FERNANDO BOTERO

1. FERNANDO BOTERO:
Un artista de talla grande
Con los grandes maestros
Lección de 10 a 16 años
Leonardo Da Vinci Fernando Botero
La Gioconda, 1503-1506 Mona Lisa a los doce años, 1977
Óleo sobre tabla, 77 x 53 cm Óleo sobre lienzo, 187 x 166 cm
-Introducción-
Esta lección explora la idea de reinterpretación e intervención artística a través de la comprensión de
versiones que varios artistas han hecho de La Gioconda, entre ellos Fernando Botero. Comparando
formal y técnicamente la obra con las de algunos artistas de vanguardia que la retoman en el siglo XX
como Andy Warhol, Marcel Duchamp y Salvador Dalí, se busca hacer una reflexión sobre la
originalidad y la reproducción en el arte. La lección incluye una actividad con los estudiantes en para
que hagan su propia intervención de la famosa obra de arte teniendo en cuenta los postulados
formales de las vanguardias artísticas y escogiendo libremente el tratamiento del tema.

2. FERNANDO BOTERO:
Un artista de talla grande
Con los grandes maestros
Lección de 10 a 16 años
-Acerca del arte-
Desde 1503, el año en que fue pintado el que se considera uno de los retratos más famosos de la
historia del arte, La Gioconda de Leonardo da Vinci, se han hecho muy diversas obras de arte
inspiradas en él, para no hablar de las incontables reproducciones y variaciones a las que ha dado
lugar. Reinterpretar una obra de arte tan emblemática es un acto que va más allá de la trasgresión, es
un acto de comprensión de los valores estéticos que estaban a disposición del artista, según el
momento histórico en el que vivió, la sociedad que lo rodeaba y el pensamiento del propio artista. El
espíritu crítico y las nuevas herramientas de las que disponen los artistas contemporáneos han
permitido que las versiones de La Gioconda (también conocida como La Mona Lisa) sean reconocidas
y comentadas.
Leonardo da Vinci es uno de los grandes genios del Renacimiento, destacado como artista, inventor y
descubridor. Nació en Vinci y se crió en Florencia; realizó importantes aportes a la ciencia y la
ingeniería de su época y para la posteridad. Además intentó demostrar el carácter científico de la
pintura y se interesó por las proporciones del cuerpo humano. Fue uno de los precursores de la técnica
del claroscuro y el esfumado, así como de la perspectiva atmosférica que podemos apreciar
claramente en esta famosa obra suya.
La Mona Lisa, esta mujer de sonrisa y mirada enigmáticas, es el retrato de Lisa Gherardini, nacida en
Florencia en mayo de 1479 y esposa de Francesco del Giocondo, un rico comerciante de seda. El
retrato fue pintado cuando ella tenía veinticuatro años, entre 1503 y 1506. Los rasgos que han sido
comúnmente considerados más llamativos en esta pintura son los ojos y la sonrisa de la mujer: su
mirada es capaz de posarse en todos los ojos, mientras su misteriosa sonrisa refleja tristeza y la
felicidad al mismo tiempo. Así mismo, su figura contrasta con un fondo de paisaje vaporoso en el que
se ve a lo lejos el lecho de un río.
Fernando Botero reinterpreta esta obra 474 años después de que Leonardo da Vinci la pintara. A partir
de 1959, Botero había elaborado varias versiones del tema en distintos formatos y técnicas. En el
modelo de Botero la protagonista es infantilizada y la forma es ensanchada hasta llevarla a los
extremos del lienzo para exacerbar su monumentalidad. La desproporción del cuerpo se evidencia en
el tamaño de la cara respecto a los ojos, nariz y boca, y el de la cabeza respecto de las manos.
Por otra parte, esta obra que recrea La Mona Lisa nos remite igualmente a las vanguardias artísticas de
principio del siglo XX que Botero conoció de primera mano en París. Debido a su importancia y su
fama como icono de la pintura europea y del arte tradicional, La Gioconda ha sido blanco de tiro para
muchos artistas cuando se trata de cuestionar los supuestos del arte, su mercado, o sus formas de
reproducción y trasfondos simbólicos.

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Lección 10 a 16 años
Para ver ejemplos concretos, podemos remitirnos a la obra titulada L.H.O.O.Q. de Marcel Duchamp,
una reinterpretación del tema que en 1919 hace una clara parodia de la obra de Da Vinci poniéndole
bigote y barba a una estampita con su imagen, y que refleja sin duda la faceta irreverente y polémica
de las búsquedas de las vanguardias de principios de siglo. Recordemos que en estas vanguardias la
renovación del arte se dio en gran medida a través de la confrontación con la tradición, los
cuestionamientos sobre la reproducción visual, la función social del arte y la alteración de los sistemas
aceptados de representación. Así mismo es interesante mencionar la Mona Lisa doble que Andy
Warhol realiza en 1963, una serigrafía que juega con la idea de una imagen única, sumamente valiosa,
y a la vez trivialmente reproducida; y, finalmente, la intervención de Salvador Dalí, que convierte La
Gioconda en la base de un autorretrato, en 1954, alterando sus rasgos y sustituyendo las manos de la
mujer por una imagen de las suyas propias cargadas de dinero.
Marcel Duchamp Salvador Dalí Andy Warhol.
L.H.O.O.Q., 1919 Autorretrato como Mona Lisa, 1954 Doble Mona Lisa, 1963, serigrafía
-Preguntas para discusión-
-¿Qué sabe el grupo sobre los artistas Salvador Dalí, Marcel Duchamp y Andy Warhol? ¿Qué sabe
sobre las vanguardias artísticas y sus ideas del arte? Habiendo investigado sobre el tema (surrealismo,
cubismo, dadaísmo, pop) oriente a los estudiantes en la identificación de los rasgos generales de cada
uno de ellos, y valiéndose de material de referencia web o bibliográfico disponible para analizar
compartativamente sus obras.

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- ¿En qué consiste la intervención artística? ¿Cuál es la diferencia entre hacer una nueva obra de arte a
partir de otra anterior o replanteándola, y hacer una simple reproducción o una parodia de esa obra?
¿Cuándo puede decirse que una parodia como la de Dalí o Duchamp son propuestas artísticas
válidas?
- ¿Qué relación hay entre originalidad y autenticidad en el arte? ¿Las reproducciones de imágenes son
arte o no lo son? Analizar la diferencia entre diversas formas artísticas del siglo XX: la pintura y el
grabado, la fotografía y otras formas de reproducción, como los libros de artista. Buscar también
ejemplos de arte serial de las últimas décadas (de la Colección de Arte del Banco: Una taxonomía para
el herbario de plantas, de Alberto Baraya, o Todo está muy Caro, de Antonio Caro, por ejemplo) y
plantear la discusión sobre su validez.
-Una Gioconda muy particular-
Actividad
Basado en la lección anterior y en otros materiales de referencia, el docente hará una breve
presentación de La Mona Lisa de Da Vinci, y de las obras que se podrán como ejemplo, de modo que
sea posible compararlas y hacer énfasis en el contexto artístico y cultural de sus autores. Discutir con
el grupo qué elementos o propuestas de sus propias obras se reflejan en las versiones de La Gioconda
de cada artista (Duchamp, Dalí, Warhol y Botero). Luego se planteará la actividad para desarrollo de
obras individualmente en el aula.
Materiales:
Pinceles, témperas, marcadores, lápiz, papel periódico, estilógrafos, pegante, tijeras; en caso de que
se desee trabajar figuras tridimensionales, suministrar materiales apropiados, como alambre, arcilla,
plastilina, etc.
El dibujo guía de la obra se puede descargar de la web:
http://lh6.ggpht.com/_5Xzbr8TrPOE/SgsuTzu7i3I/AAAAAAAAALo/mOissxJku-g/cuadro07.jpg

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Lección 10 a 16 años
Proceso:
1. Teniendo en cuenta las imágenes de las tres obras contemporáneas realizadas a partir de La
Gioconda, discuta con el grupo qué elementos de La Gioconda son imprescindibles a la hora
de reinterpretar la obra para que sea reconocible. Las ropas, el fondo, los colores seguramente
se pueden cambiar. ¿También la expresión del rostro, la posición del cuerpo, la disposición en
el espacio?
2. Cada estudiante debe escoger una temática o punto de vista particular para realizar su versión
de la obra. Se sugiere el tema de las tribus urbanas, pero también pueden ser las visiones del
arte que tengan los estudiantes, posturas religiosas, políticas, filosóficas, musicales o la visión
del mundo con la que se identifiquen. Una vez hayan elegido sus perspectivas de intervención,
para preparar el trabajo ayúdelos individualmente a determinar qué caracteriza su postura, de
modo que ésta se refleje bien en el lenguaje plástico escogido para la actividad: cuáles son sus
principios, sus íconos y simbologías, estilos gráficos, atmósferas, etc.
3. Cada estudiante hará su versión personal de la obra partiendo del dibujo base, si se desea (el
dibujo puede ser una guía útil, pero quizá inhiba algunas propuestas interesantes), explorando
con los materiales, formas y elementos gráficos. Hágales ver la importancia de ir más allá de la
ropa, los colores o look del retrato y fijarse en que el estilo, la composición y la técnica sean
coherentes con la perspectiva adoptada, y en cómo se insertan los íconos claves de su
postura en ella.
Cierre:
Invite a los estudiantes a exponer individualmente su retrato, explicando sus decisiones de estilo,
técnica y simbología según la temática que cada uno ha escogido.
Extensión:
Habiendo conocido los medios de reproducción y formas de reinterpretación que hacen el pop art y las
vanguardias sobre el arte clásico, invite a sus estudiantes a hacer un retrato (de alguna persona que
sea interesante para ellos) o un autorretrato, a través de los medios digitales o de reproducción en
serie que conozcan. Primero deben escoger el personaje y definir los elementos y la atmósfera con
que será retratado. Después elegir al técnica: fotografía, serigrafía, esténcil o ilustración digital, según
se sientan más cómodos tengan el manejo y la disponibilidad técnica; lo importante es que intenten
aplicar los postulados de las vanguardias artísticas y del pop art.

6. FERNANDO BOTERO:
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Lección 10 a 16 años
Objetivos de aprendizaje y habilidades cognitivas:
El análisis comparativo de las obras pone en acción la apreciación visual y artística de los estudiantes.
Luego, propiciando a un tiempo el conocimiento de las vanguardias, se busca estimular su apropiación
creativa de las obras y se la emplea como recurso para su expresión de estéticas y concepciones
personales.
La lección fomenta el análisis sobre los límites del arte y sus criterios de producción y aborda el
carácter polémico de algunas vanguardias para reflexionar sobre la irreverencia en el arte, la ruptura de
esquemas dados y la diferencia entre vanguardia y mera trasgresión. Así se espera promover un
acercamiento amplio a la producción artística, que tenga en cuenta el contexto filosófico y social de
los creadores.