Historia del arte

1. MUJERES EN ELARTE: 15 artistas que sí
han triunfado y nuestros niños deberían
conocer
- | ARTES PLÁSTICAS
Recuerdo perfectamente como hace unos cinco años, un amiguito de mi hija le
hizo a su madre la siguiente pregunta: mamá, ¿por qué todos los pintores
famosos son hombres?
Por si os encontráis en una situación parecida a esa mamá, a una semana
del 8 de Marzo, Día Internacional de la Mujer os dejo 15 nombres que nos
permiten contar la historia de otra manera. 15 artistas, seleccionadas de
disciplinas diferentes, que sí han triunfado y cuya obra ha sido capital para
entender el cursos de las artes que hoy tenemos.
Espero que os guste y os sirva. Prometo seguir ampliando la lista. Nosotros el
lunes haremos un especial en la Biblioteca de Las Matas «Marga Gil
Roësset» sobre una de ellas. Probablemente una de mis preferidas y que más
juego da para trabajar con los chavales. Figura clave en la simultaneísmo,
esa corriente artística del arte abstracto que nos enseñó a utilizar la luz y
el color como medio para crear espacio y formas en un cuadro y pionera y
maestra en eso que hoy está tan en boga de llevar las artes al mundo de la
moda. Casi se me olvida con tanta presentación, la elegida es Sonia
Delaunay.
Ya os contaré porque el taller promete.
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Berthe Morisot
(1841-1895)

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Berthe Morisot fue la primera mujer en unirse al
movimiento Impresionista, tras ella llegarían nombres como Marie
Bracquemond o Mary Cassatt. Nacida en una familia de la alta burguesía, fue
educada en el mundo del arte y la música, disciplinas que supo combinar
dentro de su papel de mujer moderna y animadora social. A la edad de 20
años, conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de
Barbizon, quien la admitió como su discípula y le introdujo en los círculos
artísticos.
Fue modelo y amiga de Manet, además de su cuñada -se casó con su
hermano Eugène- y tuvo un papel destacado en el desarrollo del
Impresionismo francés exponiendo junto a artistas de la talla
de Degas, Renoir, Monet.
Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas
de la famosa casa de apuestas londinense Christie’s, subastado por la cantidad
de 11 millones de dólares.
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Camille Claudel
(1864-1943)
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Camille Claudel desde niña fue una apasionada de la escultura. En 1876 su
familia se trasladó a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la
introdujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884
comienza a trabajar con Auguste Rodin, quien cayó rendido a sus pies como
mujer, y como artista, convirtiéndose en su modelo y musa. Aunque se mueven
en los mismos ambientes y hacen viajes de largos periodos de tiempo, Rodin
está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien se niega dejar.
Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la

4. carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal
punto que es promocionada por varios artistas de la época, incluso
apareciendo en varias revistas de arte.
La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma
piedra, ya que su nuevo acompañante el compositor Claude Debussy está
casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de
crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y
destruir sus obras. Un final triste para una gran artista que acabó internada en
un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.
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Sonia Delaunay
(1885-1979)

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Nacida en Ucrania, Sonia Delaunay-Terk fue criada por su tío, Henry Terk
en San Petersburgo quien le ofreció una educación cosmopolita. A través
de Max Liebermann tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903
se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. Dos años más
tarde continuaría su formación en París en la prestigiosa academia La Palette.
En la capital francesa entró en contacto con la vanguardia artística y conoció
a Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910. A partir de entonces, el
intercambio artístico entre Sonia y Robert Delaunay sería constante y juntos
desarrollaron el orfismo (también conocido
como simultaneísmo), corriente artística del arte abstracto que utiliza la
luz y el color como medio de crear espacio y formas en un cuadro.
En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los
grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de
proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier.
Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que
abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et
Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939.
Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y
colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, como consecuencia
de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a
la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre.

6. .
Natalia Goncharova
(1881-1962)
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7. Nacida en una familia de alta burguesía rural, comenzó sus estudios en 1898
en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail
Lariónov, quien se convirtió en su compañero tanto sentimental como
profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular
ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por
el futurismo y el cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien
acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los
convencionalismos sociales, siempre causó polémica.
Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dio el salto a Europa dándose a
conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza
y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que
fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo.
Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una
exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía
su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.
Muy valorada en el mundo del arte su cuadro Flores alcanzó el precio de 10,8
millones de dólares.
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Liubov Popova
(1889 – 1924)

8. .
Pintora rusa asociada a las vanguardias de la época revolucionaria
(constructivismo soviético, suprematismo y cubofuturismo). Se distinguió por
sus composiciones arquitectónicas, y entre sus principales influencias
estuvo Kazimir Malévich.
Entre 1913-1915, pinta desnudos y retratos cubofuturistas (Desnudo cubista,
1913), una serie de naturalezas muertas con técnica de collage y uso del
relieve, cartas pintadas y materiales diversos (Naturaleza muerta italiana,
1914). En 1916 comienza una reflexión sobre la presencia o ausencia del
objeto, hacia la no-objetividad componiendo telas suprematistas, donde mezcla
color, volúmenes y líneas (serie de Pictorales arquitectónicos, 1916-1921),
donde formas geométricas se imbrican unas en otras y crean una organización
de los elementos, no como medio de figuración, sino como construcciones
autónomas.
En 1921, firma un manifiesto para el abandono de la pintura de caballete y
declara que «la organización de los elementos de la producción artística debe
volver a la puesta en forma de los elementos materiales de la vida, es decir,
hacia la industria, hacia lo que llamamos la producción».
Bajo estos principios estéticos, y junto con Aleksandr Ródchenko, participa en
la exposición 5×5=25 en Moscú.
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9. .
Frida Kahlo
(1907-1954)

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Pintora mexicana combina en su obra, de una manera muy personal, el
surrealismo (ella nunca consideró su obra surrealista pues lo que ella pinta no
procede de los sueños ni del inconsciente), el estilo naïf y folclórico.
La vida de Frida Kahlo estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un
accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta 32 veces.
Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera. Una existencia
intensa y dura que queda reflejada en una obra pictórica
autobiográfica llena de sufrimiento e influenciada por Rivera.
Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su
muerte cuando sus trabajos lograron una mayor trascendencia.
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11. .
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Georgia O´Keeffe
(1887-1986)
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Georgia O´Keeffe es considerada una pionera de las artes visuales
estadounidenses. Se formó Escuela de Arte del Instituto de Chicago y en
Nueva York en el Art Student League donde conoció el arte europeo
de Rodin y Matisse y a su futuro esposo, el galerista y fotógrafo Alfred
Stieglitz. Tras enseñar arte en la escuela pública de Amarillo (Texas) se
perfeccionó en Columbia University con Arthur Wesley Dow.

12. Hawái y sobre todo Mexico, país en el que al principio de manera intermitente y
a partir de 1947 vivió de manera continuada hasta su muerte a los 98 años,
tienen una importancia enorme en una obra en la que quiso dar vida y
expresión visual a sus emociones a través de abstracciones basadas en la
naturaleza
En 1962 fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y
las Letras, en 1977 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la
Libertad y en 1985 ganó la Medalla Nacional de las Artes.
En noviembre de 2014, su obra de 1932 Jimson Weed/White Flower No. 1 fue
vendida en $44 405 000.
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Jimson Weed/White Flower No. 1
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Louise Bourgeois
(1911-2010)
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13. .
Escultora francesa-norteamericana considerada una de las artistas más
importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales
movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el
expresionismo abstracto y el posminimalismo. Sus esculturas de
araña hechas en homenaje a su madre que era tejedora (así como la
representación de la duplicidad de la naturaleza y la maternidad: la madre es
protectora y depredadora al mismo tiempo), se han convertido en su seña de
identidad. Precisamente, su obra Araña es considera una de las más
valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta
por subasta en 10,7 millones de dólares.
Es reconocida como fundadora del Arte Confesional con unos trabajos
catalogados como sugestivos de la figura humana, expresando temas como la
traición, la ansiedad y la soledad. Una obra autobiográfica en donde su trauma
en la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su
niñera tienen una influencia muy grande.
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14. .
Esther Ferrer
(1937-)
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15. Artista interdisciplinar española, nacida en San Sebastián, con una
obra centrada en el arte de la performance y considerada como una de las
mejores artistas españolas de su generación.
En 1966, se unió al grupo de performance Zaj, creado por la propia Ferrer junto
a los españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce y el italiano Walter
Marchetti. Zaj fue conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales,
muchas de ellas inspiradas en la idea y obra de John Cage. El grupo fue
disuelto en 1996 por Walter Marchetti.
Además la producción de Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas
basados en series de números primos. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: «El
trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que
integra rigor, humor, diversión y absurdo».
En 2008 se le concedió El Premio Nacional de Artes Plásticas de España y
en 2014 El Premio Velázquez de Artes Plásticas.
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Zaha Hadid
(1950-2016)

16. .
Mi licencia a otras disciplinas es Zaha Hadid, brillantísima arquitecta anglo-
iraquí procedente de la corriente del deconstructivismo.
Nacida en Bagda (Irak) se graduó en matemáticas por la Universidad
Americana de Beirut antes de estudiar en la Architectural Association de
Londres. Tras su graduación trabajó en el estudio de arquitectura Office for
Metropolitan Architecture, con los que habían sido sus profesores, Rem
Koolhaas y Elia Zenghelis para a partir de 1979, estableció su propio estudio
en Londres.
Recibió premios tan destacados como el Mies van der Rohe (2003), el Premio
Pritzker (2004) —fue la primera mujer que lo consiguió— y el Praemium
Imperiale (2009).
Gran parte de su trabajo fue de carácter conceptual, pero en este post podéis
encontrar algunas de sus obras más impactantes construidas (aquí).
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17. Ana Mendieta
(1948-1985)
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Cubana exiliada en EE.UU, Ana Mendieta es una de las artistas hispanas más
reconocidas dentro del Arte Contemporáneo.
Su obra está dedicada a desarrollar movimientos como la performance y
el Body Art, tendencias que la llevaron a expresarse de formas no
convencionales. A través de su cuerpo representó y creó obras con las que
mostró su personalidad luchadora, reivindicativa y provocadora con un enfoque
eminentemente feminista. Marcada por el exilio que le arrancó parte de sus
raíces al separarla de sus padres y de su tierra, y la llegada en los sesenta a
una población aún racista, Mendieta dedicó su producción a mirar críticamente
la sociedad que le rodeaba para después gritar corporalmente el rechazo y el
sufrimiento causado por temas como el racismo, la política, la violencia, la
marginación y el exilio.
Su vida acabó trágicamente la edad de 36 años al caer desde la ventana de su
apartamento, un suceso trágico que muchos achacaron y achacan al que era
su marido, el artista Carl Andre. Un final fatídico y paradójico para lo que fue
su vida, una constante lucha reivindicativa por la igualdad y la protección de la
mujer.
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18. .
Diferentes obras de la serie “Silueta” (1973-1980)
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Yayoi Kusama
(1929-)
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Artista y escritora nacida en Japón en 1929 que en 1957 se instaló en Nueva
York.

19. A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios
incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones, la
mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición
y los patrones.
Kusama es una precursora de los movimientos del arte
pop, minimalismo y arte feminista e influyó a sus contemporáneos Andy
Warhol y Claes Oldenburg. A pesar de haber sido olvidada después de que
dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama
es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya
salido de Japón y una voz muy importante del avant-garde.
Las obras de la artista japonesa son muy cotizadas mundialmente. En 2008, la
casa de apuestas Christie’s vendió en Nueva York una obra de sus obras por
5,1 millones de dólares.
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Cristina Iglesias
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20. .
Escultora y grabadora, Premio Nacional de Artes Plásticas y una de las
artistas españolas más internacionales de las últimas décadas.
Cristina Iglesias se formó en escultura en la Chelsea School of Art en
Londres, donde conoció a escultores como Juan Muñoz (posteriormente se
convertiría en su marido) o Anish Kapoor. Una estancia en la capital británica
—igual que su paso por Italia— que marcó su futuro como artista para alguien
que deseaba trabajar en el espacio y el contexto. Al terminar en el Reino Unido,
pudo acceder a una beca Fulbright para estudiar en la Escuela de Bellas Artes
del prestigioso Pratt Institute de Nueva York (1988).
En su obra Iglesias emplea todo tipo de materiales como hormigón, acero,
agua, cristal, bronce, bambú, hojarasca, …. y ella misma se considera influida
por el constructivismo ruso, los bajorrelieves asirios que pudo contemplar en
el Museo Británico, la arquitectura italiana del renacimiento además
de calificarse como una escultora-constructora, atraída por la arquitectura.
Ganadora del Berliner Kunstpreis en 2012 en la modalidad de artes visuales,
su obra se encuentra en lugares públicos de todo el mundo (Brasil, Dinamarca,
España, Estados Unidos, Italia, México, Países Bajos y Reino Unido) y en
museos como el MACBA (Barcelona), la Tate Gallery (Londres), el Reina
Sofía (Madrid), el MoMA y el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva
York), la Fundaçión Serralves (Oporto), el Centro Georges
Pompidou (París), o el Museo Hirshhorn y Jardín de
Esculturas (Washington), entre otros.
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21. .
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Helen Frankenthaler
(1928-2011) .
Helen Frankenthaler fue una artista expresionista abstracta influenciada por la
obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se
involucró en el movimiento de arte abstracto.
Estudió en la Escuela Dalton y en el Bennington College de Vermont y su
carrera se vio lanzada en 1952 con la exposición del cuadro Montañas y
mar , una obra de gran tamaño (297,8 x 220 cm) que tiene el efecto de una
acuarela, aunque fue pintado con óleo. En él, introduce la técnica de pintar
directamente en un lienzo sin preparar de manera que el material absorbe los
colores. Diluía mucho la pintura al óleo con trementina o queroseno de manera
que el color empapase el lienzo eliminando en el proceso cualquier sesación de
tridimensionalidad. Esta técnica, conocida como soak stain (mancha de
empapado) inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por
artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor
del minimalismo.
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22. .
Laurie Anderson
(1947-)
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23. Anderson es una cantante, violinista, poetisa, dibujante, compositora, directora
de cine, y artista experimental de performance estadounidense cuya obra se
extiende por el arte del performance , la música pop y proyectos multimedia en
unos espectáculos en el que combina música, proyecciones y reflexiones
irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la
civilización occidental moderna en su conjunto.
Formada inicialmente en el violín y la escultura, Anderson llevó a cabo una
variedad de proyectos de arte de performance en Nueva York durante la
década de 1970, haciendo uso particular del lenguaje, la tecnología y las
imágenes visuales. En 1981 su single O Superman llegó a ser segundo
en las listas de éxitos del Reino Unido, dato bastante reseñable para alguien
surgido de la vanguardia neoyorkina y que no realiza concesiones.
Pionera de la música electrónica ha inventado varios dispositivos que utilizan
en sus grabaciones y conciertos en directo como el violín de arco de cinta, el
cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en
lugar de las cerdas del arco, el traje con sensores que disparan diversos
sonidos de batería electrónica o bastón de la palabra, un largo bastón-como de
seis pies (1,8 m) MIDI controlador que puede acceder y reproducir sonido.
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