Migel angel

Historia del Arte – Sofía Lanchas Miguel Ángel – Pág.: 1
HISTORIA DELARTE.- 2º BAC
TEMA 13
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475 – 1564)
1.- Biografía
2.- Principales obras:
2.1.- Arquitectura:
Cúpula de San Pedro del Vaticano
Capillas de los Médicci
2.2.- Escultura:
David
Piedad del Vaticano
Esculturas de Giuliano de Médicci con el Día y la Noche
Esculturas de Lorenzo de Médicci con la Aurora y el Crepúsculo
Piedad Rondanini
2.3.- Pintura:
Capilla Sixtina (bóveda)
Juicio Final
1.- BIOGRAFÍA
Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; pintor, escultor y arquitecto, su personalidad es tan
fuerte que define los cánones del genio
Nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia
acomodada - su padre Ludovico di Leonardo di Bounarroti Simone era "podestá" de Florencia.
.La madre, Francesca di Neri di Miniato del Sera, confió la alimentación del pequeño a una nodriza,
hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación.
Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre; en esos momentos conoce al pintor Francesco
Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de su padre.
Tras algunos años de "lucha" entre padre e hijo, Ludovico da su brazo a torcer - él deseaba que su
pequeño realizara una carrera administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura - y Miguel
Ángel ingresa con trece años en la "bottega", el estudio, de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería
las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante.
Tras una corta estancia en la "bottega" - que parece abandonar por discrepancias con su maestro -
inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo "Il Magnifico".
Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico
en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: (Marsilio Ficino,
Pico della Mirandola).
Sus primeros trabajos escultóricos se realizan en estos años bajo la protección de los Médici. La
caída de la familia gobernante de la ciudad, provocó la huida del joven artista, primero hacia Venecia y
después a Bolonia, donde estudió las obras de Jacobo della Quercia.

En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, para trabajar con Pierfrancesco de Médici, En
estos años juveniles manifiesta ya una profunda admiración hacia la anatomía que le llevará a acudir casi
todas las noches al Depósito Municipal de Cadáveres para practicar disecciones que le permitieran
conocer mejor la estructura interna del cuerpo humano. En sus obras escultóricas de estos momentos -
especialmente la Centauromaquia - muestra un dominio del movimiento y de la anatomía que no había
sido conseguido por Donatello.
En el mes de julio de 1496 se traslada a Roma por primera vez. En la Ciudad de los Papas recibirá
el encargo de su famosa Piedad del Vaticano. De regreso a Florencia realizó el David En el boceto
demuestra una vez más su obsesión por el desnudo. En 1505 el poderoso papa Julio II lo reclama de
nuevo para que regrese a Roma ya que le va a encargar su tumba, un proyecto muy ambicioso que
constaba de unas cuarenta esculturas y que quedó reducido al Moisés y los Esclavos.
Los caracteres del Papa y del artista eran tan diferentes que los enfrentamientos, a pesar de la mutua
y profunda admiración que se manifestaban, no tardaron en aparecer. El propio Miguel Ángel denominará
a ese encargo la "Tragedia del Sepulcro".
Será el mismo Julio II quien también le encargue su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a
cuya decoración dedicará cuatro años, entre 1508 y 1512. El trabajo fue agotador ya que no contaba con
ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción
característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia,
especialmente de su hermano Buonarroto. Es significativo el texto de una carta que escribe a su padre en
enero de 1509: "Hace un año que no recibo un céntimo del papa y no lo pido porque mi trabajo no va
adelante como creo que merece. Esta es la dificultad del trabajo y el no ser mi profesión. Pierdo tiempo
sin provecho. Dios me asista". En una nueva carta se reafirma en sus opiniones al manifestar: "Sigo aquí
disgustado y no muy sano, con gran trabajo, sin gobierno y sin dineros".
Tras el fallecimiento de Julio II en 1513, sus herederos reducen el proyecto del sepulcro, lo que
supondrá un importante varapalo para el maestro. Los viajes son continuos y tienen como punto de
destino Carrara (la cantera de mármol), donde se sentía tranquilo y sosegado junto a la familia con la que
se crio. El papa León X le encarga la decoración de la fachada de san Lorenzo en Florencia - obra que
quedará inconclusa -, realizando también los planos de la Biblioteca Laurentina (con su famosa
escalera)y las Capillas de las Médici, donde se alojarían las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Médici con
las famosas estatuas de la Aurora y el Crepúsculo y la Noche y el Día.
Estos años trabajará para el gobierno de la República de Florencia como ingeniero militar, siendo
nombrado en 1529 "gobernador general de las fortificaciones" y trasladándose a Pisa, Livorno y Ferrara
para comprobar el estado de sus murallas. En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en Roma,
donde realizará el Juicio Final, en la Capilla Sixtina, por encargo del papa Paulo III, quien le nombra
pintor, escultor y arquitecto del Vaticano.
En el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá tal admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar
al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco. Pero la reacción moral no se hizo esperar y ya
en vida del maestro se empezaron a tapar los cuerpos, siendo Volterra uno de los encargados.
Desde 1546 Miguel Ángel se dedica especialmente a la arquitectura; tras fallecer Antonio da
Sangallo asume la dirección de las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano, compaginando los
trabajos con el diseño de la escalinata del Capitolio y el Palacio de los Conservadores.
La fama del maestro alcanzó elevadas cotas en los últimos años de su vida, siendo nombrado "jefe"
de la Academia de Dibujo de Florencia. Vasari, en sus famosas "Vidas", y Ascanio Condivi, con su
biografía, le encumbrarán.
El artista de la "terribilità", que definiría el último Cinquecento, fallecía en Roma el 18 de febrero
de 1564 a la edad de 89 años. Su sobrino Leonardo llevará en secreto el cadáver del genio hasta
Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo,
antes de ser enterrado en Santa Croce.
La ajetreada vida de Miguel Ángel fue llevada a la novela por Irving Stone en "El tormento y el
éxtasis" sirviendo de base a una película con el mismo título.

Durante su larga vida gozó de prestigio y reconocimiento en todas sus facetas, de hecho, le
llamaban “Il Divino”, pero su carácter huraño e inconformista le llevó a no tener discípulos aunque si
muchos imitadores.
2.- PRINCIPALES OBRAS:
En arquitectura destacaríamos su obra más grandiosa que es la continuación de las obras del
Vaticano pero sobre todo la construcción de su gran cúpula
TÍTULO: Cúpula de San Pedro del Vaticano
AUTOR: Miguel Ángel
CRONOLOGÍA: 1546-1564
LOCALIZACIÓN: San Pedro del Vaticano (Italia)
ESTILO: Renacimiento “Cinqueccento”
MATERIAL: Piedra en el exterior; interior de mosaicos
MEDIDAS: 42 m de diámetro y 130m de altura
Miguel Ángel mantuvo la idea de Bramante de la planta de cruz griega con una gran cúpula central,
pero ahora con una sola puerta (el proyecto de Bramante preveía cuatro) modificando la estructura de la
cúpula, la cual, al dotarla de mayores dimensiones y eliminar la columnata circular proyectada por su
antecesor se convierte en el elemento más expresivo de la construcción.
Miguel Ángel murió sin poder concluir la obra pero le dio
tiempo a terminar los ábsides (recorridos por gigantescas pilastras
pareadas entre las que se abren los vanos coronados por frontones
alternando triangulares y curvos como en la cúpula) y la cúpula que
con sus 42 mts. de diámetro rivaliza con la del Panteón superándola
en altura.
Para la construcción de la cúpula sigue el modelo de
Brunelleschi en Santa Mª de las Flores, y proyecta un doble casquete
semiesférico (el perfil exterior apuntado lo terminó su sucesor
Giacomo della Porta) y montado sobre un tambor circular en el que
alternan las ventanas y las columnas pareadas, por encima un ático
adornado con guirnaldas.
Toda la cúpula de piedra ,domina el templo convirtiéndose
inmediatamente en el culmen de la ciudad y de todo el orbe católico
aunque las reformas de Maderno y Bernini rompieron la
perspectiva original proyectada por él..
Sobre la base de la cúpula se puede leer la siguiente inscripción, "Tú eres Pedro, y sobre esta piedra
construiré mi iglesia y te daré las llaves del reino de los cielos", frase de la Biblia que pronunció Jesucris-
to. Su decoración interior consiste en distintos mosaicos del artista Giuseppe Cesari.
Maderno prolongó la nave longitudinal, convirtiendo la planta en cruz latina y construyó la actual
fachada del edificio, excepto el piso superior y la balaustrada, añadidos por Bernini en el siglo XVII.

Escultura:
Si nos referimos a su faceta de escultor, sus figuras se caracterizan, en el aspecto estilístico, por su
rotundidad y monumentalidad. Muestra preferencia por el mármol en el que esculpe formas "cerradas" en
las que, llenando huecos y eliminando proyecciones, las unidades se condensan en una masa compacta
que se aísla estrictamente del espacio que las rodea.
La supuesta afirmación de Miguel Ángel de que “una buena estatua podía dejarse rodar por una
colina abajo sin que se rompiese, a pesar de ser apócrifa, es una descripción bastante acertada de su
ideal artístico”. Utiliza, eso sí, tensiones y escorzos típicamente manieristas aunque manteniendo siempre
las directrices básicas del espacio. Sus figuras son "simétricas" no en el sentido de que sus partes se
correspondan dos a dos, sino porque suele plantear una antítesis compensada entre una parte "cerrada" y
rígida y otra "abierta" y móvil, al tiempo que las líneas rectas son compensadas por convexidades
salientes.
En resumen una acertada fusión de elementos clásicos y manieristas que configuran un estilo
peculiar que no es ni plenamente renacentista, ni manierista, ni barroco.
Su técnica, es excepcional ya que nunca recurre a sistemas de cuadriculado, puntómetro o modelos.
Simplemente ataca el bloque de mármol con el cincel dentado y va “sacando” cada parte de la figura. Sus
numerosas obras inacabadas (Esclavos, Victorias, Piedad Rondanini...) permiten estudiar a la perfección
las fases de su proceso técnico, basado en la intuición de “ver” la figura dentro del bloque como el
propio artista afirmaba.
En palabras de Panofsky, "Sus figuras simbolizan la lucha iniciada por el alma para superar la
esclavitud de la materia, pero su aislamiento denota la impenetrabilidad de su prisión".
TÍTULO: David
LOCALIZACIÓN: La Academia de Florencia
MATERIAL: Mármol
MEDIDAS: 4,10 m de alto
Magistral estudio del desnudo masculino en el que late la
herencia clásica y que contrasta por su tensión y su mirada
agresiva con los Davides adolescentes de los escultores del
Quatroccento (Donatello y Verrochio).
La obra la encargó la Signoria de Florencia a Agostino da
Duccio quien fue incapaz de tallar el bloque de mármol,
demasiado estrecho para su enorme altura. Miguel Ángel
aceptó el reto y realizó la obra que en principio estaba pensada
para decorar uno de los contrafuertes de la Catedral pero que
ante el clamor popular hubo de ser emplazada en la plaza de la
Signoria como símbolo victorioso de la democracia sobre los
M é d i c i s , expulsados por segunda vez de la ciudad (el tema
de David es, como hemos visto, metáfora de la victoria de la
inteligencia sobre la fuerza).
Es evidente la influencia del Doríforo de Policleto en la
postura, el contraposto y la anatomía diartrósica y del mismo modo se inspiran en el arte griego las
correcciones ópticas (la cabeza es muy grande porque iba a estar situado en alto).
Puede decirse que el David supone la culminación de la etapa clasicista de Miguel Ángel pero en él

ya apuntan rasgos del manierismo: el ritmo en zig-zag, las deformaciones expresivas (la mano vigorosa e
hipertrofiada), la mirada fiera y altiva suponen en realidad una superación del ideal clásico y el comienzo
de una etapa que llevará a Miguel Ángel a adentrarse por los caminos de la expresión.
TÍTULO: La Piedad del Vaticano
CRONOLOGÍA: 1498 - 1499
LOCALIZACIÓN: Basílica de San Pedro
del Vaticano, Roma.
MATERIAL: Mármol (técnica: talla)
MEDIDAS: 1,74 metros de alto x 1,95 me-
tros de largo
Esta obra representa una síntesis perfec-
ta entre la tendencia clasicista y los ideales
renacentistas. Este grupo escultórico consagró
a Miguel Ángel como escultor con tan sólo 23
años, aparte de suponer un gran ejemplo de-
finitorio del "arte de sacar y no de añadir".
Composición
Las dos figuras de la Piedad forman una pirámide cerrada, en la que la Virgen, sentada y erguida,
sostiene a Jesucristo yacente en su regazo. El cuerpo de Cristo casi está encuadrado por completo dentro
del contorno del cuerpo de la Virgen, lo que acentúa la unión entre madre e hijo.
La Virgen, manteniendo la mirada baja y evitando mirar directamente al observador, acoge a su
hijo con la mano derecha, a la vez que con la derecha nos invita a adorarlo. Su vestido actúa como base de
la pirámide.
El conjunto escultórico contrapone la desnudez del cuerpo de Cristo estilizado con el ropaje de
profundos pliegues de María, y también contrapone la pesadez de ésta a la liviandad de su hijo, el cual
sólo toca el suelo con su pie derecho.
Contenido
La obra fue encargada un 27 de agosto de 1498 por el cardenal Dionisio Jean Bilhères de Lagrau-
las, a través de Jacopo Galli, protector del artista.
La obra representa el instante posterior a la crucifixión, en el que el hijo descansa sobre el cuerpo
de su madre. Miguel Ángel dio un aspecto juvenil a la Virgen, más adecuado a la pureza de la Madre de
Dios.
La Piedad del Vaticano es la única estatua firmada por Miguel Ángel, el cual se sintió profunda-
mente orgulloso de su trabajo. Aparece la siguiente inscripción: "Michael Angelus Bonarotus florentin
faciebat".
La escultura se instaló en la iglesia de Santa Petronella, ya que en ella descansaban los restos del
cardenal que la encargó. Tiempo más tarde fue trasladada al interior de la basílica de San Pedro.
Datos sobre la obra
Es una maravillosa obra de bulto redondo, ya que se pueden ver todos sus ángulos pero el punto de
vista es frontal.

Con la juventud en el rostro de la Virgen, se le pretendía dar ese significado de juventud y belleza
eternamente en ella, propios del Renacimiento. Podemos observar un visible contraste entre el cuerpo de
Cristo, compuesto por diagonales, y los pliegues curvilíneos de María.
También tiene correcciones ópticas ya que como está hecha con una visión frontal las piernas de
la Virgen están adaptadas al volumen del cuerpo de su Hijo, de manera que si trasladáramos las medidas a
la realidad, la virgen tendría una estatura superior a dos metros.
El 21 de mayo de 1972 la imagen sufrió un brutal atentado al ser aporreado por un demente el ros-
tro de la Virgen con un martillo, motivo por el que hubo de ser restaurada y luego protegida con medidas
de seguridad.
Además de esta Piedad, muy clasicista, Miguel Ángel realizó algunas más entre las que destacan
La Piedad de la Academia de Florencia y La Piedad Rondanini
La Piedad de la Academia de Florencia (1550-55) ya manierista y novedosa por incluir en la escena
a la Magdalena (rota a martillazos por el propio Miguel Ángel y rehecha por Tiberio Calcagni) y a
Nicodemo (probablemente un autorretrato), y, por último, la Piedad Rondanini
TÍTULO: La Piedad Rondanini
LOCALIZACIÓN: Castillo Sforza (Milan-Italia)
MATERIAL: Mármol
La Piedad Rondanini es la más original y personal de todas
ellas, auténtico anticipo del expresionismo del siglo XX.
Es un grupo escultórico en mármol compuesto por las dos fi-
guras, la madre y el hijo
Las figuras se representan de pie rompiendo todos los
convencionalismos que regían la iconografía de la Piedad, siempre
con la Virgen sentada y Cristo muerto en su regazo. Aquí, María se
empeña a sostener a su Hijo en pie, como negándose a aceptar la
realidad de su muerte.
Los miembros alargados, el ritmo en zigzag y la forma
serpentinata, son ya plenamente manieristas. No importa la belleza
formal sino la búsqueda decidida de la expresión, reflejo de un
Miguel Ángel anciano atormentado por la idea de la muerte y presa
de una crisis religiosa.
Es la última obra de Miguel Ángel, inacabada y
voluntariamente mutilada, en la que trabajó prácticamente hasta el
momento de su muerte.

TÍTULO: Capilla de los Médicci
LOCALIZACIÓN: Florencia
ESTILO: Renacimiento “Cin-
queccento”
MATERIAL: Mármol
Comenzó los proyectos para
la construcción de las “Capillas de
los Médici” en la “Sacristía nueva”
de la Basílica de San Lorenzo de Florencia y en 1524 se empezó a trabajar en estas. Las capillas sirven
como mausoleo a los miembros más jóvenes de la importante familia, de la misma manera que en la
“Sacristía vieja” están enterrados los miembros más antiguos del clan familiar.
La primera idea de “Miguel Ángel” constaba de levantar un monumento exento con los cuatro lados
idénticos en el centro de la capilla, pero vacilaba entre hacer un monumento exento y un sepulcro adosado
a la pared, pues quería continuar el diseño de la “Sacristía vieja de Brunelleschi”.
Entre 1520 y 1524 se extrajeron las placas de mármol para iniciar la construcción. Finalmente, la
tumba se integra a la capilla, mientras la luz penetra por el alto techo y baña los muros que parecen
tallados. Se destacan las 4 esculturas alegóricas que representan el Día, la Noche, la Aurora y el
Crepúsculo, situadas en el sepulcro de Lorenzo, duque de Urbino, y en el de Juliano, duque de
Nemours.
Sobre el tercer catafalco, que alberga las reliquias de Lorenzo el Magnífico Lorenzo de Médici y
de su hermano Giuliano, se sitúa la estupenda Virgen con el Niño, único elemento sacro y núcleo de toda
la composición, donde dirigen sus miradas las estatuas sedentes de los duques.
La Tumba de los Medici
Las estatuas resultan las dueñas del espacio, supeditando la arquitectura y el espacio a ellas. Se
ha identificando el orden de la capilla con el universo: abajo las almas difuntas, al medio la
arquitectura racional con su plano terrenal, y los lunetos y la cúpula, la esfera celestial. La gradación
de la luz acompaña esta idea.
Pero la composición de las tumbas es también una alegoría del tiempo y de los ríos del Hades,
destino inexorable de la vida de los mortales. Las figuras atléticas reclinadas sobre los sarcófagos guardan
los cuerpos perecederos de los duques, mientras las rupturas en las lajas permiten salir a las almas de los

difuntos. No hay emblema ni epitafio que aluda a sus nombres y a sus hazañas, indicando una intención
más idealizante que celebrativa.
En la “Tumba de los Médicis” se pueden admirar las ideas platónicas sobre la inmoralidad del alma
que caracterizaron a muchas obras de “Miguel Ángel”. Las figuras en posición yaciente son tomadas de
modelos clásicos: son figuras más esbeltas, de fornidos torsos que terminan en delicadas manos y pies,
y cabezas pequeñas. Cada figura tiene un eje curvilíneo en torno al cual tiene un movimiento de
rotación en espiral que nos anticipa lo que luego será el movimiento artístico Manierista.
Pintura
TÍTULO: La Capilla Sixtina
LOCALIZACIÓN: Vaticano
MATERIAL: Pintura al fresco
Arquitecto, poeta, pintor, M. Ángel Buonarroti
se consideró siempre un escultor y aunque alcanzó la
fama, ya en vida, por la Capilla Sixtina él la
consideró siempre como una obra secundaria.
Estudió los frescos de Giotho y de Masaccio
pero su pintura estará influenciada por su talante de
escultor, acentuando su aspecto plástico y el relieve.
Al igual que Leonardo, investiga la anatomía humana:
actitudes, posiciones, movimiento del cuerpo
humano que domina por completo.
En el aspecto estilístico, sus figuras son
desproporcionadas, titánicas, hercúleas, aunque
también maneja formulas clásicas, para él, la
representación de la idea a través de la materia, es
lo importante.
Muestra preferencia por las formas “cerradas”
y rígidas, pero compensándolas con otras “abiertas”
y móviles, líneas rectas, compensadas con otras
convexas y salientes, etc.
Predomina el dibujo sobre el color, le gusta
representar volúmenes netos, bien definidos y de
gran monumentalidad.
El tema central será la figura humana, con
gran fuerza tanto física como espiritual; su interés
por la anatomía le lleva a representar figuras

colosales con grandes músculos. Sus desnudos se inspiran en los clásicos griegos.
Gran variedad de actitudes, gestos dramáticos, posturas guardando un equilibrio dinámico y en
violentos escorzos. Elimina casi totalmente el paisaje y los objetos, y cuando los representa se fija sólo en
lo esencial sin detallismo ninguno.
Principales obras: Sagrada familia; Bóveda de la Capilla Sixtina; Juicio Final.
El nombre de Sixtina viene del Papa Sixto IV que ordenó su construcción como recinto para los
cónclaves y las reuniones cardenalicia, siendo decorados sus muros con pinturas al fresco en el siglo XV
(Botticelli, Girladaio...).
La bóveda del recinto, sin embargo, se pintó simplemente de azul con estrellitas doradas y fue a
principios del siglo XVI cuando un nuevo Papa (Julio II), decidió acometer la decoración del techo
encargándosela a Miguel Ángel en Mayo de 1508 (según una versión influido por Bramante, quien
pretendía que Miguel Ángel fracasara en el proyecto) No le gustó el encargo, y propuso a Rafael, aunque
finalmente se vio forzado a llevar a cabo la obra, en la que empleó más de 4 años (con numerosas
interrupciones). Le quedaron fuertes dolores de espalda y problemas de visión debido a la postura tan
forzada que hay que utilizar para pintar una bóveda. El mismo diseñó también el andamio movible, para
poder pintar sin dejar agujeros en la pared, pero llevar a cabo una obra tan monumental sin ayudantes
hizo que su salud se resintiera.
El Juicio Final fue añadido más tarde, en 1536, y no estaba previsto en un principio.
Miguel Ángel modifica, engrandeciéndolo, el proyecto que tenía el Papa realizando un compendio
de imágenes del Antiguo y del Nuevo Testamento que resumen la historia de la humanidad desde la
Creación hasta el Juicio Final. En el aspecto estilístico, encontramos los mismos rasgos que aparecen en
su escultura (contraposto, rotundidad y monumentalidad, formas cerradas...) y en general puede decirse
que el dibujo y el diseño predominan sobre la luz y el color, aunque la reciente limpieza de los frescos ha
mostrado a un Miguel Ángel mucho más colorista de lo que antes se pensaba.
1ª ETAPA (1508-09) Separación de la Luz y de las Tinieblas, Creación del Cielo, Separación de las
tierras y las aguas, Diluvio Universal, Sibilas... las escenas de la humanidad Ante legem están rodeadas
por las Sibilas, las profetas de la antigüedad. M. Ángel, muestra aquí escaso interés por la perspectiva
científica, se adivinan aun los ecos de su maestro Ghirlandaio; en las composiciones, suele utilizar formas
helicoidales que dan un sentido dinámico a la escena. En las SIBILAS, el sentido escultórico es claro. Su
disposición (en lunetos trompe l'oeil) es propia de una estatua y eso es lo que son, auténticas esculturas
coloreadas sobre las que incide una luz fría, metálica que proporciona calidades marmóreas. En la
disposición de las Sibilas y Profetas Miguel Ángel utiliza un recurso de corrección óptica haciendo de
mayor tamaño las más lejanas de la puerta a fin de que todas parezcan iguales al espectador que las
contempla desde la entrada. La Sibila de Cumas representa la edad que Ovidio le atribuye, "seiscientos
años pesan sobre sus espaldas", una vieja gigante que, siguiendo a Virgilio produce asco y horror.
2ª ETAPA (1509-12) Creación de Adán, Creación de Eva, Pecado y Expulsión del Paraíso,
Profetas... Intensifica los recursos pictóricos (escorzos) y mantiene el dinamismo a pesar de utilizar
composiciones muy equilibradas, hay una mayor plasticidad en las figuras fruto de la influencia de la obra
de Giotto y Masaccio, los más escultóricos de entre los primitivos.
Creación de Adán:
La composición es un prodigio de equilibrio de masas sin que por ello resulte estática, se elimina el
fondo y se plantea una iconografía revolucionaria que provocó no pocas discusiones con el Papa. En
realidad deberíamos de titularla "La animación de Adán" ya que lo que Miguel Ángel representa es el
momento en el que Dios Padre insufla la vida a la figura de Adán, ya moldeada.

En la Edad
Media esta escena
suele representarse
con Adán tumbado
en el suelo y en lo
alto Dios Padre o
la Trinidad,
entronizados,
enviando el soplo
vital, tal y como se
describe en el
Génesis. Aquí, sin
embargo, Dios
Padre no aparece a
la manera
medieval,
revestido de los
atributos papales e imperiales (manto, cetro, tiara y bola) sino como un anciano barbado y canoso, vestido
con túnica (M. Ángel quería ponerlo desnudo pero el Papa se negó), novedad iconográfica destinada a
gozar de gran éxito posterior.
La figura de Dios Padre es todo movimiento, es la fuerza creadora. Con Adán sucede todo lo
contrario es un cuerpo en reposo al que Dios infunde la vida que se transmite como un fluido a través
del brazo aunque sus manos no llegan a tocarse.
3ª ETAPA (1536) Juicio Final: Se despliega sobre la pared del fondo
En el centro la figura de Cristo, acompañado de la
Virgen y rodeado por los apóstoles, es la fuerza que pone en
movimiento a todas las demás figuras ("Sólo el centro de la
composición se elige libremente, porque todos los demás
elementos giran necesariamente a su alrededor" decía M.
Ángel) se suprime el marco y los recursos perspectivos que
aparecían en las escenas de la bóveda y las figuras están
inmersas en un espacio agitado sin una unión naturalista entre
ellas las relaciones se establecen por medio de sus
movimientos que generan una serie de anillos en torno a la
figura de Cristo. M. Ángel, el último clásico y el primer
manierista, introduce el concepto de forma serpentinata de
gran éxito posterior en el Manierismo y el Barroco.
En todo caso, el caos es más aparente que real ya que
existe una división en cuatro registros horizontales y dos
calles verticales que separan a los elegidos (a la derecha de
Cristo) de los condenados (a su izquierda).
En el Juicio, Miguel Ángel plantea una síntesis entre los elementos tradicionales de la iconografía
cristiana del tema (ángeles cristóforos en los lunetos, ángeles trompeteros, condenados y elegidos...etc.) y
otros tomados de la mitología griega (El barquero Caronte que lleva a las almas a través de la laguna
Estigia).
En primer término aparece San Bartolomé con el cuchillo con el que lo desollaron vivo y la piel en
la mano en cuyo rostro se ha querido ver un autorretrato de Miguel Ángel.
El Infierno que ya no es el espacio pavoroso lleno de tormentos al que se accede a través de las
fauces de un animal monstruoso, sino una llanura desolada a la que caen las almas desesperadas de los
condenados que no sufren tormentos dolorosos y crueles como en la Edad Media, sino que sus propios
remordimientos son el castigo a sus pecados.

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