Feminismo

Claude Cahun Claude Cahun es el pseudónimo de Lucy Renée Mathilde Schwob (1894 1954), fotógrafa y escritora francesa. Muy intimista, poética y con muchos rasgos autobiográficos, la obra de Claude Cahun, en especial la fotográfica, es de difícil clasificación.Su pertenencia al movimiento surrealista se ve superada por una inspiración muy baudeleriana y por la búsqueda de un mito personal. Se trata de una búsqueda de sí misma, en un juego permanente de espejos y de metamorfosis, entre la fascinación y la repulsión, en una obra compuesta en gran parte de autorretratos. Sus instalaciones son precursoras de fotógrafos contemporáneos como Alain Flescher o de artistas plásticos como Christian Boltanski.Su autobiografía a través de la imagen concede un papel importante a la identidad sexual: Cahun deseaba ser parte de un tercer género indefinido, en la frontera entre la homosexualidad, la bisexualidad y la androginia.

Claude Cahun / autorretrato 1927

Claude Cahun / autorretrato 1928

Frida Kahlo La obra de Frida representa sus vivencias, anhelos y frustraciones, para lo que emplea frecuentemente temas extraídos del folklore mejicano, así como elementos fantásticos.  Sus trabajos más conocidos son los autorretratos.  Algunos críticos, como el poeta francés André Bretón, quien la definió como "un lazo alrededor de una bomba", la relacionan con el surrealismo. Frida lo negó: pintaba su realidad, su mundo interior, decía ella.  En 1943 fue nombrada profesora de la Escuela de Pintura y Escultura de La Esmeralda, en México, aunque su enfermedad le impidió asistir a clase y eran sus alumnos, "los Fridos", quienes se desplazaban a la casa de Coyoacán a recibir lecciones.  Una década más tarde, ya muy enferma, Frida fue objeto de una importante exposición en la Galería de Arte Contemporáneo de México, a cuya inauguración los médicos le prohibieron asistir. Ella desoyó la orden y llegó a la muestra en ambulancia. En una cama colocada en el centro de la sala, pasó una tarde muy alegre cantando, bebiendo y contando chistes con los invitados.  Ese mismo año una infección obligó a amputarle la pierna por debajo de la rodilla, lo que sumió a Frida en la depresión y le llevó a intentar suicidarse dos veces. Murió el 13 de julio de 1954.

Carol Rama Olga Carol Rama (nacida el 17 de abril de 1918 en Turín , Italia ) es un artista autodidacta su pintura es erótica y, a menudo agresiva sexualmente. Un universo poblado de personajes que presentan temas de la identidad sexual con referencias específicas a la sensualidad femenina. Sus obras fueron relativamente poco conocidas hasta comisario Lea Virgine incluyó varias piezas en una exposición de 1980, lo que llevó a Rama a volver a su anterior estilo de acuarela. Como mujer joven soltera en una de Italia fascista , a los 21 años de edad, sufrió la censura estatal. "No pensé que tenía las cualidades, para convertirme en una artista", dijo Carol Rama CET informe en una entrevista, y continúa con la descripción de la opinión que tenía de la escena del arte: "las mujeres hermosas, primedonne, la gente hermosa que hablan varios idiomas, y ser encantadora. "

Carol Rama Appassionata-1939-Turin Carol Rama  Grandmother Carolina 1936 Collection CRT Foundation for Modern and Contemporary Art. Courtesy Franco Masoero Editions

Gina Pane Empieza practicando la pintura y la escultura de estilo minimalista. A finales de los 60 realiza sus primeras acciones. Utiliza su propio cuerpo como canal de comunicación artístico. Se la vinculará con el movimiento llamado Body Art. Gina Pane expone su cuerpo a duras pruebas. Sus acciones están cargadas de un alto contenido agresivo y simbólico. Nos presenta una doble visión del cuerpo, por un lado objeto sexual y simbólico de fecundidad y por otro lado vehículo de regeneración. “(…) La herida es la memoria del cuerpo; memoriza la fragilidad, el dolor, es decir, su existencia real. Es una defensa en contra del objeto y de las prótesis mentales” Desde 1971 a 1979 Gina Pane va a realizar un conjunto de acciones en las que la mutilación del cuerpo, mediante la herida sangrante, está continuamente presente. Históricamente la sangre está ligada a las imágenes de la vida y de la muerte, purifica y mancilla. Se la considera peligrosa cuando brota espontáneamente. La menstruación y la el parto son momentos en los que la sangre sale del cuerpo de la mujer. El hombre en muchos pueblos arcaicos considera que la sangre menstrual quema la vegetación, acaba con los animales, contamina el agua… Cuando la sangre brota voluntariamente adquiere connotaciones positivas (ritos propiciatorios) Gina va vestida siempre de blanco en sus acciones color funerario en las culturas orientales.

Gina Pane Death Control (juin 1974)

Gina Pane "Azione sentimentale" (1974)

Gina Pane El Autorretrato con excrementos (1989)

Gina Pane Discours mou et mat 1975

Nació en París un 25 de diciembre de 1911 y allí empezó a dibujar siendo una niña. Se mudó a Estados Unidos en 1938 tras casarse con Robert Goldwater . De sus dibujos pasaría a hacer esculturas en diversos materiales, la mayoría con fuertes connotaciones sexuales emocionalmente muy agresivas y con la presencia casi constante de imágenes fálicas. El abandono por parte de su padre cuando era una niña marcó gran parte de su obra y el simbolismo fue también una de sus constantes. Louise Bourgeois

Louise Bourgeois Fillete. Arch of Hysteria.

Nancy Spero Artista plástica norteamericana(1926 -2009). Es una artista reconocida internacionalmente tanto por su obra como por su lucha por la igualdad de género. Con una fuerte experiencia del dolor a causa de la enfermedad degenerativa que sufrió desde muy joven. Spero comenzó pintando sobre lienzo, un medio que abandonó ante sus esfuerzos en crear un lenguaje pictórico específicamente femenino, en el que se decantó por la fragilidad del papel. Se trataba de "feminizar" el espacio masculino del arte. En los años 60, su compromiso político se convirtió también en centro de su trabajo artístico con obras que hablaban se su rechazo por la guerra de Vietnam. Diez años después, Nancy se concentra en la denuncia de los malos tratos que sufren las mujeres. De esa época surgen obras como ‘ Torture of Women’ (1976), en la que combina imágenes estremecedoras con textos que aluden a las atrocidades que se cometían en los regímenes dictatoriales sudamericanos, aspecto tan particular para una artista del norte, las claras referencias sobre la situación política del nuestro sur, en esas décadas. En los '80 se inclina por eliminar las diferencias entre la obra y el espacio en que se exhibe y obliga al espectador a participar de manera activa frente a trabajos exuberantes y llenos de movimiento. El cuerpo de la mujer pasa a ser prácticamente el único objetivo de su trabajo mediante reflexiones conceptuales que aluden al sexo y a la política. Lo hace mediante situaciones tomadas de la vida diaria y también surgidas de su imaginación. En todas ellas hay una crítica expresa a la invisibilidad del trabajo de las mujeres en el mundo del arte y un posicionamiento claramente político.

Nancy Spero The Goddess Nut II-1990

Nancy Spero Mujeres soldado israelíes

Nancy Spero Instalación en Bienal de Venecia año 2007, de 81 años de edad, artista estadounidense Nancy Spero de trabajo de "Palo de Mayo / Take No Prisoners". Cintas de colores de material cuelgan de un poste de aluminio blanco, en la que las cabezas sangrientas de los hombres y las mujeres gritando cuelgan.

Nacida en Hamburgo (Alemania) en 1936 se traslada muy joven con su familia a Nueva York, escapando del nazismo.En 1952 se gradúa en la High School of industrial Arts e inicia en la Yale school of art and Architecture su formación profesional como artista. Eva Hesse tiene su primera etapa creativa entre el año 1960 y el 64 donde se concentra sobre todo en pintura, experimentando con el expresionismo y las enseñanzas de sus maestros de la escuela. Después de estar un año en Düsseldorf (Alemania) con su marido Tom Doyle, del que se separa enseguida, regresa renovada a Estados Unidos y comienza su verdadera faceta creativa convistiéndose en una de las más importantes artistas del arte conceptual postminimalista. A pesar de su corta vida, ya que muere en el año 1970 a causa de un tumor cerebral, su trayectoria da para muchos análisis, experimentando continuamente con nuevos maeriales que pone en contraposición al arte minimal vigente. El látex, el vidrio, cuerdas, materiales de deshecho… son siempre bienvenidos para una complicada reflexión y diálogo con el arte del momento.. Eva Hesse Repetition Nineteen III 1968. MOMA

Kirsten Justesen Sculpture II (1968) Kirsten Justesen es educada como un escultora clásica en la Real Academia Danesa de Bellas Artes en 1975.Sus actividades abarcan una amplia gama de géneros, desde el body art y la performance y la instalación de esculturas. Justesen fue parte de la escena vanguardista de la década de 1960, donde se convirtió en una figura pionera en el modo tridimensional de arte que incorpora el propio cuerpo del artista como material artístico. Estos experimentos le llevó en la dirección del arte feminista que desafió los sistemas tradicionales de valor durante la década de 1970. Sus últimos trabajos constituyen más amplia investigación de las relaciones entre cuerpo, espacio, y el idioma. Kirsten Justesen

Kirsten Justesen 1969 SCULPTURE #1 Installation comprising three boxes

Kirsten Justesen PUZZY-POWER 1971 Vacuumpressed PVC

Kirsten Justesen 1990-92 SURFACING / OVEN VANDE

Kirsten Justesen 1992 ATRIBUT Hun fælder træer i paradisets have.. She cuts down trees in the Garden of Eden.. Collage 71,5 x 99,5 cm

Kirsten Justesen 1995 DRAPERY / DRAPERI series of 5 - NON TOCCARE / GRÆSSET MÅ IKKE BETRÆDES

Kirsten Justesen 2000-2007 ICE SCRIPT / PAROLE DI GHIACCIO Pigment print on Sommerset Satin 1:1 60 x 200 cm Each print with a new text like:SHE DECIDES NEVER TO BETRAY THE LANGUAGE OF ICE SHE USES AN ICE WORD, IT MEANS NO MORE NO LESSSHE GIVES MOST ICEBERGS A NEW NAME

Kirsten Justesen ICE FEET 2002 Installation with table, chairs, clocksExhibition image from The Museum of Art Brundlund Castle

Kirsten Justesen ICE DRESS 2002 Exhibition image The Museum of Art Brundlund Castle

Lorraine O'Grady Mlle Bourgeoise Noire Costume (1980) Lorena O'Grady es artista y crítica de arte. Sus instalaciones, performances, textos y abordan temas sobre de la diáspora, la hibridez y la subjetividad femenina. El New York Times en 2006 la calificó como"uno de los más interesantes artistas conceptuales estadounidenses en todo.” Y en 2007 su perfomance, la señorita Bourgeoise Noire, fue uno de ejemplos notables de la exposición WACK! El arte y la revolución feminista. Nació en Boston en 1934 de padres indios, O'Grady hizo sus primeras obras hasta 1980.Despuésde graduarse en la economía y la literatura . Lorraine O'Grady

Lorraine O'Grady Mlle Bourgeoise Noire performance 1980-83

Lorraine O'Grady Mlle Bourgeoise Noire performance 1980-83 Señorita Bourgeoise Noire, es la primera perfomance de O'Grady, sigue siendo su obra más conocida. El personaje apareció por primera vez en 1980 bajo el dictado futurista que el arte tiene el poder de cambiar el mundo y fue creado en parte como una crítica del apartheid racial que todavía prevalece en el mundo del arte convencional. El uso de un traje hecho de 180 pares de guantes blancos de tiendas de segunda mano de Manhattan y con un gato blanco-o-de nueve colas de cuerda y salpicado de crisantemos blancos, la señorita Bourgeoise Noire (Miss Negra clase media)

Lorraine O'Grady Rivers, First Draftperformance 1982

Lorraine O'Grady Rivers, First Draftperformance 1982 Rívers: perfomance de actuación única, creado por O'Grady para "Arte Al otro lado del Parque", comisariada por Gilbert Coker y Brockington Horacio. Se llevó a cabo en el lago, una sección norte del Central Park, el 18 de agosto de 1982 y fue un "collage en el espacio", con diferentes acciones que tienen lugar simultáneamente en los dos lados del río y más arriba, en la colina. Los relatos que competían por la atención del público, trataban de unir dos patrimonios culturales distintos, el Caribe y Nueva Inglaterra, y tres edades diferentes y aspectos del yo, una chica joven, un adolescente y una mujer adulta. Era un circo de tres pistas de movimiento y sonido.

Lorraine O'Grady Persistent , other media 2007

Magdalena Abakanowicz Abakan Red (1969) Magdalena Abakanowicz durante muchos años se ha ocupado de la cuestión de "los innumerables". Ella dice: "Me siento abrumada por la cantidad, contar ya no tiene sentido. Una multitud de personas o aves, los insectos o las hojas, es un misterioso conjunto de variantes de un prototipo determinado, un enigma de la abominable naturaleza.. repetición exacta o la incapacidad para producir, al igual que una mano humana no puede repetir su gesto propio…” Cada una de sus figuras es una individualidad, con su propia expresión, con detalles específicos de la piel. Orgánica, con la huella de los dedos del artista. Su superficie es de piel naturales como corteza de árboles o animales o la piel arrugada. Al igual que todos sus esculturas también estas obras son objetos únicos. Magdalena Abakanowicz

Magdalena Abakanowicz Abakan Red (1969)

BLACK ENVIRONMENT  1970-78 , sisal weaving on metal support  fifteen pieces, each: 300 x 80 x 80 cm  Collection of the artist

AGORA  2005-2006, iron  106 figures 285-295 x 95-100 x 135-145 cm  Permanent installation in Grant Park, Chicago

SPACE OF UNKNOWN GROWTH  1998  22 concrete forms  collection: Europos Parkas, Lithuania

FOUR SEATED FIGURES  1974-2002, burlap, resin, metal pedestal  coll. The National Museum of Women in the Arts, Washington

80 BACKS  1976-80, burlap and resin  collection: Museum of Modern Art, Pusan, South Korea

Harmony Hammond, Hunkertime, 1979 a“1980 Harmony Hammond es una artista, escritora de arte y gestora independiente que vive y trabaja en Galisteo, Nuevo México. Considerada una pionera del movimiento de arte feminista, da conferencias, escribe y publica extensamente sobre arte feminista, el arte lésbico, y la representación cultural de la "diferencia". Hammond asistió a la Universidad de Minnesota 1.963-67 (BA, 1967). En 1969, se mudó a Manhattan, donde fue co-fundadora de la AIR, galería de las primeras mujeres de arte cooperativa en Nueva York, (1972), y co-editora de las Herejías: Una publicación feminista de Arte y Política, (1976). En 1984, se mudó a Nuevo México. Como profesora titular de pintura, y crítica de postgrado en la Universidad de Arizona (Tucson), a partir de 1988-2005. Actualmente imparte clases y talleres de vez en cuando como artista invitada en: Skowhegan, Anderson Ranch, de Santa Fe Instituto de Arte y el Vermont Studio Center.

Harmony Hammond, Floorpiece VI 1973

Harmony Hammond, Meditation, 2001-02 Oil on canvas & mm88 x 72 x 18"

Harmony Hammond, Floorpiece VI 1973 Hammond siempre utiliza las sustancias y las imágenes simbólicas, pero a menudo de manera muy abstracta, que no son inmediatamente evidentes a la promiscuidad mirada, buscando simple placer erótico a través de las superficies de los cuerpos y objetos. Sus trabajos formales y abstractos utilizar la pintura como sustancia expresiva topográficas, la exploración de las nociones de sentido, la fragmentación, la inserción, la intervención y la transgresión, transmutando el campo de la pintura modernista en el cuerpo-como-sitio. En "La ruptura", por ejemplo, las capas gruesas de pintura densa, yuxtapuesta a la alizarina transparente carmesí, está conectado / separados por un canal de metal con sangre que puede ser leído como una zanja que divide dos campos, o como una metáfora para el sistema circulatorio del cuerpo . En cualquier caso, el canal, la intención de recoger y transportar los líquidos de la vida, ahora está seco. La pintura se convierte en un diálogo de las relaciones humanas, así como los formales. Pinturas de Hammond motivos para una reflexión sobre el encuentro y el equilibrio, en el sacrificio y la supervivencia. Ella se acumula exuberantes, obras empaste de gran presencia y peso, donde el ojo se basa en las superficies de espesor, sin conocimiento de las pinceladas, más que mirar a través del cual emana la pintura y revela en sus profundidades los órganos de sangrado debajo, particularmente evidente en la pieza de técnica mixta "Meditación ".

Miriam Schapiro, Big OX No. 2, 1968;

Miriam Schapiro, Big OX No. 2, 1968; Miriam Schapiro (o Shapiro) (nacida en 1923) es una artista de origen canadiense con sede en Estados Unidos. Ella es una pionera del arte feminista. Ella también se considera parte del patrón y el movimiento de la decoración del arte .Nació en Toronto, Canadá y estudió en la Universidad Estatal de Iowa, donde conoció al artista Paul Brach, con quien se casó en 1946. En 1951 se trasladó a Nueva York y se hizo amiga de muchos de los artistas en el centro de la ciudad Expresionismo abstracto de Nueva York: Joan Mitchell, Larry Rivers, Knox Martin y Michael Goldberg. Shapiro y Brach viviieron en Nueva York durante los años 1950 y 1960. Durante este período Shapiro tuvo una exitosa carrera como pintora expresionista abstracta. En la década de 1970 se mudó a California, se establece el Programa de Arte Feminista en el California Institute of the Arts con Judy Chicago. Participó en la exposición Womanhouse en 1972.El trabajo de Schapiro de la década de 1970 se compone principalmente de collages montados a partir de tejidos, que ella llama "femmages”. Describe femmage como las actividades de collage, ensamblaje, découpage y fotomontaje practicada por las mujeres que usan "técnicas tradicionales de la mujer - de costura, cocinar la perforación, de enganche, corte, apliques.

Miriam Schapiro,. Gates of Paradise.

Miriam Schapiro,. Madre Rusia 1994. Schapiro incorporado pañuelos y otros artículos hechos a mano en las pinturas. El Poeta (1982) se construyó sobre un gran lienzo con forma de casa, en alusión al espacio que más se asocia con las mujeres. Schapiro también comenzó a usar las imágenes como el (El soplo al corazón y la Madre Rusia) del corazón y el abanico para dar forma a sus lienzos y ampliar su vocabulario de formas femeninas. (a la derecha: la Madre Rusia, (abanico), 1994, acrílico y optimizado los medios de comunicación sobre lienzo, 82 x 90 pulgadas, cortesía de Steinbaum Krauss Galería )

Cindy Sherman En una primera etapa Cindy Sherman iniciará una serie de retratos fotográficos que rompen el modelo tradicional, porque trascienden al sujeto retratado, convirtiéndolos en pretextos con los que representar estados de ánimo o emociones, así como estereotipos de mujeres, que representa con humor e ironía. Son sus famosas film stills o “fotos fijas”, también conocidas como “películas congeladas” , en las que muchas veces la retratada es ella misma pero transfigurada en ama de casa, en prostituta, secretaria, actriz o bailarina, es decir en arquetipos de mujer que ella reproduce siempre en blanco y negro, en fotos de pequeño tamaño y en entornos de las décadas de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, en los que esos arquetipos se afirman de forma más estereotipada.

Cindy Sherman Pero ese humor con el que trata sus retratos de la primera fase pronto se trasmuta en una orientación completamente distinta, en la que progresivamente va ganando terreno la imagen de lo grotesco, lo terrorífico e incluso lo repugnante, con la intención abierta de provocar sin indulgencia al espectador. Ya ocurre así con sus homenajes femeninos a la Historia del arte, serie de retratos en los que la mujer se representa como personajes famosos de las obras de arte, así la Fornarina de Rafael o la Judith de Boticelli, pero lejos de representarlas como aquéllas, las transforma completamente, reproduciéndolas desnudas o embarazadas y envueltas en entornos siempre provocativos.

Cindy Sherman Pero aún dará un paso más en este camino hacia lo abyecto con la que fustigar al espectador para ahondar de esta forma en la crítica al trato y la condición de la mujer. Así, las fotos que realiza a finales de los ochenta, en las que proliferan comidas que se pudren, penes de plástico rociados de ketchup e incluso mezclas repugnantes que provocan arcadas. Es la plasmación culminante de lo feo en el arte como elemento de expresión y como símbolo. En la misma línea se incluyen también sus series conocidas como Sex pictures, en las que toca el tema sexual pero con la misma estética truculenta. Sus fotos insisten en la crítica al papel de la mujer en la sociedad actual, pero no es ajena tampoco a la crítica social más amplia, objetando de las tiranías de la publicidad, la moda o los medios de comunicación, tratando igualmente temas relacionados con la violencia, la política o la sexualidad, utilizando como vehículos de expresión imágenes relacionadas con los medios de comunicación de masas, más directos y fáciles de entender

Barbara Kruger Barbara Kruger es una artista cuya obra se ocupa principalmente de problemas de feminismo, consumismo y poder. Inició su carrera en los años sesentas como diseñadora gráfica y editora fotográfica de la revista Mademoiselle. La influencia del arte comercial es evidente a lo largo de su obra. Inicialmente, Kruger trabajó con textiles a fines de la década de 1960 y comienzos de los años setentas, cuando el arte feminista reclamaba la estética y la política relacionada con la artesanía. Más tarde, combinó sus propias fotografías con textos originales, y esto proceso la llevó al estilo que la caracteriza, que incorpora imágenes encontradas con lemas politizados. Estas obras utilizan con maestría la apariencia y sensación de la propaganda, mientras que subvierten la tradicional alianza de la propaganda con la élite cultural y los poderosos. Los lemas de Kruger confrontan y cuestionan la cultura dominante.

Martha Rosler, Martha Rosler (1943, Brooklyn, Nueva York).Reflexiona sobre las notables diferencias conceptuales entre el denominado “arte de mujeres” y el “arte feminista”, decantándose por este último, Rosler llegó a la conclusión de que “la sociedad está impregnada de un poder opresivo en todos los niveles de acción, y que la interdependencia de lo ‘público’ y lo ‘privado’, de lo ‘exterior’ y lo ‘interior’ no es ilusoria sino real”.Esta interdependencia y complejidad existente entre la esfera pública y el ámbito de lo privado recorre su obra y se articula en torno a tres conceptos clave de significativas consecuencias sociales: la casa, la calle y la cocina. .

Martha Rosler, installation view,

Martha Rosler, Marisol y Emilio

Martha Rosler, Semiotics of the Kitchen es una pieza ya clásica de la historia del videoarte realizada por la artista Martha Rosler en 1975. En él, la propia Rosler cuenta y enseña el abecedario de los instrumentos de la cocina. Como respuesta a ciertas definiciones inmanentistas de la tradición semiótica, Rosler propone un uso desviado de estos instrumentos y un empleo simultáneo de distintos sistemas de signos que van más allá del puramente lingüístico. La capacidad de apropiarse de ese sistema doméstico aparentemente cerrado, autorizando nuevos sentidos y nuevos procesos de interacción con sus elementos fue muy valorada por la crítica feminista de su tiempo.

Niki de Saint Phalle Catherine Marie-Agnes Fal de Saint Phalle.La familia se trasladó desde Francia a Estados Unidos en 1933. Durante el transcurso de su adolescencia, fue modelo. Escritora y pintora francesa. Participó alrededor de 1962 en la exposición "El arte del montaje" en el Museo de Arte Moderno de NY En 1964 comienza a realizar una serie de obras titulada "Nanas", que constaba de figuras femeninas de formas voluptuosas y vivos coloridos. Fue en 1966 cuando realiza la escultura de cuerpo de mujer más grande de la historia del arte, que también formaba parte de la serie "Nanas" y cuyo título fue "Hon" (Ella en sueco). Fue instalada en la Moderna Musset de Estocolmo, bajo secreto ya que suponía un acto bastante revolucionario teniendo en cuenta la época en la que la realizó, así que a los pocos días de abrirla al público, clausuraron la exposición. Se entraba al interior de la escultura a través de la vagina, dentro del cuerpo había una serie de instancias con curiosidades que entretenían al publico, y más adelante una escalera por donde se subía a la tripa de escultura, y desde donde se veía todo. La escultura estaba decorada exteriormente por vivos colores, al típico estilo de la autora.

Hannah Wilke: S.O.S.Starification Object Series,1974-82. Museum of Modern Art, NY Hannah Wilke nació en 1940 en Nueva York de padres judíos cuyos padres eran inmigrantes europeos del Este. En 1962, ella recibió una licenciatura de Bellas Artes y una Licenciatura en Ciencias de la Educación de la Tyler School of Art, Universidad de Temple, Filadelfia. Enseñó arte en varias escuelas secundarias y se unió a la facultad de la Escuela de Artes Visuales, Nueva York, donde enseñó la escultura y la cerámica de 1.974 hasta 1.991 De 1969 a 1977, Wilke se encontraba en una relación con el artista pop norteamericano, Claes Oldenburg, y vivieron, trabajaron y viajaron juntos durante ese tiempo. [obra fue expuesta a nivel nacional e internacional a lo largo de su vida y sigue siendo mostrado a título póstumo. -Una mujer galería de exposiciones de su obra se exhibió por primera vez en Nueva York y Los Ángeles en 1972. Su primera exposición de un museo de la mujer se celebró en la Universidad de Califonia, Irvine, en 1976 y su primera retrospectiva en la Universidad de Missouri en 1989. retrospectivas póstumas se muestra en Copenhague, Helsinki, y Malmo, Suecia en 2000 y en el Museo de Arte Neuberger en 2009. Desde su muerte, el trabajo de Wilke se mostrado en exposiciones individuales y, exposiciones colectivas, y varios estudios de mujeres de arte, incluyendo WACK! (Www.moca.org) y Elles (www.pompidou.fr). Hannah Wilke

Hannah Wilke: S.O.S.Starification Object Series,1974-82. Museum of Modern Art, NY En 1974, Wilke comenzó a trabajar en su arte fotográfico SOS cuerpo de una pieza - Starification objetos de la serie en la que fusionó su escultura minimalista y su propio cuerpo mediante la creación de pequeñas esculturas vulvar de la goma de mascar y pegarse a sí misma. A continuación, se había fotografiado en varias pin-up plantea, proporcionando una yuxtaposición de glamour y algo parecido a la escarificación tribal . Wilke ha relacionado con las cicatrices en su cuerpo a la conciencia del Holocausto. Estas actitudes exagerar y satirizar los valores culturales norteamericanos de la belleza femenina y la moda. Esta fue originalmente creado el trabajo como un juego, "SOS Starificaion objetos de la serie: un juego de adultos de la masticación", 1974-1975, que Wilke convertido en una instalación que es ahora en el Centre Pompidou, París. Ella también se realizó esta obra en público en París en 1975, con miembros de la audiencia masticar la goma de ella antes de que ellos esculpidos y las colocó en papeles que colgó en la pared. Wilke también se utiliza la goma de mascar de color como un medio para esculturas individuales, con múltiples piezas de goma para crear una estratificación compleja representación de la vulva. Hannah Wilke

Hannah Wilke: Hannah Manna, 1985-86

Hannah Wilke: Corcoran Art Gallery, 1976 (detail)

Hannah Wilke: Japanese Girl with Puppies, 1975

Hannah Wilke: Gum Sculptures on Postcard

Hannah Wilke SOS Mastication Box, 1975

Hannah Wilke: One-Fold Gestural Sculptures, 1970'

Pipilotti Rist Durante sus estudios de Pipilotti Rist empezó a hacer super 8 películas. Sus obras suelen durar sólo unos minutos, y contenía las alteraciones en sus colores, velocidad y sonido. Sus trabajos generalmente tratan cuestiones relacionadas con el género , la sexualidad y el cuerpo humano .En contraste con los de muchos otros artistas conceptuales , sus coloridos y musicales trabajos transmiten una sensación de felicidad y sencillez . de trabajo de Rist se considera feminista por parte de algunos críticos de arte . Sus obras están en manos de muchos e importantes colecciones de arte de todo el mundo.

Pipiloti Rist Bienal de Venecia 2005

Faith Wilding Faith Wilding emigró a los Estados Unidos en l961 de Paraguay. Obtuvo su Maestría en CalArts, donde fue miembro fundador del Programa de Arte Feminista. Wilding es una artista multidisciplinar cuya obra aborda aspectos de la historia somática, psíquica y socio-política del cuerpo. Recientes publicaciones, conferencias, exposiciones y actuaciones se centran en cuestiones de ciberfeminista (mujeres y la tecnología) la teoría y la práctica, con especial énfasis en la biotecnología. Wilding ha expuesto y dado conferencias en los EE.UU. y Europa. Su trabajo de audio ha sido encargado y emitido por RIAS Berlín, WDR de Colonia, y la National Public Radio, EE.UU.. Wilding ha publicado en el significado, las herejías, Ms. Magazine, El Poder del Arte Feminista, y otros libros y revistas. Ella es el receptor de dos becas individuales de los medios de la Fundación Nacional de las Artes. En la actualidad, Wilding es un miembro de la facultad en la Escuela del Art Institute de Chicago y la AMF en Artes Visuales en el Programa de Vermont College of the Union Institute y la Universidad..

Faith Wilding Embryoworld l997-98, de la Universidad de Maryland, SUNY, Old Westbury. Una instalación de tres partes frente a la reproducción asistida y nuevas biotecnologías. Este trabajo utiliza diversas estrategias visuales para explorar los significados más profundos culturales y espirituales inherentes a la creación de la nueva carne, y la generación de nuevo del cuerpo en el cybercosmos. La parte 1 se disponen en grupos similares a las células

Faith Wilding INVITACIÓN A UN INCENDIO 1980. Perfomance y exposición en el Edificio de la Mujer, Los Ángeles, CA. Quemó una plantas dentro una forma como un cuerpo de momia, dentro estaba llena de tierra en la que los participantes después plantaron semillas. Las semillas germinaron durante la instalación que duró tres semanas expuesta.

Faith Wilding Batalla vestidos |l995-97, "Tierra Firme", Universidad. de Maryland. Tinta y acuarela sobre papel vitela, 75 "x 25". Dedicado a las mujeres violadas en la ex Yugoslavia. De izquierda a derecha: ”vestido de Violada ", ”vestido de herida ", "vestido de embarazada".

Faith Wilding Perfomance Waiting Esperando un monólogo de 15 minutos, con guión e interpretado por Faith Wilding en el programa de Actuación en Womanhouse, "espera" se condensa toda la vida de una mujer en un ciclo monótono, repetitivo de espera para que la vida comienza cuando ella es parte en el mantenimiento de la vida de otros . El texto completo fue publicado por la revista Ms. en 1972, y en el apéndice de "A través de la Flor" de Judy Chicago..

Faith Wilding Womb Room |  1996, "Division of Labor: Women's Work in Contemporary Art,  Bronx Museum, NY, & Museum of Contemporary Art, Los Angeles.

Faith Wilding Pared de Heridas, 1996, "Indicaciones Feministas» Riverside UC CA. La instalación de l00 6 "x 6 " de Rorschach y pintado "heridas", titulado y firmado. Esta pieza fue un comentario irónico sobre nuestra cultura víctima pública en la que cada persona está dispuesto a proclamar su propia herida. Cada herida es, pues, titulada: herida fálica, la herida de empatía, la herida sexual, la herida política, la herida psíquica, etc.

Anthea Behm Video: Diarios de Crissy En Diarios de Chrissy, Anthea Behm Nos muestra un catálogo de arquetipos femeninos con los que las niñas sueñan cuando sean mayores, pero los retrata con desencanto conmovedor. Los clips cortos de Chrissy (interpretado por la propia Behm) el cumplimiento de sus fantasías no coincidían con la imagen atractiva a una niña podría imaginar. Una concursante en un concurso de belleza se representa como la princesa de hoy en día. Al igual que una princesa en un cuento de hadas, vaga por un bosque oscuro, en la banda que lleva Chrissy en vez de su titulo de Miss lle su número de teléfono. Como modelo de bikini sonríe con valentía a pesar del sol en sus ojos. El rodaje no se hace en una playa, ni al lado de una piscina del hotel, sino en un pozo de agua, finalmente aparece a la orilla del mar cuando una ola de vez en cuando se rompe orgásmicamente en el horizonte. La rutina de una solitaria animadora se realiza en silencio bastante incómodo por la noche en un campo de juego abandonado. El único sonido es el susurro de pompones..

Ghada Amer Su obra (pinturas, dibujos e instalaciones) se manifiestan como una síntesis entre la tradición y la educación occidental y la oriental, la alta y la baja cultura, las bellas artes y la artesanía. Mezclas que consigue crear un mundo de reflexión íntima sobre su la condición de la mujer en la sociedad actual. Su temática neo-feminista quiere romper con los múltiples tabúes que condicionan la vida de las mujeres de todo el mundo: el engaño del amor romántico, el rol de ama de casa, la vergüenza de la manifestación explicita del deseo sexual…. Si bien es verdad que la manifestación artística de esta ideología, surgió en la creadora ante la extensión del fundamentalismo islámico en la década de los noventa, al leer un reportaje sobre la moda del velo en una revista egipcia, rápidamente manifiesta su intención de representar a todas las mujeres del mundo. El peso de su tradición familiar islámica se funde con su educación francesa, identificando los puritanismo universales que sufre el mundo femenino, y que exorciza gracias al arte. . Sus pinturas, que en un primer vistazo parecen herederas directas del expresionismo abstracto un movimiento prioritariamente masculino-, desvelan tras las marañas de color, las imágenes delicadas y casi fantasmales de parejas amorosas repetidas constantemente. Sacadas directamente de publicaciones pornográficas, no quieren mostrar a la mujer vilipendiada, sino que reclaman el mostrar lo que la mujer puede querer, no sólo lo que no quiere. Ghada Amer no es la niña mala del arte o del Islam. Su propuesta únicamente quiere avanzar en la lucha por la igualdad desde un presupuesto: "El feminismo sería más poderoso desde la seducción", y esa es la atracción que reside en su obra.

Ghada Amer Ghada Amer: Trini. 2005

Ghada Amer Ghada Amer (American, born Egypt, 1963). Barbie Loves Ken, Ken Loves Barbie, 1995/2002. Embroidery on cotton. Collection of the artist, courtesy of Gagosian Gallery

Jana Sterbak Jana Sterbak (Praga, 1955) es una artista imprevisible que se caracterizó en los inicios de su carrera por obras muy radicales y a menudo desconcertantes. Eran creaciones que aludían al cuerpo humano, como su polémico vestido de carne, Flesh dress for Albino Anorexic, realizado en 1987, o la extraña escultura en forma de miriñaque, Remote control (de 1989).En sus obras más recientes, Jana Sterbak parece haberse alejado de esta visión del mundo implacable y sin concesiones para interesarse por temas menos conflictivos. En la serie de obras últimas, que ha reunido bajo el título de Planetarium, Jana Sterbak ya no centra su atención en la problemática humana. La artista mira hacia el mundo exterior, inspirándose en la astronomía y en la geografía planetaria.Lo que ha motivado este cambio de intereses es el descubrimiento de una técnica artesanal, la del soplado de vidrio, con la que Jana Sterbak se ha familiarizado durante su estancia en el Centre Internacional de Recherche sur le Verre et les Arts Plastiques (CIRVA) de Marsella.

Jana Sterbak Atlas 2002 Attitudes 1987 (siete almohadas)

Jana Sterbak Chair Apollinaire 1996 Carne sobre sillón de skay Bodyair 1992 (fotografía en blanco y negro)

Jana Sterbak Oasis 2000 Acero inoxidable Cones on Fingers 1979 (fotografía en blanco y negro)

Jana Sterbak Proto-condition 1994 Estructura de bambú y correas Vanitas 1987 (vestido de carne talla 38)

Amy Cutler Amy Cutler nació en Poughkeepsie, Nueva York, en 1974. Se formó como artista en distintos centros de Europa y América, como la Staatliche Hochschule für Bildende Kunste en Frankfurt, o la Cooper Union School of Art de Nueva York. A pesar de su juventud, su obra se encuentra ya en las colecciones de instituciones tan importantes como el MOMA o el Hammer Museum, UCLA, Los Ángeles. Entre sus exposiciones individuales destaca la realizada en el 2006 en el Indianápolis Museum of Art. Actualmente desarrolla su labor artística en Brooklyn, donde reside. Esta artista ha venido presentando en el transcurso de la última década un singular trabajo plasmado en dibujos y acuarelas de minuciosa factura, recreando un sugestivo universo habitado por mujeres, en el que planea en clave alegórica, surreal y feminista cierta idea fundacional de un nuevo mundo. .

AMY CUTLER. Alteraciones Museo Reina Sofía

Las mujeres aparecen así como grupo organizado, siempre realizando alguna actividad laboral o en tránsito de un viaje cual pioneras o colonas de un mundo por descubrir. Hay una intención de reconstrucción antropológica en su trabajo presentándonos a estas heroínas domésticas en un proceso de adaptación al medio. Una poética muy personal que circula con gran plasticidad bien a través de escenas más prosaicas o reales o bien a través de escenas oníricas.

Amy Cutler 2002 Dinner Party gouache

Shirin Neshat Shirin Neshat (1957, Qazvin, Irán) es una artista visual iraní residente en Nueva York conocida por sus instalaciones en video, film y fotografia.Nacida en una pudiente familia iraní, su padre un conocido medico, asistio a la escuela católica en Teherán y posteriormente en la escuela de arte de Los Ángeles. Luego de la Revolucion Islamica de Iran, se establecio en San Francisco cursando en la Universidad de Berkeley.Su obra se refiere a la mujer en la sociedad islamica en su contexto social, politico y psicologico preferentemente en formato de video como Anchorage (1996) Shadow under the Web (1997), Turbulent (1998), Rapture (1999) y Soliloquy (1999).En 1999, ganó la XLVIII Bienal de Venecia con Turbulent y Rapture y en el 2009 el Festival de Venecia por su pelicula Women without Men1

Katharina Sieveding Katharina Sieverding (nacida en 1944) trabaja en Düsseldorf y Berlín. Se centra en su trabajo artístico en la fotografía documental. Desde 1967, Sieverding persistentemente ha concentrado en la concepción y construcción de imágenes a gran escala utilizando el aparato de la película y la cámara. Su enfoque intelectual y artística se inspira y por analogía, como el material específico y calidad inmaterial y la cantidad de luz, los procesos de la exposición de estas imágenes y las tecnologías de los medios de comunicación. Ella explora el potencial político complejo en la construcción conceptual y técnicas de representación, con la participación de espectadores en la interacción de la producción de imágenes y la construcción de visión.

Katharina Sieveding Katharina Sieverding, Weltlinie, 1999 A/D/A Process, Acryl, Stahl, 2teilig; je 190 x 125 cm

Katharina Sieveding Katharina Sieverding, Transformer, 1972,Deutsche Bank Collection, (c) VG Bild-Kunst, Bonn 2004

Katharina Sieveding Katharina Sieverding, Untitled, 1998,Deutsche Bank Collection, (c) VG Bild-Kunst, Bonn 2004

Katharina Sieveding Katharina Sieverding, Manton, 1997,Deutsche Bank Collection, (c) VG Bild-Kunst, Bonn 2004

Ana Mendieta Mendieta no sólo fue una artista con una identidad fronteriza, fue mujer y tanto con su cuerpo, como con la silueta del mismo, representó un deseo de comunión con el universo, una necesidad de entrar de nuevo a formar parte de la tierra, que para ella significaba lo esencial, lo que nos da la vida y a donde regresamos al morir. La vitalidad de Mendieta y su deseo de comunicarse son dos de las características de esta autora. La obra de Mendieta es un grito corporal, emitido desde cada punto posible y vivido con plena intensidad . Con esta vitalidad y energía se despidió Ana Mendieta de la vida un día al caer de la habitación de su apartamento después de una discusión con su marido.

Ana Mendieta Ana Mendieta, Glass on Body, Iowa, 1972

EVA WOHLGEMUTH EVA WOHLGEMUTH- ”Yo también tengo el deseo de hacer un "upload" de mi misma y disolverme en el ciberespacio. Pero en esa situación determinada, estaría trabajando con el cuerpo no ideal y estaría tratando de sacar algo de él. Para mí, es la posibilidad de usar su debilidad e imperfecciones para encontrar imágenes diferentes acerca de qué es lo que está ocurriendo a mi alrededor”. Eva Wohlgemuth «Body Scan» Esta artista investiga las influencias y los parámetros que determinan el cuerpo, la transformación de este en una zona virtual, topográfica. Su trabajo “Body Scam” consiste en la imagen de su cuerpo convertido en digital. Este comienza a tener vida a través de los usuarios que acceden a su interior. Habla de la perdida de significación de la parte material biológica.Para hacer el escaneado del cuerpo, trazo las coordenadas registradas de X, de Y y de Z, de 285.000 puntos de su cuerpo. Esto daba la superficie de su cuerpo, ahora, a partir de aquí, Eva W. Existe como un objeto digital en Internet.En este trabajo Eva W. No crea ciborg como podía hacer Victoria Vesna en Bodies Incorporated, no crea cuerpos-maquina que estén hechas funcionalmente mejor que nosotros, sino que crea su propio cuerpo en digital. Intenta examinar las influencias y los parámetros que determinan el cuerpo, como una estructura tridimensional, topográfica. Este cuerpo será una ilusión, un simulacro, una imitación del cuerpo biológico original. Marca esta separación de lo real y lo artificial, el mundo externo e interno .

Lynda Benglis Lynda Benglis (nacida1941 en EEUU) es conocida por sus pinturas de cera y por verter látex en sus esculturas. En su trabajo se caracteriza por una mezcla inusual de imágenes orgánicas y la confrontación con los nuevos medios de comunicación. Sus primeros trabajos los materiales utilizados, tales como cera de abejas antes de pasar grandes poliuretano piezas en la década de 1970 y más tarde a pan de oro, zinc y aluminio. La validez de gran parte de su trabajo fue cuestionado hasta la década de 1980 debido a su uso de la sensualidad y lo físico. Benglis lanzaba y el goteaba como técnica artística. Obras como Caídos de Pintura (1968) tomaba el enfoque de una perspectiva feminista. Para este trabajo, manchaba de pintura el suelo de la galería invocando "la depravación de los" caídos "mujer" o, desde una perspectiva feminista, una "víctima del deseo masculino”. Estos colores brillantes suelo orgánicos piezas estaban destinadas a perturbar la escena artística dominada por los hombres. Benglis realizó varios videos durante la década de 1970 en el que explora temas de auto-representación y la identidad femenina.

Lynda Benglis Lynda Benglis, Smile 1974, bronze

Lynda Benglis Bravo” by Lynda Benglis, a 1972 stainless steel, copper and babitt sculpture measuring 27 x 10 x 10 inches ( 68.6 x 25.4 x 25.4 centimeters).

Lynda Benglis Installation shot at Cheim & Read, with various works by Lynda Benglis, including (left, wall mounted) Bolero 1991-92, bronze, aluminum screen, 70 x 39 x 16-1/2 inches, and in corner, Quartered Meteor 1969, lead, 57-1/2 x 65-1/2 x 64-1/4 inches, Courtesy Cheim & Read, New York

Lynda Benglis Lynda Benglis, latex floor painting, Rhode Island, 1969

-Mi trabajo trata sobre el “salir a la luz” y la importancia de la visibilidad para una comunidad que no se comprende. No creo que Doméstico sea irónico, salvo que la ironía esté en presentar imágenes de lesbianas en casa. No tiene por qué ser necesariamente un marco heterosexual, pero desde luego es algo que deseaba. Finalmente, este año mi compañera y yo nos compramos una casa y en febrero di a luz a un hijo, Oliver, y todo esto era algo que yo deseaba, partiendo del autorretrato de 1993 y de la serie Domestico. -¿Estaría de acuerdo con el lema “lo personal es político”? Puede ser. Yo he hecho un trabajo muy personal que funciona políticamente. Creo que gran parte del trabajo homosexual funciona de este modo.-¿Cree que la fotografía es un medio favorable para plantearse preguntas que afectan a la identidad?-Creo que la fotografía es un medio interesante para debatir las cuestiones de identidad, por el aspecto de realidad que supone. Desde que se inventó, ha sido una gran fuente histórica de la forma en que vemos nuestras vidas y nuestro tiempo. Catherine Opie Catherine Opie. Self-Portrait Nursing, 2004.

Catherine Opie Catherine Opie. Self-Portrait , 2004.

Como artista seguidora del movimiento antropofágico brasileño, pone de manifiesto una preocupación por el cuerpo y el lenguaje, entendidos como moduladores de la subjetividad y la dimensión social del individuo. Nacida en Calabria (1942) y emigrada muy joven a Latinoamérica, su trabajo se desarrolla a través de una gran variedad de medios -poesía, fotografía, vídeo, accionismo, escultura, instalación y, sobre todo, el dibujo- en formas escatológicas, y en acumulaciones de elementos rudimentarios modelados directamente por gestos primordiales y repetitivos de la mano. Sus dibujos y esculturas hechos con papel, de los años setenta y noventa, algunos con un marcado lenguaje neoconcreto, negocian con dicotomías dentro/fuera, positivo/negativo, ausencia/presencia, fondo/superficie. En ellos, el papel es un cuerpo que muestra sus huecos, como si fuera el interior de nosotros mismos. Lo que sobra, lo que falta, el negativo de un molde, lo que hay debajo del cascarón, se muestra en toda su humildad y poesía. La pieza Entrevidas (1981) -una habitación donde vemos decenas de huevos esparcidos por el suelo- evoca el mandato biológico de la reproducción y la idea de libertad y consigue un equilibrio entre la gracia y la provocación, muy propio de una artista preconsciente que siempre ha estado en tránsito y que mirando hacia dentro ha sabido encontrar tanto la identidad del ser humano como su triunfo. Anna Maria Maiolino Entrevidas (1981), de Ana Maria Maiolino.

Anna Maria Maiolino Lo que le sobra al artista (1975), de Ana Maria Maiolino.

Anna Maria Maiolino Instalación en la 29 Bienal de Sao Paulo, de Ana Maria Maiolino.

Gego (Gertrud Goldschmidt) fue una escultora venezolana, nacida en Hamburgo, Alemania en el año 1912.- fallecida 1994 La obra de Gego constituye un excelente ejemplo de la evolución del arte abstracto en América Latina y se presenta, hoy, bajo el prisma de nuevas lecturas que enfatizan nociones desarrolladas por la artista: la escultura planteada como problema de tensión y fuerzas, el papel decisivo de la experiencia corporal -no solo visual- de la obra y la interacción del espectador y la obra en un mismo espacio. "Compuestas fundamentalmente de líneas e intersecciones, las esculturas de Gego organizan y dan movimiento al espacio a la vez que definen y enmarcan el vacío. De alguna manera, el vacío es utilizado en sus obras como elemento activo, como materia modeladora del espacio. Huyendo del proceso de la soldadura, Gego idea un sistema de ensamblaje de varillas metálicas que se irá depurando con el uso de materiales industriales que, a su vez, le permiten autonomía total en su producción. Las líneas, redes y mallas llevan a sus esculturas hacia una evolución en forma de estructuras geométricas que van dando paso a formas orgánicas..." Gego

Gego Detalles de Instalación en la Bienal de Venecia 1973,

Porter, Liliana Buenos Aires, 1941 Artista argentina. Se forma en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, y en la Universidad Iberoamericana de México. En 1964 se traslada a Nueva York, donde reside en la actualidad. Su principal material de trabajo son juguetes, muñecos y fotografías pintadas o serigrafiadas sobre tela. Indaga en las paradojas de la representación yuxtaponiendo de manera irónica estos elementos y creando entre ellos un desconcertante diálogo cuya resolución deja a manos del espectador, que acaba proyectando su subjetividad sobre estos productos del kitsch masificado. Desde 1995 su colección de juguetes cobra una mayor relevancia y se convierte en motivo central de sus fotografías. Los capta en imágenes sencillas, directas y de intenso colorido, magnificando así su potencial expresivo. Liliana Porter

En su serie de Bind, Ryoko Suzuki envuelve la cabeza con herida de piel de cerdo bien que se ha empapado en sangre. La piel de cerdo se refiere a los recuerdos de la infancia del artista, en concreto de un cuento de hadas Inglés, Los tres cerditos, escrito por Joseph Jacobs. La sangre simboliza la sexualidad femenina y la transición conmovedora del artista desde la adolescencia a la adultez. A medida que la piel esté bien envuelta alrededor de su cabeza, sus facciones se deformado, casi irreconocible. Dentro de la sección Las emociones de la exposición, Enlazar es un símbolo para el dolor, contracción, y el cuerpo femenino abyecta.   La idea de "cerdo es lindo" se implantó en mí por los adultos a través de un dibujo animado, los "Tres Cerditos". Sin embargo, la cría de cerdos que vi en una granja de cerdos, cuando yo era un niño, eran tan grandes y feroces que nunca se encontró ninguna ternura en ellos. Esa fue la primera vez que me di cuenta de que el mundo de cuento de hadas estaba lejos de la realidad, y me sentí traicionado por los adultos. Es por eso que emplean los "Tres cerditos", como un símbolo de mentiras y ficciones dadas por los adultos, que se exponen más pronto o más adelante en el proceso de crecimiento de un niño. Ryoko Suzuki

Ryoko Suzuki . Bind, 2001. impresión lambda. Tokio Metropolitan Museum of Photography. (Foto: Cortesía del Salón Zeit-Foto, Tokio. Ryoko Suzuki

Lo primero que notará al entrar en la exposición es el tamaño de las fotografías de Suzuki, 2 metros de altura. Estas chicas anime son altamente sexuales adorables e inofensivas vistas en en el monitor del ordenador, pero en persona, las imágenes son tan grandes e intimidan. El tamaño aumenta el contraste entre lo real y la fantasía. El término "anikora" se refiere al deseo del hombre típico japonés a ver a sus celebridades favoritas desnudas, a veces esta búsqueda consiste en poner cara de una mujer real de un cuerpo de fantasía. Ryoko Suzuki

Cuando Suzuki participa en el proceso de anikora, que es el control de los resultados, y espera con confianza, pero eso no suele ser el caso.El interés japonés en "kawaii" (esa mezcla de cursi y sexual) es uno de los valores más importantes, y las presiones, que afectan a las mujeres japonesas de hoy."Estas imágenes son un símbolo del deseo de los hombres - y siempre quieren controlar ese deseo", explica Suzuki. "Pero en esta presentación, la unidad se encuentra activada," ella se ríe, con timidez. "Se hace sentir incómodos."Durante su estancia en Shanghai, Ryoko Suzuki ha estado experimentando con una nueva forma de ocultar y volver a presentar las imágenes de las chicas kawaii. Aquí está, su último trabajo, cubierto de cientos de bolas de cristal. Ryoko Suzuki

Al principio, las bolas parecen burbujas, los juguetes de los niños. Tiene miles de ellos en diferentes tamaños en bolsas, se extendió por todo su mesa de trabajo del estudio de su residencia. También sobre la mesa: los tubos de silicio y diminutas, las capas de silicio y los zapatos de los pies vendados, una extensión de su "infancia" serie. Su espacio se cubre con muchos proyectos en diferentes medios de comunicación. Y ella tiene un jarrón de azucenas. "A veces el olor de Shanghai me molesta”las flores me ayudan. Ryoko Suzuki

Judith en The Dinner Party Establecimiento de Judith lugar combina símbolos de tradiciones del Oriente Medio con los símbolos de la feminidad. Históricamente, las mujeres judías utilizadas las técnicas de costura de su país de residencia. El corredor, por lo tanto, evoca el tocado intrincada conocida como gargush, tradicionalmente usado por una novia yemenita. La rosca de oro, las cuerdas, y las monedas en el corredor sugieren la costumbre de Oriente Medio de mostrar la dote de la novia para demostrar la riqueza de su familia y su valor como mercancía.Central para el corredor es un cinturón de negrita, triangulares hebilla similares a las utilizadas como ornamentación en la antigua ropa hebreo. El triángulo se utiliza aquí como un símbolo de la fuerza de Judith y su lealtad a su sexo. En la parte superior del corredor, que aparece verticalmente a ambos lados de la placa de Judith, son letras hebreas proclamando la valentía de Judith en nombre del pueblo de Betulia. Traducido leen, "Judith, la heroína de su pueblo." Nombre de Judith es cortado por una espada, lo que representa el arma utilizada para matar a Holofernes. Placa de Judith cuenta con un diseño floral con hojas, cuyos bordes curvos crear triángulos oscuros y claros como los de la parte delantera del corredor. La combinación de los ecos de colores oscuros y brillantes los colores del corredor y el juego dramático de la luz y la oscuridad en la pintura Gentileschi barroca que representa el evento. Judith Chicago

Las Guerrilla Girls eran un colectivo de artistas feministas. El grupo nació en Nueva York en 1984 y se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el arte. Su primer trabajo fue desplegar posters en las calles de Nueva York para denunciar el desequilibrio de género y racial de los artistas representados en galerías y museos. A lo largo de los años, expandieron su activismo a Hollywood y la industria del cine, la cultura popular, los estereotipos de género y la corrupción en el mundo del arte. Las miembros del grupo originario siempre llevaban máscara de gorila y, ocasionalmente, minifaldas y medias de red. Ellas comentaban que nadie en su entorno (ni familias, ni compañeros, ni maridos) conocía su identidad, a excepción hecha, decían irónicamente, de sus respectivos peluqueros. Y la verdad es que, además de su misteriosa identidad, se desconoce cuántas personas formaban su grupo. De todas maneras, las Guerrilla Girls americanas tuvieron sus imitaciones y compañeras en Francia y también en Inglaterra. Las Guerrilla Girls inventaron una combinación única de texto, contenido y gráfica veloz que presenta los puntos de vista feministas con un humor descarado y divertido. Actualmente, las Guerilla Girls ya no existen en su formato original. Hoy en día, hay tres grupos que se llaman y autoproclaman como sus sucesoras. Uno de ellos es teatral y viaja por todos los Estados Unidos para denunciar la carencia de papeles para las actrices tanto en cine como en teatro. Los otros dos son grupos de arte visual y también denuncian la marginalización de la mujer en el arte. Guerrilla Girls

Mi escultura se ha inspirado en la forma humana, el mundo natural, y la arquitectura. Desde la década de 1970, he trabajado con una variedad de materiales, incluida la espuma de poliuretano, papel hecho a mano, la vid y las ramas, cera, madera, metal y yeso. Cada medio ha abierto nuevas posibilidades para explorar mis inquietudes de diferentes maneras. Si ha sido la suavidad y flexibilidad de la espuma, la resistencia del metal o las infinitas variedades de textura de papel, el intercambio dinámico entre el material y la idea siempre me ha intrigado. Mientras que los medios de comunicación ha cambiado y mis imágenes ha evolucionado a lo largo de tres décadas, todos los de mi escultura es una síntesis de lo formal, expresivo y simbólico. La abstracción ha sido mi primera lengua, porque la forma abstracta tiene el potencial de provocar múltiples capas de significado a través de la alusión y de asociación. Gran parte de mi trabajo es sugerente de formas masculinas y femeninas, incluso las piezas que se relacionan con las condiciones geológicas y arquitectónico. Pero, por debajo de estas referencias más obvias, siempre ha sido para mí un interés más profundo en el misterio de los espacios internos, ya insinuado a través de grietas y hendiduras, o expresado a través de los interiores de viviendas y otros tipos de recintos. Barbarie Rothstein

Barbarie Rothstein Cloud Bag1972 Polyurethane Foam , Dangle 1972 Polyurethane Foam ,

Barbarie Rothstein Bed 1972 Polyurethane Foam , Without Intending To...1973 Pine, Polyurethane

Barbarie Rothstein Wound 1974 Canvas, Graphite, Latex Rubber, Acrylic Paint , Passage 1984 Paper, Wire Mesh, Wood, Masonite, Gesso

Barbarie Rothstein Cathedral I 1989 Plaster, Wood, Sisal, Wire Tree I 1986 Paper, Wire Mesh, Wood, Acrylic Paint

Barbarie Rothstein Dark Sanctuary1991Wax, Wire Mesh, Wood Branches, Sisal Interior with Parents: Final Devotion 2008 Plaster Gauze, Cardboard, Wood

Barbarie Rothstein Interior with Covered Figure 2007 Plaster Gauze, Cardboard Interior with Chair 2007 Cardboard, foam core

ZOE LEONARD Intervención en la Neue Galery Kassel Con motivo de la Documenta IX “ Los cuadros fueron pintados por los hombres, y en gran parte de los hombres. No hay el conseguir alrededor de eso. Pero estoy mirando. Creo que la instalación subraya lo que hay, en las pinturas, y también lo que no está en las pinturas - lo que falta. Yo era consciente de la omnipresente mirada masculina, y yo creo que la pieza que aborda, pero lo que es mucho más interesante para mí son los pensamientos que tenía acerca de estas mujeres. Que hace doscientos años estas mujeres tuvieron relaciones sexuales…” Zoe Leonard

Se presentó en 1929 en Madrid, en el Salón de Otoño, y cautivó por su vanguardismo. Un año más tarde, el salón dedicó a la jovencísima artista su primera exposición individual, en la que mostró 34 obras realizadas desde 1927. Entre otras, además de Un mundo, La tertulia, también hoy en el Reina Sofía, y que se asocia con los postulados de la Nueva Objetividad alemana, o el Retrato de la marquesa de Alquibla, que se expone hasta el 2 de diciembre en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid como parte de la exposición El retrato moderno en España (1906- 1936). Pero la pintora también llevó al salón sus demonios, a veces elocuentes, como en Alma que huye de un sueño, o estremecedores, como en La familia comiendo o en La niña muerta. Ángeles Santos

Tertulia (1929) de Ángeles Santos. Museo Reina Sofía, Madrid

Autorretrato 1928 de Ángeles Santos

Uno de los llamados Retratos bidimensionales, hieráticas cabezas femeninas de frente y perfil realizadas de 1941 a 1959, durante la estancia de la artista en Argentina. La supremacía de las razas fue el título que le dio a estas representaciones de arquetipos étnicos diversos en los que Maruja Mallo exalta la belleza femenina en su plenitud y, al mismo tiempo, la añoranza de una nueva humanidad. Los rasgos fisionómicos están definidos con estática monumentalidad, heredera de series de los años treinta, como La religión del trabajo , o Arquitectura humana. En sus Retratos bidimensionales, Maruja Mallo se propone una imagen fuertemente estructurada, fundamentada en un dibujo preciso y en un sentido de la forma geometrizada y arquitectónica. No hay que olvidar su pertenencia al "Grupo Constructivo" de Torres-García, en 1933, ni tampoco el concepto por ella expresado de "la matemática viviente del esqueleto". En estos rostros de sentido plástico estilizado y rotundo, destacan las miradas hipnóticas que Ramón Gómez de la Serna calificara de "ventanas de ojos hacia las galerías de almas" Maruja Mallo

Maruja Mallo, la mujer de la cabra

En su obra se amalgaman los sueños, los recuerdos de la infancia, las vivencias femeninas y los temores y horrores de la guerra; la búsqueda del conocimiento y la verdad a través de la ciencia, la religión y la filosofía. Su espíritu explora y se adentra en las teorías que van desde la de la gravitación universal hasta la de la relatividad; en el misticismo, el tantrismo y el budismo zen; en el psicoanálisis y, especialmente, los trabajos de Jung; en el Apocalipsis de San Juan y el Corpus Hermeticum que comprende algunos tratados de filosofía neoplatónica y gnóstica, así como también sobre el orfismo, la alquimia, la magia, la metapsíquica, la qabbalah, etc., y el tarot. Por eso, cuando en México conoció a la pintora y escritora Leonora Carrington, de inmediato se hicieron grandes amigas, pues la sensibilidad artística compartida llegaba a tal punto que Varo se refería a Carrington como “mi alma gemela en el arte”. Remedios Varó

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) es una artista interdisciplinaria, aunque centrada en el performance art. Considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación. En 1966, Esther se unió al grupo musical performance Zaj, conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales. Sus representaciones se celebraron en algunos teatros y salas de conciertos de España durante la época franquista. El grupo Zaj fue disuelto en 1996 por uno de sus fundadores Walter Marchetti. La producción de Esther Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. También es conocida por su trabajo como artista performance. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: "El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo". En 1999, Esther Ferrer fue seleccionada para representar a España en la Bienal de Venecia. En 2008 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de España. Esther Ferrer

Esther Ferrer, intimo y personal

Esther Ferrer, pistolas-juguetes+sexo 1979

Concha Jerez desde el ámbito de las artes visuales y José Iges desde la música y el arte sonoro. Elaborando proyectos comunes, defienden sin embargo la libertad de entender la performance desde puntos de vista diferentes para ofrecer dos vías paralelas que convergen en un espacio único donde lo visual y lo sonoro enmarcan una determinada situación espacio-temporal en la que se desarrollará la performance. Concha Jerez se refiere a sus performances como una serie de acciones individuales, realizadas con gestos mecánicos, hieráticos, estrechamente relacionadas con sus piezas e instalaciones y que casi podríamos asegurar vienen a ser la puesta ante el espectador del propio proceso de concepción de su obra. Concha Jerez

Concha Jerez, Ambiguo - Concreto1980

Eugenia Balcells (Barcelona, 1942) es una artista visual de Cataluña, España.Diplomada en Arquitectura Técnica, sus comienzos artísticos en los años setenta estuvieron ligados al arte conceptual catalán y a la crítica sociológica, la sociedad de consumo y los medios de comunicación. Pionera del vídeo y de la instalación en España, Eugenia Balcells se ha caracterizado por la creación de estructuras lumínicas, de construcciones simbólicas, definiendo la luz como eje central de todo su trabajo, aunque en cada momento ha estado implicada con la realidad social y personal de su entorno vital. En febrero de 2010 le fue otorgada la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes por el Consejo de Ministros de España. Eugenia Barcells

Eugenia Barcells, Evoluciones  Obra audiovisual de 27 minutos 2007 ,

'Freqüències'' by Eugènia Balcells at Centre d'Art Santa Mònica, Barcelona

Carmela Garcia (Lanzarote, 1964) Las mujeres de Carmela García implosionan en relaciones articuladas, diferenciadas o idealizadas, insistiendo en su mutabilidad y espontaneidad. Su trabajo se despliega como “un ejercicio que se desarrolla tanto a partir de la historia de las relaciones sociales entre las mujeres como en una ficción en curso que nos ofrece visiones oblicuas del contacto personal, las afinidades y el amor entre ellas”

Carmela García, Serie Chicas deseos y ficción 2003

CONSPIRACIÓN”) ; en Anti-dog (2002-2003), una reflexión sobre la violencia contra la mujer, consistió en una colección de vestidos de diseñadores consagrados realizados con tejido anti-balas, ignífugo y resistente a las agresiones de perros. ( Una hipotética solución para la violación) La artista, que considera que ‘la moda tiene en sí una influencia bestial en lo que a la vida real se refiere’ y que es ‘el reflejo del alma’. Se trata de 23 vestidos amarillos, en algunos de los cuales se pueden leer frases como ‘belleza contra puños’, o consignas que rechazan el sexismo y el racismo. Busca siempre el aspecto más social de los temas en los que trabaja. Junto a los vestidos, en su primera exposición en China se proyectó cinco vídeos que recogen varias manifestaciones llevadas a cabo por mujeres ataviadas con ellos en Madrid, Barcelona, Helsinborg (Suecia), Birmingham (Reino Unido) y Amsterdam (Holanda).  Alicia Framis

Una casa para mi amante Instalaciones que reflexionan, a través del mobiliario, sobre las relaciones afectivas y el paso del tiempo.Como en ocasiones anteriores, sus piezas normalmente extraídas del entorno doméstico, rompen barreras establecidas y hacen coexistir estructuras entre la realidad física del hombre contemporáneo y el espacio psíquico personal. El resultado son nuevos e imaginativos lugares que intentan liberarse de los roles y situaciones que vivimos y con los que nos enfrentamos diariamente: la condición femenina, la soledad, las relaciones sentimentales, el sexo, la diversidad cultural, etc.1 refugio para sexo inmediato, Ámsterdam 2002, son trajes de noche que se transforman en tiendas de campaña, para “acampar” en un minuto y en cualquier lugar. 17 muebles para relaciones mensuales, Ámsterdam – París – Madrid, 2002, son estructuras que se encadenan de diferentes formas dando resultados distintos, según la necesidad. 2 muebles par una relación eterna, Tailandia, 2002, está formada a partir de la estructura de un ataúd, símbolo de la eternidad. En todas ellas, y con apoyo de la fotografía, se hace presente una investigación y observación sensible sobre el paso del tiempo, la transitoriedad, la aceptación de la vida y la muerte, y la relatividad del espacio compartido con el otro.En definitiva, una casa que se transforma según el amante y la entrega de cada momento. Framis consigue crear una nueva topografía del sentimiento, que a través de lenguajes arquitectónicos, escultóricos y fotográficos nos enfrentan a una alternativa de los modelos sociales. Alicia Framis

Helena Cabello y Ana Carceller viven y trabajan en Madrid. Formamos el equipo Cabello/Carceller a principios de los noventa con el fin de proporcionar un marco de diálogo y debate a preocupaciones artísticas comunes. Nuestros proyectos emplean vídeo, fotografía, escritura, dibujo, sonido o creación de ambientes para trasladar a los usuarios a un entorno que cuestione los modos de representación hegemónicos, ofreciendo alternativas críticas. Desde esta perspectiva hemos desarrollado líneas de trabajo fragmentarias y multidisciplinares, abiertas a la construcción de situaciones que escapen a las definiciones fáciles sin huir del conflicto.  Como parte de este trabajo hemos iniciado una investigación que recorre los aspectos más contradictorios de la masculinidad y que ayuda a deconstruir el modelo de belleza exportado por Hollywood, un modelo que ha seducido a muchas otras sociedades. Nuestro proyecto se apropia de estereotipos que intervienen en la construcción de esa masculinidad global. Para ello nos centramos en ejemplos procedentes del cine, al que consideramos una de las escuelas de modos de comportamiento más importantes de nuestra cultura, dentro de la cual actúa como pantalla y espejo en los que observar y verse reflejados. En estos trabajos intentamos desvelar algunos mecanismos de construcción de la identidad que se utilizan en esa “escuela” y cuestionar su inalterabilidad proponiendo el reconocimiento de lo masculino como existente fuera de un cuerpo concreto  Cabello/ Carceller

Cabello/ Carceller Ejercicios de poder 2005

Mear en espacios públicos o privados es un proyecto que inicié en el 2000 y se ha desarrollado como una acumulación de vídeos e imágenes. Todo esto está, digamos, dentro de un conjunto de acciones ligeramente subversivas, ilegales. Hay muchas cosas que son ilegales de forma absurda, como beber alcohol o mear en la calle. Estas acciones son pequeñas modificaciones de gestos corporales, que de alguna manera ponen de manifiesto la naturaleza de tales gestos como ficciones sociales, su construcción y el carácter no natural de la ficción social. ¿Qué significan? Mear de pie es una ficción de hombre, no porque haya alguna imposibilidad para que las mujeres meen de pie, simplemente se nos olvida que existen una serie de procesos que se construyen culturalmente y que existen cosas como las cremalleras de los pantalones o los urinarios públicos que también son construcciones culturales con un significado.  Itziar Okariz

Marina Núñez (Palencia, 1966) es, sin duda, una de las artistas con más proyección en nuestro país. Su trabajo, centrado desde sus comienzos en un rotundo posicionamiento ideológico en torno a los discursos de género y la representación del cuerpo femenino, ha tenido una clara evolución hasta derivar en la preocupación por el ser humano entendido como una mutación del cuerpo hasta alcanzar su desaparición. En palabras de la artista: “Las histéricas, medusas, momias, monstruas o cíborgs, que pertenecen a ese bando de los anormales, son sin duda una redundancia, un añadido de locura, perversidad, enfermedad o monstruosidad para aquellas que ya son definidas como poseedoras de una razón escasa y turbia y de unos cuerpos grotescos y descontrolados. En ese sentido, intentan poner en evidencia que el cuerpo e identidad femeninos son anómalos según la mirada masculina que los ha construído. La representación de lo monstruoso, de lo disonante, de lo repudiado es, como explica Remo Bodei, una forma de denunciar la violencia excluyente del canon, que bajo su apariencia bella e inocua esconde la persecución implacable de lo diferente.” .  Marina Núñez

Dora García trabaja con proyectos que implican a la colectividad. Distintos grupos de personas han sido los destinatarios directos y participantes de sus obras, en las que mezcla contenidos narrativos con aproximaciones a la cotidianidad. Situaciones concretas se convierten en mundos particulares, en metáforas de posibilidades. La ficción y la fantasía, así como la crueldad de la realidad, van tejiendo los trabajos en proceso de Dora García.   Dora García Blog donde tu puedes añadir tu historia en 4 líneas

Dora García Utilización del hipertexto para crear una ficción que se convierte en un obsesivobucle

La obra de Paloma Navares fluye desde la década de los setenta como una corriente amplia que abarca constantemente las cuestiones físicas y espirituales de la condición humana. La artista trata cada base existencial del Ser que atañe por igual a todos los hombres. Incluso especifica las condiciones particulares de la existencia femenina en la historia de la humanidad llegando hasta nuestros días y se plantea reiteradamente la situación del Yo, de lo individual, de lo personal y sus "posibilidades de supervivencia" en un mundo futuro en el que la humanidad cada vez más se manipula y normaliza con sus recursos científicos y técnicos. Desde y hacia esta corriente temática fluyen diversos temas laterales como, por ejemplo, la imagen ideal del hombre y la cuestión de la belleza corporal, del envejecimiento y de los intentos de mantener a éste a raya (...) En la obra de Navares se manifiesta la fisura entre el cuerpo y el alma en la elección de los medios y de las formas de expresión. Mientras que los ámbitos correspondientes al alma se traducen en lenguaje artístico, preferentemente en vídeo o en proyecciones de imágenes, en movimiento, baile, música, una luz cálida, trémula, un lenguaje místico e imágenes de procesos en el interior del cuerpo, el ámbito corporal se manifiesta en un mundo de objetos frío y artificialmente rígido.   Paloma Navares Tránsito. Paloma Navares (24 mayo / 20 julio 2002)

Paloma Navares Paloma Navares. De Leda y Judith entre Venus, Ninfas y otras Evas. 1993. Serie de 5. 200x250x20 cms. 7 cibatrans. 7 tubos de metacrilato con tapas. Fluorescentes

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