 de Junio, deceso que acon-
gojo al país entero por la perdida de uno de sus hijos mas queridos, un artistas de vocación
cuya meta fue dignificar el arte y la expresión del país mas rico en manifestaciones artís-
ticas y culturales de esta parte de la América. El gobierno departamental de sucre y su
público prepararon actos de despedida acompañando sus restos mortales al cementerio
general de la Capital de la República.

66. 66
MIGUEL ÁNGEL VALDA PAREDES
Músico y compositor, nació en Sucre en 8 de mayo de 1885.
Desde temprana edad demostró tener un gran sentido musical, y una extraordinaria me-
moria, cualidades innatas para aprender instrumentos, fue alumno aventajada del colegio
Pontifico de San Cristóbal, lució con orgullo la beca roja que identificaba a la renombrada
institución. La perseverancia y el interés por conocer hizo que Miguel Ángel se acostum-
brara a salir los domingos a los alrededores de la ciudad a observar las fiestas campesinas
y conociendo ya la escritura musical puesto que escribía con mucha facilidad no le fue
difícil copiar la música ejecutada por los “fiesteros” habiendo coleccionado casi un millar
de canciones, esa experiencia sin duda le permitió aflorar la capacidad de transcribir mu-
sicalmente.
En ocasión de celebrar la “fiesta grande “ dedicada a nuestra señora de Guadalupe, ma-
dre y protectora de chuquisaca el 8 de Diciembre, donde participaron los mejores músicos
y voces de la ciudad que conformaban la filarmónica de Sucre, quedó registrada una
anécdota que involucraría al maestro Roncal y a su discípulo Valda. Al finalizar el aconte-
cimiento el maestro Roncal encontró cerca del órgano una hojita pautada con la escritura
a lápiz de unos compases encabezados con la descripción que decía “cueca por vp”, el
maestro Roncal paso la vista por la pequeña partitura y con sorpresa observó que no era
nada menos que su cueca N° 3, a la que ni siquiera le había puesto nombre y que menos la
había escrito aun Roncal, por mucho tiempo se preguntaba quién era el que escribió esas
líneas, nadie sabía y menos conocía hasta que el “misterio de la catedral“ se descubrió
que era el joven Valda alumno del maestro Roncal y sabiendo que este no escribía pronto
sus obras y quedaban olvidadas Miguel Ángel que vivía al frente de la casa del músico
Roncal se dedicaba a copiar detrás de la puerta donde Roncal componía sus obras, re-
gistrando sin que le faltaran una sola nota, este hecho sorprendió al maestro Roncal por la
habilidad de su alumno y de ese modo pese a la diferencia de edad (15 años) nació una
estrecha amistad entre los dos.
Se tiene presente en la época de oro de la música Boliviana la reunió de un grupo de músi-
cos de primera línea formado por los 5 Grades Compositores: Simeón Roncal, Miguel Ángel
Valda, José Lavadenz, Telmo Solares y Belisario Zarate, en una velada artística memorable.
Miguel Ángel Valda, fue compositor de las cuecas “sed de amor” marquesita” Rosas y vio-
letas” cuyas letras corresponden al poeta Rafael García Rosquellas estrenadas con la ma-

67. 67
gistral interpretación del Coro de Sucre. También coóperaron en el aporte literario los poe-
tas: Octavio Campero Echazu, Enrique Reyes Barrón, Nicolás Ortiz y Ramón Chumacero.
El maestro Miguel Ángel Valda Paredes falleció el 27 de octubre de 1957.
ATILIANO AUZA LEÓN
Nació en Sucre el 5 de Octubre de1928. Realizo estudios en la Sociedad Filarmónica de
Sucre, Conservatorio Nacional de La Paz, fundo la Sociedad Coral de Tarija.
Entre sus composiciones las mas destacadas son: ramillete sonoro, tres tomos con cancio-
nes escolares con textos de Oscar Alfaro música moderna para violín y piano, seis danzas
bolivianas del ciclo runas, entre la música sinfónica podemos citar concierto para violín y
orquesta, sinfonía boliviana para cuerdas, doble concierto para violín, la cantata oda a
Méndez. Y muchas otras composiciones.
También es autor de varios libros y textos como la dinámica musical, música contemporá-
nea, simbiosis cultural de la música boliviana. Autor de la única opera boliviana Incallajta.
WILLAM ERNESTO CENTELLAS MOLINA
Compositor y reconocido ejecutante del charango. Nacio en Sucre el6 de marzo de1950.
Merecedor de varios premios como el Inti de oro otorgado por el sistema de universidades,
disco de oro otorgado por Discolandia Dueri y compañía.
Entre sus obras mas conocidas están “mariposa nocturna, y el huayño “ven a mi”.

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LA PAZ
ADRIAN PATIÑO CARPIO
Músico y compositor nació en la Paz, el 19 de febrero de 1895, hijo de José Patiño de la
Veja y Encarnación Carpio Vargas.
Ingreso al conservatorio Nacional. de música del que egreso como profesor de instrumen-
tos de viento, en 1922, se inicia como profesor de música en las escuelas de la tercera
orden franciscana, en 1919 recibe el nombramiento profesor de instrumentos de viento-
madera del conservatorio Nacional de música de la paz. en merito a su formación profe-
sional el Presidente de la Republica, le nombra Profesor de las Escuelas de música del Ejer-
cito, al año siguiente el H. consejo Municipal le designa profesor de canto de las Escuelas
Municipales.
Inicia su periodo militar cuando en 1926, el Presidente de la Republica Hernando Síles firma
su nombramiento de sub. teniente y es invitado a incorporarse a la banda de música del
Regimiento Loa 4 de infantería como Director.
En ocasión de celebrar el Aniversario Patrio de la Republica de la Argentina el 9 de julio
de 1927 y la inauguración del monumento a Bartolomé Mitre, Adrián Patiño es invitado
a dirigir la banda de música que acompañaría a la delegación de caballeros cadetes
que en representación de Bolivia asisten a dicho acto, cosechando los mejores aplausos
por su impecable presentación, disciplina, marcialidad y la excelente ejecución de mar-
chas bolivianas bajo la dirección de la banda del regimiento Pérez 3 de caballería. En el
concurso de bandas de música Americana, realizado en el teatro colon de Buenos Aires,
Bolivia obtiene el primer premio el mismo que es entregado por el Presidente Argentino
Don Marcelo Alveár, al director Adrián Patiño, merito que le valieron constantes ascensos,
primero a Capitán, luego a Mayor, y finalmente en 1942 a Tte. Coronel, con el cargo de
Director General de las bandas de música del ejercito de Bolivia ,orden firmada por el
presidente Enrique Peñaranda, correspondiendo a esos años como una de las mejores y
mas prestigiosas etapas que tuvieron las bandas, mejor organización, elemento altamente
profesional, orientación y disciplina muy bien implantada, antecedentes que le valieron el
reconocimiento a nivel internacional
Adrián Patiño es invitado como interprete de clarinete, oboe y piano, a integrar la orques-

69. 69
ta internacional de la compañía de ópera Agostinélli; En la escuela militar de música
se dedico a la formación de varias generaciones de excelentes músicos, reorganizo la
escuela militar de música que lleva su nombre en la población de viacha, coopero en el
resurgimiento de las estudiantinas conformado por obreros, organizo la estudiantina 1ro de
mayo-obreros de la cruz, y kollasuyo, el centro artístico Haydn y el centro juvenil de arte.
Entre sus composiciones musicales predominan sus marchas, que sobre pasan el centenar,
una de las principales “La Marcha Presidencial” dedicada al presidente Tcnl. Germán
Busch, escrita en 1939,”Glorioso Clarín” Sargento Tejerína” y otras mas; entre sus obras mas
destacadas citemos los fox-trot “Nevando Esta” (con letra de Luis Jofré Ávila) “Chayñita”
Cariñito” Corazón de Oro” Adorada Eleníta” Irpaveñita”. Dentro del género del fox-trot , el
maestro Patiño ha creado una expresión propia e innovadora abriendo nuevos espacios a
la inspiración de genero musical del fox incaico, de tendencia indigenista en el concepto
de ritmo, mestizo-criollo, de la misma forma destacan sus boleros de Caballería, Preludios,
Danzas, Yaravíes, algunas de las que han sido registradas en los sello discográficos de la
RCA. Víctor, y Odeón de la Argentina, permitiendo de ese modo su difusión de varios ritmos
musicales hasta entonces desconocidos en el ambiente artístico internacional, a si mismo
en la valoración de la maestría y calidad interpretativa del músico Boliviano, en este cam-
po fue muy valioso el aporte que realizo el maestro Adrián Patiño Carpio, en beneficio de
la toma de conciencia y su difusión de nuestra música nacional.
El Compositor Adrián Patiño, fue merecedor de varias condecoraciones, de las que des-
tacan la otorgada por el Gobierno de Bolivia con “La Orden de la Educación” en el grado
de gran oficial; Del Gobierno de Francia recibió la condecoración “Palmas Académicas”
en el grado de oficial entregado por su Embajador el 4 de Julio de 1933; El Consejo Muni-
cipal de Cochabamba designa “Adrián Patiño” la plazuela del distrito No. 2 de la zona de
Queru Queru; se designa con su nombre a una calle en la ciudad de la Paz.
El músico y compositor Adrián Patiño Carpio, que con su talento, capacidad e innata vo-
cación acredito el prestigio del músico Boliviano en el ámbito internacional , falleció en
la ciudad de la paz, a la edad de 56 años el 9 de abril de 1951. en pleno ejercicio de sus
actividades, en los centros musicales que en vida fundo y dirigió del que egresaron desta-
cados músicos que enriquecieron el ambiente artístico y cultural de nuestro País.

70. 70
NESTOR OLMOS MOLINA
Nación en La Paz el 26 de enero de 1926.
Estudio en la Escuela Nacional de Maestros Antonio José de Sucre, en Sucre, en el conser-
vatorio de Música de la Paz y otras especialidades como director de coros, instrumenta-
ción, estudios para la educación musical, bandas rítmicas, etc.
Entre sus principales distinciones: medalla de oro al merito de la Sociedad Coral Boliviana,
cinco primeros premiasen composición.
Entre sus composiciones, la mas destacada es la cueca “rosa carmín”

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POTOSI
ALFREDO DOMINGUEZ ROMERO
Músico, Poeta y Pintor nació en población de Tupiza, del departamento de Potosí- Bolivia
el 9 de Julio de 1938, Hijo de don Cesáreo Domínguez y Eleuteria Romero, familia de origen
humilde, Alfredo tuvo desde su infancia' inclinación para la pintura y la música comple-
mentando este arte con la poesía: Su primer maestro de guitarra fue el Profesor Adalberto
Barrientos, El arte de la pintura y el grabado fue perfeccionando en diferentes centros cul-
turales hasta ingresar a trabajar como dibujante del matutino "La Nación” de la ciudad de
La Paz, donde hacia caricaturas, trazaba bocetos, e ilustraba muchos artículos.
Gracias a una beca obtenida, tuvo la oportunidad de viajar a Europa y radicar en Ginebra
Suiza donde perfecciono el arte de la pintura, grabado y la música, el talento de Alfredo
cobro relevancia en el centro Ginebrino del grabado.
Convertido en concertista en guitarra realizo importantes presentaciones en el exterior fue
el quinto integrante del famoso conjunto boliviano “Los Jairas, conformado por Edgar yayo
Jofre, Ernesto Cavour, Gilbert Lafabre y Julio Godoy, realizaban conciertos de música bo-
liviana en importantes escenario de América y Europa donde Alfredo Domínguez exponía
sus cuadros de dibujo, pinturas y grabados.
Muchas de sus obras musicales están relacionadas con sus obras de Pintura como es el
caso de: "Vida. Pasión y Muerte de Juan Cutipa” "Muerte del Indio "Agonía del Ave" "Ro-
sendo Villegas Velarde” Añoranzas” etc. En cuanto a su composiciones musicales Alfredo
Domínguez realizo diversas obras en tonadas, canciones, villancicos, cuecas, reflejando en
la parte literal los acontecimientos políticos, sociales y costumbristas de varias regiones de
Bolivia, plasmadas en varios discos y como fondo musical de algunas películas.
Alfredo Domínguez fue un artista que supo crear su propio estilo en el arte de la pintura, la
ejecución de la guitarra y hasta en el propio canto.
Este Artista Boliviano, falleció en Ginebra Suiza el 28 de enero de 1980, sus restos fueron
trasladados a su tierra querida Tupiza donde su pueblo natal le rindió varios homenajes y
su nombre quedo imperecedero en la Escuela de bellas artes “Alfredo Domínguez” y un
Centro Folklórico en la ciudad de La Paz

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APOLINAR CAMACHO ORELLANA
Músico y Compositor, nació en Uyuni, Potosí el 5 de Enero de 1917, desde niño tuvo la incli-
nación por la música aprendiendo instrumentos de cuerda y viento, guiados por su padre
que era músico, le llevo a estudiar al Conservatorio de Música, conociendo las elementales
lecciones de piano da rienda suelta a la inspirada imaginación para componer su primera
composición la cueca “Mi flor” que el conocido compositor Adrián Patiño armonizo y es-
cribió en el pentagrama musical. Años Mas tarde por razones de salud Camacho Orellana,
fija su residencia en la ciudad de la Paz, para entonces ejercía el cargo de contador en
una reconocida Empresa, Al músico de vocación no le margina ni la peor crisis económica,
ni el mas amargo pesar, por que resulta que la “música es la terapia del alma” el alimento
que nutre su espíritu del que afloran sentimientos retenidos que dada la habilidad del com-
positor estas se transforman en obras que las canta el pueblo y cuyo aporte es la siguiente
obra musical:

73. 73
LA HISTORIA DE LA CUECA “A BOLIVIA” (viva mi patria Bolivia)
En 1933 Apolinar Camacho se inspira una melodía en ritmo de cueca que lo intitula”A
Bolivia”con una letra que tenia solo dos estrofas la primera que se repetía y la quimba,
años mas tarde el maestro, conoció al poeta salvadoreño Ricardo Cabrera que actuaba
como cantante en radio Illimani donde Camacho ejecutando el piano era el coordinador
musical, a este novel cantante le dio a conocer la cueca para que la cantara, que luego
de ensayar le pidió dejarla completar la segunda estrofa en agradecimiento al País que
le acogía, la cueca se estreno en una audición radial para posteriormente ser llevada al
disco en el sello Odeón de la Argentina por el dueto “Las Kantutas” en 1946 con el acom-
pañamiento del maestro Gilberto Rojas y su conjunto.
Dicha cueca quedo en el olvido, hasta el año 1963, cuando el Equipo de Bolivia, se Corona
Campeonato Sudamericano de fútbol, y es entonces que el pueblo le cambia de nombre
por “Viva mi Patria Bolivia”.Por el año de 1969 el poeta Salvadoreño Ricardo Cabrera que
residía en Lima, mediante una carta al encargado de negocios de Bolivia en Perú, cede
sus derechos de autor que le corresponde, al Estado Boliviano. Con el tiempo y dada la
popularidad de la citada cueca se convirtió en el segundo himno de nuestro País y en el
símbolo del triunfo y la unidad nacional.-nota esta declaración la hizo publica el maestro
Apolinar Camacho en el Programa “Pentagrama del Recuerdo”
Entre las principales distinciones que recibió destacan la condecoración “Bandera de
Oro”, medalla “Vicenta Juariste Eguino” Diploma del Instituto Boliviano de Cultura, Disco de
Plata del Sello Lauro y otras mas. En ocasión de celebrar sus 87 años, Apolinar Camacho,
es invitado al Programa Radial “Pentagrama del Recuerdo” para una entrevista donde
queda registrado el ultimo saludo y tomada la ultima fotografía del compositor Uyunence,
quien falleció en la ciudad de la Paz, el día jueves 4 de abril del 2002
EDUARDO CABA
La ciudad de Potosí, fue la cuna de uno de los más fecundos e inspirados compositores de
la Música Boliviana, el Maestro Eduardo Caba, nacido el 1890.
Inicialmente fue su madre la que le impartió las primeras lecciones de piano, hasta que en
1926 se traslada a Buenos Aires para continuar el estudio con el maestro Felipe Boero.
En 1927 de retorno a la Patria el Gobierno le concede una beca de estudio a España don-

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de completa su formación con los maestros Joaquín Turina y Pérez Casas. Eduardo Caba
se especializo en la ciencia musical, en la forma de combinar y armonizar los sonidos,
creando una técnica impresionante que mas tarde aplicaría para estructurar la melodía y
ritmo del genero indigenista, cuidando de restarle los elementos básicos.
En 1942 El Maestro Eduardo Caba es nombrado Director del Conservatorio Nacional de
Música de la ciudad de la Paz, impartiendo los conocimientos y experiencia que le llevo
años de trabajo en la investigación de la temática musical.
La obra de este talentoso compositor principalmente se basa en la creación de un nuevo
estilo de expresión en los temas andinos que se escuchan en sus “18 Aires Indios”, parte
de sus poemas para flauta y Orquesta llamada “Quena”, “Leyenda Quechua” Himno al
Sol” algo destacable de sus obras comprende el ballet “Kollana”; la Pantomima “Potosí”
las obras populares: “Kollavina” “Korikilla””Flor de Bronce” “Romancillo” y otras mas. Según
opiniones del Maestro Caba, las obras musicales de su inspiración eran parte del sentir de
su alma, su corazón, y fragmentos de su vida, pero sobre todo del gran amor que tuvo por
su Patria.
Eduardo Caba falleció en la ciudad de La Paz en 1953, se fue un de los mas grandes culto-
res y estudiosos de la música Boliviana.
HUMBERTO IPORRE SALINAS
En la ciudad de Potosí, declarada patrimonio de la Humanidad nació uno de los mas des-
tacados músicos y fecundo compositor don Humberto Iporre Salina, aquel 28 de diciembre
de 1915, y fue su padre don Víctor Iporre Rollano, su primer maestro de piano y mas tarde
el profesor Juan Manuel Manzano estuvo a cargo en la instrucción técnica pianística y
musical. La influencia y el estimulo que recibió de su familia, ayudo de gran manera, en la
formación profesional.
Durante el conflicto bélico de la guerra del chaco fue interrumpido su profesionalización
tiempo en el que estuvo de servicio en la zona de óperaciones hasta la finalización del
mismo en 1936, cuando fue invitado a tomar cargo de la educación musical y artística en
las escuelas y colegios de Potosí, de ese modo da inicio a una larga y reconocida trayec-
toria en el magisterio.

75. 75
Humberto Iporre, dada la capacidad de ejecutante como concertista de piano ofreció
presentaciones en diferentes ciudades del país donde daba a conocer sus inspiradas
composiciones musicales que posteriormente eran grabadas por reconocidos interpretes,
producto de su inagotable inspiración son sus cuecas, huayños, kaluyos, taquiraris, pasa-
calle y otras danzas bolivianas.
Este compositor potosino es autor de la “suite india” No.- 1 y 2, la primera de las cuales es
la celebre “Oración del Mitayo” obra grabada por la Orquesta Sinfónica Nacional, Du-
rante varios años dirigió la Orquesta Sinfónica de la Universidad Tomas Frías de la ciudad
de Potosí,
Pero fue con su Orquesta Folk-Sinfónica “Arte y Trabajo”integrado por 90 instrumentistas
con la que estrenaba la mayor parte de sus obras como:”El rumor de mi tierra”,Potosino
soy”obra musical escrita cuando contaba con 15 años, El chutillo”Tu orgullo” Por un minu-
to de amor “Sandrita”, “Tu ausencia” ”Cinteñita”Chiry huayrita” y otras mas.
Humberto Iporre Salinas dedico gran parte de su tiempo en la formación y dirección de
excelentes coros polifónicos Fue intensa la actividad que desarrollo el Profesor Iporre Sali-
nas, estuvo en el renombrado instituto Curtís de Filadelfia, Nueva York, Detroit y otras ciu-
dades norteamericanas ofreciendo conciertos. Para “La voz de América” en Washington
grabo más de diez discos dirigiendo el Coro Polifónico y la Banda de la Marina de los
Estados Unidos.
El destacado Compositor Potosino recibió en vida, varias condecoraciones de organismos
públicos y privados, entre los que destacan las concedidas por el Ministerio de Educación:
La Gran Orden de la Educación, en el grado de oficial, en 1976 y en el grado de caba-
llero, 1981, El Cóndor de los Andes en el grado de comentador, se le otorgo con carácter
póstumo el 10 de noviembre de 1985: Entre los principales Premio y Diplomas destacan
los siguientes: Premio Radio el Mundo de Buenos Aires, por su composición “Potosino Soy,
otorgado en 1942; Segundo Premio en el concurso de la UNESCO,1957; Primer y Tercer
Premios de Composición otorgados por el Magisterio de Oruro,1954.

76. 76
Humberto Iporre Salinas falleció en su ciudad natal de Potosí el 7 de Noviembre de 1985
dejando escritas importantes obras musicales que enriquecieron el patrimonio cultural del
país sumando mas de 600 composiciones que le corresponden en letra y música de las que
destacamos los siguientes:”Tu orgullo”La oración del mitayo”Koya raimy”El putútu”La Qoa”El
sueño de la ñusta”Potosino soy” Chiry huayrita”El chutillo”Mi Potosí querido”Madre”Canto a
Bolivia”Ajtapi”Una palomita”Chunquituy palomitay”En el Boulevard”En los arenales”Dime
corazón”Serpentina de notas” “Potosina fiel y fina”“Abaroa”Como Bolivia no hay dos”Por un
minuto de amor” “Rapsodia quechua”Estudio para piano” Danza de primavera”Fantasía
india” y muchas mas. Por ese Trabajo el maestro Humberto Iporre Salinas es considerado
uno de los mas fecundos e inspirados compositores que tuvo la Villa Imperialç

77. 77
ORURO
GILBERTO ROJAS ENRIQUEZ
Músico y compositor, nació en Oruro, Bolivia el 10 de marzo de 1916, hijo de Juan Rojas e
Irene Enríquez, desde niño Gilberto Rojas mostró un marcado grado de precocidad, a sus
tres años de edad su primer instrumento fue el charango que combinaba los sonidos de
manera muy agradable, llamando la atención de sus familiares y marcando el toque inicial
de su talento creador y su vida artística.
En su temprana edad Gilberto, escuchaba y seguía atentamente las lecciones de piano
que le daba su madre y luego se entretenía durante largas horas en lograr acordes, mos-
trando una sorprendente memoria para repetir cualquier fragmento musical, adentrándo-
se en el conocimiento del piano, cada vez con mas insistencia, de tal manera que alre-
dedor de 1927 sus padres resolvieron hacerle estudiar música, y mas aún de haber sobre
pasado las enseñanzas que le dio su madre.
El pequeño Gilberto, se pasaba largas horas silbando o cantando y creando melodías
imaginarias que llamaba la atención de quien las escuchaba y cuando le preguntaban
como se denominaba aquella melodía que estaba silbando él respondía que en ese
momento la había “inventado” y la repetía tocando en el piano; En sus primeros años de
estudiante fue alumno de la escuela Agustín Aspiazu y del instituto Americano de la ciudad
de la Paz, graduándose de bachiller en humanidades el año 1936.
Al iniciarse el conflicto bélico de la guerra del Chaco, Gilberto contaba con 16 años y era
estudiante del 5to curso de colegio, se presento al llamamiento que le hacia la Patria y
partió hacia el frente de batalla el 2 de noviembre de 1932 incorporándose al regimiento
Vanguardia 24 de infantería, Gilberto, había llegado a destacar tanto que pronto fue as-
cendido a cabo y después a sargento, luego de algún tiempo cayo enfermo y evacuado
hasta la Paz, que después de algunos meses nuevamente se presento al ejercito para unir-
se a otro contingente, volviendo a salir por segunda vez el 7 de enero de 1935 incorporado
esta vez a la 9ª. Compañía del regimiento colorados 41 de infantería, hasta el cese de
hostilidades el 14 de junio de 1935.
Una vez retornado, se incorporo al estudio, finalizando el mismo en 1936; Por entonces ya
se desempeñaba como pianista en varias emisoras de la ciudad de la Paz, acompañando

78. 78
a cantantes, tiempo en el que empezó ha surgir las primeras notas musicales de su inspira-
ción su primera composición fue el vals “Dios te guarde madrecita” en el año 1937 tenia 21
años, después la melodía del vals “bajo el cielo de vallegrande” escribiendo la letra la pro-
fesora Elena Cabrera como un homenaje a su tierra, conforme fueron pasando los años,
Gilberto Rojas se entrego con mayor pasión a la música y al amor, llegando a casarse con
la Srta. Carlota Foppino Villa blanca en 1942 de aquella unión nacieron sus hijos Ana María
y Gilberto, matrimonio que acabaría en 1946.
En 1945 Gilberto Rojas, junto al paceño Jorge Landivar y al cochabambino Hugo Claure,
forman el trío
“Los Indios Latinos” con quienes realiza sus primeras giras a las Republicas de Chile, Perú y
la Argentina, donde interpretan y graban las obras de Compositor Orureño, posteriormente
volvería a realizarlas con el dúo las “kantutas” formada por Irma Vásquez y Alicia Sáenz en
1947 y en 1956 con las Hermanas Espinosa , Grímanesa y Josefina a quienes las inicio y co-
opero en su carrera artística siendo ambos duetos las que estrenaban sus obras musicales,
llevándolas al disco en los sellos Odeón, y RCA. Víctor de la Argentina , posteriormente en
discos Méndez de la ciudad de la Paz en 78 rpm; La actividad profesional dentro el magis-
terio como profesor de educación musical, inicia en el Instituto Americano, posteriormente
en los siguientes establecimientos: Don Bosco, Nacional Ayacucho, Ingavi, Sagrados Co-
razones, 1ro de Mayo, Evaristo Valle, Liceo Bolivia, Instituto Anglo-Americano y Universidad
Tupac Katari, llegándose a jubilar en 1973.
Gilberto Rojas llevo nuestro folklore a Estados Unidos en 1967 llegando a actuar con la no-
table cantante norteamericana Margaret Morís, donde estreno su taquirari “Hollywood de
mi corazón” con la propia dirección orquestal del Maestro Rojas, y del conjunto Nazca.
El 16 de julio de 1956 Gilberto Rojas Enríquez, recibe la más alta condecoración que otorga
el Gobierno de Bolivia”La Orden del Cóndor de los Andes” en el grado de Caballero; En
1973 ingresa a la “Sociedad Argentina de autores y compositores” en las que registra mu-
chas de sus obras; En 1976 recibe la condecoración del club leones de Santa Cruz, por su
obra “Viva Santa Cruz”, considerado el segundo Himno de la tierra oriental, en el transcur-
so de su vida fueron muchas las distinciones y condecoraciones que recibió por las obras
que dedico a varios establecimientos educativos, por las composiciones dedicadas a to-
dos los departamentos de Bolivia, Gilberto Rojas fue integro compositor libre del regionalis-
mo, en su haber compositiva sobre pasan las 300 obras musicales, con mensajes de amor,
ternura, y Bolivianidad reflejadas en sus taquiraris, carnavales, cuécas, bailecitos, etc.etc.

79. 79
La enfermedad que le aquejaba le venció falleciendo el 21 de marzo de 1983, Al deceso
del maestro, se le rindieron homenajes póstumos de toda índole, sus restos fueron velados
en la casa de la cultura durante tres días recibiendo el postrer adiós de toda la ciudadanía
acompañado de bandas musicales, que interpretaban la melodía de sus obras, el cuerpo
de Gilberto Rojas Enríquez yace, a la sombra de un pino en el cementerio general de la
ciudad de la Paz.
ZULMA YUGAR PARRAGA.
Nació en la ciudad de Oruro Bolivia el 6 de Enero de 1953, hija de Agustín Yugar y Wilma
Parraga, Desde niña tuvo la inclinación al arte expresivo, vocación innata para la decla-
mación y la música, a los 5 años de edad comenzaron sus presentaciones como una pre-
coz declamadora muy conocida como “Nenita Yugar".
La actividad Artística en la Capital del Folklore Bolivia permitía tales expresiones que se ma-
nifestaban en veladas artísticas organizadas por muchas agrupaciones, particularmente la
llegada de embajadas artísticas y elencos teatrales, en una de las tantas visitas que realizo
la Compañía Teatral del conocido Actor y Director Potosino Celso Peñaranda Quiroga, a la
ciudad de Oruro, Zulema Yugar fue invitada por el director al escenario a demostrar su arte
de declamación, quien luego de escuchar quedo sorprendido del desenvolvimiento de
esta precoz artista animándola a que incursione con mayor seriedad dentro la actividad
artística del canto.
En 1967 se prepara la Delegación que asistiría al Festival Latinoamericano de Salta inte-
grado por artistas de Sucre, Tarija, La Paz, Potosí y Oruro, en dicho evento Zulema vestida
de “china supay” encabeza la delegación de la Diablada Ferroviaria de Oruro merito que
la llevo a ganarse el titulo de Reina del Festival Internacional, galardón que prestigio de
gran manera el talento de una artista que llegaría muy lejos, a este Festival se suman los
Festivales de Mar del Plata, Festival de la Uva, Mendoza, y otras tantas, de retorno a Bolivia
es recibida por el Presidente de la República, y un pueblo Boliviano agradecido. En. 1968
Zulema. Realiza una gira a la Capital Mexicana, a invitación de la Firma PELMEX y ofrece
varios recitales de música Folklórica Boliviana, aprovechando de su estadía y en el afán de
superar la calidad expresiva de su arte realiza cursos en la Academia de arte dramático
"Andrés Soler", mejorando y complementando notoriamente su calidad interpretativa el

80. 80
que le depara mayores éxitos. Es a partir de esta etapa que , Zulema se convierte en Zulma,
a condición de la Empresa CBS. que por norma publicita a sus Artistas con nominaciones
Artísticas, con ese nombre se hace presente en la 3era Olimpiada de Grecia 1971, con la
canción de Lola Sierra de Méndez "Canción, de Amor"-y comienza una extensa gira por
Europa, en 1987 es invitada a Corea del Norte, ganando el Premio máximo la medalla "Kim
sung", Aprovechando los conocimientos adquiridos en la Capital Mexicana sobre arte dra-
mático Zulma, a participado de varias Películas nacionales y co-producciones, “Volver”
“Pueblo chico" incursiono en la producción Televisiva con importantes producciones. Zule-
ma es considerada como una de las mejores Artista polifacética que supo cantarle a todo
el País interpretando con la mayor sentimiento sus características canciones y costumbres,
Tiene grabados mas de 50 LPs y como Compositora le corresponde "Tanto Amor para que
"parte literal ”Ay juna mozo" Pisando la uva "Arriba Camba” Una estrella me guió "Menchu"
La expresión artística de Zulma Yugar se resumen en un nombre “La artista estrella de Boli-
via".}
JOSÉ “JACHA” FLORES
La creación de notas musicales, aplicadas a un proceso de tiempo y valor, permiten for-
mar una determinada melodía, este efecto es producto de la inspiración de todos los com-
positores de música, de los cuales algunos no tuvieron una formación académica, ni aun
técnica, estos últimos acudían a la relación hombre-naturaleza, relacionaban las notas
musicales con el canto de los pájaros, el correr de las aguas de un rió al chocar con las pie-
dras, o el efecto que produce el viento del altiplano boliviano, al romperse en el filo de la
paja brava; Otros que tocan algún instrumento sacan algunas notas musicales para formar
una melodía, que le sirva de inspiración. Uno de esos intuitivos compositores, que dejara
escritas interesantes páginas musicales particularmente en el ritmo de la morenada, es el
popular “Jacha” Flores cuyo nombre fue: José Félix Flores Orozco, nació en la ciudad de
Oruro-Bolivia, el 21 de septiembre de 1941, hijo de Francisco Flores y de Francisca Orozco.
La influencia por la música y la danza las recibió de su padre, quien conocía la ejecución
de nuestros instrumentos originarios. José Félix Flores, como estudiante fue parte de los co-
ros polifónicos y de la enseñanza musical, sus primeras incursiones en el ambiente artístico
recién fue en 1965 siendo integrante del dúo “Los gavilanes”, cuatro años mas tarde inte-
gro el trío “Los Amayas” y por 1971 fue parte del conjunto “Los K´arisiris” formados por estu-
diantes de la facultada de derecho de la universidad técnica de Oruro, con este grupo se
dio a conocer en la ejecución de instrumentos originarios como la zampoña-quena-tarka
y bombo. En su vida Profesional egreso de la Universidad Técnica de Oruro con el titulo de
Economista, fue becado a la republica de Francia, donde alterno el arte musical vincu-
lándose el conjunto boliviano “Los “Ruphay” con quienes realizo actividad cultural, mas
adelante fue parte del grupo “Boliviamanta”.
Su producción compositiva llegan al centenar de obras en distintos géneros musica-
les de las que destacan sus famosas morenadas como: “Mantilla de vicuña” “Chiquita
orureñita””Mentirosita” “Mirando tus ojitos” y la Logia Aymará “Auqui auqui” éxitos musica-
les que le depararon muchos reconocimientos y premios de varias instituciones.
José “Jacha” Flores Orozco, falleció el día martes 1 de septiembre de 1998, de un paro
respiratorio en la ciudad de la Paz, sus restos fueron trasladados a su ciudad natal Oruro,
donde fueron enterrados en el Mausoleo de los Notables. La agrupación de la morenada
Central de los Cocanis, y las instituciones Orureñas erigieron una estatua del popular “Ja-
cha” en el lugar de partida del antruejo folklórico más grande de la América como es el
Carnaval Orureño.

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COCHABAMBA
TEÓFILO VARGAS CANDIA
Uno de los mas importantes cultores y pedagogos y a quien se debe un valioso aporte a
la cultura es el asigne Maestro Don Teofilo Vargas Candia, Músico y compositor nacido en
Quillacollo Cochabamba, el 3 de noviembre de 1866 hijo de Joaquín Vargas y de doña
Francisca Candia.
Desde niño revelo las aptitudes innatas para el arte de la música, a los 6 años sus padres
lo llevaban a cantar al templo junto al coro de un grupo niños.
El pequeño Teofilo, se pasaba horas escuchando ejecutar a su padre varios instrumentos
musicales, y disfrutar de la dulce y expresiva voz que tenia su madre. A la edad de once
años sus padres lo internaron en la casa del Canónigo Mardoñez, para recibir las primeras
lecciones de música las que asimilaba con extraordinaria facilidad, sorprendiendo a quie-
nes impartían sus clases.
Como músico de vocación el maestro Vargas no se aparto del trabajo constante, llevan-
do a cabo tanto en la dirección de coros, orquestas e impulsando el progreso del arte
musical especialmente con la creación en 1905 de la “Escuela Musical” donde se impartía
enseñanza gratuita de lecciones de teoría y la ejecución de varios instrumentos musica-
les, en 1907 fue denominada como “Conservatorio Musical Cochabamba” hasta el 8 de
noviembre de 1957 que reunidos en una asamblea extraordinaria la totalidad de sus com-
ponentes deciden cambiar el nombre por el de “Conservatorio Musical Teofilo Vargas” en
reconocimiento al trabajo realizado, en este centro se formaron generaciones de jóvenes
y señoritas que poseían aptitudes artísticas para la ejecución de instrumentos musicales y
canto de la ciudad de Cochabamba, hasta la década de los ‘60s cuando por falta de
recursos deja de prestar este servicio.
En el segundo tomo de “Aires Nacionales de Bolivia”,también editado en la Casa Amarilla
de Santiago de Chile, el maestro Vargas publica 22 cuecas, y 22 bailecitos para canto y
piano, varias de esas obras interpretan las acciones mas gloriosas de la Guerra del Pacifico
y del Chaco, a si como las costumbres del pueblo que caracterizaban sus fiestas populares,
en las diferentes épocas del año. Estas publicaciones abarcan hasta el 4to. tomo, dedica-
das a su esposa Sra. Maria Clavijo de Vargas.

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Las obras de mayor valor intelectual y material, que ha escrito Teofilo Vargas son los Me-
lodramas “Aroma y “Coronilla” cuyos inspirados libretos en versos corresponden al dra-
maturgo don Manuel Paz Arauco, rindiendo justo homenaje a la Gesta Heroica del l4 de
Septiembre de 1810 y la Heroica Acción de la Mujer Cochabambina.
El Maestro Teofilo Vargas Candia, falleció en su domicilio ubicado en la calle ayacucho
entre mayor Rocha y México, a la edad de 94 años el día 3 de febrero de 1961 sus restos
fueron velados en el salón de la prefectura de Cochabamba, fueron muchos los oradores
que despidieron a este Notable Músico Boliviano, sus restos fueron conducidos hasta el
cementerio general a los acordes de la marcha fúnebre “Pesadumbre” escrita por el com-
positor Emilio Gutiérrez, y ejecutada por la banda de la Policía, al que acompañaron gran
cantidad de publico asistente.
Lamentablemente, tras la muerte de este insigne compositor, y pese a existir el compromi-
so de mantener vigente el”Conservatorio Musical Teofilo Vargas”, que funcionaba en su
domicilio decidieron cerrar sus puertas, quedando desde entonces en deposito el piano
y todo el archivo de partituras musicales, y las obras publicadas, sin dar la oportunidad de
acceder a este valioso material, a las nuevas generaciones que les permita conocer las
reglas y patrones musicales de todos los ritmos que este inspirado mentor de la educación
musical de Bolivia ha escrito y coleccionado. Todo este valioso material Bibliográfico de-
ben ser recuperados con el sano propósito de conformar un museo donde se pueda admi-
rar el piano en el que ha creado maravillosas obras musicales y conocer de cerca todo el
fruto de esa sacrificada labor, por que la vida y obra de este ilustre Boliviano corresponde
al patrimonio cultural del Pueblo Cochabambino, y que a través de sus instituciones estas
se deben preservar, por que Don Teofilo Vargas Candia, llamado con orgullo “El Mago de
la Melodía Boliviana” dignifica el talento del Músico y Compositor Boliviano, y el pueblo
debe de ser agradecido.
ULISES HERMOSA GONZÁLES
Ulises hermosa nació en Capinota el 22 de febrero de 1954 junto a su hermana melliza mar-
garita, fue el penúltimo de 8 hermanos, integro los kjarkas desde los 14 anos y se convirtió
en el mentor del grupo, su hermano Gonzalo recordando dijo: ” Ulises fue el hombre que
nos llevo hasta donde nunca habíamos soñado “, porque a pesar de ser tímido, era agre-

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sivo cuando se trataba de alcanzar metas, siempre sonó con llevar su música mas allá de
las montanas y lo logro.
Ulises nunca tomo clases para aprender a tocar ningún instrumento, al ver que su hermani-
to menor Elmer cantaba, el tomo la guitarra para acompañarlo, en esa época el solo tenia
13 anos y su hermano Elmer 7 años.
Ulises ingreso a los kjarkas a los 14 anos, al principio le gustaba tocar la guitarra, pero des-
pués despertó su pasión por los instrumentos de viento, casi simultáneamente le nació el
de deseo de componer y escribir, eso fue algo que nació con el, ya desde muy pequeño
inventaba cuentos con personajes ficticios que relataba a los amigos de su pequeño pue-
blo, siempre estaba con su guitarra buscando alguna melodía nueva “ la primera canción
que Ulises compuso fue ” tatalitu ” ( dios chiquitito ) eso fue a sus 17 anos así fue el inicio de
una carrera, que no solo consolido a Ulises hermosa como uno de los folcloristas mas gran-
des del país y continente, sino que convirtió a los kjarkas en el grupo mas representativo de
nuestra música a nivel mundial.
Pero Ulises no solo se empeño en componer, una de sus mayores virtudes fue la fabricación
de los instrumentos de viento, con diferentes técnicas busco un sonido mas profundo en
las zamponas, era conocido y reconocido como el mejor fabricante de estos instrumentos.
Los kjarkas con la guía temprana de Ulises llegaron donde están ahora, quien sabe donde
estarían si el estuviera actualmente con ellos, solo dios lo sabe…
GONZALO HERMOSA GONZÁLES
Nació en Capinota Cochabamba. El 2 de octubre de 1940
Fundador y director del afamado grupo los kjarkas. Con quienes recorrió todo el mundo
llevando en alto la música folklórica boliviana.
La música ejecutada por este grupo a la cabeza de Gonzalo, tiene el sello propio de la
nueva inspiración nacional, es música de muy buena calidad ,tanto en el texto como en
la parte musical misma, tanto es así que muchas generaciones jóvenes músicos, tratan de
imitar su estilo particular.
Entre sus obras podemos nombrar algunas de ellas, Kutimuy, Bolivia, leyenda de amor,
Pequeño amor, El amor y la libertad, Mi Santacruz, Sucre, Capinoteña, Thuna papita, Fría,

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Jilguero flores, La imilla, Tiempo al tiempo, Etc, etc

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TARIJA
Uno de los cantautores más importantes que tuvo Bolivia, se resume en un Nombre.
NILO SORUCO ARANCIBIA
Nació en Tarija, en el barrio de San Roque el 6 de Julio de 1927, hijo de Onofre Soruco, y de
Doña Laura Arancibia, hija natural de José Anacleto Díaz, un reconocido poeta Tarijeño,
de quienes
De niño se dedico a lustrar zapatos, vender periódicos y haciendo todos los mandados que
le permitía ganarse unos centavos, valorando el oficio de su padre, ingreso a la Escuela de
Artes Plásticas “Julio Creveaux” en donde obtuvo el certificado de “Óperario Zapatero Zo-
lador”, atraído por la música aprendió a tocar la guitarra, después se vinculo con jóvenes
principiantes en el arte del canto.
En sus trajines artísticos conoció al Padre de la cueca Tarijeña don Pió “Senca”Martínez,
quien le ayudo a componer su primera cuequita intitulada “A orillas del Guadalquivir” en-
tonces contaba con trece años. Nilo, crecía formando su carácter romántico y alegre,
pero sobre todo, siendo de origen humilde conoció las necesidades económicas que le
sensibilizo el alma, muy joven formo parte de varios grupos musicales con quienes interpre-
taba sus primeras canciones.
Gracias a la ayuda del profesor Mario Estenssoro Vásquez, ingreso a la Escuela Normal de
Maestros Urbanos de Sucre, egresando como profesor de música en 1951, de esa época
surge la cueca escrita junto a su compañero de estudio Carlos Ávila Claure “Amancaya
Amancayita”. En 1952 se inicia como docente en el kindergarten “15 de Abril”, luego en
la escuela de niñas “Rosa Arce”,Maria Laura Justiniano” los colegios: “San Luis” Eustaquio
Méndez”, “Liceo Tarija” y otros.
Dada su sensibilidad social se incorpora a la lucha sindical del magisterio y tiempo después
conoce al poeta Oscar Alfaro que le invita a formar parte del Partido Comunista de Bolivia,
que para ingresar escribe su composición “Bandera Roja”, Nilo Soruco compone la línea
melódica para muchos poemas del poeta tarijeño Oscar Alfaro nacido en 1922, y muerto

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en 1963. Juntos trabajan en producciones comprometidas con la clase política y social del
País.
Dentro de la actividad Artística musical, Nilo Soruco organizo conjuntos de reconocida tra-
yectoria como “Los Montoneros de Méndez”Los Cantores del Valle”Los Embajadores del
Guadalquivir”Los Copleros del Sausal” Los De Sama”, con quienes llego a grabar mas de 50
Lps. Realizando giras por todo el País. Su producción compositiva sobre pasan las 250 obras
en varios géneros musicales.
Nilo Soruco, por ser dirigente sindical del magisterio, de la Central Obrera, y por haber crea-
do canciones protestas fue un perseguido político durante la dictadura militar del Gobier-
no de Banzer, hasta su destierro donde en Venezuela escribe su popular cueca reflexiva
“la Caraqueña”.
Nilo Soruco Arancibia, después de una prolongada enfermedad falleció victima de un
paro cardiaco el día miércoles 1 de abril del año 2004 a la edad de 76 años en el Hospital
San Juan de Dios, de su tierra natal Tarija, después de recibir el homenaje póstumo de va-
rias instituciones fue enterrado en el cementerio general.

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SANTA CRUZ
NICOLÁS MENACHO TARABILLO
Nació en la Ciudad de Santa Cruz, 21 de Enero 1925, Realizo estudios, en la Escuela Obispo
Santiesteban, Colegio Nacional Florida y Nacional Comercio. La vocación que tuvo desde
niño hizo que se interese en el aprendizaje de instrumentos musicales para mas adelante el
joven Nicolás, escoger la carrera de música iniciando en la Escuela Nacional de Maestros
de Sucre, donde se graduándose en 1946 como Profesor de la música y Solfeo, se desem-
peño como docente en el Colegio Nacional Florida, Escuela de Bellas Artes Víctor Serrano.
Nicolás Menacho Tarabillo, fue un consecuente estudioso del taquirari, un ritmo originario
de las tierras de los moxos una música que refleja el carácter de los habitantes de esas zo-
nas, de cual es compositor de hermosas obras musicales, compartiendo la autoría de las
letras con reconocidos poetas como Hermando Sanabria, con quien escribe “noches del
Pirai”, con Raúl Otero Reiche, las obras “El trasnochador”, “Cortando el sur”, “Trago Patrón”
“Pensando en ti”.”En la Pampita”,El corzo de las flores” y otras mas. Junto al poeta Luis Da-
río Vásquez escribió el Himno a la Bandera Cruceña.
Entre sus obras mas populares están, Poema oriental, cambita viajera, invitación al amor,
santa cruz de ayer, el patuju; las chovenas: rueda de camba, romanza de la selva, y otros,
siendo interpretadas por reconocidos artistas bolivianos y extranjeros.
Este prolífico compositor fue distinguido por varias instituciones públicas y privadas por el
invalorable aporte a la cultura musical del oriente Boliviano
GLADIS MORENO CUELLAR
Nació en la ciudad de Santa Cruz de la Sierra, el 28 de Noviembre de 1933, hija de Rómulo
Moreno y de Hortensia Cuellar.
La afición por la música empezó desde corta edad interpretando chovenas y taquiraris
que escuchaba cantar a su madre, ya en la escuela era la voz preferida de maestros y
alumnos en las horas cívicas, cuando cumplía los 13 años se presento en una función de
beneficencia, donde fue admirada por la gracia y prestancia que acompañaba su cálida
y exquisita voz.

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Durante varios años radico en la ciudad de La Paz, presentándose en varios escenario im-
portantes, pero fue en Radio Electra de la ciudad Oriental en 1948 donde inicia una serie
de actuación artística
Dos años mas tarde, es invitada a inaugurar el conocido restauran “La Pascana” en Santa
Cruz.
Gladis Moreno de retorno a la ciudad de la Paz, realiza sus primeras grabaciones discográ-
ficas en el sello “Méndez”en discos de 78 rpm. con el marco musical del conjunto Nacional
“Los Planetas” donde incluyen los taquiraris “Haragán” y “Cuando un Camba se enamora”
el bolero “Para decir te quiero” y la polka “Vida de mi vida”, grabaciones que son todo un
éxito en el País; Posteriormente realiza una gira a la Republica del Brasil donde su arte es
bien apreciado en muchos escenarios de Río de Janeiro y San Paulo llegando a grabar en
el sello “Masterdisc” de la RCA. Víctor internacional junto a la gran orquesta del maestro
Daniel Salinas cuyo trabajo esta considerado como la mejor etapa del arte de la “Señora
de la Canción” en el que se citan obras de los mejores compositores bolivianos, con ese
amplio y variado repertorio realiza giras a diferentes Países donde fue recibida admirable-
mente en centros mineros, pueblos y ciudades de su amada Bolivia.
En 1962 es nombrada “Embajadora de la Canción Boliviana” y posteriormente canta en la
sede de la OEA. Su arte ha sido reconocido por el Gobierno al recibir la condecoración
del “Cóndor de los Andes”y de varias instituciones publicas y privadas del País, declarada
ciudadana notable en su natal Santa Cruz, de donde es fiel exponente de la música, el
canto y el estilo oriental con una técnica completa que nunca fue igualada, convirtiéndo-
la en dueña de una voz de dulce sonoridad, de fonación exquisita, que con una correcta
dicción expresa inigualables emociones y sentimiento, con la que dejo impresa muchas
grabaciones de la que destaca la canción mas popular que se canta en su tierra , el taqui-
rari del Compositor Orureño Gilberto Rojas “Viva Santa Cruz”
La “Diva de la Canción Boliviana”, falleció en su ciudad natal, la noche del jueves 3 de Fe-
brero del año 2005, a consecuencia de un infarto, sus restos fueron velados en el Salón Los
Cirios, donde recibió varios homenajes de las instituciones y el publico Boliviano.
JOSE RENE MORENO KHEIDLER
José Rene Moreno, nació en San Ignacio, capital de la provincia Velasco, del Departa-

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mento de Santa Cruz, el 2 de noviembre de 193l, hijo de Viador Moreno Peña y de Norah
Kheidle Rivero.
Después de descubrir la vocación por el arte musical, participa de un concurso de canto
junto al Beniano Celin Simón, en la pionera radio Rural de Cochabamba, llegando a ser
los ganadores. Por ese tiempo corresponde una de sus primeras composiciones musicales
el corrido mexicano “Aun que quieras o no quieras” posteriormente el bolero “Amor de un
día”; En la ciudad de La Paz, incursiono en las radios el Cóndor, Illimani y Altiplano, siendo
un camba, se preocupo de compartir el arte musical con interpretes chuquisaqueños,
tarijeños, cochabambinos y otros, con quienes aprendió a acompañar diferentes ritmos y
géneros musicales.
Por 1955 integro el “Trío Los Pascaneros” junto a Fito Zambrana y Godofredo Núñez, y otro
conjunto llamado “Los Kory Kentis” integrado por Silvestre Oporto, José Zamora y Juan Me-
lazzini, este grupo acompaño al cantante Chileno Pedro Telmo, cuando se estrenaba el
vals canción “Yo quiero un Mar para Bolivia”.
En 1956, el joven José Rene Moreno, egresaba de la UMSA, con el titulo de Ingeniero In-
dustrial, carrera que en partes fue financiada por los ingresos que le proporcionaba la
carrera artística que emprendió, y al que estaba decidido a renunciar, para dedicarse a
su carrera profesional, de no ser por el concepto que le expresara el Ing. Agustín Echaler,
cuando le manifestó lo siguiente: “Que pena que abandone su arte, cualquiera puede
ser Ingeniero, pero no cualquiera puede ser Artista” esas palabras reflexiono su decisión, y
desde entonces pudo compartir ambas responsabilidades, y las experimento formando el
Trío Los Cambas, junto a Juan Melazzini y Miguel Butron.
En agosto de 1958, integrando el Trío Bolivia, junto a los compositores Jaime Medinaceli y
Godofredo Núñez, se presento en el Gran Festival Mundial de la Juventud, realizado en
Moscú, donde Bolivia obtuvo el segundo premio.
Al retornar de la gira, reorganizo el Trío Los Cambas, incluyendo en calidad de solista al
cantante Arturo Sobenes, constituyéndose entonces como uno de los mejores grupos mu-
sicales, de esa etapa existe la grabación “Bolivia y su Música” editado en el sello RGE del
Brasil, y promocionado en una extensa gira por las principales ciudades y centros mineros

91. 91
del País; Este grupo artístico reunía todas las condiciones para triunfar en el ámbito inter-
nacional, la responsabilidad asumida por José Rene Moreno, casado y con familia, defi-
nitivamente se alejo de la vida artística, dedicándose desde entonces a la composición
musical, habiendo creado hasta la fecha mas de 300 obras, composiciones que fueron
un éxito, debido a la calidad poética y el concepto de sus letras, como a la excelente es-
tructura musical, constituyéndose en clásicos de una época brillante de la música popular
boliviana. Como todo artista de vocación y con una amplia experiencia colaboro con
cantantes jóvenes, realizando grabaciones en las que interpretan sus composiciones. Por
esa dedicación José Rene Moreno, ha sido reconocido por varias instituciones e invitado a
muchos eventos culturales.

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BENI
TRIO ORIENTAL
El Trío Oriental, es considerado uno de los mejores exponentes de la música del oriente boli-
viano, cuya expresión artística se extendió fuera de nuestras fronteras. Tres jóvenes con vo-
cación innata por el canto, que mucho antes comenzaron como integrantes de algunas
ocasionales agrupaciones, que les permitió adquirir experiencia y madurar sus cualidades
en el difícil arte de la música. Fue por l966 en San Borja, una población del Departamento
del Beni, donde deciden formar un trío vocal e instrumental; La maestría en la ejecución
del acordeón y tercera voz, de Hugo Daza, la guitarra de acompañamiento y segunda
voz de Lorgio Dorado, hacen el marco musical a la agradable primera voz de Walter Añez,
acompañando Guacharaca, un instrumento que emite sonido al rasgar. Así constituidos
surge una nueva propuesta musical, al que designan como el: Trío Oriental, sus componen-
tes:
Walter Añez: nacido en Concepción, provincia de Ñuflo de Chávez, Santa Cruz, el 22 de
febrero de 1945
Lorgio Dorado: nacido en la misma ciudad, el 7 de enero de 1948
Hugo Daza: oriundo de San Borja – Beni, el 15 de agosto de l947
Inicialmente el repertorio de este trío fue la música oriental, los taquiraris, carnavales y cho-
venas, algunos boleros y algo de música bailable. Por l967, después de presentarse en el
auditorio de radio Méndez de la ciudad de La Paz, aprovechan la convocatoria al 4to. Fes-
tival de la Canción Lauro, de la ciudad de Cochabamba, presentándose con vestimenta
y sombrero oriental, pulsando un pequeño acordeón, y una guitarra criolla, obtienen el
primer premio en categoría de trío vocal e instrumental, ahí fue el primer triunfo de este trío,
que grabo un disco junto a los ganadores de dicho evento. En 1969, asentando el estilo
que les caracterizo y afín de mejorar sus interpretaciones incorporan una guitarra elec-
trónica, aditamentan un sistema de amplificación al acordeón, y un acompañamiento
completo de ritmos, definen su radicatoria en la ciudad de la Paz donde se presentan, en
varias peñas, clubes, centros culturales, radios y en las primeras ediciones de la televisión
nacional, intensifican sus grabaciones, que promocionan en sus giras por las principales

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ciudades y centros mineros del País, con gran éxito.
Trío Oriental, no les fue difícil conquistar el aprecio y la preferencia del publico, y menos
llegar a ocupar un lugar de privilegio dentro de campo artístico, la vocación de este gru-
po no ceso nunca en mantener activa e intensa sus presentaciones, dando a conocer un
repertorio musical diversificado, no podríamos olvidarnos de los boleros: espuma de cerve-
za, te seguirte queriendo, la guaracha: la pastorcita, la cumbia Illimani o cumbia Aymara,
el baion: tahi, la samba: mi amor lloro, y muchos los taquiraris, carnavales, y polcas, que
cobraban vida en la voz agradable de Walter Añez director del grupo, personaje de gran
simpatía y sencillez, que canta acompañado del gusto expresivo del acordeón de Hugo
Daza, talentoso y hábil arreglista de las obras, como la exacta combinación de notas mu-
sicales del bajo electrónico que pulsa Lorgio Daza. La música de estos tres maestros está
citada en más de 70 producciones discográficas, cantadas en varios países de América
Latina y varias ciudades de EE.UU. y la participación en las películas bolivianas “Patria Lin-
da” Tiawanacu 73” y La ballena Rosada”. En una etapa de la vida artística de este Trío, se
tuvo que recurrir a la suplencia obligada, cuando Hugo Daza se alejo temporalmente, fue
remplazado por José Barba Mejia y Milton Castro Vides. Reencontrados nuevamente, este
trío fue homenajeado en octubre del año 2006, recibiendo el reconocimiento de las auto-
ridades y publico cruceño, por el aporte al arte musical y al crédito boliviano que brindo
el Trío Oriental.
CARMELO GUZMÁN Y GUZMÁN
Cantautor nació en Trinidad, Capital del departamento del Beni el 29 de Julio de 1935. cre-
ció y se hizo romántico trovador en medio del paisaje de exuberante vegetación, de her-
mosas mujeres que paseaban en las calurosas y románticas noche, donde en la reunión de
amigos no faltaba una guitarra, que provocaba arrancar versos que hilvanadas de notas
musicales se iban transformando en bellas inspiraciones las que eran cantadas a las luz de
la luna. En esa ambiente Carmelo Guzmán se trasformaba en un inspirado compositor, que
mas tarde se desempeño como profesor de música en varios establecimientos educativos
orientando e incentivando a jóvenes en la formación de varios grupos regionales.
Artísticamente se inicia cuando forma el grupo musical “Mojos” por 1945 que interpretaban
canciones populares de la región, este grupo seria la base para crear en 1959 “Los Car-
los” conformado por Carmelo Guzmán, Alfredo Aukel, Carlos Parada y José Luis Maesse,

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quienes llevaron al disco el popular vals “El Cazador” recopilación en letra y música de
Carmelo Guzmán y su taquirari “El buricero”mas adelante organiza el reconocido cuarteto
“Los Taitas” junto a Silvio Tanaka, Alfredo Aukel y Rolando Virguez, a quienes se unen José
Luis Maesse y Carlos Parada Rea. Esta agrupación en la década de los 80´ después del ale-
jamiento de sus fundadores, lo conformaban los siguientes artistas: Alfredo Aukel Gil, Hugo
Mercado Mojica, José Sixto Hernández Aguilera y Oscar Rivero Aramayo, manteniendo
la fiel expresión artística del Beni Carmelo Guzmán y Guzmán, dedicado inicialmente al
magisterio, se dedico a componer taquitaris, carnavales y chovenas fue autor de las obras
Llévame al rió Mamore, Cantando al amor, Cerquita al Palmar, Flor Moxeña, Chiriperono,
Chope fiesta, Chovena Beniana, Camba Taitetú, Me dijiste que si, Lo he visto yo, Noches de
amor, el bolero Llanto de amor, el vals Corazón de Madre, y muchas otras, el prestigio de
su arte traspaso las fronteras de nuestra patria, cuando visito la ciudad de México donde
realizo presentaciones. Este artista Trinitario fue inquieto impulsor de las manifestaciones
artísticas, ejemplar docente de la materia musical y fiel embajador por preservar las raíces
de los géneros musicales del oriente. Después de estar afectado por una enfermedad Car-
melo Guzmán, falleció el día miércoles 7 del mes de Julio de año 2004
LOLA SIERRA CHÁVEZ
Nació en la ciudad de Trinidad capital del departamento del Beni – Bolivia, el 24 de Di-
ciembre 1914, hija de la Beniana Casta Chávez Casanovas, y del medico Español Joaquín
de la Sierra y Salvatierra, quien fundara años mas tarde el hospital Guadalupe.
Lolita Sierra, a iniciativa de su madre que tocaba el piano, recibe las primeras lecciones a
la edad de seis años, dos años mas tarde componía pequeñas y sencillas melodías que
las interpretaba animando las películas mudas que se exhibían en el cine “Colon”. Poco a
poco en la pequeña Lolita surgía la inspiración para componer melodías aunque ella no
conocía la escritura musical tenia una excelente retención mental y facilidad en la com-
binación de notas musicales, así van surgiendo rondas infantiles, villancicos navideños y
canciones, mas adelante surgen sus primeros boleros “Para decir te quiero” la canción “A
si es mi amor” y uno de sus mejores valces “En las playas del Beni” cuya letra corresponde
al poeta José Aguirre Acha, de la fecunda inspiración de Lola Sierra también surgieron fox
trot, taquiraris, danzas y cuecas bolivianas, obras grabadas por los mas reconocidos inter-
pretes Bolivianos.
Entre las principales distinciones que ha recibido esta notable compositora figuran: Mujer

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Beni, Mujer Boliviana 1973, Lazo de la Dama de la Orden Isabel la Católica, Premio Musical
1988, Ateneo Femenino Boliviano y otras.
Lola Sierra estuvo casada con el Señor Gastón Méndez de cuyo matrimonio nacen sus hi-
jos: Ernesto, Miriam, Gastón, Consuelo y Rocio.
Bibliografía:
- José Luis Comellas (2006). Historia sencilla de la música. Ediciones Rialp. ISBN 978-84-321-
3594-1
- Hammel y Hurliman 1980. Enciclopedia de la música.
- La enciclopedia del estudiante – Santillana.
- "http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_m%C3%BAsica.
- Imágenes de internet www. Google. Com
- Orlando Rojas Creadores de la música Boliviana.
- Hugo Boero Rojo Bolivia magica
- Página en internet de Alfredo Soliz Béjar

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