Ellas también llevan la batuta

ELLAS TAMBIÉN LLEVAN LA BATUTAELLAS TAMBIÉN LLEVAN LA BATUTA
José Toscano PinzónJosé Toscano Pinzón

Ellas también llevan la batuta
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INDICE
Referencia histórica...................................................................................pag. 3

Mujeres compositoras...............................................................................pag. 7
Directoras de orquesta..............................................................................pag. 12
Jazz...........................................................................................................pag. 20
Country.....................................................................................................pag. 25
Rock.........................................................................................................pag. 30
Canción reivindicativa y protesta............................................................pag. 36

José Toscano Pinzón
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PRESENTACIÓN
José Toscano Pinzón es profesor de enseñanza secundaria en
la especialidad de tecnología en el I.E.S. Francisco Garfias
de Moguer (Huelva). Actualmente ejerce como secretario y
coordinador TIC del Centro.
Ha pertenecido a distintos grupos de trabajo y proyectos
coeducativos, impulsados desde el propio Instituto Francisco
Garfias y pertenecientes al Plan de Igualdad de Centros,
desde los siguientes cursos académicos:
Curso 2006/2007: Proyecto “coeducar para convivir y convivir para educar”, bajo la
coordinación de Dña. Irene Cortiz Sayago.
Cursos 2007/2008 : Dentro del Proyecto “coeducar para convivir y convivir para
2008/2009 educar” y bajo la coordinación de Dña. Felicidad Sánchez
Rodríguez, se realiza un grupo de trabajo para la
elaboración de materiales coeducativos y su posterior
aplicación en el aula.
Cursos 2009/2010 : Contribución en la publicación de la Revista de Coeducación
2010/2011 elaborada por el propio Instituto I.E.S. Francisco Garfias, bajo el
2011/2012 patrocinio de la Exma. Diputación de Huelva.
2013/2014
2014/2015
En la actualidad sigue colaborando en el Plan de Igualdad y en la Revista de
Coeducación del I.E.S. Francisco Garfias.

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PRÓLOGO
“Son todas las que están, pero no están todas las que son”. Conviene recordar la
frase anterior para exponer al lector que se podría haber completado la presente
publicación con una infinidad de mujeres muchísimo mayor de las que aquí se
muestran, pero he creído conveniente incluir algunas, que bajo mi punto de vista
son representativas de cada género musical expuesto, como muestra significativa de
los mismos.
Por qué hacer esta publicación?.
Como antes he comentado en la presentación, desde el año 2009, el I.E.S. Francisco
Garfias elabora una “Revista de Coeducación” en la cual se incorporan artículos muy
interesantes sobre hechos, logros, sugerencias, investigación y demás publicaciones
sobre la temática de igualdad entre hombres y mujeres.
Mientras los artículos se exponían para la inclusión en la revista de este curso
2015/2016, aporté un artículo que mostrara la participación igualitaria de la mujer en
las distintas facetas y géneros musicales a través de la historia hasta nuestros días. Me
dí cuenta lógicamente que el tamaño del artículo superaba lo establecido para la
confección de la revista y resumirlo quedaría incompleto, habiendo muchísimo
contenido que se quedarían en el tintero. Por tal motivo se creyó conveniente, la
realización de una publicación aparte, que explicara realmente las dificultades que la
mujer tuvo que asumir para incorporarse al mundo de la música, en sus distintos
géneros e igualarse al hombre hoy en día.
Tal publicación, servirá a la vez, como material curricular, dentro del área de música
del Centro. Ya que así lo recoge como acción prioritaria el Plan de Centro del I.E.S.
Francisco Garfias en el punto 1 del Plan de Convivencia, dentro del apartado
correspondiente al Ámbito Convivencial de las Finalidades educativas del Centro y
que dice: “Este Centro encauzará la formación de su alumnado en orden a la educación para la
igualdad, sin discriminaciones por razones de raza, sexo, creencias, desigualdad socioeconómica,
etc. Así pues, los órganos de gobierno y profesorado adoptarán las medidas adecuadas para evitar y
superar aquellas conductas que vulnerasen lo anterior”.
Habría que destacar al lector, que no se mencionan todos los géneros musicales
existentes, sino solo aquellos que el autor ha creido se han mantenido en desigualdad
con respecto al hombre, siendo aceptados por y para hombres con menosprecio hacia
la mujer, o bien, aquellos géneros musicales que socialmente se han relacionado casi
en su totalidad con el sexo masculino.
Por tal motivo, repito, puede ser que haya mujeres más representativas de las que se
exponen y algunos géneros musicales más que tuvieran cabida en la publicación,
pero he incluido, los que, bajo mi punto de vista y modestia, he creido representativos
del panorama musical, tan amplio y extenso que tengo conocimientos, a lo largo de
los tiempos.

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Ellas también llevan la batuta José Toscano Pinzón
REFERENCIA HISTÓRICA
Cuando analizamos el género de la palabra “Música”, se nos antoja suponer
que es femenino. Incluso en su acepción significativa, ya que si tenemos en
cuenta su significado, en la Grecia antigua, tal término era definido como “el
arte de las musas”. Y si analizamos el significado de musa, en la mitología
griega eran consideradas las diosas inspiradoras de la música.
Si nos adelantamos en el tiempo, pongamos, alrededor del año 180 D.C. Un 22
de noviembre, una mujer era perseguida por la guardia del imperio romano,
debido a sus creencias cristianas. Fue arrestada y más tarde, cuando estaba a
punto de ser ejecutada entonó un canto en alabanza a Dios. A partir de entonces
por toda Europa se empezó a conmemorar ese día con la realización de
festivales y actividades musicales, en pro de esa mujer, cuyo nombre era
Cecilia. En el año 1594 Santa Cecilia fue nombrada patrona de la música por el
Papa Gregorio XIII.
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ELLAS TAMBIÉN LLEVAN LA BATUTA

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Si analizamos todos los hechos acontecidos anteriormente, parece indudable
que la música se haya hecho exclusivamente a la
medida de la mujer. Pero sin embargo, a lo largo
de la historia, la mujer ha estado en inferioridad
de presencia, ocultada, mal vista e incluso con el
riesgo de perder su vida, cuando en las artes de
la música quería pronunciarse. En la baja edad
media las mujeres, casi exclusivamente, podían
expresar su valor artístico y musical
enclaustradas en los monasterios, apartadas del
mundo de los hombres y consagradas a su vida
espiritual y por extensión a sus pasiones
musicales. Tal es el caso de Hildegarda de
Bingen (1098-1179). Que fue una de las
primeras mujeres compositoras de las que se tiene referencia. Abadesa en el
monasterio de Rupertsberg (Alemania). El 7 de octubre de 2012 el Papa
Benedicto XVI le otorgó el título de doctora de la Iglesia.
Considerada por los especialistas actuales como una
de las personalidades más fascinantes y polifacéticas
del occidente europeo, se la definió entre las mujeres
más influyentes de la baja edad media, entre las
figuras más ilustres del monacato femenino, dotada
de una cultura fuera de lo común y comprometida
también en la reforma de la Iglesia.
Desde principios del siglo XX hasta nuestros días la
mujer ha ido escalando puestos y ocupando los
lugares que le corresponden igualitariamente con el
hombre en el arte de la música, recorriendo un
camino difícil, no lleno de menosprecios y
ocultismos. Géneros musicales que hoy en día son interpretados por mujeres y
por hombres en igualdad de oportunidades y talentos, eran impensables hace
bastantes años, pues su interpretación era realizada exclusivamente por
hombres. Todavía hoy en día cuando nos referimos a algunos géneros musicales
solamente le ponemos cara y voz de hombre. Sin embargo también tienen rostro
de mujer.
Sirva esta publicación en homenaje y reconocimiento a esas mujeres que
viéndose apartadas de su expresión artística musical y a demostrar su valía, no
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han sido reconocidas en un mundo reservado para hombres, y también para
demostrarle al lector y poder poner rostro de mujer a muchos géneros e
interpretaciones musicales que aún hoy en día sólo tenemos la imagen del
hombre en su interpretación.
MUJERES COMPOSITORAS.
En el mundo de la composición musical muchísimas mujeres han estado ocultas
en siglos anteriores a la sombra de hombres que han intentado diluir o dilapidar
su existencia. Por el mero hecho de ser mujer las posibilidades de darse a
conocer en la sociedad de entonces era entendido como un ataque a la ética y a
los valores morales. La mujer era relegada simplemente a las labores
domésticas y familiares. Es tanto el rechazo y la injusticia practicada con la
mujer, que en 1686 el papa Inocencio XI declaró: "La música es totalmente
dañina para la modestia que corresponde al sexo femenino, porque las
mujeres se distraen de las funciones y las ocupaciones que les
corresponden... Ninguna mujer... con ningún pretexto debe aprender
música (o)... tocar ningún tipo de instrumento musical". (Este edicto fue
renovado en 1703 por Clemente XI). Sin embargo algunas mujeres
pertenecientes a familias con distinguido arraigo musical se dieron a conocer,
pero siempre a la sombra de padres, hermanos, esposos, o cualquier otra
afinidad familiar que correspondiera al hombre de la familia. Ejemplos de las
mismas serían, entre tantas otras:
María Anna Walburga Ignatia Mozart (1751-1829).
Era conocida como Nannerl Mozart, hermana
del genial Wolfgang Amadeus Mozart. Fue
también una niña prodigio, educada en un
selecto ambiente musical. Acompañó a su
hermano en muchísimos conciertos tocando el
violín. Por el simple hecho de ser mujer, su
padre la apartó de escena, impulsando a su hijo
para tal cometido, impidiéndole seguir
componiendo y dedicándose exclusivamente a
impartir clases de piano.
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Fanny Mendelssohn (1805-1847).
Compositora y pianista alemana, hermana del conocido compositor Felix
Mendelssohn, desde pequeña se advirtieron sus virtudes como prodigio
musical, educándose en el arte de la composición e interpretación. Sin embargo,
la familia Mendelssohn se volcó con el joven Felix
Mendelssohn, destinando a Fanny al papel de
buena esposa y ama de casa. Su destino cambiaría
después, al casarse en 1829 con el pintor Wilhelm
Hensel, quien la apoyó en su empeño para
componer hasta un total de 466 piezas musicales.
Clara Wieck Schumann (1819-1896).
Estuvo casada con Robert Schumann, uno de los
más importantes compositores del romanticismo
alemán. También con Johannes Brahmas, otro gran
compositor del siglo XIX. Clara fue admirada por
otras personalidades de la época como Goethe,
quien la conoció siendo muy joven. También
conoció personalmente a Felix Mendelssohn,
Frederic Chopin y Niccolò Paganini. Además de
ser pianista, escribió su propia música y editó
varias obras de su esposo. Las razones por las que
no se dedicó en mayor grado a la composición, a
pesar de su talento evidente, fueron varias, entre ellas su carrera de concertista,
sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.
Augusta Holmès (1847-1903).
Era una compositora francesa de origen irlandés. Al principio se publicó bajo el
seudónimo de Hermann Zenta.
A pesar de mostrar el talento en el piano, no se le permitió estudiar en el
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Conservatorio de París , pero tomó clases privadas . Desarrolló su piano bajo la
tutela del pianista local de Mademoiselle Peyronnet. Organista de la catedral
Henri Lambert y Hyacinthe Klose. Asimismo, mostró algunas de sus
composiciones anteriores a Franz Liszt . Alrededor de 1876 , se convirtió en
una alumna de César Franck , a quien ella consideraba su verdadero maestro .
Camille Saint- Saëns escribió de Holmès en la
revista Harmonie et Mélodie : "Al igual que los
niños, las mujeres no tienen ni idea de los
obstáculos, y su fuerza de voluntad rompe todas las
barreras, la señorita Holmès es una mujer , una
extremista.
Holmès nunca se casó, pero ella convivía con el
poeta Catulle Mendès ; la pareja tuvo cinco hijos.
Ella misma escribió las letras de casi todas sus
canciones y oratorios , así como el libreto de la ópera “La Montagne Noire” .
En el año1889 de la celebración del centenario de la Revolución Francesa,
Holmès fue comisionado para escribir la Triomphale Oda para la Exposición
Universal , una obra que requiere cerca de 1.200 músicos. Ganó la reputación
de ser una compositora de música de programa con sentido político , como sus
poemas sinfónicos Irlande y Pologne .
Holmès legó la mayor parte de sus manuscritos musicales para el Conservatorio
de París .
Alma Marie Schindler (Alma Mahler) (1879-1964).
Nació en Viena y destacó por su belleza y su inteligencia. Fue esposa,
sucesivamente, de personajes notables del siglo XX, el compositor Gustav
Mahler, el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel. Mientras
estuvo casada con Mahler, este le impuso el abandono de todas sus inquietudes
artísticas y musicales para dedicarse plenamente a su matrimonio, solamente
intervino como copista y lectora de pruebas de las obras de su esposo.
Alma, se cansó de esa vida, enamorándose más tarde del
joven arquitecto Walter Gropius, que años más tarde en
1919 fundaría La Staatliche Bauhaus, o simplemente la
Bauhaus. Fue la escuela de arte, artesanía y arquitectura
en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades
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prusianas en manos del Partido Nazi.
Alma compuso varias obras musicales y en algunas contó con la ayuda y
arreglos del compositor Ernt Krenek, y contactó con otros músicos para que las
orquestaran.
Sin embargo también la música nos ha dado grandes mujeres compositoras que
han podido manifestarse en sociedad, aceptándose y reconociéndose por la
crítica de aquel momento. Normalmente todas estas mujeres que han dejado su
impronta en este arte pertenecían a familias acomodadas o pertenecientes a la
nobleza, sin menospreciar el arraigo y valentía que suponía manifestarse en esta
disciplina siendo mujer, por los roles propios de la época. No obstante si
comparásemos a las mismas con la circunstancia de ser hombres, el
conocimiento en sociedad se hubiera producido muchísimo antes y a la crítica
le hubiera costado menos en el tiempo admitir el reconocimiento merecido.
Ejemplos, entre otras, de tales mujeres son:
María Antonia Walpurgis de Baviera (1724-1780).
Fue una mecenas, compositora, pintora y escritora alemana.
Era hija del príncipe electo Carlos Alberto de
Baviera y de María Amelia de Austria, hija menor
del emperador José I.
Utilizó el seudónimo ETPA (Ermelinda Talea
Pastorella Arkadia) como nombre secreto de
miembro de la Academia Romana de los Árcades,
que era una academia literaria creada en Roma en
1691 para combatir los excesos del barroco
mediante una nueva estética, el Clasicismo.
Fue discípula de los compositores Giovanni
Battista Ferrandini, Nicola Porpora y Johann
Adolph Hasse. Patrocinó a científicos y artistas, como por ejemplo la familia de
pintores Mengs y el director de orquesta Johann Gottlieb Naumann. Entre sus
siete hijos estaba el que luego sería el Rey Federico Augusto El Justo.
Entre sus obras musicales destacan la obra operística “Il trionfo della fedeltá”.
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Las cantatas para Hasse, Mana, Ristori. Y el texto para el oratorio “La
conversione di S. Agostine”, también para Hasse.
Marianne Von Martínez (1744-1812).
Hija del español Nicolás Martínez, que fue nuncio del Papa en la Corte de
María Teresa de Austria y exiliado en Nápoles.
Como era muy amigo del poeta Pietro
Trapassi, más conocido como Metastasio, este
se interesó en la educación de su hija, que
destacó como niña prodigio cantante, teclista y
compositora. Esta vivió en sus primeros años
vieneses en casa de Metastasio y con los años
Mariana pasó de amiga a amante pese a una
diferencia de edad de 40 años. Posteriormente,
la familia Martínez heredó una importante
fortuna del poeta que gestionaron ella y su
hermana y que contribuyó a que desarrollaran
una importante vida social en Viena; su salón fue uno de los más célebres
de la ciudad, y conoció a un Mozart doce años más joven que ella, a
Beethoven y al compositor español Martín Soler. En 1790 abrió una
escuela de canto de la que salieron algunas de las más grandes voces de su
época. Fue miembro de honor de la Academia Filarmónica de Bolonia y
doctor honoris causa en Pavia. Martínez compuso más de doscientas obras,
misas, cantatas, música instrumental y obra para clave y pianoforte.
Pauline Duchambge (1778-1858).
fue una guitarrista, pianista y compositora francesa . Antonieta - Pauline de
Montet nació en una familia rica en Martinica,
Antillas . De padres nobles y poseyendo una
gran fortuna, quiso vivir durante un tiempo en
un convento , dejándolo en 1792 y casándose
con el barón Duchambge en 1796.
Divorciándose más tarde, en 1798,
reivindicándose como música y compositora.
Fue una de las primeras mujeres en escribir
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música original para el instrumento. Aprendió el piano con Desomery y Dussek,
y la guitarra con el admirable Ferdinando Carulli. Disminuidas sus finanzas, se
dedicó a la enseñanza y la composición, obteniendo un franco éxito en ambas
cosas. Fueron célebres su "Ballade", "Barcarola", "Romanza" para guitarra con
canto, editadas por Boosey de Londres. El pintor Robert Lefebvre pintó su
retrato a tamaño natural, donde se la ve ejecutando una guitarra.
Pauline Viardot-García (1821-1910).
De origen español, nació en París; se destacó
como mezo-soprano y también como
compositora. Era hija del tenor y compositor
Manuel García (1775-1832) y hermana de la
destacada soprano María Felicità García (1808-
1836), conocida como La Malibrán. Pauline
Viardot-García compuso varias operetas: Le
Dernier Sorcier; L’ Ogre; Trop de Femmes;
además de varias canciones.
DIRECTORAS DE ORQUESTA
Si reflexionamos sobre este apartado nos daremos cuenta que cuando pensamos
en la dirección de una orquesta, se nos viene a la mente la figura de un hombre
con traje de frac o enchaquetado de color oscuro y sacudiendo con armonía y
enérgicamente su batuta. Evidentemente también la mujer existe en este campo
y con figuras de renombre internacional. Pero no todo este camino hasta
conseguir el reconocimiento de la mujer, hoy día, en el apartado de la dirección
de orquesta fue fácil. En este sentido, es importante la labor que realizaron
mujeres del talante como; Isabel de la Calle, al frente de su orquesta, la
Orquesta Femenina de Barcelona, creada antes de la Guerra Civil Española e
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1313
interrumpida por esta y con continuidad hasta los años 50.
Hoy en día contamos con La Orquesta Sinfónica de Mujeres de Madrid,
OSMUM, que es un proyecto cultural elaborado por mujeres y destinado a
todos aquellos que aman la música y se entusiasman con proyectos innovadores
que exploran campos inéditos.
Esta Orquesta, primera de su especie en España y Europa, cuenta con el
respaldo de años acumulados de experiencia de sus instrumentistas y formada
en su gran mayoría por profesoras de los diferentes conservatorios de música.
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1414
La OSMUM ha sido promovida por Mª Isabel López Calzada, una mujer
directora de orquesta de España, que cuenta con un sólido bagaje cultural y
empresarial producto de muchos años de experiencia al frente de orquestas
nacionales e internacionales y de empresas musicales gestionadas por ella.
La andadura de esta Orquesta Sinfónica de Mujeres de Madrid, se inició el 27
de marzo de 2.004 con un concierto en el Auditorio Nacional de Madrid, donde
se ofreció un amplio repertorio con obras de Tchaikovsky, Fanny Hensel
Mendelssohn y Edgard H. Grieg.
Directoras de orquesta hay y ha habido muchas, lógicamente no podemos
insertar en este apartado a todas, pero si a algunas representativas de este
género, que por su importancia y peculiaridad creo debo destacar:
Nadia Boulanger.
Nació en París en 1887 y falleció también en
París en 1979. Fue compositora, pianista,
organista, directora de orquesta, intelectual y
profesora francesa que formó y enseñó a muchos
de los grandes compositores del siglo XX. Según
el compositor Ned Rorem “fue la pedagoga
musical más importante que jamás existió”.
Como directora de orquesta, fue una de las
primeras en recuperar las obras de Monteverdi
(en la década de 1930), y fue la primera mujer
que dirigió un concierto para la Royal
Philharmonic Society de Londres (1937), la Orquesta Sinfónica de
Boston(1938) y la Orquesta Filarmónica de Nueva York(1939).
Chiquinha Gonzaga.
Francisca Edwiges Neves Gonzaga, más conocida como Chiquinha Gonzaga
(Rio de Janeiro, 1847-1935) fue compositora, pianista y directora de orquesta
brasileña.
Fue la primera mujer en componer y tocar choro ( musica tradicional e
instrumental brasileña ), primera pianista de choro, autora de la primera marcha
de carnaval (Ô Abre Alas, 1899) y también la primera mujer en dirigir una
orquesta en Brasil.
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1515
Comenzó a los 11 años de edad su carrera de compositora con una música
navideña, “Canção dos Pastores”. A los 16 años, por determinación de la
familia de su padre, se casó con Jacinto Ribeiro do Amaral, oficial de la Marina
Imperial brasileña e inmediatamente quedó embarazada. No soportando la
reclusión en el buque donde el marido trabajaba
(ya que él pasaba más tiempo trabajando en el
barco que junto a ella) y las órdenes de él para
que no se envolviera con la música, además de
las humillaciones que sufría y el desprecio de él
respecto a su sueño. Chiquinha, después de años
de casada se separó, lo que fue un escándalo en la
época.
Se llevó consigo solamente al hijo más grande,
João Gualberto. Su marido, sin embargo no
permitió que Chiquinha cuidara de los hijos más
pequeños: Maria do Patrocínio y el niño Hilário. Ella sufrió por verse alejada de
los 2 hijos por determinación del marido y por la discriminación de la sociedad
de aquella época, que interpretaba como delito si una mujer se separaba del
marido. Después de eso tuvo encuentros con dos hombres más en su vida. El
primero un antiguo novio de la juventud João Batista de Carvalho, con quien
tuvo una hija: Alice Maria. Llegándose a separar de nuevo, con la consecuente
pérdida de su hija y por último un romance a sus 52 años de edad con João
Batista de tan solo 16. Temiendo el prejuicio, él hace que ella finja que lo
adoptó como hijo, para vivir ese gran amor. Esta decisión fue tomada para
evitar escándalos en respeto a sus hijos y a la relación de amor pura que
mantenía con João Batista, de la cual pocas personas en la época entenderían,
además de afectar a su brillante carrera.
Renée Pietrafesa.
Renée Pietrafesa Bonnet (Montevideo, 17 de diciembre de 1938) es una
compositora, pianista, organista, clavecinista y directora de orquesta franco-
uruguaya. Sus composiciones exploran tanto los géneros populares como de
vanguardia, incluyendo muy particularmente la música electroacústica.
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1616
En 1984 Recibió el Premio Florencio de la Crítica Teatral Uruguaya por la
música de Electra de Sófocles y fue nombrada Chevalier
des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de
Francia.
Dirige su propia Escuela de Música en la Quinta del Arte, a
la par de su tarea como docente pedagogía y práctica de
conjunto en la Escuela Universitaria de Música.
Fundó la Orquesta de Cámara de jóvenes, otra rama del
Conjunto Ars Musicae de Montevideo que había sido fundado por ella en 1964
y cuya finalidad es difundir la música de cámara en todos sus géneros y realizar
estrenos de compositores uruguayos.
Fundó y dirige el Grupo Barroco de Montevideo. Es autora de obras de calidad,
reconocida internacionalmente. Defensora de siempre en realizar la difusión
musical con programas heterogéneos que comprendan diferentes estilos y
géneros que sirvan al público en su realidad cotidiana recalcando el aspecto
didáctico de los mismos, es decir acertar con las necesidades de la gente de hoy.
Simone Young.
Nació en Sydney (Australia) en 1961. Pionera como directora de orquesta de la
Filarmónica de Hamburgo.
Inició su carrera musical especializándose en ópera.
Es una mujer muy culta, habla cinco idiomas y sabe de memoria las partituras
de más de 60 óperas.
En 1985 y con tan solo 24 años sustituyó, por caer enfermo, al director de la
ópera de Sydney horas antes del concierto.
A partir de 1993, pese a la tradición machista de
la ópera de Viena, Simone dirigió más de 20
óperas diferentes y en 1996 debutó en
Hamburgo con enorme éxito.
Está reconocida internacionalmente como una
de las más eminentes batutas de la actualidad, y
ha dirigido en los más prestigiosos escenarios
del mundo, frente a las orquestas filarmónicas de Nueva York, Los Ángeles,
12

1717
Londres, París, Munich y Viena.
En el año 2005, Simone Young entra en la historia como la primera mujer
designada directora musical de la Orquesta Filarmónica de Hamburgo.
Inma Shara
(Inmaculada Lucía Sarachaga). Es una de las más brillantes representantes de la
nueva generación de directores de España. Fue la primera mujer en dirigir un
concierto en el Vaticano.
Ha dirigido las orquestas sinfónicas españolas más importantes y algunos de sus
compromisos más recientes incluyen colaboraciones con algunas de las mejores
orquestas del mundo como, la London Philharmonic Orchestra, Filarmónica de
Israel, London City Chamber Orchestra, además de las Orquestas; Sinfónica
Nacional Checa, Sinfónica Nacional Rusa, London Royal Philharmonic,
Sinfónica de Roma, Orquesta Sinfónica Nacional de Taiwan, Sinfónica de
Milán, Orquesta de la Suisse Romande (Suiza), Sinfónica de Lituania,
Sinfónica Nacional de Letonia, Orquesta Sinfónica del Teatro Reggio de Parma,
Orquesta del Teatro Carlo Felice, Sinfónica Nacional de Ucrania, entre otras
muchas orquestas..... incluyendo las más importantes orquestas españolas,
además de colaborar con grandes solistas de la talla de Mischa Maisky, Boris
Berezovsky o Shlomo Mintz, entre otros.
Recientemente ha sido galardonada con el premio a la Excelencia Europea por
su proyección internacional y su aportación a la música clásica, igualmente ha
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1818
sido nombrada "Embajadora Honoraria de la Marca España" prestigioso premio
concedido por el Foro de Marcas Renombradas por ser una de las más brillantes
representantes de la nueva generación de directores de orquesta de España y por
su trayectoria profesional.
Virgínia Martínez.
Nace en Molina de Segura, Murcia, en 1979. A los seis años comienza sus
estudios musicales en la Academia Municipal de Molina de Segura. A los ocho
años empieza sus estudios de piano. Desde los cuatro años fue miembro del
Coro de Niños de Molina, hasta los trece años, momento en que se hizo cargo
de la dirección de los Coros Infantiles Municipales de Molina de Segura
prosiguiendo su labor hasta 1999, año en el que se gradúa en el Conservatorio
Superior de Música de Murcia y posteriormente es becada por la Fundación
Séneca de Murcia para
continuar sus estudios
en el extranjero. A
partir de ese año
comienza a estudiar la
carrera de Dirección de
Orquesta en el
Conservatorio de la
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sido nombrada "Embajadora Honoraria de la Marca España" prestigioso premio
concedido por el Foro de Marcas Renombradas por ser una de las más brillantes
representantes de la nueva generación de directores de orquesta de España y por
su trayectoria profesional.
Virgínia Martínez.
Nace en Molina de Segura, Murcia, en 1979. A los seis años comienza sus
estudios musicales en la Academia Municipal de Molina de Segura. A los ocho
años empieza sus estudios de piano. Desde los cuatro años fue miembro del
Coro de Niños de Molina, hasta los trece años, momento en que se hizo cargo
de la dirección de los Coros Infantiles Municipales de Molina de Segura
prosiguiendo su labor hasta 1999, año en el que se gradúa en el Conservatorio
Superior de Música de Murcia y posteriormente es becada por la Fundación
Séneca de Murcia para
continuar sus estudios
en el extranjero. A
partir de ese año
comienza a estudiar la
carrera de Dirección de
Orquesta en el
Conservatorio de la
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1919
Ciudad de Viena. , finalizando estos estudios en junio de 2003, dirigiendo en el
concierto de graduación a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena, con la
obra “El Pájaro de Fuego”, de Igor Stravinsky, y obteniendo la calificación de
“Matrícula de Honor con mención especial”. En el año 2000 entra a formar
parte del “Singverein Chor” de Viena, con el que ha dado numerosos conciertos
por toda Austria y Europa. En Enero de 2004 fue nombrada “Joven del Año”
por la Consejería de Juventud de la Región de Murcia y también nombrada el
mismo año como asistente de Bertrand de Billy en el Gran Teatro del Liceu de
Barcelona, para el montaje de 2 óperas Wagnerianas: “Siegfried” y “El Ocaso
de los Dioses”. En la temporada 2005/6 fue Directora Asistente de la Orquesta
Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, trabajo que compaginó con la
dirección artística de la Orquesta de la Escuela Superior de Música de Cataluña.
Y en la temporada 2006/07 fue nombrada Asistente de la Orquesta de Valencia
junto a Yaron Traub. Ha dirigido con gran éxito a las Orquestas Sinfónica de la
Región de Murcia, Pablo Sarasate, Orquesta de Valencia, Sinfónica del Vallés,
Orquesta Ibérica, Orquesta “Barcelona 216”, Orquesta Ciudad de Barcelona y
Nacional de Cataluña, Sinfónica del Principado de Asturias, Orquesta de
Granada, Orquesta de Córdoba, Wiener Kammerorchester y Orquesta Nacional
de Santo Domingo, donde colaboró con Philippe Entremont. El pasado Octubre
de 2007 realizó una gira por España con la Wiener Kammerorchester. Entre sus
compromisos recientes destacan sus actuaciones junto a la Orquesta Sinfónica
de Granada, Orquesta de Valencia, Orquesta Sinfónica del Principado de
Asturias, Orquesta “Barcelona 216”, Orquesta de Menorca y Orquesta Nacional
de Montpellier, así como la dirección de la Zarzuela “La del Manojo de Rosas”
en una producción del Teatro Campoamor de Oviedo en el verano del 2009.
Actualmente es Directora Titular de la Orquesta de Jóvenes de la Región de
Murcia.
Gloria Isabel Ramos Triano.
Nacida en las Islas Canarias, en 1995. Ganó el Premio Internacional para
Jóvenes Directores de Orquesta de Besançon en la modalidad de Ópera. En
1996 debuta en España con la
Orquesta Sinfónica de Tenerife y la
Orquesta Sinfónica de Galicia.
En el año 2001 es nombrada directora
titular y artística de la Orquesta de
15

2020
Córdoba, consiguiendo ésta bajo su dirección un gran éxito de público en sus
actuaciones en el Gran Teatro de la localidad.
En el año 2001 recibió el Premio El Ojo Crítico de Radio Nacional de España
en la categoría de Música Clásica.
En el año 2003 fue nombrada Personaje del Año en Córdoba.
Ha sido nombrada Mujer Canaria 2005, por el Orfeón La Paz de La Laguna.
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Si nos movemos por distintos géneros musicales apreciaremos que a lo largo de
la historia, la mujer ha tenido un papel medio sombrío o incluso oculto en
algunos de ellos, a partir de ahora vamos a centrarnos en géneros en los cuales
la mujer no ha ido a partes iguales con el hombre, sino más bien, con el permiso
de este. La entrega y el arrojo de mujeres de este tipo en una sociedad machista
por excelencia, contribuyen a valorar aún más el papel de las mismas y a
enterrar los tópicos típicos que se tenían y/o tenemos conceptuados.
Sobre este aspecto vamos a ir recorriendo diferentes géneros, aunque no todos,
pero sí los más representativos en los cuales la mujer ha tenido que abrirse
camino y reivindicar su valía y profesionalidad. Como son el Jazz, contry, rock
y canción de autor. El lector se preguntará que existen más géneros en los que la
mujer ha tenido un papel muy importante, como son el soul, pop, folk, etc. Pero
en todos ellos, ha ido casi, por no decir igual, a la misma par con el hombre.
Los géneros que aquí destacamos son aquellos en los que hoy en día se
encuentran en igualdad de condiciones, pero en otros tiempos existía un cierto
recelo entre ambos. Y no solo por la desigualdad de aquel entonces, sino por el
hecho de abrirse camino en géneros acaparados por la mayoría de hombres y
algunos relacionados inclusive con la masculinidad.
JAZZ.
Ha habido consagradas cantantes de jazz a lo largo de la historia. Nombres
como Ella Fitzgeral, Areta Franklin, Billie Holiday, Sarah Vaugh, etc. han
sublimado el arte vocal en este género. Pero la cosa cambia cuando pensamos
en instrumentistas del mismo. Louis
Amstrong, Duke Ellington, Art Tatum,
Lionel Hampton, etc, son ejemplos de
músicos de una categoría extraordinaria,
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obras maestras, sin ninguna duda, pero ¿podría alguíen pensar en alguna
instrumentista?. Tal vez sí, pero la mayoría se quedarían con la mente en
blanco, sin saber qué decir. Porque lo cierto es que hasta hace poco la presencia
de mujeres en el jazz tenía el campo muy restringido al jazz vocal.
Uno de los ejemplos de valentía por aquel entonces fue la saxofonista Elsie
Smith tocando en la banda del prestigioso Lionel Hampton.
Ejemplos de instrumentistas, entre otras, son:
Mary Osborne como guitarrista. Jennifer Vincent como bajista. Sylvia Cuenca
como baterista. Anne Mette Iversen como contrabajista. Annie Whitehead como
trombonista. Ingrid Jensen como trompetista. Shirley Scott como organista. Ina
Rae Hutton como directora de big band. Ana Norgard como percusionista.
Regina Carter como violinista...
Mary Osborne
Gran guitarrista de jazz eléctrico que nació en Minot, Dakota del Norte, el 17
de julio de 1921 y murió el 4 de marzo de 1992. Décima de once hijos . Su
familia tenía bastante inclinación hacia la música; su madre tocaba la guitarra y
su padre construía violines. A los 3 años de edad , mostró un interés y una gran
facilidad para la reproducción musical. Los primeros instrumentos que utilizó
Osborne incluyen piano, ukelele , violín y banjo. A los nueve años , se inclinó
por primera vez por la guitarra. A los diez años ya
tocaba el banjo en la banda de ragtime de su padre.
También llegó a ser presentada en su propio
programa de radio, que continuaría realizando
actuaciones dos veces por semana hasta los quince
años . A los doce años comenzó su propio trío de
niñas para tocar en Bismarck, Dakota del Norte.
Osborne se casó con el trompetista Ralph Scaffidi,
que la animó en su carrera musical.
En la década de 1940 fue cuando se produjeron los
momentos más intensos de la carrera musical de
María Osborne . Empezó tocando en sesiones de
improvisación en la calle 52 , donde ella se codeó
con algunos de los grandes nombres del jazz y
rápidamente se hizo un nombre por sí misma. En 1941 se enroló en la carretera
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con el reconocido violinista de jazz Joe Venuti. Hasta encabezar en 1945 un
concierto de jazz junto a Dizzy Gillespie, Art Tatum , Coleman Hawkins , y
Thelonious Monk en Filadelfia.
Shirley Scott (Filadelfia, Pensilvania, 1934-2002).
Fue una cantante y organista de jazz
norteamericana. Inició su carrera profesional
tocando el piano en la big band de su hermano,
aunque se pasó más tarde al órgano Hammond para
tocar con George Duvivier, después en un grupo,
junto con John Coltrane y Al Heath, y más tarde en
un trío con Eddie Lockjaw Davis. En Nueva York
(1956-1960) graba y toca junto con Stanley
Turrentine, que era su esposo en esa época, y mantiene regularmente su trío. En
la década de los 80, se dedica a la enseñanza musical.
Scott alcanzó un gran prestigio como músico de acompañamiento, dentro del
género que en los años 50 se conoció como funky jazz.
Jennifer Vicente
Jennifer Vicente , es bajista y violonchelista , ha sido una fuerza activa en la
escena del jazz latino en Nueva York durante las últimas dos décadas . Ha
tocado con varias formaciones prestigiosas, como la Orquesta de Duke
Ellington , Betty Carter , Abbey Lincoln , con los bateristas Willie Martínez y
Roberto Rodríguez ( de Miami Sound Machine ) , Jon Hendricks , Paula West ,
Carmen Lundy , Son Sublime , y el famoso Coro de la Boy de Harlem .
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Sylvia Cuenca
Sylvia Cuenca es una baterista estadounidense joven y activa en la escena del
jazz de Nueva York que está contribuyendo
al desempeño sobresaliente en una variedad
de situaciones . Recientemente, ella ha
estado llevando una actividad muy
acentuada con el legendario trompetista
Clark Terry , como parte de su quinteto .
Este grupo lleva a cabo anualmente en el
Village Vanguard y el Blue Note de Nueva
York, en la Royal Caribbean y los cruceros
de jazz SS Noruega , así como en muchos
clubes, conciertos y festivales de jazz . Además de trabajar con Clark Terry, ha
tocado con artistas como el trombonista Al Grey , saxofonistas Red Halloway ,
Jimmy Heath y Frank Wess , para nombrar unos pocos .
Annie Whitehead
Nació en 1955 en Oldham, Lancashire, Inglaterra.
aprendió trombón en la escuela; a los 14 ya estaba ocupada tocando con bandas
de música , grupos de danza locales y de la Orquesta de Jazz de los Jóvenes de
Manchester y comenzó su carrera profesional a los dieciséis años . Entre sus
influencias iniciales están Miles Davis , Charles Mingus y Wayne Henderson .
Ella también es ecléctica y dispuesta a probar otros géneros además de jazz.
Trabajó con la Hermandad de Chris McGregor, Carla Bley , Robert Wyatt , Joan
Armatrading , Penguin Cafe Orchestra, Chris Rea , Bill Wyman , Elvis
Costello , Jah Wobble , ... Y los Hipsters nativos entre otros. En 1984 formó su
propia banda y lanzó su primer CD como líder. Ha contribuido a más de 50
álbumes y ha grabado cinco bajo su propio nombre.
Ella había sido parte de las All Stars Jazz de Jamaica junto al saxofonista Denys
Baptiste y su propia banda combina los ritmos del reggae con el jazz . En 2003
tocaba el trombón en la banda de Robert Wyatt. Ha participado en la banda
tributo a Frank Zappa con el guitarrista de jazz John Etheridge y otros. En 2004
la BBC Radio 4 la llamó " una de las grandes trombonistas del país. En 2007,
ha tocado el trombón en la mayoría de los temas contenidos en el álbum de
Robert Wyatt “Comicopera” .
Whitehead también ha trabajado con su novio , Jennifer Maidman y enseña jazz
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en el Centro de Londres para Jóvenes Músicos .
Ingrid Jensen
Es una trompetista canadiense, nacida en 1966 en Vancouver. Ha sido nominada
para varios premios Juno, ganando uno con su primer lanzamiento, Vernal
campos (con Lenny White, George Garzone y Larry Grenadier). Ingrid pasa
mucho de su tiempo en giras con sus propios proyectos, tocando, también, con
la premiada en los Grammy Maria Schneider Jazz Orchestra y también como
invitada en prestigiosas universidades de todo el mundo. Su hermana, Christine
Jensen, toca el saxofón y ocasionalmente realiza algunas actuaciones con
Ingrid.
Una lista parcial de los músicos con los que ha trabajado Jensen incluye, entre
otros: Steve Wilson, Watts 'Tain' Jeff, Dr. Lonnie Smith, Bob Berg, Gary Bartz,
Bill Stewart, Terri Lyne Carrington, Geoffrey Keezer, Billy Hart, George
Garzone, Chris Connor , Victor Lewis, Clark Terry, Frank Wess, Billy Taylor...
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COUNTRY
Si recurrimos a este género musical, se nos antoja pensar en el típico varón
norteamericano con sombrero de cowboy, guitarra en mano y cantando
canciones donde la palabra “Baby” refiriéndose a “nena” o “chavala” se
encuentra omnipresente, y principalmente con argumentos de mando sobre la
misma. Afortunadamente este estereotipo del género, hoy en día se va alejando
bastante de la realidad. El género country actualmente posee una brillantez y
calidad impresionantes y está a la par en una sociedad donde el hombre y la
mujer comparten sus inquietudes musicales por igual. Pero hace bastantes años
la mujer se asomaba al country con permiso y aprobación mayoritariamente del
hombre, por no decir de los prejuicios que suponían pensar en una mujer
actuando en “garitos” o bares de medianoche, donde la mala reputación y la
costumbres más bien desinhibidas eran un escándalo en la sociedad americana
de años atrás. Gracias al talento y a la calidad musical que la mujer ha
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demostrado en este género, hoy en día el country sería inimaginable sin la
aportación y presencia de la mujer.
Existe una gran variedad de mujeres que destacan en este género, pero entre
otras, caben destacar; Patsy Montana, Kitty Wells, Emmylou Harris, Judy
Collins, Norah Jones, Alison Krauss, Linda Ronstadt, Lucinda Williams, etc,
etc.
Patsy Montana.
Ruby Rose Blevins (Beaudry, Arkansas, 30 de octubre de 1908-San Jacinto,
California, 3 de mayo de 1996).
Conocida profesionalmente como Patsy Montana, fue
una cantante y compositora de música country y la
primera mujer de la historia de este género en vender
un millón de copias de un single con “I want to be a
cowboy's sweetheart”. Es miembro del Country Music
Hall of Fame.
Kitty Wells.
Ellen Muriel Deason ( 30 agosto 1919 - 16 julio 2012 ).
Conocida profesionalmente como Kitty Wells , fue una cantante de música
country estadounidense . Su grabación de 1952
que fue un hit denominado "No fue Dios quien
hizo Honky Tonk Angels" , la convirtió en la
primera cantante de country femenina del país en
Estados Unidos , y la convirtió en la primera
mujer en la estrella del country . Sus 10 Top hits
continuaron hasta mediados de la década de
1960 , inspirando a una larga lista de cantantes de
country femenina que llegaron a la fama en la
década de 1960.
En 1976, fue incluida en el Music Hall de la
Fama del Country . En 1991 se convirtió en la tercera artista de música country
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del país y la octava mujer en recibir el Grammy Lifetime Achievement Award .
Sus logros le valieron el sobrenombre de Reina de la Música Country .
Emmylou Harris
Nació en Birmingham, Alabama, 2 de abril de 1947.
Su infancia transcurrió en Carolina del Norte y Woodbridge, Virginia, donde se
graduó en el Instituto Gar-Field. Allí terminó los
estudios con una mención de honor debido a sus
excelentes resultados, esto le reportó una beca
escolar que le permitió ingresar en la
Universidad de Greensboro en Carolina del
Norte. Fue allí donde comenzó a estudiar
música de forma profesional, tocando en su
tiempo libre canciones de Bob Dylan y Joan
Baez. Finalmente decidió abandonar la
universidad para dedicarse a la carrera musical.
Eligiendo la ciudad de Nueva York como
destino. Allí comenzó a tocar canciones folk en
los bares y cafés de Greenwich Village (una
zona de Nueva York conocida por su cultura
artística y bohemia) alternando los conciertos
con su trabajo de camarera, que le permitía sobrevivir.
En el año 1969 se casó con su compañero Tom Scolum, también compositor y
escritor de canciones. Al año siguiente grabó su primer álbum Gliding Bird. El
álbum, compuesto por cuatro canciones originales de ella y por temas de Bob
Dylan, Hank Williams y Fred Neil. En 1976 colabora en coros y guitarra con
The Band en el último álbum “The Last Waltz” de la banda norteamericana en
la canción "Evangeline". Anteriormente (1975) también colaboró con Bob
Dylan en la grabación del álbum "Desire", haciendo coros.
Poco tiempo después Harris y Scolum se divorciaron. Harris se trasladó a vivir
con su hija a los suburbios de Maryland.
Poco tiempo después Harris volvió al mundo de la música como parte de un trío
formado por Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche en 1971, los miembros del
grupo country rock The Flying Burrito Brothers se encontraban como público
escuchando la actuación de Harris y sus amigos. Chris Hillman, antiguo
miembro de "The Byrds" quedó tan impresionado por el talento y calidad vocal
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de Harris que la invitó a formar parte de su banda. Al final, Hillman optó por
recomendársela a Gram Parsons, quien por entonces estaba buscando una mujer
vocalista que colaborara con él en su primer álbum en solitario. Harris realizó
una gira como miembro de la banda de Parsons, "The Fallen Angels" (Los
ángeles caídos), en 1973. El tour fue un éxito y ambos artistas congeniaron
positivamente. A finales de ese mismo año, Parsons y Harris decidieron
embarcarse en un nuevo proyecto, la grabación de un álbum de estudio llamado
“Grievous Angel”. El disco se vio interrumpido por la trágica muerte de
Parsons el 19 de septiembre de 1973. El disco fue puesto a la venta al año
siguiente.
La situación emocional de Harris tras el fallecimiento de Parsons era delicada.
La colaboración de ambos artistas es una de las más importantes en la historia
de la música country y country rock.
Emmylou Harris es actualmente uno de los máximos exponentes de la música
country de hoy, y referente, dentro de la historia de la misma.
Linda Ronstadt
Linda Susan Marie Ronstadt. Nació el 15 de julio de 1946 en Tucson, Arizona.
Aunque comenzó su carrera cantando y grabando música folclórica con su
banda The Stone Poneys desde mediados y hasta el final de la década de 1960,
ha sido acreditada como una artista solista, cantando diversos géneros, desde el
más tradicional country al country-rock, rock, rhythm & blues, new wave, ópera
y mariachi, entre otros.
Cuando era una estudiante en la Arizona State University en Tempe, conoció al
guitarrista Bob Kimmel. El dúo se mudó a
Los Ángeles donde el guitarrista y cantautor
Kenny Edwards se unió a la pareja. Con el
nombre de The Stone Poneys, el grupo se
convirtió en una atracción taquillera en el
circuito de folk de California, grabando su
primer álbum en 1967. Entró por primera vez
en las listas en 1967 con un single como la
voz principal de los Stone Poneys con la
canción, "Different Drum" escrita por el
miembro de The Monkees, Michael Nesmith.
Su primer éxito single en solitario vino en
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1970 con su single "Long, Long time". Consiguió su mayor éxito comercial
durante la década de 1970 con una cadena de álbumes platino, al alejarse del
sonido del country rock primario, para incluir rock más convencional,
ocasionalmente versionando clásicos primarios de la década de 1950 y
principios de la década de 1960.
A finales de la década de 1970 ya había obtenido ocho premios de oro y cuatro
de platino. En una carrera de cuatro décadas, ha grabado más de cuarenta
álbumes.
Lucinda Williams
Nació en Lake Charles, Luisiana el
26 de enero de 1953.
Con poco más de veinte años,
tocaba en las ciudades tejanas de
Austin y Houston una mezcla de
folk, rock y country. En 1978 se
trasladó a Jackson, en el estado de
Missisipi, para grabar su primer
disco, titulado Ramblin', consistía
en una colección de versiones de
temas de country y blues. Dos años
después, en 1980, publicó Happy Woman Blues, con temas de creación propia.
A comienzos de la década de 1980 se trasladó a Los Ángeles, en California,
donde comenzó a labrarse una reputación con sus actuaciones, tanto eléctricas
como acústicas. Después de publicar varios álbumes, en 1998 publica uno con
el título “Car Wheels on a Gravel Road”. Este disco, que fue premiado con el
Grammy al mejor disco de folk contemporáneo, le proporcionó finalmente el
éxito comercial que tantas veces se le había negado. Además de recibir
excelentes críticas. Tuvieron gran repercusión sobre todo dos temas, ambos
editados en disco sencillo: "Still I Long for Your Kiss", que formó parte de la
banda sonora de la película de Robert Redford “El hombre que susurraba a los
caballos” y "Can't Let Go". Después de la publicación del disco, Williams
realizó una gira con Bob Dylan, y otra en solitario, para la promoción de su
álbum.
Ha obtenido en total tres premios Grammy, fue considerada la mejor autora de
canciones de Estados Unidos por la revista TIME en 2002.
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Alison Krauss
Nació en Decatur, Illinois, Estados Unidos, el 23 de julio de 1971.
Inicialmente estudió violín clásico, pero a los ocho años empezó a interesarse
por el violín de bluegrass y comenzó a tocar en fiestas y festivales y a obtener
varios premios. Además de su virtuosismo con el
violín, llamó pronto la atención de la crítica su
voz de soprano. En 1985 se publicaron sus
primeras grabaciones en el disco “Different
Strokes”. Con catorce años, firmó un contrato con
el sello discográfico Rounder Records. En 1989
empezó a trabajar con la banda de bluegrass
Union Station. A partir de ese momento, Krauss y
Union Station empezaron a colaborar de manera
continuada y como grupo, en el que Alison aporta
su voz y toca el violín.
En 2007 salió a la venta un nuevo disco de versiones llamado Raising Sand, en
el que es acompañada por Robert Plant, famoso cantante del grupo Led
Zeppelin. Este álbum ganó la séptima edición de los premios de la Americana
Music Association (AMA), celebrada en el histórico Ryman Auditorium de
Nashville, con los premios al Mejor Álbum y al mejor dúo/grupo de la
temporada, y también se hizo con el galardón a Mejor colaboración Country de
los Premios Grammy 2008, con la canción “Killing The Blues”.
ROCK
Si ojeásemos una enciclopedia o similar para investigar sobre este género o sus
derivaciones, o recurriéramos a archivos de sonido de este género, podríamos
comprobar que siempre o casi siempre se hace referencia a intérpretes
masculinos y bandas de este mismo rango. Sin embargo muchísimas mujeres
han dejado su impronta en este género y por supuesto siguen dejando. Algunas
han sido referentes para intérpretes tanto masculinos como femeninos que
siguen hoy en día al ritmo y sones que ellas introdujeron, y son banderas
insignes de temas ilustres e himnos que se siguen escuchando y tocando en las
tendencias actuales. Nombres que caben destacar son; Janis Joplin, Tina Turner,
Patti Smith, Suzi Quatro, Alison Mosshart, Joan Jett, Ann Wilson, Chrissie
Hynde y un sinfín de nombres más.
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Tina Turner
Anna Mae Bullock. Nació en Nutbush, Tennessee, el 26 de noviembre de 1939.
Comenzó su carrera musical a mediados de los años 50 como cantante al lado y
colaborando con su marido Ike Turner, ya que él tenía todo el prestigio. En
aquel entonces se le llamaba “little Ann”.
Su introducción al mundo de la música como Tina
Turner comenzó en 1960 como una de los dos
integrantes de la banda musical Ike and Tina
Turner. Le sobrevino el éxito siendo pareja con Ike
con una serie de temas, entre los que destacan
“River Deep - Mountain High” en 1966, “Proud
Mary” en 1971 y “Nutbush City Limits” en 1973,
tema compuesto por ella misma. Tina fue victima
de malos tratos por violencia de género por parte
de su marido Ike, lo que le supuso el divorcio.
Tina Turner es conocida por sus energéticas
actuaciones en vivo, sus estrafalarios atuendos, su poderosa voz y su longeva
trayectoria. Ha vendido más de 200 millones de álbumes en todo el mundo.
Entre 2008 y 2009 empezó una gira a través del mundo denominada: 50th
Anniversary Tour, para después en 2013 confirmar su retirada de la música, a la
vez que adquiría la nacionalidad suiza, renunciándo así a la estadounidense.
Janis Joplin
Port Arthur, Texas, 19 de enero de 1943 – Los Ángeles, California, 4 de octubre
de 1970.
Fue un símbolo femenino de la contracorriente de los sesenta y la primera
mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 ingresó en
el Salón de la Fama del Rock.
En su adolescencia, se hizo amiga de un grupo de marginados, a través de
quienes tuvo acceso a discos de artistas de blues afroamericanos como Bessie
Smith, Ma Rainey o Lead Belly, a quien más tarde, Joplin acreditó como
influencia en su decisión de convertirse en cantante. A la vez que comenzó a
participar en un coro, fue conociendo otros cantantes de blues como Odetta,
Billie Holiday y Big Mama Thornton.
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A los dieciséis años comenzó a manifestar su amor por la música, frecuentando
los bares de Luisiana, donde escuchaba música afroamericana, de blues y jazz.
En 1962, estando cursando los estudios universi-
tarios, el periódico universitario The Daily Texan
publicó un perfil de ella en la edición del 27 de
julio de 1962, titulado "Ella se atreve a ser dife-
rente".
El artículo comenzó, "Ella va descalza cuando se
siente como ella misma, lleva Levi's a clase por-
que son más cómodos, y lleva su Autoharp con
ella donde quiera que va, por lo que, en caso de
que tuviera el impulso de romper a cantar, le será
muy útil. Se llama Janis Joplin ".
En 1963 se traslada a la ciudad de San
Francisco, donde desarrollará toda su carrera
musical, hasta los últimos días de su vida. Fue en
este periodo cuando comenzó a consumir drogas y se sumió, lentamente, en un
estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos.
En 1964, Joplin y la futura guitarrista de Jefferson Airplane, Jorma Kaukonen
registraron una serie de estándares de blues, acompañado además por Margareta
Kaukonen en la máquina de escribir (como instrumento de percusión). En 1966
se unió a la banda Big Brother and the Holding Company, logrando una
combinación perfecta, con la que grabaría su primer álbum. Solían actuar junto
con otros grupos psicodélicos como The Grateful Dead, Jefferson Airplane...
Actuó con su grupo en el Festival de Monterey de 1967 junto con algunos
grandes artistas del momento como Jimi Hendrix, The Mamas and The Papas,
Otis Redding y The Who.
Joplin eclipsaba a los Big Brother. En la primavera de 1968, se trasladaron a
Nueva York para grabar su primer disco. Aquella combinación de música
repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era
prodigiosa y su disco Cheap Thrills salió en agosto de 1968. Lanzando a Janis
al éxito. A los tres días se hizo disco de oro y en el primer mes se vendieron
más de un millón de copias.
Las tensiones entre Janis y los Big Brother, por la calidad tan sobresaliente de
Janis, provocaron su ruptura, y en 1969 creo el grupo “Kozmic Blues Band”. En
abril, Janis y la Kozmic Blues Band fueron de gira por Europa, pasando por
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Frankfurt, Estocolmo, París, Londres, y algunos lugares más, donde el público
la acogió muy calurosamente y ella regresó a EE.UU. muy contenta, diciendo
que el mejor concierto que había dado en su vida fue en Londres, donde la
audiencia se volvió loca. En ese año, a causa de la presión se enganchó a la
heroína. A finales de 1969 Janis estaba ya destrozada y demasiado enganchada a
la heroína y al alcohol. Hizo varios intentos de desintoxicación, pero fueron en
vano. El 4 de octubre de 1970 Janis apareció muerta por sobredosis de heroína
y alcohol. Su muerte impactó no solo por la pérdida de un gran talento, sino
porque se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas
mujeres de su época. Fue incluida en el “Club de los 27”, denominado así
porque coincidieron en su desdicha trágica varios cantantes de la época a la
misma edad de los 27 años, como Jimi Hendrix o Jim Morrison, entre otros.
Patti Smith
Patricia Lee "Patti" Smith(Chicago, Illinois, EEUU, 30 de diciembre de 1946).
Patti saltó a la fama durante el movimiento punk con su álbum de debut
“Horses” en 1975. Apodada "la madrina
del punk", trajo un punto de vista
feminista e intelectual a la música punk
(tendencia agresiva y provocadora del
rock surgida como protesta antisistema a
principio de los 70) y se convirtió en una
de las artistas más influyentes de la
música rock, integrándola con un estilo
de poesía beat (obras poéticas y artísticas
tomadas de este fenómeno contracultural nacido en los años 50, denominado
generación beat).
Sus letras introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud
norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafió a la
era de la música disco.
Su canción más conocida, "Because the night", la coescribió con Bruce
Springsteen; llegó al puesto número 13 de la lista Billboard de Estados Unidos
en 1978.
En 2005, fue nombrada Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras de
Francia y en 2007 entró en el Salón de la Fama del Rock.
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Ann Wilson
Anne Dustin Wilson. Nacida en 1950 en San Diego, California, Estados
Unidos.
Desde que era una niña, escuchó, inducida por su padre a Judy Garland, Ray
Charles, Frank Sinatra y
otros grandes artistas.
Amante desde muy joven,
más bien en la adolescencia
del rock and roll.
junto a su hermana Nancy
Wilson formaron la
legendaria banda Heart en
1973.
Aparte del propio estilo de
rock americano, también destaca dentro del heavy metal.
Se destacó en el canto y la composición, pero también toca la guitarra y el bajo.
Ann es una de las mejores vocalistas femeninas de rock de la historia y esta en
la lista "Top Heavy Metal Vocalists of All Time" (Los mejores vocalistas de
Heavy de todos los tiempos), hecha por "Hit Parader Magazine" en 2006.
Suzi Quatro
Nació en Detroit, Míchigan, Estados Unidos, en junio de 1950.
Desde muy pequeña imitaba a Elvis Presley, hasta que emigró a Londres,
donde tuvo sus primeros éxitos a comienzos de los años setenta. Pero su gran
éxito lo logró de la mano del productor Mike Chapman. Hay canciones
maravillosas que hablan de su estilo como “Can the Can” y “Devil gate Drive”.
Fue la primera mujer en adoptar una épica rockera
vestida siempre de cuero negro. Eran comienzos de
los años setenta. Además, fue la primera mujer que
tocando el bajo, se convirtió en una estrella del
rock. Esto rompió una barrera en la participación
de las mujeres en dicho género musical.
En la década de 1970, Quatro tuvo una cadena de
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éxitos que tuvieron mayor éxito en Europa y Australia que en su tierra natal.
Pero, tras un papel recurrente como una mujer bajista en la popular serie
americana “Happy Days”, su dúo “Stumblin' In” con Chris Norman alcanzó el
número 4 en Estados Unidos en 1979.
Entre 1973 y 1980, Quatro recibió seis Bravo Otto. Ha vendido más de 50
millones de discos.
Su más reciente álbum fue lanzado en 2011.
Grace Slick
Grace Barnett Wing. Nació en Highland, Illinois, Estados Unidos, en 1939.
Es una de las voces femeninas más reconocidas del rock psicodélico y figura
del movimiento hippie. Se atrevió antes que nadie a cantar rock en una comuna
de hippies y cantar rock psicodélico en los años sesenta cuando nadie se atrevía
a eso. Sus letras eran una provocación y su voz increíble.
Durante su carrera fue miembro de los grupos musicales The Great Society,
Jefferson Airplane, con quien cantó en el mítico Festival de Woodstock, y con
los Jefferson Starship.
Su mejor amiga era Janis Joplin, desde el principio de su carrera musical hasta
su muerte en 1970.
También compuso como solista los discos
Manhole, Dreams, Software y Welcome to the
Wrecking Ball. “Dreams” es el más personal de
sus discos como solista y fue nominado para un
premio Grammy.
En 1989 deja el mundo de la música.
El legado de Grace ha sido tomado por varias
cantantes de rock como Stevie Nick, Patti Smith,
Sandy Denny y Dolores O'Riordan. Así como su
amiga Janis Joplin.
Grace Slick contribuyó decididamente a consolidar, por talento y personalidad,
la presencia femenina en el rock.
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Chrissie Hynde
Christine Ellen Hynde. Nació en Akron, Estados
Unidos en 1951, fundadora y miembro del grupo
The Pretenders, que ha permanecido en él a lo
largo de toda su historia.
Gran amante de la música desde muy pequeña, sus
ídolos de adolescencia fueron The Beatles, Kinks,
Rolling Stones y Jeff Beck entre otros.
La cantante también es una reconocida feminista y
defensora de los derechos de los animales.
Como Suzi Quatro es una americana que tuvo que
emigrar a Londres para triunfar. Trabajó primero de
periodista de rock y, luego, formando su propio
grupo de rock. Su amor por la música rebelde se inició por su pasión por los
Kinks, incluso tiene una hija de Ray Davies y vivieron juntos durante unos
pocos años. Luego, se casó con Jim Kerr de Simple Minds. Gran amiga de
Linda McCartney , Hynde ha inventado muchas maneras o estilos para cantar
rock y una guía para que lo hagan las mujeres. Por ejemplo, la imitadora
Sharleen Spiteri de Texas.
CANCIÓN REIVINDICATIVA Y PROTESTA
Por último no quisiera terminar esta publicación, sin rendir un homenaje a
algunas de esas mujeres, que con su voz hayan querido reivindicar un mundo
más igualitario, justo, sin fronteras, solidario, por y para la libertad de los
propios hombres y mujeres que lo residen y sus próximas generaciones.
Entre ellas, se encuentran:
Violeta Parra
Violeta del Carmen Parra Sandoval (San Carlos, 24 de octubre de 1917-
Santiago de Chile, 5 de febrero de 1967).
Considerada una de las principales folcloristas de América y gran divulgadora
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de la música popular de su país, a la que enriqueció con su obra.
La influencia de Violeta Parra al aporte artístico y musical chileno se considera
de gran valor y trascendencia. Su trabajo sirvió de inspiración a varios artistas
posteriores, quienes continuaron con su tarea de rescate de la música del campo
chileno y las manifestaciones constituyentes del
folclore de Chile y América Latina. Sus canciones
han sido versionadas por diversos artistas, tanto
chilenos como extranjeros.
Su infancia transcurrió principalmente en el
campo.
Realizó los cursos primarios y estuvo un año en la
escuela normal, que abandonó para trabajar en el
campo y ayudar a su familia debido a que su padre
enfermó gravemente. Los hijos de la familia
lucharon por sobrevivir saliendo a cantar en
restaurantes, posadas, circos, trenes, campos, pueblos, calles e incluso burdeles.
Los problemas económicos se agravaron cuando el padre falleció en 1931 y, al
año siguiente, Violeta se fue a vivir a Santiago, invitada por su hermano
Nicanor, que estudiaba allí. Retomó los estudios en la Escuela Normal de
Niñas, donde no se sintió a gusto, porque era el canto y no la escuela lo que le
interesaba. Por eso, la dejó y comenzó a cantar en bares, quintas de recreo y
pequeñas salas de barrio junto con su hermana Hilda, en un dúo de música
folclórica llamado Las Hermanas Parra. Obteniendo así algunos ingresos
económicos.
A principios de la década de los cincuenta, comenzó su extensa labor de
recopilación de tradiciones musicales en diversos barrios de Santiago y por todo
el país. En estas andanzas, conoció a diversos poetas, entre ellos a Pablo
Neruda.
trabajó en cerámicas, pinturas al óleo y arpilleras. Trabajó un tiempo en un
museo de arte popular y folclórico que ella misma fomentó a crear en la
Universidad de Concepción y luego viajó por casi todo Chile, ofreciendo cursos
de folclore y recitales.
En 1964, logró una marca histórica al convertirse en la primera latinoamericana
en exponer individualmente en el museo del Louvre.
En junio de 1965, instaló una gran carpa con el plan de convertirla en un
importante centro de cultura folclórica, junto con sus hijos Ángel e Isabel y los
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folcloristas Rolando Alarcón, Victor Jara y Patricio Manns, entre otros. Pese a
su sueño de convertir la carpa en un referente para la cultura de Chile, la
respuesta no fue muy motivadora y el público no la apoyó. La indiferencia del
público chileno fue uno de los factores que desencadenaron su muerte, pues a
partir de entonces cae en una profunda depresión.
Tras intentos fallidos, Violeta Parra se suicidó a los 49 años en su Carpa de La
Reina el 5 de febrero de 1967.
Se cree, que la canción “Gracias a la vida”, compuesta por ella un año antes de
su muerte, fuera un reflejo de su estado de ánimo depresivo e incluso una
canción de despedida.
Aportó valores importantes a la música, contribuyendo al rescate de la tradición
musical chilena.
Cabe destacar en el legado musical de Violeta sus interesantes composiciones
instrumentales para guitarra, donde conjuga folclorismo y modernidad.
Violeta Parra es considerada una de las figuras musicales más representativas
dentro de la causa y compromiso social, junto con varios iconos del género
como Víctor Jara, Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Joan Báez y otros
representantes de la contracultura anarquista.
Joan Báez
Joan Chandos Báez. Nació en Staten Island, Nueva York, Estados Unidos el 9
de enero de 1941.
Es la máxima figura de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor
de la Guerra de Vietnam.
Mostró su compromiso con el activismo político y social en los campos de la no
violencia, los derechos civiles, los derechos humanos y la defensa del medio
ambiente.
En 1956, Báez escuchó por primera vez a
Martin Luther King hablando sobre la no
violencia, los derechos civiles y el cambio
social. Varios años después, Báez y King
se convirtieron en amigos, y la cantante
participó en varias marchas sobre los
derechos civiles organizadas por King.
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Su carrera profesional comenzó con la aparición en el Festival de Folk de
Newport en 1959, tras la cual grabó su primer álbum para la colección de
canciones folk, baladas y blues, acompañada solo por una guitarra acústica,
obteniendo un buen resultado musical y el disco de oro.
Emergió a la vanguardia del renacimiento del folk estadounidense, donde
presentó a su público artistas hasta entonces desconocidos como Bob Dylan y
fue emulada por músicos como Judy Collins, Emmylou Harris, Joni Mitchell y
Bonnie Raitt. En noviembre de 1962, apareció en la portada de la revista Time.
Fue decisiva en la fundación de la sección estadounidense de Amnistía
Internacional en la década de los setenta.
Compuso e interpretó temas musicales sobre conflictos que se producían en
aquel entonces; la guerra de liberación de Bangladés, la guerra de Vietnam,
golpes de estado en Latinoamérica, revoluciones postcomunistas en la vieja
Europa, guerras del Golfo e Iraq y un sinfín de protestas siempre enmarcadas en
un amplio activismo político y social.
Fue la primera artista de renombre internacional en tocar en Sarajevo desde el
estallido de las Guerras Yugoslavas.
En 1980 recibió sendos doctorados en Letras de la Universidad de Antioch y de
la Universidad Rutgers por su activismo político y por la “universalidad de su
música”.
Sus actuaciones en grandes festivales fueron registradas en Woodstock,
Newport o Monterrey.
Hacia 2009 se estrenó en el Festival de Cine de Toronto, Canadá. Un
documental sobre su vida titulado “How Sweet The Sound”.
Chavela Vargas
Isabel Vargas Lizano, conocida artísticamente como Chavela Vargas (San Joaquín de
Flores, Costa Rica, 17 de abril de 1919-Cuernavaca,
México, 5 de agosto de 2012).
Su estilo, fue la canción ranchera, siempre con un estilo
peculiar en cuanto a la interpretación. Con una similitud a
José Alfredo Rodríguez, con tintes machistas y emotivos.
Trata sobre amores y desamores, casi siempre con el
alcohol de por medio, ya que en una cultura machista
solamente se acepta la demostración de la sensibilidad del
hombre cuando éste está ebrio; estas canciones son
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cantadas desde una perspectiva masculina y con el acompañamiento de mariachi.
Chavela cantaba este tipo de canciones, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra y
con su voz, emulando la forma de cantar de un hombre ebrio, por ello, en ocasiones,
bajaba el ritmo de las melodías. De este modo, teñía de más desgarro canciones que
otros entendían como pícaras o de humor. Fue un personaje a contracorriente desde
joven: vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era
reconocida por su característico poncho rojo. A los 81 años, en una entrevista para la
televisión colombiana, en el año 2000, por primera vez expresó abiertamente que era
lesbiana.
Los graves problemas producidos por el alcohol en su vida personal la llevaron a
retirarse de una carrera artística de gran éxito a finales de los años setenta y durante
años se sumergió en el anonimato. Gracias a un encuentro casual con el director de
cine Pedro Almodóvar empezó a superar sus problemas con el alcoholismo y regresó
a la escena pública a principios de los años noventa. No volvió a beber en sus últimos
veinte años y se mantuvo fuerte hasta el final.
Chavela debió buena parte de la fama de su segundo periodo de actividad artística a
su aparición en varias películas de éxito, bien mediante canciones incluidas en ellas o
como actriz.
Pedro Almodóvar incluyó canciones interpretadas por ella en varios de sus filmes,
como “Tacones Lejanos”.
El domingo 5 de agosto de 2012 se dio a conocer su fallecimiento a través de su
Twitter Oficial con la siguiente frase: «Silencio, silencio: las amarguras volverán a
ser amargas... se ha ido la gran dama Chavela Vargas».
Mercedes Sosa
Haydée Mercedes Sosa, (Tucumán, 9 de julio de 1935-Buenos Aires, 4 de octubre de
2009).
Considerada la mayor exponente del folklore argentino y una de las principales
cantantes de la música popular de Latinoamérica. Se la conoce como La Voz de
América.
Fundadora del Movimiento del Nuevo Cancionero y una de las exponentes de la
Nueva canción latinoamericana. participó en otros géneros musicales como el
tango, el rock y el pop.
El 11 de febrero de 1963, desde el Círculo
de Periodistas de Mendoza, lanzó el
Movimiento del Nuevo Cancionero, junto a
su esposo Oscar Matus, Armando Tejada
Gómez, Tito Francia y otros artistas, que se
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manifestarían internacionalmente como el Movimiento de la Nueva Canción.
Mercedes Sosa se mantendría fiel a lo largo de toda su carrera a los principios
artísticos expuestos en el manifiesto fundacional del movimiento:
El Nuevo Cancionero se propone buscar en la riqueza creadora de los autores e
intérpretes argentinos, la integración de la música popular en la diversidad de
las expresiones regionales del país.
Quiere aplicar la conciencia nacional del pueblo, mediante nuevas y mejores
obras que lo expresen.
Rechaza a todo regionalismo cerrado y busca expresar al país toda la amplia
gama de sus formas musicales.
El Nuevo Cancionero luchará por convertir la presente adhesión del pueblo
argentino hacia su canto nacional, en un valor cultural inalienable. Afirma que
el arte, como la vida, debe estar en permanente transformación y por eso, busca
integrar el cancionero popular al desarrollo creador del pueblo todo para
acompañarlo en su destino, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas y
sus esperanzas.
En la primavera de 1969 realizó su primera presentación en Chile.
En 1971, en coincidencia con el gobierno de Salvador Allende grabó uno de sus
álbumes más destacados, Homenaje a Violeta Parra, en tributo a la cantautora
chilena, donde vuelve a incluir “Gracias a la vida” y otros temas como “Volver
a los 17” y “La carta” con Quilapayún, alcanzando un notable éxito en toda
América Latina.
En enero de 1973 realizó su primera actuación en España, durante la dictadura
franquista, en un recital realizado en el Palacio de los Deportes de Barcelona,
prohibiendo el gobierno que se realizara publicidad. Pese a ello el lugar se
colmó y la gente coreó sus canciones, hasta el punto de conmoverla y hacerla
llorar de emoción.
Simpatizante de Juan Domingo Perón en su juventud, apoyó las causas de la
izquierda política a lo largo de su vida, afiliándose al Partido comunista en los
años sesenta. Tras el golpe de estado de Videla del 24 de marzo de 1976 fue
incluida en las listas negras del régimen militar y sus discos fueron prohibidos.
Desde 1976 realizó giras por Europa y el norte de África
Mercedes Sosa trató de permanecer en la Argentina pese a las prohibiciones y
las amenazas, hasta que en 1978, en un recital en La Plata, fue cacheada y
detenida en el propio escenario y el público asistente arrestado.
Se exilió en 1979, primero en París y luego en Madrid.
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Volvió a la Argentina en febrero de 1982, poco antes de que la dictadura militar
se viera obligada a iniciar el traspaso del poder a un gobierno civil, tras la
Guerra de las Malvinas.
Cuando murió, sus restos fueron velados en el Congreso Nacional de la
Argentina.
Isabel Parra
Violeta Isabel Cereceda Parra (Santiago de Chile, 29 de septiembre de 1939).
Hija de Violeta Parra, es una de las principales representantes de la Nueva
Canción Chilena.
Principal responsable de la difusión del legado de su madre a través de la
Fundación Violeta Parra. Su vínculo con la música comienza, justamente,
interpretando junto a su madre en distintos locales santiaguinos el repertorio
popular de los más variados estilos.
Luego del golpe militar encabezado en 1973 por el dictador Augusto Pinochet
contra el presidente socialista Salvador Allende, Isabel se radica en Francia,
llegando en febrero de 1974 con su pequeña hija
Milena y posteriormente en Argentina, para volver a
Chile en 1987.
En 2003 publicó “Ni toda la tierra entera”, testimonio
lejos del país que "suma reproducciones de carteles
testimoniales de conciertos, letras de canciones y
cartas del poeta brasileño Thiago de Mello, del
trovador cubano Silvio Rodríguez y de su padre, Luis
Cereceda, además de fotografías con otros músicos.
En 2013 sacó una reedición ampliada de la
publicación de 2003. Y afirmó: “Mi intención es que
no se olvide el exilio que vivieron miles de chilenos.
No se puede olvidar esta terrible historia y el libro es un testimonio de lo que
dejó la dictadura”.
Cecilia
Evangelina Sobredo Galanes (El Pardo, Madrid, 11 de octubre de 1948-Colinas
de Trasmonte, Zamora, 2 de agosto de 1976).
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Su carrera artística fue corta, muriendo en accidente de tráfico a la edad de 27
años, pero consiguió una gran popularidad con canciones como "Un ramito de
violetas”, “Mi querida España” o “Dama, dama”, que lograron ser un éxito en la
España de los setenta.
Empezó a estudiar los estudios de Derecho, abandonándolos para dedicarse por
completo a la música y a componer sus propias letras. Estas poseen una calidad
poética y literaria excelente, muy por
encima de lo habitual en su
tiempo, y se adscriben a corrientes
existencialistas y a la canción de
protesta feminista.
la afición musical se desarrolló desde
una edad muy temprana en el entorno
familiar y escolar.
Adoptó el nombre artístico de Cecilia debido a que "Eva" ya estaba registrado,
adoptando el nombre del tema "Cecilia" de Simon y Garfunkel, a quienes
admiraba.
En 1970 grabó su primer sencillo en solitario con las canciones “Mañana” y
“Reuníos”, siendo esta última un ruego para que volvieran los entonces recién
disueltos Beatles.
En 1972 lanzó su primer LP, con el título “Cecilia”.
Al año siguiente, 1973, apareció su segundo LP, titulado Cecilia 2. Una foto de
Paco Ontañón figura en la portada, simulando levemente un embarazo. Los
temas de este álbum tratan temas variados, pero siempre muy personales.
Algunos hablan de recuerdos como "Cuando yo era pequeña", ecologismo, "Mi
ciudad", otros de planteamientos vitales "Me quedaré soltera”, cuya temática
resultaba polémica para la época por sus planteamiento feminista. "Si no fuera
porque...”, reflexionaba sobre el suicidio mientras que "Un millón de sueños”
hacía referencia a la Guerra Civil Española. Otras canciones hablan de un amor
existencial, elegíaco y triste muy característico de Cecilia (“Canción de amor”,
“Me iré de aquí”). Sólo “Andar”, tema de apertura del disco, escapa de esa
tristeza y aparece lleno de ganas de vivir. No logró emular el éxito de ventas del
LP anterior aunque fue aclamado por la crítica.
Su tercer álbum, “Un ramito de violetas”, publicado en 1975, fue el mayor éxito
de su corta y fulminante carrera.
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Cecilia supo aunar la música británica y norteamericana que había escuchado en
su juventud y mientras residía en Reino Unido y Estados Unidos con la música
y literatura españolas, todo ello con un sello absolutamente personal y único. En
su obra se encuentran referencias a estilos tan variados como el blues, el rock,
el pop, la bossa-nova, la música tradicional española y las canciones de cabaret.
Como muchos otros artistas, Cecilia tuvo algunos problemas con la censura
existente en España durante la dictadura de Franco. Algunas letras tuvieron que
ser modificadas, ciertos temas fueron descartados de los discos y algunas de sus
portadas fueron sustituidas.
María del Mar Bonet
Nació en Palma de Mallorca el 27 de abril de 1947. Sus composiciones siempre
han sido en lengua catalana, con una larga trayectoria de investigación en las
músicas populares de las islas Baleares,
Cataluña, y de todo el entorno
mediterráneo.
en 1967 formó parte del movimiento de
la Nova Cançó.
Desde entonces ha editado discos de
música folk en catalán. Además ha
realizado diversos conciertos en
diferentes puntos de Europa, el norte de África, Estados Unidos, Japón e
Iberoamérica, además de participar en el campo de investigación de nuevas
formas artísticas.
Entre sus primeros éxitos se encuentran las grabaciones de “Què volen aquesta
gent?”, su canción más contestataria y su versión de “L'àguila negra”, original
de la francesa Barbara, que junto a “No voldria res més ara” consigue ser Disco
de oro en España en 1971.
En 2007 es galardonada con la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña
en reconocimiento a su labor durante la etapa de “Els Setze Jutges” y edita su
disco “Terra secreta”, que ya había presentado en directo desde 2006 y en el
que hace un homenaje a algunos compañeros de la cançó; en el mismo año
presenta el espectáculo “Els treballs i els dies” junto al cantaor flamenco
Miguel Poveda.
En 2012 es nombrada doctora honoris causa por el Consell de Govern de la
Universidad de las Islas Baleares.
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Ha colaborado tanto en actuaciones en directo como en grabaciones
discográficas con multitud de artistas de diferentes estilos, tales como Lluís
Llach, Ovidi Montllor, Milton Nascimento, Nacho Duato, Manolo García,
Georges Moustaki, Amancio Prada, Dulce Pontes, María Farantouri, Milva,
Quilapayún o Haris Alexiou, entre otros.
Rosa León
Nació en Madrid el 4 de septiembre de 1951.
Comienza su carrera musical a principios de los años setenta en una formación
llamada Rosa y Jorge, junto a Jorge Krahe, cantando en diferentes locales con
un estilo que ya empieza a anunciar una cierta crítica socio-política.
Tras grabar su primer sencillo en 1972 “Las
cuatro y diez”, en 1973, ya en solitario,
graba su primer LP titulado “De alguna
manera”, que incluye varias canciones de
Luis Eduardo Aute y versionó dos poemas
de Mario Benedetti.
En 1975 publicó “Al alba”, que incluye el
tema homónimo, también de Aute. Se trata,
en palabras de su autor, de una soterrada
crítica a la pena de muerte, materializada en los últimos fusilamientos del
régimen franquista ocurridos el 27 de septiembre de 1975.
Después de grabar el álbum “Tiempo al tiempo” en 1978, que no logra
resultados espectaculares en el mercado de ventas, Rosa León no vuelve a editar
un disco hasta 1983, con “Rosa se está buscando en el espejo”, que incluye el
éxito “¡Ay paloma!”.
A partir de ese momento produce y edita sus propios discos y graba cuatro
discos para el público infantil, realizando incursiones en programas de
televisión para los más pequeños, como; La cometa blanca, sopa de gansos...
Comprometida desde siempre con causas políticas, fue concejala del
Ayuntamiento de Madrid, entre los años 2004 al 2007. A partir de esa fecha
colaboró con el Ministerio de Cultura. En agosto de 2008 fue Directora del
Instituto Cervantes de Casablanca (Marruecos), así como también, más tarde, el
de Dublín (Alemania).
_______________________________
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"La Música es la expresión sublime del alma, no entiende de géneros ni es exclusiva de
hombres o mujeres, es un todo y por ende se manifiesta y puede ser desarrollada por
cualquier ser humano." (José Toscano Pinzón).
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CRÉDITOS
http://www.musikawa.es
http://www.hagaselamusica.com
http://www.revistadeartes.com.ar
http://blog.educastur.es/revistamusical
http://valdemusica.blogspot.com.es
http://www.plasticosydecibelios.com
http://gredos.usal.es
https://es.wikipedia.org

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