1. Historia del Arte Realizado por: David Cruz Cruz 2º Bachillerato Ciencias Sociales

3. Surrealismo El surrealismo es una tendencia artística surgida entre los años 1920 y 1930. Su aparición oficial se concibe en 1924, con la redacción de "El Manifiesto Surrealista" por el poeta y crítico francés André Breton. Al principio este fue un movimiento literario y filosófico pero los pintores no tardaron en incorporarse a él. El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria . Índice

4. Surrealismo El artista ya no se conformaba con ir a la estructura de las cosas o del movimiento; querían ver la realidad que se esconde debajo de la conciencia. El cubismo había deshecho la tercera dimensión proyectando aquel lado de las cosas que solamente se pueden ver en distintos tiempos. El surrealismo trata de proyectar el interior a base de imágenes tomadas tanto de lo real como de lo onírico. El surrealismo se aplica mejor a las técnicas de la pintura que a las literarias. Mientras los escritores surrealistas cayeron en discusiones que los dividieron, fueron los pintores quienes difundieron y dieron a conocer el movimiento en todo el mundo. Índice

6. Abstracción El comienzo de la abstracción se produce hacia 1912 con la obra de los artistas Kandinsky y Klee. Esos dos artistas formaban parte del grupo expresionista El jinete azul y al igual que los expresionistas de El Puente , su afán estaba puesto en la renovación del arte, la búsqueda de lo esencial y el rechazo del impresionismo su afán estaba puesto en la renovación del arte y la búsqueda de lo esencial. La pintura abstracta se desarrolló durante la segunda década del siglo XX en países tan diferentes como Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos. Este movimiento que ya iba apuntando desde finales del siglo XIX, busca la renovación absoluta de la pintura. Con su cuartel general en París, comienza presentando dos vertientes: una, cromática, y otra, geométrica. Vassily Kandinsky, estuvo influenciado por la Bauhaus (escuela de arte y de arquitectura, fundada por Walter Gropius en Weimar en la primavera de 1919 y clausurada por los nazis en 1933. Índice

7. Rasgos abstractos Índice Improvisación 7 - Ausencia de perspectiva o cualquier convencionalismo de ilusión espacial - Concentración de la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual - Empleo de manchas y trazos con hallazgos aleatorios - Reducción de la pintura a ella misma: el color se convierte en su método, objeto y materia.

12. Técnicas empleadas. Composición, color y luz La disposición de los elementos del cuadro resulta lógica, puesto que, se trata de una habitación con su ventana, suelo, cuadros, su naturaleza a través de la ventana...etc. A su vez, producto de esa lógica creada por Miró, la composición pictórica está lograda, es decir, aunque no es muy excesiva la sensación de profundidad se aprecia un pequeño intento de reflejarla, estableciendo ciertos elementos junto a otros. Además, se puede apreciar como Miró dispone la composición en torno a tres ejes, marcados en el lateral de la habitación, que lo dota de cierta profundidad.. Índice Otro elemento de gran importancia como es la luz, se ve reflejado en la obra subjetivamente. Puesto que la gama cromática de la obra es importante, dicha “viveza de colores” ayudan a Miró a reflejar y a transmitir esa sensación de iluminación, de perfecta claridad que ayuda a que la obra se vea nítida y clara, sin atisbo de reflejar tonalidades tenues u oscuras. En cierta medida, esa luminosidad es reflejada por la tonalidad del color amarillo, que proporciona una sensación de luminosidad y profundidad. Estilísticamente se une a Carnaval del Arlequín en colorido en el uso del azul, amarillo, rojo y blanco que crean las figuras y un fondo indefinido dividido en dos franjas para crear una sensación espacial de habitación en la que ocurre la escena, es decir, un espacio pictórico, no ilusionista, que no debe nada a la perspectiva tradicional, todo a la pintura donde deja que afloren formas y líneas que crean figuras que aluden al mundo irreal creado conscientemente por Miró.

13. Técnicas empleadas. Composición, color y luz A diferencia de la obra de Miró, la obra de Kandinsky resalta por por el “caos organizativo” que sufre la obra. Como se puede apreciar, la disposición de los elementos que configuran la obra no responden a ninguna preferencia o regla, propio del arte abstracto. Un aspecto a destacar, sería la alternancia de composiciones geométricas que ayudan a acrecentar la sensación de desorden que la obra acusa. Todo ello, es utilizado conscientemente por el autor, que desea reflejar la fuerza interior de los objetos geométricos. Kandinsky encuentra una conexión entre la pintura y la música que dan como resultado una serie de formas muy creativas, de gran libertad expresiva, en las que los colores son los protagonistas absolutos de sus composiciones abstractas . Índice Para Kandinsky, las formas no debían estar condicionadas por las apariencias exteriores de las cosas sino por una fuerza interior, por esa necesidad que le hace al artista crear. A través de esa fuerza interior, el pintor quiere suscitar emociones en el espectador que vayan más allá de las simples sensaciones y le liberen del materialismo de la vida moderna .

14. Volumen y líneas utilizadas Kandinsky utiliza en la composición una cierta armonía entre las formas geométricas simples (rectángulo, círculo, triángulo) y la gama cromática que la composición posee. El propósito era crear un mundo privado de objetos, deseaba construir sólo con imágenes coloreadas . La línea utilizada por el pintor, no es muy remarcada, provocando que en la obra exista una “explosión de color”. Es reseñable la utilización del volumen que realiza el pintor. Es una mezcla de volúmenes amplios y pequeños, con los que Kandinsky busca reflejar la multiplicidad de puntos de vista que tiene la realidad. Se puede apreciar que el autor superpone elementos de su composición en el centro de la obra. Con ello, parece dar una “sensación” de espacio tridimensional o profundidad, que es ficticia, partiendo todo de la propia sensación al contemplar la obra. Índice

15. Volumen y líneas utilizadas Índice Miró, al igual que Kandinsky, no hace gala en su obra de remarcar el contorno de sus figuras, para favorecer en mayor grado, la “exclusividad” del color, es decir, no necesitando de ningún añadido en los contornos de las figuras reflejadas en la composición. Joan Miró emplea volúmenes curvos y rectilíneos para combinar la multiplicidad de objetos que inserta en su obra. La distinción entre realidad e irrealidad en la obra está muy conseguida, gracias a que la representación de la habitación con la significación de elementos propiamente “surrealistas”, ayuda a reflejar ese choque entre la realidad e irrealidad. A menudo hay líneas que actúan como elementos unificadores de la diversidad de objetos, constituyendo verdaderas confabulaciones entre formas diversas que permiten expresar el sentimiento en el microcosmos de Miró. Los signos con que pinta los objetos se irán definiendo y simplificando a lo largo de su obra.

18. Más sobre Miró Joan Miró Norte – sur (1917) La granja (1921) Desnuda con un espejo (1919) Índice

19. la escalera que es la de la huída y la evasión, pero también la de la elevación, los animales y sobre todo los insectos, que siempre me han interesado mucho. La esfera oscura que aparece a la derecha es una representación del globo terráqueo, pues entonces me obsesionaba ya una idea: “¡Tengo que conquistar el mundo!”. El gato, que lo tenía siempre junto a mí cuando pintaba. El triángulo negro que aparece en la ventana representa la Torre Eiffel. Trataba de profundizar el lado mágico de las cosas. Por ejemplo, la coliflor tiene una vida secreta y eso era lo que a mi me interesaba y no su aspecto exterior. Durante ese año frecuenté mucho la compañía de los poetas porque pensaba que era necesario ir más allá del “hecho plástico” para alcanzar la poesía”. “ Lo pinté en mi taller de la Rue Blomet. Mis amigos de aquel entonces eran los surrealistas. Intenté plasmar las alucinaciones que producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como propugnaban entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una especie de trance, parecido al que experimentan los orientales. Entonces realizaba dibujos preparatorios del plan general de la obra, para saber en que sitio debía colocar cada cosa. Después de haber meditado mucho lo que me proponía hacer, comencé a pintar y sobre la marcha introducía todos los cambios que creía convenientes. Reconozco que El Bosco me interesaba mucho, pero yo no pensaba en él cuando trabajaba en “El Carnaval”. En la tela aparecen ya elementos que se repetirán después en otras obras: Índice El Carnaval de Arlequín Joan Miró, 1925

20. Curiosidades Miró "Cuando me coloco delante de un lienzo no sé nunca lo que voy a hacer; y yo soy el primer sorprendido de ver lo que sale". ¿Qué leía Joan Miró? De todo, pero sobre todo a los poetas franceses. Lautréamont, Baudelaire, Jarry, D.H. Lawrence, Lewis Carroll, Goethe o Nietzsche, entre muchos otros, pueblan su biblioteca. Sus amigos surrealistas -André Breton, Paul Eluard o Aragon- no sólo le dedicaban sus propios libros sino que le recomendaban clásicos como Apollinaire o Rimbaud . Índice

21. Más sobre Kandinsky Vassily Kandinsky Moscú I Pareja a caballo Índice “ En la pintura , una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana.”

22. Bibliografía Índice Kandinsky, Wassily: De lo espiritual en el arte, Premia editora S.A. 5ª edición, 1989 Peláez Malagón, J. Enrique: Pintura surrealista, Universidad de Virginia (EE.UU.) Fundación Joan Miró www.wikipedia.es www.elmundo.es www.arteguias.com www.artehistoria.com www.webs.ono.com/pedabagon/pedro www.elpais.es