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2. El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de
la realidad objetiva.
Se encuentran algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban
las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como
por la profundidad psicológica. Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la
pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.
I. Ensor (1860-1949)
II. Edvard Munch (1863-1944)
III. James Ensor (Bélgica, 1860-1949)
IV. Emil Nolde (Alemania, 1867-1956)
V. Käthe Kollwitz (Alemania, 1867-1945)
VI. Franz Marc (Alemania, 1880-1916)
VII. Ernst Ludwig Kirchner (Alemania, 1880-1938)
VIII. Oskar Kokoschka (Austria, 1886-1980)
IX. Otto Dix (Alemania, 1891-1969)
X. George Grosz (Alemania, 1893-1959)
XI. Georges Henri Rouault (Francia, 1871-1958)
XII. Wassily Kandinsky (Rusia, 1866-1944)
XIII. Paul Klee (Suiza, 1879-1940)
- Utilización del color y el trazo para subrayar (expresar) simbólicamente unos estados de ánimo.
- Destrucción del espacio tridimensional.
- Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen.
- Aglomeración de formas y figuras.
- En general, predominio de trazos violentos, empastados y agresivos en Die Brucke, y de líneas curvas y trazos más sosegados en Der Blaue
Reiter.
- Colores intensos y contrastados (aplicados abruptamente en Die Brucke, y de forma más meditada en Der Blaue Reiter).

3. - Ausencia de carácter decorativo.
- Temática con especial atención a escenas de desnudos en el campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y representaciones armónicas de
la naturaleza.
Los recursos que utilizaron los pintores expresionistas para representar sus emociones fueron el color, el dinamismo y las formas rectas y
agudas. A través de ellos produjeron imágenes que, en muchos casos, resultaban agresivas para el espectador.
El expresionismo es la tendencia de un artista a distorsionar o deformar la realidad por efecto de las emociones.
El expresionismo en si expresa el comportamiento humano
Se trata de un arte que no quiere partir del mundo exterior para estudiarlo, conocerlo o representarlo, sino que pretende expresar el mundo
interior, la esfera emotiva o espiritual del artista.
El expresionismo constituye un vigoroso intento de reflejar la inquietud psíquica del hombre contemporáneo. La transmisión del sentimiento es
el propósito esencial de todos los artistas de esta tendencia. Aunque el expresionismo francés, por razones de tradición cultural, pone más
acento en la forma plástica, los representantes de la tendencia nórdicos y eslavos subrayan con énfasis la fuerza psíquica; el espíritu de sus
creadores es fundamentalmente romántico, libertario e individualista.
El tipo de expresionismo de Die Brücke, en las obras de Der Blaue Reiter eran más amables y líricas, predominando en ellas las líneas curvas
y los contrastes de colores más suaves, en contraposición a las obras más agrias, de líneas quebradas y contrastes cromáticos más exaltados
de Die Brücke.
I. Blanco de plomo (equivalente actual = blanco de titanio mezclado con blanco de zinc)
II. Amarillo de cromo (equivalente actual = Amarillo claro de cadmio)
III. Amarillo de cadmio medio
IV. Amarillo holandés (titanato de nickel)
V. Alizarina Carmesí.
VI. Azul cobalto
VII. Azul ultramarino
VIII. Azul de Prusia
IX. Verde viridian
X. Verde esmeralda
XI. Ultramar francés
XII. Sienna natural
XIII. Bermellón
XIV. Rosa madder
XV. Rojo bermellón auténtico
XVI. Rojo Madder (equivalente = alizarina carmesí)
XVII. Rojo de Cadmio Medio.
XVIII. Negro Marfil
XIX. Naranja de Nápoles
XX. Ocre naranja

4. I. Edvard Munch (El grito, Pubertad, Muerte en la alcoba.)
II. Emil Nolde (La última cena; Mask Still Life III.)
III. Käthe Kollwitz (Mujer con niño muerto; La viuda, Los sobrevivientes.)
IV. Paul Klee (La casa giratoria; Angelus Novus.)
V. Oskar Kokoschka (La diosa del aire; Autorretrato de un artista degenerado; El huevo rojo.)
VI. Otto Dix (La guerra; Jugadores de cartas; Retrato de la periodista Sylvia von Harden.)
VII. Georges Henri Rouault (Miserere (serie); El payaso trágico; crucifixión.)
VIII. Die Brücke (El Puente)
IX. Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)
El arte povera basa su estética en las relaciones entre el objeto y su configuración, valorando especialmente dos aspectos: por un lado, los
procedimientos entendidos como proceso de fabricación y manipulación del material, y por otro, los materiales. Estos dos elementos van
estrechamente relacionados de forma que hay obras que parten de determinada acción sobre el material (como pueden ser apilar, desgarrar,
torsionar); por el contrario, el artista parte de un material como por ejemplo fieltro, caucho, tierra, fuego… al que le somete a una determinada
acción.
I. Lucio Fontana 1899 - 1968
II. Fausto Melotti 1901 - 1986
III. Mario Merz (1925)
IV. Alberto Burri 1915 - 1995
V. Michelangelo Pistoletto 1933
VI. Piero Manzoni 1933-1963
VII. Giovanni Anselmo 1934
Utiliza materiales diferentes a los que se usan en la pintura como lo son la arena, madera, vidrio y aserrín. Los pintores utilizan diferentes
tipos de colores y en sus obras se pueden observar zonas con materiales y otras sin ellos.
Se trata de un arte objetual que aparece como consecuencia directa del arte minimal. Están estrechamente ligados, pero hay una diferencia de
conceptos, ya que el minimal posee una geometría muy estricta y el arte povera rechaza esa frialdad profundizando en la energía que desprenden
los materiales.
Es un arte intimista y personal muy ligado al movimiento hippie y underground de los años 60 italianos, de ahí la antipatía por las nuevas
tecnologías y la modernidad excesiva. Parten de la naturaleza para encontrar la energía elemental.

5. Sus obras parten de una acción, como modelar, estrujar, doblar… una transformación natural del material, o bien parten del propio material
que con un pequeño movimiento o acción se transforma, como por ejemplo el fuego o el hielo. Hay elementos que sostienen este tipo de arte:
la improvisación, el público y el artista mismo
I. procesos naturales biológicos como el crecimiento y el marchitamiento.
II. carbón,
III. plantas
IV. sacos
V. cuerdas
VI. troncos
VII. tierra
VIII. grasas
IX. hierros
X. animales.
I. Iglú de Giap de Mario Merz
II. Venus de trapos de Michelangelo Pistoletto
III. Senza Titolo de Giovanni Anselmo
IV. 12 caballos de Janis Kounellis
El surrealismo es un tipo de producción artística y literaria que contribuyera con el cambio del mundo.
I. André Breton, Padre del surrealismo (1924)
II. La persistencia de la memoria, Salvador Dalí (1931)
III. Remedios Varo, Creación de las aves (1957)
IV. El Carnaval del Arlequín, Joan Miró (1924)
V. Guernica, Pablo Picasso (1937)
VI. Los amantes, René Magritte (1928)
I. Aerografia
II. Ahumado
III. Automatismo
IV. Bulletismo

6. V. Cadáver exquisito
VI. caída de un líquido en una superficie vertical
VII. caligrama
VIII. Collage
El surrealismo figurativo que enfatiza situaciones o imágenes por medio de líneas y curvas exageradas, mientras que utiliza colores moderados,
y el surrealismo abstracto, por su parte, busca anticiparse a lo que puede pasar, es decir, ser espontáneo, mucho más liberal y fuera de sentido
alguno, esta forma del surrealismo utiliza colores muy brillantes, aunque suele utilizar en mayor cantidad los tres primarios, rojo, azul y amarillo.
La paleta de color que maneja en sus diseños, son el blanco y el negro como principal protagonista, rojos, rosas, naranjas. Pero no hace
hincapié exclusivamente en los saturados, siéndole fiel a Dalí, que jugaba con colores como los celestes, blancos, tierras, dorados, y más apagado.
La esencia del surrealismo que era lo irónico y peyorativo. Sin dejar de lado los colores saturados, las estampas y los géneros. Los colores
prevalecen en los dorados, marrones, cobres, amarillos, rojos, blancos y negros, pero nunca cierra la opción de optar por un saturado como un
rojo vivo o un verde. En un principio está fuertemente ligado al artista español, Dalí y por sobre todo a René Magritte. Pasa de jugar con las
telas como la seda, a utilizar el simbolismo como las sogas y cuerdas de Magritte en donde plasma también, máscaras y bolsas que cubren la
cara, haciendo una bajada literal del artista al diseño. El misterio de sus diseños hace que éstos sean de una fuerte carga surrealista.
I. Salvador Dalí: la persistencia de la memoria y jirafa en llamas
II. René Magritte: El hijo del hombre, Los amantes y la serie, La traición de las imágenes con Ceci n’est pas un pipe.
III. Joan Miró: Paisaje Catalán y El carnaval de arlequín.
IV. Remedios Varo: La ciencia inútil o El alquimista y Papilla Estelar. Asimismo, forjó una gran amistad con la artista surrealista Leonora
Carrington.
V. Leonora Carrington: The Giantess, Green Tea y El mundo mágico de los mayas.
VI. Max Ernst: Celebes y Ubu Imperator.