Guia final

2
Body Painting herramientas para el emprendimiento.
El siguiente taller denominado “Body Painting herramientas para el emprendimiento.” Es
de carácter preventivo y pretende brindar a los alumnos de los diferentes colegios de la
localidad de ciudad bolívar variedad de herramientas para su vida por lo cual se
involucran tres ramas dentro del proceso con el fin de llevar a los jóvenes a superar de
algún modo y medida sus problemas de adicción y dependencia.
Las cuatro ramas principales que se trabajan con los jóvenes de estos colegios son
respectivamente:
 Prevención
 Emprendimiento
 Body Painting
 Conciencia corporal
La Prevención:
Son disposiciones o arreglos que se hacen con anterioridad para prevenir un daño en este
caso ese daño son las adicciones a sustancias psicoactivas.
Al entrar en contacto con los jóvenes a través de este taller se va primero a
descontextualizar el entorno de estos, con esto se pretende alejarlos de los factores de
riesgo presentes en su vida cotidiana los cuales podrían determinarse como el ambiente
social y familiar en el que estén inmersos, las distracciones y el ocio, factores de
vulnerabilidad y dependencia entre otros.
En segunda instancia se van a contextualizar a los jóvenes dentro de grupos con los
mismos intereses en este caso las artes, el Body painting, la cultura, el emprendimiento
para formar con ellos una red de apoyo, esto se realiza porque como se explica en la
fundación espiral “el acto adictivo implica una acción tan ellos” y por ello es necesario
prevenir integrándolos con otros jóvenes en espacios que los alejen de sus realidades
aisladas y es un hecho que en el campo de las adiciones se sustenta la necesidad de
“incorporar en los programas de tratamiento actividades grupales en forma de talleres que
se destinen de manera específica al desarrollo de las capacidades y habilidades de
comunicación interpersonal, de expresión afectiva y de cooperación con otras personas
tanto a nivel grupal como comunitario”1
.
1
Fundación espiral: talleres psicoterapéuticos

3
El Emprendimiento:
“es aquella actitud y aptitud de la persona que le permite emprender nuevos retos,
nuevos proyectos; es lo que le permite avanzar un paso más, ir más allá de donde ya ha
llegado. Es lo que hace que una persona que esté insatisfecha con lo que es y lo que ha
logrado, quiera alcanzar mayores logros.” A través de este taller les daremos a los
jóvenes herramientas para que sean capaces de emprender con lo que cuentan, es decir
que ellos mismos se conviertan en su marca y a través de esto formen ideas de negocio
que les permitan generar una motivación que no sea solamente social, psicológica sino
que además sea efectiva.
La conciencia corporal:
Es el medio fundamental para cambiar y modificar las respuestas emocionales y motoras.
Aunque se debe tener en cuenta que se entra en un proceso de retroalimentación, puesto
que el movimiento consciente ayuda a incrementar a su vez la conciencia corporal y la
relajación.
Los fundamentos de la conciencia corporal, del descubrimiento y la toma de conciencia de
sí son:
1. Conocimiento del propio cuerpo global y segmentario.
2. Elementos principales de cada una de las partes su cuerpo en si mismo y en el otro.
3. Movilidad-inmovilidad.
4. Cambios posturales. (Tumbado, de pie, de rodillas, sentado,...)
5. Desplazamientos, saltos, giros. (De unas posturas a otras.)
6. Agilidad y coordinación global.
7. Noción y movilización del eje corporal.
8. Equilibrio estático y dinámico.
9. Lateralidad.
10. Respiración.
11. Identificación y autonomía.
12. Control de la motricidad fina.
13. Movimiento de las manos y los dedos.
14. Coordinación óculo manual.
15. Expresión y creatividad.
16. Desarrollo expresivo de sentidos y sensaciones.
Para llegar a tener un desarrollo óptimo de la conciencia corporal se deben de tener en
cuenta los siguientes aspectos: Tomar conciencia del cuerpo como elemento expresivo y
vivenciado. Conocer, desarrollar y experimentar los elementos de la expresión: espacio,
tiempo y movimiento y todas sus combinaciones. Conocer, desarrollar y favorecer la
comunicación intra-personal, interpersonal, intra-grupal e intergrupal. Trabajo en grupo.
Vivenciar situaciones que favorezcan el auto-conocimiento, la percepción, sensibilización,
desinhibición, un clima de libertad y creatividad.
De manera general se puede decir que con un adecuado desarrollo de estos tres
importantes elementos de la psicomotricidad no sólo se logrará un buen control del
cuerpo, sino que también brindará la oportunidad de desarrollar diversos aspectos en el
ser humano, tales como las emociones, el aprendizaje, sentimientos, miedos, etc.

4
El Body Painting:
Será la última rama que articula todo el trabajo que se realizara con los jóvenes y esta
consiste en:
“es el arte de pintar un cuerpo con motivos, colores y formas desarrollando expresiones
artísticas que evocan, incluso, un estilo de vida. Esta arte data de miles de años antes de
las momias egipcias, la cultura ancestral chilena tiene uno de los más claros referentes,
los muertos eran pintados con azules y rojizos.
En la actualidad, y dejando al margen las modas, la estética corporal que ofrece el Body
Painting es para muchos hasta un estilo de vida, por no hablar de la relevancia
económica que puede presumir una industria como es la estética. La experiencia del
Body Painting según los entendidos va unida: a lo novedoso para unos la traducción de
un estado mental para otros y la liberación corporal y mental para quienes más
arraigadamente lo realizan, el Body Painting convierte en formas y colores las ideas”2
.
Es decir el Body painting se convertirá en este taller en la forma en que los jóvenes
aprendan de arte, cultura, diseño de forma práctica pero además será también el medio
para que expresen sus realidades y cotidianidades.
Descripción del taller:
Título: Body Painting herramientas para el emprendimiento
Objetivos Generales del taller:
 Prevenir el consumo de sustancias psicoactivas por parte de los jóvenes de
colegio en la localidad de ciudad bolívar a través de la realización de este
taller
Objetivos Específicos del taller:
 Darles a los jóvenes en situación de vulnerabilidad herramientas para
defenderse del medio por medio del Body Painting
2
Redacción estilo; Body Paint: Arte, diseño, moda

5
 Enseñarles un arte que puedan utilizar en su futuro para formar
herramientas de emprendimiento
 Alejar a los jóvenes de las situaciones de violencia y competitividad
Dirige:
El taller será dirigido por tres coordinadores básicamente, estos deben contar
con las siguientes características de preparación (es importante mencionar
que es necesaria la incursión de mínimo 2 coordinadores, que puedan agilizar
la jornada, esto pueden contener toda estas cualidades)
 Persona joven, activa y dinámica que trasmita valores como el
respeto la tolerancia y destrezas en la resolución de conflictos
que tenga conocimientos profundos en el campo de las artes
plásticas y desee practicar en su momento de guía para la
compresión de la temática de los artistas con su debida
preparación sobre el tema.
 Persona joven, serena, calmada con altas capacidades de
liderazgo y se desempeñe preferiblemente en campos como el
mercadeo, los negocios y las administraciones para que
desarrolle en los jóvenes la semilla de las ideas emprendedoras.
 Persona con la capacidad de trabajo, rapidez, audacia,
compromiso, y conocimiento de logística, pues este individuo
será el encargado de realizar en su momento todos los planes
logísticos pre y post evento (organización de equipos, cuidados
en los tiempo, imprevistos durante las sesiones,) brindando
apoyo como personal disponible.
Estos coordinadores serán los encargados de realizar durante cuatro
sesiones, cabe mencionar que las labores de los coordinadores serán
rotatorias con el fin de lograr que cada modo de aplicación y personalidad,
complementen y dinamicen la jornada y cumplan las veces de docente para
estos alumnos y enseñarles bases para sus vidas que los alejen del consumo.
Destinatarios:
Quienes recibirán este taller son Jóvenes de estratos bajos residentes en
ciudad bolívar pertenecientes colegios semi-privados que se encuentran

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alrededor de los 15 años y que actualmente estén cursando grado decimo en
sus respectivas instituciones educativas.
Tiempo:
Se realizaran por grupo académico cuatro sesiones cada una constara de tres
(3) horas académicas es decir ciento veinte minutos (120 min aprox), lo que
quiere decir que la duración del taller es de cuatrocientos ochenta minutos en
total.
Se realizaran una sesión con los jóvenes semanales es decir que el taller
Body Painting tendrá una duración de un mes para ser finalizado, se
recomienda para optimizar los recursos que se trabaje en un mismo día un
solo grado decimo en la mañana y se asigne un tiempo conveniente para la
preparación de la logística de las sesiones.
Metodología base:
El taller se realizara en colegios con grupos de estudiantes de cuarenta (40)
personas de grado decimo, en un total de cuatro (4) sesiones cada una con
una duración de tres horas académicas es decir ciento veinte (120) minutos en
las que se dará un acercamiento a la corporalidad hasta llegar finalmente a lo
que es el Body Painting, estas sesiones realizaran de manera teórica-practica
y tendrán la siguiente estructura presentada en la tabla Numero 1:
Estructura básica del taller para las tres primeras sesiones
nombre duración explicación objetivo
presentación
e instalación
15
minutos
ingresan los dos
coordinadores de la
actividad al salón de clase
se presentan, explican a
grandes rasgos la
actividad y piden la
colaboración de alumnos
aleatoriamente para
integrarlos, mientras el
coordinador designado de
la logística prepara y
dispone todo el material y
adecuación del lugar
romper el hielo con los
jóvenes para trabajar
con mayor confianza
(dinámicas de juego,
diferentes) y agilizar a
su vez con la logística
tiempos y disposición
del material a trabajar

7
calentamiento
10
minutos
mientras suena una
música de fondo acorde
con el movimiento
artístico, autor o tema
designado para la sesión,
se le pedirá a los jóvenes
que realicen unos
calentamientos que son
referido en la gráfica Nº1
el calentamiento
ayuda a que el cuerpo
se concentre y a
relajar la mente
además de incluir
aplicaciones a la
conciencia corporal y
afianzar el
conocimiento del
cuerpo de estudiante
Exposición 1
10
minutos
se les pedirá que se
sienten en el piso
mientras se les presenta
el artista, los temas que
se podrán tratar durante
las sesiones se
encuentran en la material
teórico de apoyo
Acercar a los jóvenes
a las ideas artísticas
que se les pretenden
explicar
introspección
2
15
minutos
se les pedirá que caminen
en círculos y construyan
una imagen mental luego
se les pedirá que se
acuesten en el piso y la
compartan con su
compañero de al lado
intercambien ese
pensamiento
Desarrollar a través
de lo anterior una
relación entre
pensamientos e ideas
con el arte y las
capacidades para
expresarlas atreves
de un previo
conocimiento que
además con ayudad
del coordinador los
estudiantes
construirán
(construcción del
concepto de artista,
en línea con la
temática de la sesión
grafica Nº3)
pintar
40
minutos
los jóvenes van a pintar
ese pensamiento que
tienen en la mente
referente al tema y con el
movimiento artístico
planteado
Convertir las ideas en
hechos a través del
Body Painting
Extroversión
15
minutos
se le preguntara a cada
joven cual es la pintura
que más le gusta y
porque el autor de dicha
Adquirir habilidades
comunicativas
fortalecer la red de
apoyo de los jóvenes

8
pintura nos la explicara y
se tomaran fotos de todas
las obras
cierre
10
minutos
los coordinadores de la
actividad se despedirán
de los alumnos y entre
todos organizaran el
salón
Concluir el procesos
realizado el día
Tabla Nº 13
Aunque cambiaran los artistas, temas a tratar, pensamientos que se busque
resaltar en cada uno de los jóvenes esta estructura se mantendrá durante las
tres primeras sesiones y solo cambiara en la última sesión que por ser el final
del taller ofrecerá otra metodología en donde se dará incluido uno de nuestros
objetivos “emprendimiento empresarial a través del arte”
En esta sesión se tiene la idea de evidenciar en un caso real por medio de un
artista invitado, en el cual se puedan referenciar todos estos conocimientos que
se trataron en las sesiones. En demostrar que el arte hecho por el hombre
aporta beneficios en varios ámbitos (personal-económico).
Se presentara a este artista, un invitado el cual les contara acerca de su vida,
sus obras sus metas con el fin de motivar y evidenciar con hechos reales en lo
que pueden llegar a significar las pasiones de una persona y hasta donde es
capaz de llegar sin incluir en su vida temas como la droga y adicciones.
El artista además de contar su vida y enseñanzas, hará una demostración de
su arte a los estudiantes, para hacer esto más incluyente y atractivo a los
estudiantes se hará en modo performance, es decir una puesta en escena en
donde se dará una rotación hacia una galería que tendrá como objeto estrella
todas las obras y material audiovisual de las sesiones (presentación de
resultados), a este performance el artista con colaboración de los
coordinadores le proporcionará su firma, es decir adecuara de una manera
divertida y conceptual, un espacio de arte dentro de un lugar cerrado para que
el estudiante se sienta más en contacto con su trabajo.
Ayudarles a adquirir habilidades comunicativas y la discusión del pensamiento
se aplicara a través de la socialización y opinión de las obras expuestas junto
con el seguimiento de artista invitado.
3
Tabla Nº1 esquema tres primeras sesiones

9
Nota:
El requerimiento de este artista cabe dentro de los parámetros de la aplicación
del arte, esta aplicación es amplia por lo que se pueden encontrar gran
variedad de oficios regidos al arte, dando la posibilidad de al finalizar las 3
primeras sesiones concluir con el punto evidencia de todo el trabajo.
Materiales de todas las sesiones:
Estos son los materiales que se utilizaran para el total de todas las sesiones
pero no quiere decir que sean usados todos durante las mismas sesiones más
adelante cuando se explique cada una de las sesiones serán explicados
cuales son los materiales de la presente lista que corresponden a cada
sección.
Cantidad Producto Referencia/ Descripción
1 Salón amplio Préstamo del colgio
3 Metros lona codra Color Negro
4 Tubos tubo luz negra T8 DE 17 Vatios
3 extensiones extensiones de 4 metros multi-toma
4 Kits pinceles chinos
kit de pinceles chinos por 12
unidades numeración variada
5 galones pintura vinilo acrílico
Colores Negro, Blanco, Azul
Amarillo, Rojo
4 sharpie
marcador negro no toxico no usar
otra marca
4 bisturí punta de lanza
1 paquete acetatos fotocopia paquete por 25 unidades
1 paquete globos paquete por 50 unidades
1 cinta de enmascarar 1 pulgada
4 vinilo fluorescente
vinilo fluorescente por 120 cm3
colores surtidos
10 acritela roseta acritela por 33 cm3

10
2 kits pinceles angulares
pinceles angulares punta quemada
referencia set 88060 corola lar
surtidos del 0 al 5
4 docenas bases corporales
bases corporales económicas por
docena surtidas
1 kit bases corporales
bases corporales semi profesional
mirely colores mate
5 unidades bases corporales bases corporales en neón
1 tarro acetite mineral aceite tersura o Johnson
1 tarro crema corporal crema corporal cualquier marca
2 algodón Reclinic motas de algodón
2 bolsas
Periódico reciclado
Comprar o recolectar papel
periódico viejo o usado en buen
estado
2 manos
Papel crack Cada mano viene por 25 pliegos
1
servicios artista conferencia y Body Painting en vivo
1
Parlantes o grabadora Préstamo de la universidad
1
Cámara de video Préstamo de la universidad
1
Cámara fotográfica Préstamo de la universidad
1
Video beam Préstamo de la universidad
Guía sesión 1
A continuación se presenta la estructura de la metodología para la primera
sesión del taller de Body Painting
Nota: en la primera sesión la actividad denominada pintar se desarrollara
sobre unos pliegos de papel crack adecuados sobre las paredes y piso de los
salones que tendrán en ellos estampados diferentes figuras humanas

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realizadas en estas con anterioridad por los coordinadores las figuras de
adjuntan en el material de apoyo.
Metodología sesión Nº1
presentación
15
minutos
ingresan los dos
coordinadores de la
grandes rasgos la actividad
y piden la colaboración de
alumnos aleatoriamente
para integrarlos
romper el hielo
con los jóvenes
para trabajar con
mayor confianza
se llevaran a
cabo actividades
de entrada
propuestas en el
material de
apoyo
Calentamiento
e instalación
10
minutos
Adecuar el ambiente para
recibir el taller, mientras
suena una música de fondo
acorde con el movimiento
designado para la sesión, se
le pedirá a los jóvenes que
realicen unos
el calentamiento
ayuda a que el
cuerpo se
concentre y a
relajar la mente
exposición 1
10
minutos
se les pedirá que se sienten
en el piso mientras se les
presenta el artista, los temas
que se podrán tratar durante
las sesiones se encuentran
en la material teórico de
apoyo
Acercar a los
jóvenes a las
ideas artísticas
que se les
pretenden
explicar
introspección
2
15
minutos
en círculos y construyan una
imagen mental luego se les
pedirá que se acuesten en el
piso y la compartan con su
intercambien ese
pensamiento
Desarrollar a
través de lo
anterior una
relación entre
pensamientos e
ideas con el arte
y las
capacidades
para
expresarlas

12
pintar 40minutos
Los jóvenes pintaran sobre
unas figuras humanas que
estarán pintadas sobre
papel periódico o crack
estos a su vez estarán
repartidos alrededor de las
paredes y piso del salón
Convertir las
ideas en hechos
a través del
Body Painting
Extroversión
15
minutos
joven cual es la pintura que
más le gusta y porque el
autor de dicha pintura nos la
explicara y se tomaran fotos
de todas las obras
Adquirir
habilidades
comunicativas
fortalecer la red
de apoyo de los
jóvenes
cierre
10
minutos
actividad se despedirán de
los alumnos y entre todos
organizaran el salón
Concluir el
procesos
realizado el día
4
Materiales de la sesión
 Grabadora o parlantes.
 Video beam
 Cámara fotográfica
 Cámara de video
 Acetite mineral
 1 galón de pintura por cada color primario, amarillo, azul, rojo. Blanco y
negro.
 40 pinceles
 Papel periódico viejo (2 bolsas)
 Guías artistas
 Papel crack decorado con figuras humanas previamente
Tiempo
 El tiempo destinado para la ejecución de la primera sesión es de tres horas
académicas de cuarenta minutos cada una, es decir el equivalente a ciento
veinte minutos.
 Se deberá disponer de al menos media hora antes del espacio para realizar
en el las adecuaciones correspondientes
4
Metodología sesión 1

13
Dirigido a:
 Estudiantes de los colegios pilotos en la localidad de ciudad bolívar que
estén alrededor de los quince años y estén cursando grado decimo en
estos mismos.
 Se tomara al grado decimo completo y se espera se den en grupos de
aproximadamente cuarenta estudiantes por salón
Dirigido por:
La actividad contara de tres responsables que se encargaran de los cuarenta
alumnos y que tienen las características descritas anteriormente en los perfiles
asignados para los coordinadores de la actividad.
Objetivos de la sesión:
 Generar un primer acercamiento con los jóvenes de la localidad
 Desarrollar la red de apoyo con los jóvenes
 Acercar a los jóvenes a la corporalidad
 Generar interés en el arte como salida a los problemas sociales que tienen
presente dentro de su cotidianidad
Material de apoyo primera sesión
 Ítem correspondiente a la Presentación:
A continuación se definen diferentes actividades en un total de seis acciones
que sirven para conocer a los jóvenes de los colegios y romper el hielo con
estos las cuales servirán para iniciar las presentaciones al inicio de la primera
sesión se escogerá una aleatoriamente y será aplicada.
CONOCIÉNDOSE
Abajo están varias experiencias que pueden emplearse para romper el hielo en
reuniones para entrenamiento de relaciones humanas. Estas ideas para
poderse conocer pueden utilizarse en laboratorios, conferencias clases o en
otras reuniones de grupo.
1. SUPERLATIVOS:
Se pide a los participantes que estudien detenidamente la composición
del grupo y que escojan un adjetivo superlativo que los describa en
relación con los demás integrantes. (Ejemplos: más joven, más alto, más
cerrado). Luego dicen el adjetivo, lo explican y verifican la exactitud de
sus propias percepciones.

14
2. HOGAR:
Consiga un plano grande de la ciudad, fíjelo en la pared y pídale a cada
participante que escriba su nombre y dirección en el lugar adecuado del
plano. (Mientras habla de su hogar, está descubriendo cosas
importantes de sí mismo).
3. DEMOGRAFÍA:
En un pizarrón, el grupo puede listar todos los datos que les interesa
conocer de los demás, tales como edad, estado civil, antecedentes de
educación, etc. Por turno, los participantes dan estos datos.
4. SUPOSICIONES PROGRESIVAS:
Ponga papeles de rotafolio en la pared, uno para cada participante. Los
miembros del grupo escriben su nombre en las hojas y luego siguen
cuatro etapas de auto apertura. Primero, cada uno escribe su letra
favorita (A, B, C, etc.) en la hoja que le corresponde, regresa a su lugar y
explica por qué hizo dicha elección y los demás hacen preguntas. En las
etapas dos a cuatro, hablan de su palabra favorita, su frase preferida y
finalmente su oración favorita.
5. DISEÑO:
Se forman dos subgrupos para hacer una tormenta de ideas sobre cómo
llegar a conocerse, eligen un representante cada uno y estos se reúnen
en el centro del cuarto para planear una actividad para romper el hielo.
6. DIBUJANDO UN SALÓN DE CLASES:
Los participantes reciben papel y lápiz y se les dan instrucciones para
que dibujen un salón de clases. Tienen cinco minutos para trabajar en
forma privada durante esta fase. Después que todos han terminado
ponen sus dibujos al frente y circulan alrededor del cuarto SIN HABLAR.
(Diez minutos). Se pide que pasen con aquellas personas, dos o tres,
que hayan encontrado interesantes para que hablen con ellas. Luego se
forman subgrupos para que discutan el contenido del dibujo y lo informen
después a todo el grupo.

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 Ítem correspondiente a calentamiento
Grafica Nº 1 CALENTAMIENTO
Es importante realizar un calentamiento antes de empezar nuestro taller
porque ayudara a conectar nuestro cuerpo y nuestra mente en la actividad
que se realizara además que nos ayudara a disponer de toda la energía
posible para hacer grata la actividad del Body Painting a continuación se
adjuntan unas graficas con las indicaciones sobre cómo realizar un
adecuado calentamiento:
En esta imagen se muestran el calentamiento básico que se realizara en cada
sesión el orden y la intensidad con que se realizaran estos ejercicios
 Ítem correspondiente a exposición 1
Material de apoyo teórico primera sesión
Material teórico
La primera sesión del taller tendrá la siguiente línea temática “introducción al
dibujo” en la cual se abarcaran aspectos importantes como conocer las formas
básicas y como a partir de estas además de algunas tendencias artísticas se
puede llegar a la elaboración de una obra.

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Notas aclaratorias para el desarrollo de la primera sesión
 A continuación se hace la aclaración que en la primera sesión del taller como en
las siguientes se deja adjunto un material teórico amplio para uso de los
coordinadores en posteriores aplicaciones del taller pero que estas no
condicionan en ningún sentido ni imposibilitan el hecho de que los coordinadores
alternen el uso de estos para que las sesiones si el proyecto se implementa en el
colegio no se den siempre con los mismos temas
 La explicación de esta base teórica se dará en el tiempo destinado a esta en el
apartado de la metodología de la primera sesión.
 La aplicación de este material se sugiere se de manera audiovisual a través de
una animación, video o presentación aunque se puede generar a través de una
exposiciones con apoyo visual impreso.
Metodología desarrollo temas a tratar en la sesión
1. Conceptos introductorios (punto, línea, figuras geométricas )
EL PUNTO
Ennuestrapercepciónelpuntoeselpuentoesencial,único,entre palabra y el silencio.
El punto geométrico encuentra su forma material en la escritura pertenece a l lenguaje y
significa silencio.
En la conversaci6n corriente, el punto es símbolo de interrupción, de no existencia y al mismo
tiempoes unpuentedeunaunidadaotra.
Para la plástica, el punto es el más elemental de los signos gráficos, es la unidad más
simple, irreductiblemente mínima de comunicación visual. No es un ente inmaterial, sino
que al requerir una cierta superficie sobre el plano se materializa mediante la huella de un
elemento o de formas cerradas. Para que el punto se perciba como tal, su tamaño debe
ser adecuado en relación con el plano que lo contiene y los elementos que lo rodean, su
forma externa es variable, sea circular, triangular, trapezoidal, o como simple mancha sin
características geométricas, etc.
Como elemento plástico el punto tiene gran atracción sobre el ojo y por lo tanto
adquiere una determinada fuerza visual según sea su ubicación en una superficie
dada. Esta fuerza o atracción se corresponde no solo con el lugar dispuesto en un
sitio determinado, sino con otros factores como la relación:
• Del punto y el plano que lo contiene
• Del punto con las formas que lo rodean y contiene el plano

17
• Que establece la vecindad de otros puntos
• Del color o valor del punto con respecto al conjunto de la composición
Los puntos agrupados o dispersos en una superficie son recibidos de diferentes
maneras, según la distancia desde donde los observes puede provocar sensación
de planos transparentes, o percibirse como una superficie texturizada.
EL PUNTO, PRINCIPIO ESTRUCTURADOR DEL ESPACIO
Con un solo punto comenzamos a estructurar, de una forma elemental, el espacio.
Según situemos un punto en el espacio plano del papel, originaremos tensiones
centrales que nos producirán la sensación de orden y equilibrio o de inestabilidad,
respectivamente.
EL PUNTO, ELEMENTO ESTRUCTURADOR DE FORMAS SIMPLES
Con muchos puntos se pueden realizar composiciones libres. Al utilizar las
posibilidades infinitas de las formas, tamaño y combinación de los puntos, las
realizaciones formales que podemos obtener son incalculables: composiciones por
alineación creciente, uniforme, decreciente, por acumulación, por dispersión, etc.
EL PUNTO, ELEMENTO ESTRUCTURAL DE FORMAS COMPLEJAS
Manejando el lenguaje que nos aporta el punto, podemos crear cualquier forma
que imaginemos; por muy compleja que sea, podemos llegar a estructurarla.
En realidad, cualquier imagen puede descomponerse en puntos. Crear una forma
puede reducirse a imaginar los puntos que la constituyen plasmarlos sobre el
papel.
EL PUNTO, COMO ELEMENTO EXPRESIVO
Con el punto podemos comunicar sensaciones diferentes. El valor expresivo del
punto se potencia cuando éste se multiplica tanto en número como en el tamaño o
en forma, y cuando se organiza en diferentes posiciones sobre el plano. Por eso el
punto puede ser utilizado:
• Como mancha,
• Como elemento de figuración,
• Como elemento de abstracción.
El punto como mancha, tanto por concentración como por dispersión, ofrece
múltiples posibilidades gráficas.

18
El punto, elemento de figuración permite expresar la forma y el volumen de los
objetos, así como evocar diferentes cualidades.
El punto, elemento de abstracción posibilita la esquematización de figuras
conocidas o bien la creación de composiciones geométricas.
HISTORIA
El concepto de Punto, como ente geométrico, surge en la antigua concepción
griega, de la Geometría, compilada, en Alejandría, por Euclides, en su tratado Los
Elementos, dando una vaga definición de Punto: «lo que no tiene ninguna parte».
El punto, en la Geometría Clásica, se basa en la idea de que era un concepto
intuitivo y sólo era necesario asumir la noción de Punto.
Esa cuestión fue analizada por A. N. Whitehead en: Una Investigación sobre los
Principios Naturales de Conocimiento (An Inquiry Concerning the Principles of
Natural Knowledge) y el concepto de la Naturaleza (The Concept of Nature). En
estos libros se expone la «relación de inclusión». En Proceso y Realidad (Process
and Reality), Whitehead propone un nuevo enfoque, basado en la «relación de
conexión» topológica. También, H. J. Schmidt, plantea una visión, totalmente
distinta, del Punto, Geométrico.
REPRESENTACION GRAFICA
Suele representarse con una pequeña "equis" (x), una cruz (+), un círculo (o), un
cuadrado o un triángulo.
En relación a otras figuras, suele representarse con un pequeño segmento,
perpendicular, cuando pertenece a una recta, semi-rrecta o segmento. A los
Puntos se les suele nombrar con una letra mayúscula: A, B, C, Etc.

19
TECNICAS CON PUNTO
PUNTILLISMO
El puntillismo es un estilo de pintura que consiste en hacer un dibujo mediante
puntos. Aparece por primera vez en 1880, encabezado por el pintor
neoimpresionista Georges Seurat, y contando entre sus seguidores más fieles
tales como Henry Edmond Cross, Yael Rigueira y Vlaho Bukovac. El
procedimiento de pintura empleado por estos artistas, consistente en poner puntos
de colores puros, en vez de pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado de los
estudios cromáticos llevados a cabo por Yael Rigueira y Georges Seurat (1859-
1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de
toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las
combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del puntillismo
fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la
fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo
o divisionismo.

20
Morning, Interior (1890), de Maximilien Luce
Este movimiento, dentro de las coordenadas del postimpresionismo, parte también
de la imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas,
pero para ellos serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que
caractericen la esencia de la pintura. Su material de reflexión serán, sobre todo,
los escritos de Charles Blanc y, de un modo más radical los impresionistas, los
tratados científicos de Cheverul, Sutter, Rood y otros. Gracias a ellos, el
Puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la
aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos
principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas.
La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al
orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida
moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.

21
Entrada en el puerto de Marsella. Paul Signac (1918)
De hecho, la declaración de Charles Blanc (El color, que está controlado por leyes
fijas, se puede enseñar como la música), publicada por primera vez en 1865 en su
conocida Gramatica Ades arts du dessin, resume perfectamente la actitud de los
puntillistas ante las posibilidades expresivas del arte e indica su programa. Según
esto, al igual que existen relaciones matemáticas entre los tonos musicales, hay
relaciones físicas entre los colores, que pueden demostrarse en el laboratorio y
llevarse a efecto en el estudio. Con el fin de estudiar con más detalle la interacción
de los colores y sus complementarios, algunos puntillistas confeccionaron un disco
en el que reunían todos los matices del arco iris, unidos unos a otros mediante un
número determinado de colores intermedios. En su paleta también utilizaban el
blanco mezclado con los colores primarios, lo que les permitía obtener una
multitud de tonos que iban de un color con una ligera presencia de blanco hasta un
blanco casi puro. El disco se completaba de manera que los matices puros se
concentraban en torno al centro, desde donde iban desvaneciéndose hacia el
blanco hasta llegar a la periferia.

22
Clima gris. Seurat (1888)
Los experimentos físicos habían probado también que la mezcla de colores los
ensucia y desemboca finalmente en el negro. Por ello, la única mezcla capaz de
producir el efecto deseado es la mezcla óptica, que se convierte así en el factor
predominante de su ejecución. Tras haber reunido por separado en sus telas los
elementos individuales de color presentes en la naturaleza, el pintor asignaba a la
retina del espectador la tarea de unirlos de nuevo. La técnica de pinceladas de los
impresionistas no permitía la exactitud matemática que necesitaban los puntillistas
para aplicar su sistema con pleno rendimiento. Mediante la adopción de
minúsculas pinceladas en forma de punto lograron acumular, incluso sobre
superficies reducidas, una gran variedad de colores y tonos, cada uno de los
cuales se correspondía con uno de los elementos que contribuía a la apariencia
del objeto. A una distancia determinada esas partículas diminutas se mezclan
ópticamente y el resultado tenía que producir una intensidad de colores mucho
mayor que cualquier mezcla de pigmentos. En este sentido, sus estudios de luz y
color sobrepasan los realizados por cualquiera de los impresionistas, pero también
se encontraron con mayores dificultades. Con más conocimientos y un ojo más
disciplinado, tenían que hallar todos los matices del espectro luminoso, así como
un modo de iluminar u oscurecer un matiz dado en relación con los contrastes
simultáneos producidos por los colores que le rodeaban.

23
A pesar de lo aparentemente acertado de la denominación de puntillismo, sobre
todo en lo que se refiere a la técnica de este grupo, ni Seurat ni Signac la
aceptaron nunca y ambos condenaron y evitaron rigurosamente este término a
favor del de "divisionismo", que abarcaba mejor todas sus innovaciones.
OTRAS OBRAS DE LA TECNICA

25
5
Vincent van Gogh, Autorretrato, 1887, using pointillist technique.
6
5
Link libro: punto y línea sobre el plano contribución al análisis de los elementos pictóricos:
http://es.scribd.com/doc/50830001/Kandinsky-Vassily-punto-y-Linea-en-El-Plano
6
Presentación sobre el punto http://www.slideshare.net/luciaag/el-punto-1-eso

26
ARTISTAS IMPORTANTES
Charles Angrand
(Criquetot-sur-Ouville, Normandía, 19 de abril de 1854 - Ruan, 1 de abril de 1926)
fue un pintor neoimpresionista anarquista francés.
El normando Charles Angrand practicó el puntillismo en un primer momento, pero
como amigo de Georges Pierre Seurat y Paul Signac se vio influido por el
neoimpresionismo y en su obra posterior introdujo contrastes fuertes y tonos
puros. Fue uno de los fundadores del Salon des Indépendants. También enseñó
en el Lycée Chaptal de París.

28
Charles Thomas Close "Chuck"
(Nacido el 05 de julio 1940) es un pintor y fotógrafo estadounidense que alcanzó la
fama como fotorrealista , a través de sus retratos gran escala. A pesar de un
colapso catastrófico arteria espinal en 1988 lo dejó gravemente paralizado, no ha
dejado de pintar y producir un trabajo que sigue siendo buscado por museos y
coleccionistas. Cerrar actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York West
Village [1]
y en Bridgehampton, Nueva York .
A lo largo de su carrera, Close se ha esforzado por ampliar su contribución al
retrato a través del dominio de tales dibujos variados y técnicas de pintura como
tinta, grafito, pastel, acuarela, lápiz conté, pintar con los dedos, y el sello de tinta
de la almohadilla en papel, técnicas de grabado, como como Mezzatinta,

29
aguafuerte, grabados en madera, linóleo y serigrafías.; así como collage hecho a
mano de papel, fotografías Polaroid, daguerrotipos y tapicería de jacquard [7]
Sus
técnicas de aerógrafo edad, inspiraron el desarrollo de la impresora de inyección
de tinta . [8]
Cerrar había sido conocida por su pincelada hábil como estudiante de posgrado en
la Universidad de Yale. Allí, se emuló Willem de Kooning y parecía "destinado a
convertirse en la tercera generación expresionista abstracto , aunque con un poco
de iconoclasia Pop ". [2]
Después de un breve experimento con construcciones
figurativas, Close comenzó copiando fotografías negro y blanco de un desnudo
femenino de color en el lienzo. [9]
Según ha explicado en una entrevista en 2009
con el Cleveland Plain Dealer Ohio, hizo una elección en 1967 para hacer arte
difícil para él y forzar un avance artístico personal, abandonando el pincel. "Tiré
mis herramientas", dijo Close. "Decidí hacer las cosas yo no tenía facilidad con. La
opción de no hacer algo es de una manera divertida más positiva que la decisión
de hacer algo. Si se impone un límite de no hacer algo que has hecho antes,
empujará a donde nunca has ido antes ". [10]
Una foto de Philip Glass se incluyó en
su serie en blanco y negro resultante en 1969, renovado con colores de agua en
1977, de nuevo renovado con tampón de tinta y las huellas dactilares en el año
1978, y también hecho que el papel hecho a mano de color gris en 1982.
Trabajando a partir de una fotografía cuadriculada, construye sus imágenes
mediante la aplicación de un solo golpe cuidado tras otro en múltiples colores o
escala de grises. Trabaja metódicamente, a partir de su red floja pero regular
desde la esquina izquierda del lienzo. [11]
Sus obras son generalmente más
grandes que la vida y muy centrado. [12]
"Una demostración de la forma en la
fotografía se asimilaron en el mundo del arte es el éxito de la pintura fotorrealista a
finales de 1960 y principios de 1970. También se le llama super-realismo o
hiperrealismo y pintores como Richard Estes , Denis Peterson , Audrey Flack y
Chuck Close menudo trabajado desde alambiques fotográficos para crear pinturas
que parecían Se fotografías. La cotidianidad de la materia de los cuadros
igualmente trabajaron para asegurar la pintura como un objeto realista ". [13]
Cerrar sufre de prosopagnosia , también conocida como ceguera de la cara, en el
que no es capaz de reconocer las caras. En la pintura de retratos, que es más
capaz de reconocer y recordar rostros. [14]
Sobre el tema, Close ha dicho: "Yo no
era consciente de tomar la decisión de pintar retratos porque tengo dificultad para
reconocer caras. Eso me ocurrió veinte años después del hecho cuando miré por
la que todavía estaba pintando retratos, eso que todavía tenía urgencia para mí.
Comencé a darme cuenta de que me ha sostenido durante tanto tiempo porque
tengo dificultad para reconocer caras ". [15]
Aunque sus pinturas posteriores difieren en el método de sus lienzos anteriores, el
proceso preliminar sigue siendo el mismo. Para crear sus copias de trabajo de
cuadrícula de fotos, Close pone una rejilla en la foto y en el lienzo y la célula
copias por célula. Por lo general, cada cuadrado de la cuadrícula se llena con las
regiones ejecutadas aproximadamente de color (por lo general consiste en anillos
pintados sobre un fondo de contraste) que dan a la célula un color percibido

30
"medio" que tiene sentido desde la distancia. Sus primeras herramientas para ello
incluyen un aerógrafo, trapos, hojas de afeitar, y un borrador montado en un
taladro eléctrico. Su primera foto con este método era grande Autorretrato, una
ampliación blanco y negro de su cara a un 107,5 en un 83,5 in (2,73 m por 2,12 m)
lienzo, realizado en más de cuatro meses en 1968 y adquirida por el Centro de
Arte Walker en el año 1969. Hizo siete retratos más en blanco y negro durante
este período. Ha sido citado diciendo que él utiliza como pintura diluida en el
aerógrafo que los ocho de las pinturas fueron hechas con un solo tubo de mars de
acrílico negro.
El trabajo posterior se ha ramificado en las redes no rectangulares, topográficos
mapa regiones estilo de colores similares, CMYK trabajo cuadrícula de colores, y
el uso de las redes más grandes para hacer que la célula de naturaleza celular de
su trabajo evidente, incluso en pequeñas reproducciones. The Big autorretrato se
hace tan finamente que incluso una reproducción a toda página en un libro de arte
sigue siendo indistinguible de una fotografía regular
.

33
Paul Signac
(París, 1863-id., 1935) Pintor francés. Inicialmente se alineó con los
impresionistas, pero después de conocer a Georges Seurat en 1884 se adscribió,
como artista y teórico, al neoimpresionismo o puntillismo. En sus obras plasmó
sobre todo escenas marineras (puertos, veleros, faros), primero con un puntillismo
estricto y después con un toque más amplio, proporcional a las dimensiones del
cuadro. Son sus obras de estilo más libre, menos riguroso, las que revisten mayor
interés y las que cautivaron de forman singular a Matisse. Dos cuadros, El palacio

34
de los Papas y La entrada al puerto de La Rochelle, evidenciaron su creciente
interés por la luz y los colores.

36
POP ART
Pop Art fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por
el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales
«mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba
utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas

37
Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1
además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo
a través del uso de la ironía.
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces
dominantes ideales del Expresionismo abstracto.3
De cualquier forma, el arte pop
también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal
como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de
grandes proporciones.3
Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como
un repudio del Dadaísmo.3
Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los
mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y
anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como
precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man
Ray.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a
finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4
con diferentes motivaciones. En
Reino Unido marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como
«dibujo de contornos nítidos»5
) y del arte representacional como una respuesta de
los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para
contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.3 6
En contraste,
el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la
parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica
de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de
mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la
vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.6
El arte pop temprano de
Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por
la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas
estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha
cultura.6
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a
que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean
de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte
en sí, sino a las actitudes que lo conducen.1
Roy Lichtenstein

38
Barcelona's Head, obra de Roy Lichtenstein ubicada en el Paseo Colón de
Barcelona.
Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de
septiembre de 1997), pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor,
conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su
subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra
obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo
ser impersonal mientras la realizo. -Roy Lichtenstein
Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio en 1949.
Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957
comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los

39
papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes
sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic
Remington.
A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes
comerciales de producción masiva.
Escultura en el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España
Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo
Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos
animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos
colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy
populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos
clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.
También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también,
obras en cerámica.

40
En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de
su obra que viajó por muchos otros países.

42
LA LINEA
1. DEFINICIÓN DE LÍNEA
La línea es el medio gráfico fundamental para representar las formas que nos rodean
y las ideas, creando un lenguaje que no necesita palabras. Es el elemento visual más
importante del dibujo está considerada como una sucesión de puntos (trayectoria de
un punto en movimiento) o como la huella continua que se produce cuando dibujamos
con cualquier objeto (lápiz, bolígrafo, pincel, etc....).7
2. TIPOS DE LÍNEAS
Las líneas pueden formar distintos grupos dependiendo de:
 Por su forma:
Línea rectas: Expresan robustez, rigidez.
Líneas curvas: Comunican dinamismo vitalidad.
 Por su disposición:
Líneas horizontales: Sugieren tranquilidad, reposo.
Líneas verticales: Expresan una tensión ascendente, fuerza, equilibrio,
espiritualidad, dignidad.
Líneas oblicuas: Transmiten sensación de profundidad y de alejamiento.
7
Presentación sobre la http://www.slideshare.net/cnavime/la-linea-como-elemento-expresivo

43
Líneas quebradas: Transmiten sensación de actividad, de movimiento, de
dinamismo y de fuerza.
 Por su finalidad:
Grafismo:
Línea uniforme en cuanto a su grosor; podemos realizarla a mano o con regla y
compás. Expresan robustez, rigidez.. Es el tipo de línea apropiada para el dibujo
técnico, aunque también se utiliza para el dibujo de objetos decorativos en
ornamentación, cerámica, diseño gráfico, etc.... Puede ser también utilizado para
comunicar sensaciones mediante:
* Acumulación de grafismos (Ilustración nº 3-a )
* Por proximidad o separación de grafismos (Ilustración nº 3 -b).
* Por modificaciones uniformes del grosor o de la disposición espacial de los
grafismos. (Ilustración nº 3-c).

44
Trazo:
Es un tipo de línea más espontánea y libre, aporta sensibilidad y carácter a la
línea, hace que el dibujo vibre y comunique fuerza o suavidad. Agresividad o
dulzura. Es el tipo de línea más adecuado para el dibujo artístico ya que es la
forma más personal de expresión que tiene la línea.
POSIBILIDADES EXPRESIVAS DE LA LÍNEA.
La línea también tiene la facultad de transmitir sensaciones ya sea por su forma o por
su disposición, solas o agrupadas.
 Líneas rectas: Expresan robustez y rigidez (Ilustración 4-A).
 Líneas curvas: Sugiere movimiento, vitalidad, suavidad, delicadeza. (Ilustración 4-
B).
 Líneas horizontales: Expresan calma, reposo, tranquilidad, peso, estabilidad.
Hacen las cosas más anchas y extensas. (Ilustración 4-C).
 Líneas verticales: Nos transmiten fuerza, orden, equilibrio, movimiento ascendente
o descendente, elegancia, espiritualidad. Producen el fenómeno visual de alargar
las cosas. (Ilustración 4-D).
 Líneas oblicuas: Expresan inestabilidad, acción, caída, caos, desorden, confusión,
sensación de profundidad y alejamiento. (Ilustración 4-E).
 Líneas quebradas: Producen el efecto de incertidumbre, indecisión. Una
sensación similar a la rotura, la fragmentación. (Ilustración 4-F).
 Líneas radiales o concurrentes: Sugieren luminosidad, explosión, asombro,
dispersión, profundidad. (Ilustración 4-G).

45
LA LÍNEA EN LA HISTORIA DEL ARTE.
Desde los tiempos primitivos donde la línea abarcaba toda la representación
gráfica (naturalismo) hasta nuestros días (Miró) pasando por Leonardo, Miguel
Ángel, Rafael, Velázquez, Goya, Picasso, etc.
Todos los grandes artistas han considerado a la línea como elemento esencial de
su obra plástica, ya sea para realizar bocetos, como para el arte final, han
recurrido a ella como modo de expresar sus sentimientos o como mero elemento
compositivo.
El apartado del arte en el cual la línea es el elemento esencial, es el GRABADO y
más concretamente el aguafuerte y la "punta seca", técnicas en las cuales por
medio de líneas, utilizándola sola o en tramas, se logran obras plásticas de gran
belleza, uno de los artistas que más renombre le ha dado a esta técnica ha sido
Alberto Durero, que utilizó la línea no sólo como delimitadora de formas y
superficies, sino también para definir el volumen, valorar las superficies, expresar
la variedad de matices, de luces, el fondo, las sombras.

46
Pero no solamente artistas de renombre han empleado la línea para expresar
sentimientos y emociones, a veces poetas y escritores utilizan el poder expresivo
la línea, como es el caso de Alberti y García Lorca
¿CÓMO SE HACEN LAS LINEAS?
A la hora de utilizar la línea en nuestras representaciones, bien como grafismo o
como trazo, podemos representarla con un trazado continuo, discontinuo, fino o
grueso: simples o entrecruzados
Para dibujarla tenemos una serie de instrumentos mediante los cuales podemos
obtener cualidades expresivas diferentes:
 Los Rotuladores: Son un instrumentos gráfico de reciente aparición. Se
inventaron en Japón en 1963. Es una especie de pluma hecha con un
fieltro impregnado en tinta hecha a base de pigmentos y alcohol o agua.
Los diferentes grosores de sus puntas permiten dibujar con distintos tipos
de trazos.
 Plumas estilográficas: Los estilógrafos sustituyeron a los antiguos
tiralíneas. Si bien su uso es frecuente en el dibujo técnico; en el campo de
la creación artística permite realizar composiciones mediante grafismos.
 Caña: Se ha empleado desde los inicios del arte. Parecida a la Plumilla,
consta de una punta de madera afilada que mojada en tinta permite la
realización de trazos Espontáneos y creativos.
 Lápiz normal (o lápiz grafito): Su uso comenzó en el siglo XVI. Su mina se
compone de dos materiales: arcilla y carbón. Se suelen agrupar en dos
tipos:
Blandos: cuando al apretar poco escriben bien y bastante negro. Eso sucede
cuando en su composición tiene más cantidad de grafito que de arcilla. Se
emplea más en dibujo artístico.
Duros: cuando al apretar poco escriben regular y bastante claro. Se emplea
más en dibujo técnico.
 Lápiz de colores: Lamina de los lápices de colores está constituida por
pigmentos colorantes mezclados con ceras y barnices. Con ellos podemos
dibujar y pintar.
 Linóleo: Técnica de grabado mediante la cual se realiza incisiones sobre
una superficie compuesta de tejido de yute y cubierta de corcho en polvo
amasado con aceite de linaza. Una vez acabo el dibujo se impregna de
tinta y se pasa al papel por presión.
 Plumilla: Debe su nombre a que originariamente se fabricaban de pluma de
ave, cortada en bisel por el extremo. En la actualidad es una pequeña

47
pieza metálica, terminada en punta e insertada en un mango, llamado
portaplumas. Según el tipo de se pueden obtener distintos trazos.
 Pincel: Con él podemos conseguir líneas de gran valor expresivo a su
flexibilidad y fácil manejo.

48
ARTISTAS CON ESTILOS LINEALES
Keith Haring
(4 mayo 1958 a 16 febrero 1990) fue un artista y activista social cuyo trabajo
respondido a la ciudad de Nueva York la cultura de la década de 1980 la calle. Al
expresar los conceptos de nacimiento, la muerte, el sexo y la guerra, imágenes de
Haring se ha convertido en un lenguaje visual ampliamente reconocido del siglo
20.
Desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados de la
televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburgh, donde comenzó a
hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Y posteriormente continúo sus
estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York durante 1978 y 1979,
donde estuvo influenciado por Keith Sonnler y Joseph Kossuth que le animaron a
formarse como artista conceptual tras la experimentacion con la forma y el color.
En el verano de 1979 realizó una performance titulada Poetry-Word-Things, en el
Club 57 de Manhattan. En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador
imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York.
Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles
negros del metro reservados para publicidad. Fue arrestado en varias ocasiones
por dañar la propiedad pública.
Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo
barreras entre estos campos. La iconografía era una mezcla de elementos
sexuales con platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando; a
los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos,
pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento
de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere
angustia y refleja su inquietud moral. Su primera exposición individual fue en la
galería Tony Shafrazi de Nueva York, en 1982.
El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de
vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola
de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de
los aborígenes, así como la caligrafía china, los all-over de Alechinsky, Andy
Warhol y Mark Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo
semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a
Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas en unas
composiciones dominadas por un horror vacui evidente que vibran con una energía
irresistible y llamativa. El estilo de Haring refleja el ethos de la generación pop y de
la cultura callejera del East Village (Manhattan). Intentó plantear las cosas de la
manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es
decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas
manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para
entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo
murales, escultura, posters y pintura corporal.

49
En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año abrió la boutique
Pop Shop, en la que vendía sus productos. En 1989 creó la Fundación Keith
Haring cuyo objetivo es luchar por la solución de los problemas sociales. Murió
víctima del sida en Nueva York, el 16 de febrero de 1990.

50
Jean-Michel Basquiat
Fue un artista . Él comenzó como un oscuro artista de graffiti en la ciudad de
Nueva York a finales de 1970 y se convirtió en un aclamado neo-expresionista y
primitivista pintor por la década de 1980.

51
A lo largo de su Basquiat carrera se centró en "sugerentes dicotomías ", como la
riqueza y la pobreza, la integración frente a la segregación y la experiencia interna
frente externo. [2]
El arte de Basquiat utiliza una sinergia de apropiación , la poesía,
el dibujo y la pintura, que se casó con el texto y la imagen, la abstracción y la
figuración , y la información histórica se mezcla con la crítica contemporánea. [3]
La
utilización de comentario social como un "trampolín a las verdades más profundas
sobre el individuo", Las pinturas de Basquiat también atacaron las estructuras de
poder y los sistemas de racismo , mientras que su poética fueron agudamente
política y directo en sus críticas al colonialismo y el apoyo a la lucha de clases .
En 1976, Basquiat y amigo Al Diaz comenzó pintar con spray de graffiti en los
edificios en el Bajo Manhattan , que trabaja bajo el seudónimo SAMO . Los diseños
presentados mensajes inscritos como "Plush seguro que piensan. SAMO" y "SAMO
como una cláusula de escape". El 11 de diciembre de 1978, el Village Voice publicó
un artículo sobre el graffiti. Cuando Basquiat y Díaz terminaron su amistad, El
proyecto SAMO terminó con el epitafio "SAMO ha muerto", inscrito en las paredes
del SoHo edificios en 1979.
En 1979, Basquiat apareció en el concierto público y el acceso a la televisión por
cable TV espectáculo Party TV conducido por Glenn O'Brien , y los dos
comenzaron una amistad. Basquiat hizo apariciones regulares en el programa en los
próximos años. Ese mismo año, Basquiat formó el noise rock Patrón de prueba de
banda - que más tarde fue renombrado Gray - que jugó en Arleen Schloss espacio
abierto 's ", los miércoles a A` s ", donde en octubre de 1979 Basquiat mostró, entre
otros, su SAMO trabajo Xerox color. Gray también consistió en Shannon Dawson,
Michael Holman , Nick Taylor, Wayne Clifford y Vincent Gallo , y la banda tocó en
clubes nocturnos como el de Max Kansas City , CBGB , hurra , y el Mudd Club de .
En 1980, protagonizó la película de Basquiat O'Brien cine independiente Downtown
81 , originalmente titulada New York Beat. Ese mismo año, Basquiat encontró Andy
Warhol , en un restaurante. Basquiat presenta a Warhol muestras de su trabajo, y
Warhol fue sorprendido por el genio y el encanto de Basquait. Los hombres más
tarde colaboraron. Downtown 81 contó con algunos de las grabaciones de Gray en
su banda sonora. Basquiat también apareció en la Blondie video musical " Rapture
"como disc jockey discoteca.
En junio de 1980, Basquiat participó en The Square Mostrar Times, una exposición
de varios artistas patrocinado por los proyectos de colaboración Incorporated
(Colab) y Fashion Moda . En 1981, René Ricard publicó "The Radiant Child" en
Artforum revista, [19]
que reunió Basquiat a la atención del mundo del arte.
Desde noviembre de 1982, Basquiat trabajó desde la pantalla de la planta baja y el
espacio estudio Larry Gagosian había construido debajo de su Venecia casa y
comenzó una serie de pinturas para una exposición de 1983, la segunda en la
galería Gagosian , a continuación, en West Hollywood. [20]
Durante este vez que
tomó un gran interés en el trabajo que Robert Rauschenberg estaba produciendo
en Géminis GEL en West Hollywood, que lo visitó en varias ocasiones y encontrar
la inspiración en los logros del pintor. En 1982, Basquiat también trabajó
brevemente con el músico y artista David Bowie .

52
En 1983, Basquiat produjo un 12 " rap ofrecen solo hip-hop artistas, Rammellzee y
K-Rob facturados como Rammellzee vs K-Rob, el single contenía dos versiones de
la misma canción:. "Beat Bop" de nuestro lado con la voz y "Beat Bop" en la
segunda cara en forma instrumental. [21]
El sencillo fue presionado en cantidades
limitadas en el Tartown etiqueta compañía discográfica de una sola vez. portada
del single apareció obra de Basquiat, por lo que el prensado muy deseable entre
grabar y coleccionistas de arte .
A sugerencia del distribuidor suizo Bruno Bischofberger , Warhol y Basquiat
trabajaron en una serie de pinturas de colaboración entre el 1983 y 1985. En el
caso de los anillos olímpicos (1985), Warhol hizo varias variaciones del símbolo de
los cinco anillos olímpicos, prestados en los colores primarios originales. Basquiat
respondió a las abstractas, logotipos estilizados con el estilo de la pintada de
oposición. [22]
Basquiat pintó a menudo en la cara de Armani trajes y que incluso aparecer en
público en los mismos trajes salpicados de pintura.

53
"Sin título (Skull)" (1984)
"Canon de Basquiat gira en torno a figuras heroicas individuales:.. Atletas,
profetas, guerreros, policías, músicos, reyes y el propio artista en estas imágenes
la cabeza es a menudo un foco central, rematada por coronas, sombreros, y los
halos De esta manera el intelecto se enfatiza, levantó a notar, privilegiada sobre el
cuerpo y el aspecto físico de estas cifras (es decir, los hombres negros)
representan comúnmente en el mundo.

55
Jackson Pollock
(28 enero 1912 hasta 11 agosto 1956), conocido como Jackson Pollock, fue un
pintor influyente y una figura importante en el expresionismo abstracto movimiento.
Era muy conocido por su estilo único de pintura de goteo .
Durante su vida, Pollock disfrutado de una considerable fama y notoriedad, un
gran artista de su generación. Considerado como solitaria, tenía una personalidad
volátil y luchado con el alcoholismo durante la mayor parte de su vida. En 1945, se
casó con la artista Lee Krasner , quien se convirtió en una influencia importante en
su carrera y su legado.
Lista de las principales obras
 (1942) Masculino y Femenino Philadelphia Museum of Art
 (1942) Figura estenográfica Museo de Arte Moderno
 (1943) Mural Universidad de Iowa Museum of Art , dada por Peggy Guggenheim y
actualmente en préstamo a la J. Paul Getty Museum
 (1943) Moon-Woman Corta el círculo
 (1943) La Loba Museo de Arte Moderno

56
 (1943) Azul (Moby Dick) Museo de Arte Ohara
 (1945) Problemas Queen Museo de Bellas Artes de Boston
 (1946) Ojos en el calor Peggy Guggenheim Collection , Venecia
 (1946) The Key Art Institute de Chicago
 (1946) The Tea Cup Colección Frieder Burda
 (1946) Sustancia brillante, de los sonidos de la Hierba Museo de Arte Moderno
 (1947) Retrato de HM Universidad de Iowa Museum of Art , a cargo de Peggy
Guggenheim .
 (1947) Full Fathom Five Museo de Arte Moderno
 (1947) Catedral Museo de Arte de Dallas
 (1947) Enchanted Forest Peggy Guggenheim Collection
 (1947) Lucifer Iris & B. Gerald Cantor Centro de Artes Visuales
 (1948) Pintura
 (1948) Número 5 (4 pies x 8 pies) Colección privada
 (1948) Número 8 - En el Museo Neuburger en la Universidad Estatal de Nueva
York en Purchase.
 (1948) 13, Número: Arabesque - En Yale University Art Gallery en New Haven,
Connecticut.
 (1948) Composición (Blanco, Negro, Azul y Rojo sobre Blanco) Museo de Arte de
Nueva Orleans
 (1948) Summertime: Number 9A Tate Modern
 (1949) Número 1 Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles
 (1949) Número 3
 (1949) Número 10 Museo de Bellas Artes de Boston
 (1950) Número 1, 1950 (Lavender Mist) Galería Nacional de Arte
 (1950) Mural en fondo rojo indio, 1950 Teherán Museo de Arte Contemporáneo
 (1950) Autumn Rhythm (Número 30), 1950 Museo Metropolitano de Arte
 (1950) Número 29, 1950 Galería Nacional de Canadá
 (1950) One: Number 31, 1950 Museo de Arte Moderno
 (1950) N º 32
 (1951) Número 7 Galería Nacional de Arte
 (1951) Blanco y Negro
 (1952) Convergencia Albright-Knox Art Gallery
 (1952) Blue Poles : N º 11, 1952 Galería Nacional de Australia
 (1953) y Retrato de un Sueño Dallas Museum of Art
 (1953) Pascua y el Tótem El Museo de Arte Moderno
 (1953) Océano grisura Salomón R. Guggenheim Museum
 (1953) The Deep

59
Ítem correspondiente a pintar
Para la preparación de este ítem se adjuntan las imágenes correspondientes a los
dibujos que estarán integrados en el papel craft
MATERIAL DE APOYO
Sesión 1 bocetos
El objetivo de esta sesión es tener un primer el acercamiento por parte de los
jóvenes a la corporalidad y al body painting por lo cual tendrán que recurrir a
conocer primero la figura humana por lo cual a continuación se suministran los
bocetos que estarán pintados previamente en los pliegos de papel en los que los
estudiantes realizaran sus obras
Nota:
Los coordinadores deberán preparar estos pliegos con anterioridad a la sesión

65
Guía sesión 2
A continuación se presenta la estructura de la metodología para la segunda
Nota: en la segunda sesión la actividad denominada pintar se desarrollara
sobre unos pliegos de papel crack adecuados sobre las paredes y piso de los
salones que tendrán en ellos bombas de diferentes tamaños rellenas de
pintura preparadas con anterioridad por los coordinadores
presentación
e instalación
15
minutos
ingresan los dos
coordinadores de la
para integrarlos
romper el hielo
con los jóvenes
para trabajar con
mayor confianza
se llevaran a
cabo actividades
de entrada
propuestas en el
material de
apoyo

66
Calentamiento
10
minutos
realicen unos
el calentamiento
ayuda a que el
cuerpo se
concentre y a
relajar la mente
exposición 1
10
minutos
apoyo
Acercar a los
jóvenes a las
ideas artísticas
que se les
pretenden
explicar
introspección
2
15
minutos
intercambien ese
pensamiento
Desarrollar a
través de lo
anterior una
relación entre
pensamientos e
ideas con el arte
y las
capacidades
para
expresarlas
pintar 40minutos
una superficie de papel
crack con bombas de pintura
añadidas
Convertir las
ideas en hechos
a través del
Body Painting
Extroversión
15
minutos
de todas las obras
Adquirir
habilidades
comunicativas
fortalecer la red
de apoyo de los
jóvenes
cierre
10
minutos
Concluir el
procesos
realizado el día

67
8
 Video beam
 1 galón de pintura por cada color primario, amarillo, azul, rojo. Blanco y
negro.
 Bombas
 Guías artistas
 Papel craft
Tiempo
veinte minutos.
Dirigido a:
estos mismos.
Dirigido por:
La actividad contara con dos responsables que se encargaran de los cuarenta
 Reforzar la red de apoyo entre los jóvenes
 Encaminar el taller en formas de emprender a través del arte y las
habilidades propias
 Reforzar el arte como vía de salida a los problemas
8

68
Ítem correspondiente a presentación
Se recomienda para la segunda sesión y con el fin de fortalecer la red de apoyo
de los jóvenes la realización de alguna de las siguientes actividades en el
momento destinado a la presentación
EL EPITAFIO II
OBJETIVO
I. Provocar la auto apertura.
II. Identificar características compartidas entre los participantes.
TIEMPO:
Duración: 15 Minutos
TAMAÑO DEL GRUPO:
Ilimitado
LUGAR:
Aula Normal
Un salón amplio y bien iluminado,
acondicionado para que los
participantes puedan escribir y
desplazarse libremente.
MATERIAL:
Fácil Adquisición
I. Una copia del formato "Epitafio"
para cada uno de los
participantes.
II. El dibujo de una tumba.
III. Alfileres o cinta adhesiva.
IV. Marcadores para cada uno de los
participantes.
DESARROLLO
CON FORMATO
I. El Facilitador muestra a los participantes el dibujo de la lápida haciendo una
breve explicación de lo que son los epitafios.
II. El Facilitador les pide que imaginen su propia tumba ¿Qué les gustaría que
dijese su lápida? Deberán escribir en el formato su epitafio.
III. Al terminar se prenderán al pecho su hoja y circularán por la sala para que
todos puedan leerlo.

69
IV. Cada uno elegirá a otra persona, en cuyo epitafio encuentran coincidencias,
platicaran durante cuatro minutos.
V. En reunión plenaria, cada uno presenta a la persona con quien conversó.
VI. El Facilitador guía un proceso, para que el grupo analice como se puede aplicar
lo aprendido a su vida.
HOJA DE TRABAJO
EL EPITAFIO
ADJETIVOS
OBJETIVO

70
I. Ayudar a los participantes a aclarar los valores que se aplican en
las relaciones humanas.
II. Analizar los efectos que causan los valores en un grupo.
TIEMPO:
TAMAÑO DEL GRUPO:
Ilimitado.
Divididos en subgrupos compuestos por
2 participantes
LUGAR:
Aula Normal y Espacio Adicional
Un cuarto en donde quepan todos los
participantes para planear o discutir, y
un cuarto vacío o un área designada
dentro del cuarto de reunión general
que sea grande para acomodar
físicamente al grupo.
MATERIAL:
Sencillo
I. Hojas de rotafolio, plumones, y
cinta adhesiva.
II. Papel y lápiz para cada
participante.
DESARROLLO
SIN FORMATO
I. El instructor, sin discutir los objetivos de la actividad, avisa a los
participantes que están a punto de hacer dos clases de "exámenes". Luego
da las siguientes instrucciones:
"EXAMEN 1. Piensen en AQUELLA persona de este mundo (que no sea
usted) con la que tiene la relación MÁS satisfactoria. Escriba tres adjetivos
que describan a esta persona" (pausa de dos a tres minutos). "En este
momento ustedes podrán adivinar de que se trata el Segundo examen.
Piensen en AQUELLA persona de este mundo con la que tiene la relación
MENOS satisfactoria. Esta debe ser una persona diferente. Ahora anoten
tres adjetivos que describan a ESA persona" (pausa de dos a tres minutos).
II. El instructor explica que la prueba arroja una somera indicación de los
valores propios; esto es, los adjetivos dicen más del escritor que de la
persona descrita. Empleando la lista de adjetivos que escribieron, el
instructor les dice a los participantes, que escriban una oración que

71
empiece con la frase: "Soy el tipo de persona que valora..."
III. Los participantes forman parejas con la persona más cercana.
Comparten lo que la prueba indicó sobre ellos, pero discuten sobre ello
Ítem correspondiente a calentamiento
Grafica Nº 1 CALENTAMIENTO
Es importante realizar un calentamiento antes de empezar nuestro taller
En esta imagen se muestran el calentamiento básico que se realizara en cada
sesión el orden y la intensidad con que se realizaran estos ejercicios

72
 La segunda sesión del taller tendrá la siguiente línea temática “Explorando
en el arte Hippie o arte psicodelico” como expresión relativa importante en
la imagen en la cual se abarcaran aspectos importantes de cómo ha
influenciad socialmente este arte en la cultura hippie. A partir de esta
temática se llega al Body art de manera externa, esta temática puede dar
una mirada amplia al tipo de arte que se quiere construir con los alumnos,
dentro de una serie de aplicaciones que se darán en la terminación de la
sesión.
 Notas aclaratorias para el desarrollo de la segunda sesión
 • A continuación se hace la aclaración que en la segunda sesion se deja
adjunto un material teórico para uso de los coordinadores en posteriores
aplicaciones del taller pero que estas no condicionan en ningún sentido ni
imposibilitan el hecho de que los coordinadores alternen el uso de estos
para que las sesiones si el proyecto se implementa en el colegio no se den
siempre con los mismos temas
• La explicación de esta base teórica se dará en el tiempo destinado a esta
en el apartado de la metodología de la segunda sesión.
• La aplicación de este material se sugiere se de manera audiovisual a
través de una animación, vídeo o presentación aunque se puede generar a
través de una exposiciones con apoyo visual impreso.


 Material de apoyo

 Arte psicodélico y cultura hippie

 La psicodelia es un estado exaltado y revolucionario. Se caracteriza por la
abundancia lineal y colorista. El estilo psicodélico en pintura nació en los
años 60, en diseño gráfico. Hoy en dia se sigue utilizando con técnicas
digitales y variaciones en el estilo inicial. En los diseños predominan las
formas radiales, espirales, clonaciones, repeticiones, expansiones de
forma.
El resultado es un mundo con leyes propias, sin gravedad, sin leyes, libre y
fantástico.
Destacan mucho las combinaciones de colores, tanto armónicas como
contrastadas. Y por supuesto, el uso de la línea.

 El Arte Hippie o Arte Psicodélico, paralelo a la cultura de los
alucinógenos (marihuana, mescalina y LSD), de la que hicieron símbolo de
ruptura, pero no por ello elemento imprescindible para el proceso creativo,
manifiesta su oposición a los valores establecidos.

73
 Destacan en estas creaciones hippies los colores vivos y la armonía
general. A pesar de los contrastes acusados de elementos yuxtapuestos,
formando mosaicos de motivos variados, los collages consiguen mostrar
una unidad de contenidos.
 Estos son algunos de los cinco artistas más importantes del movimiento,
autores de pinturas y collages: Wes Wilson, Victor Moscoso, Rick
Griffin, Stanley Mouse y Alton Kelly. Los cinco melenudos, barbudos y
ataviados según los cánones de Haight Ashbury (San Francisco)”.



 Material de alimentación web
 Artículos publicados:
 http://urbancidades.wordpress.com/2008/09/26/arte-sicodelico-arte-hippie/
 http://artegatubela.blogspot.com/p/arte-psicodelico.html
 http://www.taringa.net/posts/arte/13566594/Arte-Psicodelica---Victor-
Moscoso.html
 http://los39sonidos.blogspot.com/2012/03/rick-griffin-el-artista-acido.html
 http://jesusangelortega.wordpress.com/2010/04/07/alton-kelley-psicodelia-
proletaria/
 http://jesusangelortega.wordpress.com/2010/04/07/alton-kelley-psicodelia-
proletaria/
 Material de apoyo
 1. http://www.youtube.com/watch?v=SI4fXB6bBp4
 2. http://www.youtube.com/watch?v=4-QzHGnxfd8
 3. http://www.youtube.com/watch?v=TC3LryTjYqw
 A continuación se presentan una seria de artistas famosos por el arte
psicodélico:
 Artistas
 Robert Wesley Wilson
 (Wes Wilson) , Nacio en Sacramento, California el 15 de julio 1937 La
familia vivía cerca de Placerville, en las estribaciones de las montañas de
Sierra Nevada. Durante su infancia sus padres se separaron, y él vivía con
su madre, una maestra de escuela cuyo empleo se extendió a través del
norte de California, desde las estribaciones de Sierra para el Valle de
Salinas.- Mas conocido por ser uno de los Principales diseñadores de los

74
carteles Psicodelicos Del Fillmore de San Francisco y para el colectivo The
Family Dog , entre sus diseños reconocidos esta el craneo utilizado por la
banda The Grateful Dead .
A excepción de algunas clases de la escuela, no tenia una verdadera
formación formal como diseñador gráfico. sus trabajos estan muy
influenciados por el arte del Aleman Alfred Roller ( diseñador de letras de
1903) esta letra era generalmente de forma rectangular y por lo tanto ideal
para Wilson
Produjo volantes para el San Francisco Mime Troupe beneficios de
recaudación de fondos, los partidos de la llamada "apelación", así como de
las pruebas de ácido de los Merry Prankster. Ambos estaban vinculados a
los recién renacido "salón de baile". Fue Wilson, quien diseñó el logo
original para The Family Dog y que tenía los carteles de la breve serie
de programas de The Family Dogen el Fillmore Auditorium, y después de la
primera serie deThe Family Dog se presenta en el Avalon Ballroom. Pronto
empezó a hacer ese trabajo, haciendo los carteles para espectáculos de Bill
Graham en el Fillmore. Después de varios meses, Wilson dejó de producir
para el The Familiy Dog y se concentró casi exclusivamente en los carteles
para eventos de Bill Graham Fillmore . Wilson dice que con Chet Helms y
el Avalon Ballroom, fue dado a menudo un tema en torno al cual se le pidió
que improvisara, mientras que con Bill Graham y el Fillmore, se le dio total
libertad para diseñar lo que quisiera. Wilson disfrutó de la libertad artística.
En 1966 la presensencia del arte de modernista Alfred Roller se hacia mas
frecuente en sus carteles,
Tambien el estilo Art Nouveau del celebre diseñador checo Alphonse
Mucha fue otra fuente importante que influyó en el trabajo de Wilson, sus
diseños se caracterizon por utilizar todo el espacio disponible en el cartel y
llenarlo de bloques tipográficos que se torcían. Las composiciones de Wes
retomaron elementos del "modernismo" , usando la cabeza humana y la
abundante cabellera como adorno, ahí introducía texto que se ajustaban a
los espacios. Usó el cuerpo voluptuoso de su esposa como modelo para
una serie de carteles más representativos. En Estos diseños tomo la forma
y lo saturó de letras que eran casi imposibles de leer.

76

 Victor Moscoso
 Victor Moscoso, nació en Oleiros, España en 1936 , pero fue criado
en Brooklyn, New York, donde estudio en la escuela de arte "Cooper
Union" antes de asistir a la universidad de "Yale". En Yale estudio con el
moderno coloristaJoseph Albert , su teoría de colores fue una importante
influencia en Moscoso y en el desarrollo del cartel psicodelico . Se traslado
a San Francisco en 1959 allí asistió al instituto de arte de San
Francisco donde finalmente impartió clases de litografía y construyó una
carrera como diseñador gráfico independiente.
Todo empezo para Moscoso cuando vio por primera vez un cartel de "Paul
Butterfield Blues Band" diseñado por Wes Wislon en The Family
Dog. Como Mosocoso recuerda , " Un cartel de "Zig Zag" , realizado
por Stanley Mouse yAlton Kelley' Influyo en mi ... Quiero decir que cuando
vi a Mouse y kelley hacer "Zig Zag" casi me tiro al suelo en la acera"
Moscoso empezo a hacer carteles de concierto en otoño de 1966 ,
Trabajando para "The Family Dog" en el "Avalon Ballroom" . Sus carteles
se distinguían por usar colores vibrantes y fue el primero de los artistas en
utilizar el collage fotográfico , uno de sus carteles que llego a llamar la
atención internacionalmente fue Un rosa neon "The Matrix" en el verano
de 1967
 En 1968, Moscoso se convirtió en un destacado artista de los cómics
underground. Él y su amigo y colega, Rick Griffin, fueron dos de los
principales contribuyentes a Zap Comix del legendario Robert Crumb.
Mientras trabajaba en los cómics, Moscoso diseño portadas de revista,
vallas publicitarias y portadas de discos de Jerry Garcia, Bob Weir,
yHandcock Herbie, entre otros.



77

 Rick Griffin
 En la época gloriosa del hippismo hubieron innumerables creadores junto a los
músicos; si pensamos en comic sería complicado (e injusto) elegir entre Gilbert
Shelton o Robert Crumb; si intentamos buscar un poeta, la evidencia nos trae a
Allen Ginsberg; un ideólogo podría ser Timothy Leary, con permiso de
provocadores más enérgicos, como John Sinclair; un actor, clarísimo, Peter Fonda
(uhmmm, seguro que algunos meditarían entre Jack Nicholson o Dennis Hopper);
sería más arriesgado pensar en un cineasta, porque igual Jonas Mekas se decantaba
más por el rollo de la otra costa, tan warholiano él. De lo que no hay ninguna duda
es en la elección del cartelista, el ilustrador de aquel movimiento contracultural, casi
con letras destelleantes brilla el nombre de un genio llamado Rick Griffin.
 El trabajo de Griffin como cartelista es la misma descripción del estilo psicodélico,
creando tipografías que han perdurado como simbología del género y dibujos
ligados a los grupos y al sonido con el que se relacionaban. Portadista de algunas
obras mayores de finales de los 60 y correligionario de lumbreras que caminaban
por planetas paralelos cuando había que hacerlo.
 Nacido en Palo Alto, California, en 1944 y vinculado a la cultura nativo americana
debido a que su padre era arqueólogo aficionado, la experiencia india le influenció
enormemente en su posterior trabajo. Pero su primera pasión fue el Surf,
introducido por su amigo Randy Nauert (que formaría luego los excitantes The
Challengers). Los dibujos de surfers y estética de ese palo le permitieron entrar en el
staff de una revista de comics estrechamente relacionada con la escena surf, Surfer
magazine, la primera posibilidad de demostrar su talento con el personaje de

78
Murphy, que acabó siendo la mascota favorita de gran parte de los grupos
californianos de aquellos primeros sesenta.




 Stanley Mouse
 Stanley George Miller (nacido el 10 de octubre 1940), más conocido
como ratón y Stanley Mouse, es un americano artista , que destaca por sus
1960 psicodélicos concierto de rock diseños de carteles para el Grateful
Dead y Journey álbumes cubren art.

79
 En 1965. Ratón viajó a San Francisco, California , con un grupo de amigos de la
escuela de arte. Instalarse inicialmente en Oakland , Ratón reunió Alton
Kelley . Kelley, un artista autodidacta, había llegado recientemente de Virginia
City , Nevada , donde se había unido a un grupo de hippies que se llamaban a sí
mismos la Red Dog Saloon pandillas. A su llegada a San Francisco Kelley y otros
veteranos de la banda retitulado El perro de la familia, y comenzó a producir música
dance rock. En 1966, cuando Chet Helms asumió el liderazgo del grupo y comenzó
a promover los bailes en el salón de baile Avalon, ratón y Kelley comenzó a trabajar
en conjunto para producir carteles para los eventos. Más tarde, la pareja también
produjo carteles de promotor Bill Graham y otros eventos en la comunidad
psicodélica.
 En 1967, Miller ha colaborado con artistas Kelley, Rick Griffin, Victor
Moscoso y Wes Wilson para crear la Agencia de Distribución Bonaparte
Berkeley. [3]
Miller y Kelley también trabajaron juntos como artistas principales
de ratón Studios y The Monster Company - la producción de la cubierta del
álbum de arte para las bandas de Viaje y Grateful Dead . El Monster compañía
también desarrolló una línea rentable del coche de carreras memorabilia.
 Los carteles psicodélicos del ratón y Kelley produjeron fueron muy influenciados
por Art Nouveau gráfica, en particular las obras de Alphonse Mucha y Edmund
Joseph Sullivan . Material asociado con psicodélicos, como Zig-Zag papel de
fumar , también se hace referencia. La producción de carteles de publicidad para
estos grupos musicales como Big Brother y la Holding Company , Servicio de
mensajero del mercurio y Grateful Dead dirigida a satisfacer a los músicos y hacer
contactos que más tarde ser fructífera.


80


 Alton Kelly
 Alton Kelley se instaló en San Francisco en 1964 procedente
de Connecticut, aunque su lugar de nacimiento real fue Houlton, Maine,
donde había nacido el 17 de junio de 1940.
 Aunque nunca fue un académico, tenía formación de diseño industrial y era
un pragmático de la clase trabajadora que había pasado gran parte de su
vida trabajando como mecánico o soldador en una fábrica de helicópteros
en Connecticut, participando en carreras de motos y otros vehículos de
carretera.
 Cuando en 1965 se convirtió en miembro del colectivo hippie Family Dog,
comenzaría sus andanzas en la ilustración de carteles de conciertos. Sus
diseños cubrirían los tranvías, autobuses, los postes de telégrafos y las
paredes de San Francisco y alrededores.
 El historiador de rock Paul Grushkin, recuerda en su libro de 1987: “El Arte
de Rock: Carteles de Presley al Punk” que Kelley “… fue una de 10
personas en San Francisco que estaban a punto de marcar el comienzo de
la época hippie… No iba a reunirse en el café y a colocarse hasta el
hartazgo como los de la generación beat. Parecía un tío inocente y feliz.”
 Al contrario que sus otros cuatro grandes colegas del 2111, que
desarrollarían su arte a través de actividades más solitarias, continuaría con
su particular visión del mundo y de la música a través de la comunidad y de
sus asociados. Alton Kelley, proletario, vividor, esposo, padre, y gran artista
gráfico, dejaría este mundo el 1 de Junio de 2008 a los 68 años, retirado en
su casa de Petaluma, en la cuna de la psicodelia americana: California.

81



 Ray Smith
 Nacido en 1938 y fallecido el 16 de noviembre de 2009. Fue
unpintor peruano, siendo uno de los pintores más famosos y reconocidos

82
internacionalmente por la visión que demuestra por medio de sus obras
artísticas conocidas.
 Siendo el séptimo de trece hermanos trabajó como curandero. Debido a su
extrema pobreza, a los 10 años, comenzando su vida como curandero y
médico naturista.En la década de 1970, decide trabajar en la
Amazonía peruana y brasileña. Sin embargo, por los conflictos que hubo,
abandonó en la década de 1980.En ello cambió su profesión de curandero
con una ideología visionaria. Con esa profesión, fundó la escuela Usko-
Ayar, dedicada a su aprendizaje artístico que demuestra la alucinatoria
realidad selvática.



 Larry Carlson
 Es un revolucionario visionario artista multimedia. Su trabajo abarca una
gran variedad de formas, incluyendo la fotografía, el videoarte, el arte en la
web, collage, pintura, arte digital, animación, arte en texto, y el arte
sonoro. La mayor fortaleza de Larry Carlson es artísticamente que

83
representan las dimensiones místicas de la conciencia, persuadir a
nosotros en dulce epifanías espiritualizada un momento y luego sumergirse
en el frenesí que nos surrealista completamente extraña al
siguiente. La mayor fortaleza es que sus obras representan las
dimensiones místicas de la conciencia, persuadir a nosotros en dulce
epifanías espiritualizada un momento. Sus obras de arte da una especie de
representación desarticulada de la naturaleza resbaladiza de la mente
inconsciente.



 Michael Whelan
 Nació en Culver City el 29 de junio de 1950, California, hijo
de William yNancy Whelan. Cuando era niño, tenía una existencia nómada,
moviéndose casi cada dos años debido a las exigencias de la carrera desu
padre de la industria aeroespacial. En el momento en Whelan era
unestudiante de segundo año en la escuela secundaria, su familia se mudó
a Denver, Colorado. Fue allí donde comenzó su entrenamiento formal en el
arte, tomando clases de verano en Denver Rocky Mountain College deArte
y Diseño. Por su último año de escuela secundaria, su familia se
mudó nuevamente, esta vez a San José, California, donde se graduó de
Oak Grove High School en 1968.

84



 Ítem correspondiente a pintar
Preparación de las bombas rellenas de pintura con anterioridad al final la
obra podrá tener una apariencia de la siguiente forma

85
Guía sesión 3
A continuación se presenta la estructura de la metodología para la tercera
Nota: en la segunda sesión la actividad denominada pintar se desarrollara
sobre el cuerpo de los jóvenes estudiantes quien a través de bases corporales
y el proceso pintaran por primera vez en sus compañeros además de la
realización de esténcil
presentación
e instalación
15
minutos
ingresan los dos
coordinadores de la
para integrarlos
romper el hielo
con los jóvenes
para trabajar con
mayor confianza
se llevaran a
cabo actividades
de entrada
propuestas en el
material de
apoyo
Calentamiento
10
minutos
realicen unos
el calentamiento
ayuda a que el
cuerpo se
concentre y a
relajar la mente
exposición 1
10
minutos
apoyo
Acercar a los
jóvenes a las
ideas artísticas
que se les
pretenden
explicar

86
introspección
2
15
minutos
intercambien ese
pensamiento
Desarrollar a
través de lo
anterior una
relación entre
pensamientos e
ideas con el arte
y las
capacidades
para
expresarlas
pintar 40minutos
el cuerpo de sus
compañeros y se trabajaran
por duplas donde uno será
modelo y el otro artista
Convertir las
ideas en hechos
a través del
Body Painting
Extroversión
15
minutos
de todas las obras
Adquirir
habilidades
comunicativas
fortalecer la red
de apoyo de los
jóvenes
cierre
10
minutos
Concluir el
procesos
realizado el día
9
 Bases corporales
 Aceites naturales para el cuidado de la piel
 crema
 40 pinceles
 Guías artistas
Tiempo
veinte minutos.
9

87
Dirigido a:
estos mismos.
Dirigido por:
La actividad contara con dos responsables que se encargaran de los cuarenta
 Reforzar la red de apoyo entre los jóvenes
 Encaminar el taller en formas de emprender a través del arte y las
habilidades propias
 Reforzar el arte como vía de salida a los problemas
 Acercarlos a sus compañeros
 Ítem correspondiente a presentación
Para la realización de la tercera sesión se llevaran a cabo diferentes actividades
APRENDIENDO DE OTROS
OBJETIVO
I. Sensibilizar a los participantes sobre el aprendizaje que se puede obtener al
reflexionar sobre la vida de otras personas.
TIEMPO:
TAMAÑO DEL GRUPO:
Ilimitado
Divididos en subgrupos de 4 a 7
MATERIAL:
Fácil Adquisición
Una copia de la Hoja de trabajo y un
lápiz para cada participante.

88
participantes.
LUGAR:
Aula Normal
Un salón amplio y bien iluminado
acondicionado para que los
participantes puedan trabajar en
subgrupos.
DESARROLLO
CON FORMATO
I. El Facilitador en forma previa a la sesión en donde se realizará la dinámica, una
lista con los nombres de personas famosas. Estos personajes pueden ser
seleccionados de acuerdo al tópico que se espera que aprendan los participantes.
También es posible manejar en lugar de personajes famosos el nombre de los
propios participantes. La cantidad de personajes que se emplearán depende del
Facilitador.
II. El Facilitador distribuye los formatos al grupo y les explica que la dinámica
consistirá en que mencionará el nombre de una persona y cada uno en forma
individual anotará el nombre en la hoja de trabajo y llenara las columnas
correspondientes
III. El Facilitador menciona uno a uno los nombres de los personajes y permite que
los participantes llenen la hoja de trabajo.
IV. Una vez terminada la actividad anterior, el Facilitador integra grupos de trabajo
de cuatro a siete personas.
V. Cada subgrupo elige un coordinador y un secretario.
VI. El Facilitador les pide a los subgrupos que compartan con los demás
integrantes sus anotaciones con relación a cada personaje y juntos traten de
obtener un consenso.
VII. Al terminar la actividad anterior el Facilitador solicita a los subgrupos que se
integren en una sesión plenaria y les solicita que nombre un representante para
que presente al grupo sus conclusiones.
VIII. Cada uno de los representantes presenta las conclusiones de su equipo de

89
trabajo.
IX. El Facilitador guía un proceso para que el grupo analice la importancia que
tiene el aprender de otras personas y dirige al grupo a un análisis sobre el tema de
aprendizaje seleccionado.
HOJA DE TRABAJO
APRENDIENDO DE OTROS
Nombre del Personaje: ¿Qué podemos aprender de él?

90
 Ítem correspondiente a calentamiento
 Grafica Nº 1 CALENTAMIENTO
 Es importante realizar un calentamiento antes de empezar nuestro taller
 En esta imagen se muestran el calentamiento básico que se realizara en
cada sesión el orden y la intensidad con que se realizaran estos ejercicios
La tercera sesión del taller tendrá la siguiente línea temática “Introducción acerca
del apropiacionismo” como expresión relativa importante en la imagen en la cual
se abarcaran aspectos importantes de cómo ha influencia social, siguiendo con la
línea se dará “otra breve introducción al paisaje del movimiento Street art” que

91
incorpora como importancia el elemento gráfico y es la aplicación compleja de las
artes, muy expresiva, visual y socialmente incurrida. A partir de estas dos
temáticas se llega al Body art de manera externa, estas temáticas pueden dar una
mirada amplia al tipo de arte que se quiere construir con los alumnos, dentro de
una serie de aplicaciones que se darán en la terminación de la sesión.
Notas aclaratorias para el desarrollo de la tercera sesión
• A continuación se hace la aclaración que en la tercera se deja adjunto un
material teórico para uso de los coordinadores en posteriores aplicaciones del
taller pero que estas no condicionan en ningún sentido ni imposibilitan el hecho de
que los coordinadores alternen el uso de estos para que las sesiones si el
proyecto se implementa en el colegio no se den siempre con los mismos temas
• La explicación de esta base teórica se dará en el tiempo destinado a esta en el
apartado de la metodología de la primera sesión.
• La aplicación de este material se sugiere se de manera audiovisual a través de
una animación, vídeo o presentación aunque se puede generar a través de una
exposiciones con apoyo visual impreso.
Material de apoyo
Apropiacionismo
El apropiacionismo surge a finales de la década de los 70s y finales de los 80s en
Nueva York. Nace como respuesta a otros movimientos como el minimalismo y el
conceptualismo, que representaban el arte por el arte.
La apropiación, de una manera u otra, siempre ha formado parte de la historia de
la humanidad. La historia del arte tiene una larga tradición de los préstamos y el
uso de estilos y formas ya existentes anteriormente. Los estudiantes de arte
siempre han aprendido de artistas establecidos y han progresad artistas como Jeff
Koons, Barbara Kruger, Greg Colson y Malcolm Morley también trataron el tema
del apropiacionismo en sus trabajos. Para más construcción de tema en cuanto a
la historia referirse a material de apoyo No.1 en donde se dará un periférico de
como los medio además tienen un papel en esta cuestión.
El nombre de este movimiento proviene del concepto de “apropiación” porque sus artistas
se apropian de elementos de otras obras para crear una última obra completamente
nueva a la que se re-contextualizará dándole un nuevo significado. Para mayor
información sobre aspectos históricos del apropiacionismo referirse a material de apoyo
No.2

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