Este documento contiene resúmenes de menos de 3 oraciones sobre obras de arte de diferentes periodos históricos como el manierismo, renacimiento y barroco. Se describen pinturas como La Virgen de cuello largo de Pramigianino y obras de Arcimboldo que retratan rostros con frutas. También se mencionan esculturas como Perseo de Cellini y un salero de oro con figuras de Neptuno y Venus. Finalmente, se incluyen descripciones arquitectónicas de la Basílica de Vicenza y
ECA.4.3.1. Indagar sobre lo que las diversas culturas y sociedades han
considerado, a lo largo del tiempo, como ideal de la figura humana, y
documentar los hallazgos en un texto escrito, con soporte de
imágenes, o en un documento audiovisual.
Se empleaba por tanto la expresión “manierista” con la significación equivalente a modo o manera, y como tal los artistas que así eran designados se englobaban dentro del Renacimiento. Esta idea surgió a partir del siglo XVII, en que Bellori y otros opinaron que el manierismo era un movimiento de ínfima calidad, que se producía después del Renacimiento clásico. En el siglo XX se inició su valoración, sobre todo debido a autores como Hauser y Dvorak, que han dado forma a una tendencia dominante que considera al Manierismo como un estilo artístico, independiente y con entidad propia. Es decir, se ha pasado de una valoración peyorativa del término a una acepción mayoritaria que le define por una serie de valores intrínsecos propios. Simultáneamente a la evolución del significado del Manierismo, algunos investigadores han puesto de relieve que el Manierismo no es sólo un estilo pictórico, como en principio se consideraba, sino que además hay que extenderlo a otras manifestaciones artísticas, culturales y espirituales, como la arquitectura, la escultura, la literatura y la música. El Manierismo supone, con respecto al renacimiento clásico, un distanciamiento que se empieza a producir a partir de la fecha de la muerte de Rafael, 1520. Esta quiebra en la armonía tiene su base en acontecimientos sociales, como fue la epidemia de peste de 1522, la invasión de Italia por tropas francesas y españolas, el Saco de Roma en 1527, la ruptura en la unidad de la Iglesia con la Reforma protestante, la crisis económica provocada por la introducción del racionalismo económico, el nacimiento de la concepción científico-natural del mundo y la nueva forma de entender el patronazgo y la obra de arte. El Manierismo ya se había iniciado en las últimas obras de Rafael y en toda la etapa final de Miguel Angel. La meta de los artistas manieristas fue la ruptura de la unidad espacial y del equilibrio: el espacio lo entendieron como diverso y por tanto con diferentes visiones. Frente al agrupamiento masivo de figuras se oponen espacios vacíos y los motivos principales pasan a situarse en un segundo plano, mientras que los secundarios adquieren una capital importancia. Dentro del Manierismo se han distinguido dos corrientes: el espiritualismo místico muy exacerbado, cuyo mejor representante es el Greco, y el naturalismo panteísta, en el que las cosas reales aparecen muy detalladas, cuyo mejor representante es Brueghel. Sin embargo estas dos tendencias no aparecen siempre separadas.
ECA.4.3.1. Indagar sobre lo que las diversas culturas y sociedades han
considerado, a lo largo del tiempo, como ideal de la figura humana, y
documentar los hallazgos en un texto escrito, con soporte de
imágenes, o en un documento audiovisual.
Se empleaba por tanto la expresión “manierista” con la significación equivalente a modo o manera, y como tal los artistas que así eran designados se englobaban dentro del Renacimiento. Esta idea surgió a partir del siglo XVII, en que Bellori y otros opinaron que el manierismo era un movimiento de ínfima calidad, que se producía después del Renacimiento clásico. En el siglo XX se inició su valoración, sobre todo debido a autores como Hauser y Dvorak, que han dado forma a una tendencia dominante que considera al Manierismo como un estilo artístico, independiente y con entidad propia. Es decir, se ha pasado de una valoración peyorativa del término a una acepción mayoritaria que le define por una serie de valores intrínsecos propios. Simultáneamente a la evolución del significado del Manierismo, algunos investigadores han puesto de relieve que el Manierismo no es sólo un estilo pictórico, como en principio se consideraba, sino que además hay que extenderlo a otras manifestaciones artísticas, culturales y espirituales, como la arquitectura, la escultura, la literatura y la música. El Manierismo supone, con respecto al renacimiento clásico, un distanciamiento que se empieza a producir a partir de la fecha de la muerte de Rafael, 1520. Esta quiebra en la armonía tiene su base en acontecimientos sociales, como fue la epidemia de peste de 1522, la invasión de Italia por tropas francesas y españolas, el Saco de Roma en 1527, la ruptura en la unidad de la Iglesia con la Reforma protestante, la crisis económica provocada por la introducción del racionalismo económico, el nacimiento de la concepción científico-natural del mundo y la nueva forma de entender el patronazgo y la obra de arte. El Manierismo ya se había iniciado en las últimas obras de Rafael y en toda la etapa final de Miguel Angel. La meta de los artistas manieristas fue la ruptura de la unidad espacial y del equilibrio: el espacio lo entendieron como diverso y por tanto con diferentes visiones. Frente al agrupamiento masivo de figuras se oponen espacios vacíos y los motivos principales pasan a situarse en un segundo plano, mientras que los secundarios adquieren una capital importancia. Dentro del Manierismo se han distinguido dos corrientes: el espiritualismo místico muy exacerbado, cuyo mejor representante es el Greco, y el naturalismo panteísta, en el que las cosas reales aparecen muy detalladas, cuyo mejor representante es Brueghel. Sin embargo estas dos tendencias no aparecen siempre separadas.
Pequeña presentación sobre la evolución de la figura humana en el arte. Creada con el fin de satisfacer las exigencias de una asignatura del Master de Formación de Profesorado de Educación Secundaria y Bachillerato de la UMH de Elche.
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Los grandes maestros del Quattrocento que hacen evolucionar la pintura como : MASACCIO, PIERO DELLA FRANCESCA, MANTEGNA y otros pintores como BOTICELLI, FRA ANGÉLICO,
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Automatización de proceso de producción de la empresa Gloria SA (1).pptx
Maneirismo
1. Republica Bolivariana de Venezuela
Ministerio del Poder Popular para la Educación
I.U.P Santiago Mariño
Cátedra: Historia de la Arquitectura II
Autor:
Oscar Rodríguez
V-19.094.057
Puerto Ordaz, Junio del 2016
2. PINTURA Pramigianino es el autor de este cuadro
denominado La Virgen de cuello largo.
Esta composición se aparta de la solución
clásica de perfecta armonía y equilibrio.
Se caracteriza por la desproporcionalidad de
los cuerpos de manera alargada e irreal y el
movimiento lo marca con la línea
serpentinata produciendo cierta sensación
de inestabilidad.
Los colores son intensos y existe un
equilibrio entre color y dibujo que es
minucioso y detallista. Además muestra
comunidad y expresividad en los personajes
3. En esta obra, Giuseppe Arcimboldo retrata
un rostro humano partiendo de frutas,
flores, plantas, verduras y objetos
relacionados con la estación primaveral.
Todos estos objetos están representados en
el lienzo, pintados de manera que la
persona retratada es totalmente
reconocible.
Sus obras fueron consideradas de mal gusto
para la gente de la época y en la actualidad
ha sido muy imitado por los surrealistas.
4. Se preocupaba por solucionar
problemas artísticos
intrincados, como desnudos
retratados en posturas
complicadas.
Las figuras en las obras
manieristas tienen
frecuentemente extremidades
graciosas pero raramente
alargadas, cabezas pequeñas y
semblantes estilizados,
mientras sus posturas parecen
difíciles o artificiales.
5. ESCULTURA
Perseo se encuentra de pie y desnudo.
La figura se encuentra sobre un alto
pedestal y soporta en su mano la
cabeza de Medusa. Rompe un poco el
equilibrio por la línea abierta (brazo
separado).
Se separa ligeramente del clasicismo
por la modificación de los cánones. No
busca un ideal sino una pose humana
que ofrezca una posición dinámica.
Esta estatua representa el triunfo de los
Médicis sobre la República de Florencia.
6. Salero con Neptuno y Venus
Es una extraordinaria pieza de oro lo que
demuestra su categoría también como
orfebre
Este salero está formado por una figura
masculina que representa al mar y otra
femenina que es la tierra. Un pequeño
recipiente que se pretende que guarde la
sal está colocado cerca de la figura
masculina.
Alegóricamente en las figuras de
Neptuno, dios del mar y Ceres, diosa de la
tierra, simbolizando su unión al producir
sal procedente de la tierra.
7. Estatua de Neptuno en una plaza de
Bolonia.
Es una imponente estatua en bronce.
Neptuno, desnudo, es esculpido con
proporciones monumentales.
La estatua fue diseñada de manera
que desde un ángulo particular el
pulgar tensado de la mano izquierda
parezca emerger del bajo vientre, en
un modo parecido a un pene erecto.
8. ARQUITECTURA
Basílica de Vicenza
Hace uso simultáneo de columnas
a dos escalas causando una trama
visual.
La fachada tiene dos alturas. las
columnas se prolongan por los dos
cuerpos. En este edificio existe un
gran juego de sucesiones de luces
y sombras por la alternancia de los
vanos.
9. Villa Dulia de Roma
Existe un juego de diagonales que
confluyen en la puerta principal
integrada en el entorno natural.
Destaca la fachada principal, de
aspecto más rústico, que juega
con las luces y las sombras, gracias
a sus hornacinas, arcos triples con
terrazas, etc.
Tiene un criterio palacial
