El documento resume la música renacentista. Señala que durante el Renacimiento hubo un interés en recuperar los ideales clásicos de equilibrio y orden. La música vocal buscaba claridad melódica, lo que llevó al desarrollo de la monodia acompañada y la ópera. La música instrumental también ganó importancia, con el desarrollo de danzas y la introducción de instrumentos en la música religiosa.

1. LA MÚSICA
RENACENTISTA
Curso 2008/2009

2. INTRODUCCIÓN
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El término Renacimiento, usado para designar la época que abarca
los siglos XV y XVI, pretende remarcar el intento del hombre de
renacer tras el oscurantismo medieval, en el que la sumisión del
hombre frente a Dios era total. Su inicio está marcado por el
Humanismo, una forma de pensamiento que trata de poner al
hombre como centro del universo, al que todo lo demás está
supeditado.

En el mundo del arte, el Renacimiento tiene un objetivo claro:
la vuelta a los ideales de los cánones de las civilizaciones clásicas
(Grecia y Roma): esto es, equilibrio, serenidad y orden.

En el ámbito musical hay una constante búsqueda de la claridad en
las líneas melódicas, que conducirá, a finales de esta época, al
nacimiento de la monodia acompasada y de la forma vocal por
excelencia, la ópera, en un intento de recuperar los antiguos
dramas griegos.

3. 
Aunque la música instrumental no puede equipararse aún a la
vocal, sí se observa un progresivo interés por este tipo de música:
la proliferación de danzas dará lugar a recopilaciones que podemos
considerar la antesala de la suite de danzas barrocas, y en Venecia
encontramos las primeras incursiones de los instrumentos en la
música religiosa, de la mano de los Gabrieli.
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Por lo que se refiere a la música vocal, como consecuencia del
deseo de poner al hombre en el centro de todas las cosas, el
Renacimiento es una época de esplendor de la polifonía profana,
que alcanza en importancia a la religiosa. El progresivo interés por
la forma musical se puede adivinar observando la evolución de las
dos formas más importantes de la época: el motete (religioso) y el
madrigal (profano).

4. ÍNDICE
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CONTEXTO SOCIO-CULTURAL
Diapositiva 5
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CARACTERÍSTICAS
Diapositiva 9
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ORGANOLOGÍA
Diapositiva 11
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MÚSICA VOCAL RELIGIOSA
Diapositiva 17
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MÚSICA VOCAL PROFANA
Diapositiva 19
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MÚSICA INSTRUMENTAL
Diapositiva 22

5. Contexto socio-cultural
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El Renacimiento es un movimiento cultural y artístico que nace en
Italia en el siglo XV y se propaga por el resto de Europa en el siglo
XVI. El humanismo nace en Italia, donde el recuerdo de la
antigüedad greco-romana era muy fuerte, y lo gótico había tenido
muy poca vigencia. La prosperidad de las ciudades italianas en los
siglos XIV y XV origina la existencia de nobles y burgueses
enriquecidos, que no dudan en convertirse en mecenas de
escritores y artistas.
El nuevo movimiento intelectual, denominado humanismo, tuvo una
gran difusión en Italia y el resto de Europa, gracias en parte a la
invención de la imprenta por Gutenberg en 1448, y tuvo entre sus
figuras más importantes al holandés Erasmo de Rotterdam o al
valenciano Juan Luis Vives. El aspecto más destacado de esta
nueva corriente ideológica estriba en que el teocentrismo imperante
en la Edad Media se ve sustituido por el antropocentrismo (dicho
con otras palabras, Dios deja de ser el centro del Universo, para
ceder este espacio al hombre).

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Este hecho se vio acompañado por una serie de corrientes críticas
en el seno de la Iglesia, que acabarían provocando el movimiento
de transformación en el orden religioso conocido como Reforma.
Dicho movimiento fue iniciado por Martín Lutero. La Iglesia católica,
como respuesta a estos movimientos reformistas, convocó el
Concilio de Trento (iniciado en 1545), en el cual decidió llevar a
cabo toda una serie de reformas en su seno a las que se conoce
con el nombre genérico de Contrarreforma.
La nueva forma de pensar del hombre renacentista motivó un gran
interés por el estudio científico, en el cual, se intentaban explicar
todas las cosas mediante la razón y la experiencia. Este nuevo
enfoque proporcionó grandes descubrimientos, tanto científicos
como geográficos.
Descubrimientos científicos: citar la teoría heliocéntrica de
Copérnico, la invención del telescopio y el descubrimiento de los
satélites jovianos por Galileo o los avances en medicina de Vesalio
(anatomía), Paré (cirugía) o Servet (descubrió la circulación
pulmonar de la sangre).
Descubrimientos geográficos: descubrimiento del cabo de Buena
Esperanza, que permitió abrir la ruta marítima de las especias a
Vasco de Gama en 1498, el descubrimiento de América por
Cristóbal Colón en 1492 (quien perseguía también abrir esta ruta
marítima hacia las Indias), o la primera vuelta al mundo, iniciada por
Magallanes en 1519 y completada por Elcano tres años después.

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El arte renacentista, donde los cambios son muy evidentes, es una
exaltación del mundo y del hombre, con un destacado sentido de la
proporción y el equilibrio, así como una gran perfección en el dominio
de la perspectiva.
El arte del Quattrocento destaca en Florencia, donde bajo la influencia
de los Medici surgirán gran cantidad de mecenas que impulsarán el
arte. Hay una primera generación en la que sobresalen el escultor
Ghiberti, el arquitecto Brunelleschi y el pintor Fra Angelico. A esta
primera generación le sucederá otra, que ya podríamos considerar
plenamente renacentista, con el escultor Donatello, el arquitecto
Michelozzo o el pintor Botticelli.
A caballo entre los dos siglos cabría situar a uno de los pintores más
importantes del Renacimiento, Leonardo da Vinci, genio de la técnica
del sfumato, con obras tan importantes como
la Última Cena,
la Virgen de las Rocas o la Gioconda.
A finales del siglo XV se trasladará el centro artístico a Roma, bajo el
mecenazgo papal. La mayor muestra de este nuevo poder lo
encontremos en la basílica de San Pedro, proyectada por el arquitecto
Bramante, pero en la que los rasgos más sobresalientes son la
columnata diseñada por Bernini y la majestuosa cúpula levantada por
Miguel Angel.

8. 
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Precisamente Miguel Angel será la gran figura del siglo
XVI. Destacó como pintor y arquitecto, pero sobre todo
como escultor. Entre sus principales obras encontramos
las esculturas del David, la Piedad y el Moisés, los
frescos de la capilla Sixtina (fundamentalmente
la bóveda y El Juicio Final) y la ya mencionada cúpula
de San Pedro.
Otros centros donde el arte renacentista tuvo una
especial importancia fueron Venecia (con Giorgione o
Tiziano), Flandes (con Brueghel el Viejo y el Bosco),
Alemania (con Durero), Francia (con los palacios de
Louvre y los castillos del Loira), o España (con pintores
como el Greco, escultores como Berruguete y
arquitectos como Juan de Herrera).

9. Características
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Intento de fusión de timbres, homogeneidad de sonoridades. Se
conforma definitivamente la escritura vocal a 4 voces (soprano, alto,
tenor y bajo), que ha llegado a nuestros días. Es el momento en
que se establecen las distintas tesituras vocales.
El cantus firmus continúa siendo la base de la polifonía. Pero a
diferencia de lo que ocurría en la Edad Media, dicho cantus firmus
no debe estar necesariamente en la voz del tenor, pudiendo estar
en otras voces, o incluso pasar de una voz a otra (cantus firmus
errante). Dicho cantus firmus puede ser religioso, profano o incluso
de nueva invención. Ya no se trata de notas tenidas de larga
duración, sino motivos que se van desarrollando en relación al
movimiento de las voces restantes.
La voz más grave, el bajo, tiene sentido tonal, siendo anunciador de
la armonía y dando sentido de profundidad . Mientras, las voces
más agudas se moverán con mayor libertad.
Existe una mayor libertad en el uso de las disonancias. Las
sonoridades de terceras y sextas dejan de considerarse disonante,
y forman parte habitual de esta música.

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Se empiezan a establecer ciertas cadencias, sobre todo las de V-I,
VII-I y VII-VI-I, y cada vez se utilizan más lo que más tarde
llamaremos modo mayor y modo menor, en detrimento de los
antiguos modos gregorianos.
Nace y se desarrolla el fenómeno de la música ficta, que consiste
en una serie de reglas para la alteración de ciertas notas, con el fin
de evitar intervalos disonantes. La música ficta no estaba nunca
escrita, razón por la cual el intérprete debía conocer qué notas
debían resultar alteradas a fin de evitar estos intervalos prohibidos.
El estilo que impera es el contrapunto imitativo. Las voces, de
manera homofónica, se van imitando entre sí.
Por último, la relación música-texto: la música tratará de alguna
manera de ilustrar aquello que dice el texto.

11. Organología
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En el siglo XV la música instrumental, en comparación con la vocal,
apenas
tiene importancia , por lo que los cambios en la
organología no son significativos. A partir del siglo XVI se desarrolló
una música instrumental autónoma.
Uno de los aspectos más significativos es el intento de creación de
familias instrumentales, compuestas por instrumentos de la misma
especie, desde el más agudo al más grave. Con la aparición de
estas familias instrumentales se dan los primeros pasos hacia la
orquesta.
Los instrumentos monódicos continúan ejecutando transcripciones
de obras vocales, mientras en la ejecución de las danzas se
distingue entre los instrumentos de sonoridad fuerte y los de
sonoridad media, según se trate de acompañar las “danzas
elevadas” (de pasos saltados y bastante movidas) o las “danzas
bajas” (de pasos deslizados y más reposadas). Esta distinción entre
instrumentos también era válida según el recinto en el que se
interpretaba la música, de tal forma que los instrumentos de
sonoridad fuerte se empleaban en las interpretaciones al aire libre,
y los de sonoridad media se reservaban para la música en los
salones cortesanos.

12. 
Entre estos instrumentos destacan las flautas dulces o de pico (de
las que, aunque hacia 1500 solo se conocen cuatro tamaños, en el
siglo XVII ,Praetorius cita hasta nueve tamaños distintos), los
instrumentos de lengüeta doble, entre los que cabe citar la
bombarda, la chirimía (que se convertirá en el oboe), el bajón, el
cromorno o la cornamusa, y los instrumentos de metal, entre los
que sobresalen el corneto y el sacabuche (que evolucionó hacia el
trombón)

13. INSTRUMENTOS MONÓDICOS
Cornamusa
Cromorno
Sacabuche
Corneto

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En cuanto a los instrumentos polifónicos, evolucionan rápidamente
a lo largo del siglo XVI, pues responden al deseo de los músicos de
poder ejecutar por sí solos las transcripciones de obras vocales,
además de aquellas escritas expresamente para estos
instrumentos. Los instrumentos polifónicos más importantes son el
órgano, el clavicordio y el laúd, y para los mismos se utiliza una
escritura especial denominada tablatura, que se sirve de letras o
cifras en vez de notas normales.
Además de estos instrumentos, cabe citar el uso del arpa, el ravel,
la vihuela (que a partir de 1580 desaparece para convertirse en la
actual guitarra) y la viola de la que encontramos dos tipos: la
viola da braccio (de brazo), más pequeña, y la viola da gamba (de
pierna), que al ser más grande debía tocarse apoyada entre las
piernas.
Clavicordio

15. INSTRUMENTOS POLIFÓNICOS
Laúd
Vihuela
Viola da braccio
Viola da gamba

16. INSTRUMENTOS DE TECLA
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Espineta
Virginal
También cabe citar dos
instrumentos de tecla, que se
utilizaron sobre todo en
Inglaterra, y que en realidad
son variantes del clavicordio:
se trata de la espineta y del
virginal. Ambos son portátiles,
con un solo registro y un
teclado de como máximo
cuatro octavas y media.

17. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA
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Motete: composición a varias voces (normalmente a 4 y 5 voces,
aunque algunos llegaban a 8) sobre textos religiosos en latín y de
extensión breve.
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Características Principales:
Textura polifónica y técnica del contrapunto imitativo.
Sobre texto sagrado, e históricamente destinado a interpretarse en
los oficios religiosos.
Se originó a principios del siglo XIII.
Surgió cuando se añadieron palabras (en francés, mots) a las
partes vocales superiores.
El motete que encontramos en esta época es una pieza que se
estructura en frases, que coinciden con las frases del texto. Cada
frase conlleva un tema diferente que puede ser tratado de forma
contrapuntística u homofónica. Por regla general, estos dos tipos de
textura se oponen a cada frase.
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18. Misa: se desarrolla sobre los
textos litúrgicos de esta
celebración: Kyrie Eleison
(Señor, ten piedad), Gloria,
Credo, Sanctus (Santo) o el
Agnus Dei (Cordero de Dios),
oraciones que se siguen
rezando actualmente pero ya
en el idioma de cada país , y
no en latín. Se observa
claramente una diferencia
entre ellas: las piezas que
contienen mucho texto, como
el Credo o el Gloria, eran
cantadas principalmente de
manera homofónica, mientras
que las piezas con muy poco
texto eran cantadas de forma
más contrapuntística.
Libros litúrgicos de la misa
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Antiphonal
Apostolus Evangelirium
Sacramentarium
Misal
Missale Romanum (Misal
romano)
Compositores importantes
Joaquín des Prez
Orlando di Lasso
Giovanni Perluigi de Palestrina
Cristobal de Morales
Francisco Guerrero
Tomás Luis de Victoria

19. MÚSICA VOCAL PROFANA
Durante el siglo XV imperará un estilo internacional, originario de
Borgoña y también de la zona de Flandes. El género rey será, pues,
la “chanson borgognoise”, cultivada por compositores como
Binchois o Busnois . Se trata de una canción estrófica, de ritmo
marcado, a 4 voces.
 A lo largo del siglo XVI comienza a nacer en distintos países de
Europa una voluntad de crear una música propia, con la que se
sientan identificados, y que además estuviese escrita en su propia
lengua. Así nacen los estilos nacionales, entre los que destacan:
1. En Francia el principal género es la chanson
, que tiene sus
orígenes en las canciones trovadorescas. Se caracteriza por su
simplicidad y espontaneidad. Suele ser de carácter descriptivo, y
sus temáticas van desde la canción amorosa a la guerrera,
pasando por las canciones basadas en la naturaleza, como el
célebre Chant des oiseaux de Jannequin .
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20. 2. En Italia se dará la mayor variedad de géneros. Entre sus
principales formas encontraremos la frottola
, equivalente a la
chanson francesa, a 4 voces, de ritmo marcado y con texto poético
estrófico o la villanella, una variación más ligera de la frottola, con
un texto más refinado.
El género profano por excelencia del siglo XVI será el madrigal
Llega a Italia a través de la escuela franco-flamenca, pero es en
este país donde experimentará su mayor desarrollo. La forma del
mismo solía ser muy similar al motete, pero como no era una
música religiosa, se permitían ciertas libertades estilísticas y
musicales. Sus textos son habitualmente eruditos (obra de poetas
célebres como Petrarca o Bocaccio).
Una de las características más importante del madrigal es un uso
de las disonancias mucho más acentuado que en el motete. Los
compositores buscaban una mayor expresividad por medio de este
recurso. La melodía también se veía afectada por esta búsqueda.
Encontramos saltos abruptos y giros musicales que refuerzan el
significado del texto (los llamados madrigalismos). A finales de siglo
se llega a un estilo más dramático y virtuoso, encarnado en los
madrigales a 5 voces de Gesualdo , Marenzio y Monteverdi .

21. 3. En Alemania destacan el lied (la canción alemana), heredera de la
tradición de los minnesänger medievales, y los quodlibet, especie
de poupurri desordenado y sin sentido de diversas canciones.
4. En España el género rey será el villancico
, equivalente a la
frottola, pero con estribillo. Solía ser a 3 o 4 voces, donde la más
aguda realiza la melodía y el resto podía ser doblada por
instrumentos, en especial el laúd y la vihuela. Juan del Encina fue
uno de los grandes cultivadores de este género. También cabe citar
las ensaladas
, género muy similar al quodlibet alemán en el
que destacarán especialmente Mateo Flecha "el Viejo" y su sobrino,
Mateo Flecha "el Joven".
5. En Inglaterra destaca el madrigal inglés
, más tardí-o que el
italiano, y en el que hallamos una búsqueda más acentuada del
refinamiento, sin tantas disonancias y cromatismos, y con una
textura más homofónica.

22. MÚSICA INSTRUMENTAL
Durante el Renacimiento habrá un creciente interés por la música
instrumental, perfeccionándose tanto los instrumentos que se
llegará a establecer con ellos una comunicación expresiva casi
comparable a la de la voz humana.
 A principios del siglo XV, la música escrita solo para instrumentos
es muy escasa; normalmente, los instrumentos solo intervienen en
danzas, o bien doblando o sustituyendo a las voces en piezas
vocales.
 Conforme avanza el siglo XVI, se producirá un creciente interés por
los instrumentos, que conllevará una progresiva independencia de
la música vocal. Este hecho trajo consigo una serie de
consecuencias importantes para el desarrollo de este tipo de
música:
- Los artesanos, ante la creciente demanda de instrumentos, los
perfeccionaron técnicamente.
- Esta mejor técnica animó a los compositores a escribir piezas de una
dificultad creciente, lo cual obligó a los músicos a especializarse en
un determinado instrumento, lo cual posibilitó el desarrollo de una
técnica específica para cada instrumento.


23. -
Los teóricos idearon nuevos sistemas de
escritura musical, a base de cifras, dibujos de
las posiciones de los dedos, etc. y crearon
tratados para aprender la técnica de los
instrumentos (por ejemplo, el Tratado de glosas
de Diego Ortiz).
Fueron
apareciendo
nuevas
formas
exclusivamente instrumentales, como la sonata
, la toccata, el tiento
, la fantasía
o
la variación
(en España se llamó
diferencias).

24. Por otro lado, la música de danza también fue muy
importante teniendo la costumbre de agruparlas, lo que
derivará en el Barroco en una de las formas instrumentales
más importantes: la suite de danzas. Dentro de este amplio
repertorio de danzas podemos citar, entre otras, la pavana
, la gallarda, el branle, la allemanda, la courante, el
pasamezzo
Pavana:
Branle:
Pasamezzo:

25. BIBLIOGRAFÍA
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
Casares Rodicio, Emilio: “Música y actividades
artístico-culturales”. ED: Everest.
Murcia, Matilde: “Formación musical. Primer curso.”
Murcia, Matilde: “Formación musical. Segundo curso.”
Varios: “Proyecto Clave B”. ED: Mc Graw Hill.
Varios: “Classic. La historia y la música más bella de
todos los tiempos”. ED: Reader’s Digest.

26. DAMIÁN ANTUÑA GONZÁLEZ – 2º A