CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA RENACENTISTA

1. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
MATERIA: HISTORIA DEL ARTE
PROFESORA: TERESA FERNÁNDEZ DIEZ
I.E.S. ALDONZA LORENZO (LA PUEBLA DE ALMORADIEL)
TEMA 25- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA
RENACENTISTA
ÍNDICE
1- INTRODUCCIÓN.
2- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA RENACENTISTA
3- BIBLIOGRAFÍA
1- INTRODUCCIÓN.
La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo, en
donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Durante el renacimiento
surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad donde se desarrollan, entre estas se
citan: la Escuela Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de
Padua, la de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan por generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y los del
Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy utilizada para caracterizar las obras pictóricas del
renacimiento:
Renacimiento Temprano (Quattrocento): abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 y cuyos
representantes más significativos son Fran Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli,
entre muchos otros, con pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento (Cinquecento): que comprende el período que va desde el año 1500 hasta el año de
1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo
Veronés, Tintoretto, Rafael Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, y el Greco.
2- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA RENACENTISTA
 Narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o
de la historia. Preferencia por la temática religiosa y profana (mitológicos, alegóricos, retratos
o históricos.).
 Realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el
mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales.
 El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los
recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de
profundidad. Se produce un amplio tratamiento del escenario arquitectónico y del paisaje,
creando un ambiente perfecto para el desarrollo armonioso de la figura humana. El escenario
sirve ahora para dar profundidad a la escena y encuadrarla.
 El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida
a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la
distribución de las figuras.
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 En cuanto a los esquemas de composición preferidos, se recurre a la simetría y a la
compensación de grupos; el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la
división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados.
y la compensación de grupos. En el manierismo se inclinan por composiciones inestables y
asimétricas.
 Gran dominio de la perspectiva, que hace posible la representación tridimensional, se
convierte en una obsesión para los pintores. Aparece así la perspectiva lineal y la aérea.
 En general, es una pintura con fuerte predominio del dibujo sobre el color, que se fundamenta
en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la
materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su
separación del fondo es absoluta. En el Renacimiento avanzado se va perdiendo lo
estrictamente lineal frente al interés por la luz y el color. El modelado es resultado del juego de
luces y sombras, resultando a veces muy escultóricos.
 La luz, es lógica y racional, a imitación de la Naturaleza; esto ayuda a crear efectos de
perspectiva, mientras que el color es también real.
 El lenguaje pictórico es figurativo, naturalista e idealizado. Se da interés preferente al cuerpo
humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente. La figura
humana se representa con un alto grado de belleza y proporcionalidad.
 Las técnicas son variadas, pues se hace tanto pintura mural al fresco como pintura de caballete,
en principio sobre tabla y después sobre lienzo. A partir del siglo XV, se usará en vez del
temple, la técnica del óleo, inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de
la pintura de caballete.
 El retablo desaparece y con él la subordinación del tema al conjunto. Cada cuadro es
independiente.
En la primera mitad del siglo se utilizan más las formas monumentales, los estudios de perspectiva, la
sobriedad expresiva y la incorporación de elementos clásicos en la decoración. Junto a ellos pueden
señalarse a algunos artistas que mantienen algo de la tradición del Gótico internacional como el uso del
oro, la abundancia de decoración ( Fray Angélico). En la segunda mitad del siglo se generaliza un gusto
más complicado y rico, que prefiere el dinamismo, lo complejo y lo narrativo, introduciendo múltiples
elementos de lo cotidiano con gran vivacidad y gracia.
BIBLIOGRAFÍA
Antonio Fernández y otros: ARTIS Historia del Arte. Ed. Vicens Vives (Bachillerato Segundo Curso)
VVAA. Historia del Arte. Edit. ECIR. 2008
VVAA. Historia del Arte. Edit. SM. 2009
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