El documento proporciona una introducción a la historia del cine. Comienza describiendo el origen del cine en 1895 cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente algunas de sus películas cortas. Luego describe algunas de las innovaciones técnicas y de narrativa que llevaron al desarrollo del cine en las primeras décadas. Finalmente, resume brevemente el surgimiento de diferentes géneros cinematográficos como el documental, histórico y bíblico.

1. UNIVERSIDAD DE PANAMÁ
FACULTAD DE INFORMÁTICA Y
TELECOMUNICACÍONES
CENTRO REGIONAL
DE SAN MIGUELITO
EXTENSION JUAN DÍAZ

2. CARLOS MARTINEZ 8-371-321
JOSE GONZALEZ 8-517-876

3. Introducción
Historia del cine

4. El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la
técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para
crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o
película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas
o teatros en los cuales se proyectan las películas.
Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo
creado a finales del siglo XIX compuesto a partir de dos palabras
griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa "movimiento"
(ver, entre otras, "cinético", "cinética", "kinesis", "cineteca"); y por
otro de γραφóς (grafós). Con ello se intentaba definir el concepto
de "imagen en movimiento".
Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un
arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo
clásico, se lo denomina séptimo arte. No obstante, debido a la
diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir
lo que es el cine hoy.

5. La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en
la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de
obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un
muro, la llegada de un tren y un barco saliendo del puerto.
El éxito de este invento fue inmediato, no solo en Francia, sino
también en toda Europa y América del Norte. En un año los
hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la
ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la
ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los
espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las
tomas. Y fue George Méliès quien profundizó por primera vez en el
hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar
las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con
"Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo
imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando
los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada.

6. En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito
arrollador, por una peculiar circunstancia
social: al ser un país de
inmigrantes, muchos de los cuales no
hablaban el inglés, tanto el teatro como la
prensa o los libros les estaban vedados por
la barrera idiomática, y así el cine mudo se
transformó en una fuente muy importante de
esparcimiento para ellos.
Viendo las perspectivas de este negocio, y
basándose en su patente sobre el
kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó
tomar el control de los derechos sobre la
explotación del cinematógrafo. El asunto no
sólo llegó a juicio, de Edison contra los
llamados productores independientes, sino
que se libró incluso a tiro limpio.

7. Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es
del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí
mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero
las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada
por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz
de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes
analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la
película.
Además las productoras encargaban partituras originales para sus
películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba
hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la
imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto
modo no era.

8. En esos años, la técnica de contar una
historia en imágenes sufrió una gran
evolución. Los primeros cineastas
concebían al cine como teatro filmado.
En consecuencia, los escenarios eran
simples telones pintados, y se
utilizaba una cámara estática.
A medida que pasó el tiempo, los
directores aprendieron técnicas que
hoy por hoy parecen básicas, como
mover la cámara (por ejemplo, el
travelling) o utilizarla en ángulo
picado, contrapicado), pero que en esa
época eran ideas revolucionarias.
También se pasó desde el telón
pintado al escenario
tridimensional, por obra
especialmente de los filmes históricos
rodados en Italia en la década de los

9. El cine sonoro es aquel que incorpora en las películas sonido
sincronizado o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el
cine mudo es aquel que no posee sonido, consistiendo únicamente en
imágenes. Antes de la existencia del cine sonoro los cineastas y
proyectistas se habían preocupado de crearlo, pues el cine nace con esa
voluntad. Raras veces se exhibía la película en silencio. Por ejemplo, los
hermanos Lumière, en 1897, contrataron un cuarteto de saxofones para
que acompañase a la proyección de la película en su local de París. Hacia
el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en
cuanto a estética de la imagen y movimiento de la cámara.

10. La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas
convenciones de género, y por ende, los géneros cinematográficos
propiamente tales.
El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las
fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a
nacer en 1922, con el filme Nanook el esquimal. Aunque nunca
demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos clásicos, como
por ejemplo El mundo sumergido, de Jacques Cousteau.
El cine histórico y bíblico, por su parte, caminarían de la mano, en la
búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado
películas sobre la vida de Cristo (por ejemplo, Del pesebre a la cruz
(1912).
Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine
histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como Los diez
mandamientos (la versión original de 1923 y el remake de 1956), Rey de
reyes (1927) o Cleopatra (1934). Otro clásico de época es Lo que el viento
se llevó, estrenada tras varias peripecias en 1939.

11. Para la Segunda Guerra Mundial, la maquinaria productiva de Hollywood
estaba tan bien engrasada, que muchos estudios, pudieron prestar
activos servicios creando filmes más o menos propagandísticos de
apoyo a los Aliados, y en contra del Eje. Pero una vez terminada la
conflagración, Hollywood experimentó problemas.
En primer lugar, hubo juicios contra los estudios por el monopolio que
ejercían. En 1948, los tribunales de justicia les obligaron a desprenderse
de las cadenas de cine, debiendo limitarse a la producción de las
películas, perdiendo la distribución. Al mismo tiempo, los artistas, cada
vez más célebres, empezaron a revelarse contra las imposiciones de los
estudios. Olivia de Havilland llevó su contrato a juicio, y tras un largo
tiempo litigando, ganó. Con esto, el control que los estudios ejercían
sobre actores y directores, se resquebrajó.

12. Mientras Hollywood luchaba por superar la crisis, en el resto
del mundo se imponían nuevas ideas fílmicas. Impregnados del
espíritu de las vanguardias artísticas de la primera mitad del
XX, en Europa comenzó la experimentación formal, que llevó a
la creación de nuevas formas fílmicas. Gran parte de la
actividad intelectual en torno al cine se desarrollaba no en los
estudios de productores, sino en los foros, en donde se
proyectaban filmes, y se discutía sobre ellos entre el público
interesado. Cahiers du Cinéma definió su propio cine como un
cine de autor, o sea del director, frente al cine
hollywoodense, el cual era considerado cine de productor, y
por ende, reivindicaba la mirada artística y personal del
director, por encima de las exigencias comerciales.
Todos estos cambios en el cine, que seguían de cerca a la
sociedad, iban a golpear al cine de Estados Unidos. Así es
como en las décadas de 1960 y 1970 se formaron una serie de
nuevos cineastas, que redefinieron la noción de cine
hollywoodense. A pesar de sus muy dispares temáticas y
preocupaciones, o quizás por eso mismo, todos tenían en
común el privilegiar una mirada personal o autoral de sus

13. Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los
aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película.
Dirección: El director cinematográfico es el profesional que dirige la
filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando
pautas a los actores y al equipo técnico
Guion: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guion, ya
sea una historia original, una adaptación de un guion precedente o de otra
obra literaria.
Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el
técnico de sonido y los microfonistas.
Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se
va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las
exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película:
el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar etc.
Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de las
sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de
forma narrativa.

14. En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir
a las películas en grupos. Típicamente estos géneros están formados
por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto
en lo narrativo como en la puesta en escena.
Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido
producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial.
El cine de industria puede ser o no de autor, mientras que el cine
independiente lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países
que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser
considerada independiente.
Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan
mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra
imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un
número discreto de imágenes por segundo.
Stunts: (Doble) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas
que sustituyen al actor en las escenas donde la integridad física del actor o
actriz podría estar en riesgo.

15. Cine y postmodernidad
Para cierto sector de la crítica, el cine ingresó hacia la década de 1980 en
el postmodernismo. De ahí que se hablara del agotamiento de las
vanguardias, de la imposición del concepto de simultaneidad por sobre el
de continuidad, del reciclaje de viejos materiales.
El cine e Internet
La generalización de las tecnologías relacionadas con el ordenador
cambió al cine para siempre. Los antiguos efectos especiales a base de
maquetas y sobreimpresiones pasaron a ser desarrollados mediante
computadoras.

20. Multimedia en el cine
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