Síntesis libro "Diseño Fotográfico" de Hugh Marshall

1. Diseño fotográfico
CÓMO PREPARAR Y DIRIGIR FOTOGRAFÍAS PARA EL DISEÑO GRÁFICO
HUGH MARSHALL
PRESENTACIÓN DEL LIBRO
EDITORIAL: GUSTAVO GILI
AÑO:1994
POR CRISTOFER DÍAZ

2. Índice
 D.3: Estructura del libro
 D.4: Contenidos del libro
 D.5: Introducción
 D.6: Preparación de la agenda
 D.9: Proyectos fotográficos
 D.22: Equipos y técnicas de iluminación

3. Estructura del libro
Este libro es un manual para orientar en todo lo posiblemente necesario a un director de arte que deba
trabajar con fotografía y se divide en cuatro partes:
 Introducción: se explica el valor de la fotografía en el aspecto comercial del diseño, principalmente, por
su gran capacidad comunicativa y artística.
 Preparación y planificación: se explican los diferentes pasos y aspectos a considerar en la elaboración de
fotografías de carácter comunicativo-funcional. Estos son la intención comunicativa, el formato deseado,
el tipo de fotógrafo, el espacio físico y las tomas.
 Proyectos fotográficos: en esta parte se definen y se explica cómo llevar a cabo trabajos con fotografías
de naturalezas muertas, de alimentos y vinos, de edificios y maquinarias, de figuras humanas y de
reportaje. Se explican sus diferentes usos según el formato de presentación.
 Equipos y técnicas de edición: apunta al área más práctica de la tecnología fotográfica análoga, como
las cámaras, las ópticas, la iluminación, la edición y modificación de colores, entre otros.

4. Contenidos

5. 1.Introducción
El impacto de la fotografía
 La fotografía comercial tiene la capacidad de
describir, de trasmitir una atmósfera, divierte,
tiene expresión artística y un sinfín de utilidades
prácticas. Muestra realidades: objetos, paisajes,
personas; pero permite adherir intenciones
comunicativas de los autores, logrando provocar
sensaciones, promover ideales y motivar
conductas.
Comprensión del medio fotográfico
 Para una comunicación exitosa, el director de
arte debe tener conciencia de las potencialidades
y limitaciones de la fotografía, del autor y de los
implicados en la toma. El director tiene que
tener un basto conocimiento técnico para la
fotografía: cada toma implica tiempo y dinero.
Por eso es necesario adiestrar la mirada y
conocer las condiciones técnicas para comunicar
correctamente. Asimismo, para elegir al
fotógrafo indicado, en el caso de un director de
arte.
En términos de diseño con fines comerciales,
la fotografía tiende a ser la solución visual
más satisfactoria: Un folleto de viajes o un
libro de cocina pueden quedar bonitos con
dibujos y pinturas, pero el efecto no será el
mismo.

6. 2. Preparación de la agenda
La selección del fotógrafo y de la imagen adecuados, la
formulación de la agenda creativa, la planificación del
tiempo y del presupuesto son parte de la responsabilidad
del director de arte, y para ello, es fundamental la
preparación previa.
• El primer paso es la discusión de la agenda con el
cliente de acuerdo con su encargo, tomando nota de
todos los requerimientos especiales. Mediante
imágenes se busca lograr acertar al estilo visual
deseado.
• En un segundo paso, la tarea del director es satisfacer
los deseos y expectativas del cliente de la forma más
creativa y eficaz. Con mucho detalle, debe quedar
claro para que calce con la intención editorial del
cliente, o para que un equipo de fotógrafos logre un
trabajo coherente, si fuese necesario más de uno.
• El siguiente paso es el boceto, el que debe ser
detallado y contar con la planificación de todos los
creativos y los autores de las fotografías.

7. Fotografía de catálogo o encargo
 Existe la posibilidad de comprar fotografías a
bancos de imágenes. Además del requisito
fundamental de encontrar la toma y expresión
necesaria para el trabajo que se está realizando, es
importante contar con la exclusividad: “no hay
cosa peor que ver cómo la imagen que hemos
seleccionado tan cuidadosamente es utilizada, de
modo simultáneo por una revista o agencia rival”.
Fotógrafo adecuado
 Es importante preparar archivos de referencias donde hallar
estilos y autores nuevos e interesantes. Por otro lado, las
asociaciones de fotógrafos son buena fuente de referencias,
al igual que revistas de diseño. Es necesario estar en
permanente actualización de los estilos, porque las modas
cambian constantemente.
¿Estudio o exteriores?
 La intención, el cliente, el protagonista de la foto, los
costes, el transporte y el tiempo son algunos de los
elementos que deben considerarse para una decisión que
parece fácil. La luz natural y la luz artificial tienen
implicancias comunicativas y también técnicas (maquillaje,
condiciones climáticas, filtros).

8. Preparación de las tomas
Tras contactar al fotógrafo, un boceto retroalimentado en conjunto
es el punto de partida. Según las exigencias del trabajo puede ser
necesario un equipo. Pueden ser necesarios ayudantes,
maquilladores, peluqueros, auxiliares. La planificación permite la
eficacia. Es necesario un administrador del dinero. También,
considerar todos los posibles materiales que se necesiten para lograr
la imagen bocetada. Es importante estimar todos los costos en esta
parte y detallarlos. Además, es necesario un contrato de acuerdo de
las partes y un documento de finalización para el término del
trabajo.
Copyright
Según el copyright vigente por la norma de 1989, el primer
propietario es el que paga por la fotografía. Pero en el caso de un
fotógrafo que actúa por cuenta propia, el trabajo es suyo hasta 50
años después de su muerte. Por esto, es importante que el director
de arte logre un acuerdo conveniente, consensuado y firmado.

9. 3. Proyectos fotográficos
Naturalezas muertas
Es la base fotográfica para muchos autores. Tiene gran variedad
de usos, como en catálogos, cubiertas de libros y anuncios
publicitarios. Es necesario decidir qué objetos deben predominar,
ya que no todos pueden tener igual énfasis. Su ventaja es que no
tienen movimiento, pero los reflejos deben estar muy
controlados. La atmosfera deseada será el parámetro para los
artículos que complementen. Cobra valor el ángulo, la luz y las
sombras, que variarán según el objeto.
 Catálogos: La planificación es primordial. El mercado del
catalogo definirá el estilo fotográfico: una fábrica
especializada debe ser regular y constante en su enfoque;
los bienes domésticos bien iluminados, con bienes auxiliares
apropiados y personas usándolos.
 Cubiertas de libros y fundas de discos: Los objetos
fotografiados son muchas veces los principales
comunicadores en las fotografías de portadas. Este tipo de
fotografía permite pruebas con distintas ópticas y objetos,
además hay mayor permiso para la edición digital.

10.  Revistas y folletos: Las revistas son una de las principales
fuentes de fotografías de gran calidad. Varían mucho según
el mercado y su estilo editorial. Por lo general, los objetos
principales están claros y con una luz simple, idealmente
natural. Incluye muchas fotos complementarias, para
completar la atmosfera de lo que se muestra.
 Publicidad: Junto con las revistas, la publicidad tiene gran
presupuesto y, así, más exigencia. Las naturalezas muertas
en publicidad son muy frecuentes y se clasifican en dos
categorías. En primer lugar, las representaciones directas de
los objetos mismos que buscan publicitar. En segundo lugar,
un estilo más diverso y abstracto.

11. Fotografía de alimentos y vinos
 Los alimentos pueden ser utilizados como decorativos y sin intención
“pedagógica”. Entonces, la composición puede variar, jugando con planos,
sombras y otros ángulos que busquen crear atmosferas por sobre todo.
 El autor propone estudiar el tiempo y presupuesto. Las imágenes con poco
fondo tienen mayores resultados y es primordial, que los objetos se vean
frescos. El orden lineal en una superficie plana puede tener un buen efecto
cuando se trata de ingredientes crudos. Las frutas agrupadas en una fuente
logran algo similar. Asimismo, los frutos partidos, junto con queso y vino
tienen buenos efectos. Por otro lado, la comida cocida es algo más
complicada, ya que debe mostrarse en primer plano en su proceso de
elaboración y demostrar que es comestible.

12.  En estudio, deben estar cuidados los elementos para producir la
fotografía y a la vez los elementos auxiliares que acompañarán la
escena. Los alimentos deben ser, idealmente, muy decorados y
coloreados, el fondo oscuro y sencillo. Generalmente, el ángulo es
lateral o anguladas más o menos verticalmente. También se usa la
decoración “romántica” con ventanas que muestren paisajes o con
decorados sutiles. Es importante la relación de los platos y el
contexto que tendrá la imagen y todos los ingredientes deben
verse claramente.
 Los alimentos pueden ser utilizados como decorativos y sin
intención “pedagógica”. Entonces, la composición puede variar,
jugando con planos, sombras y otros ángulos que busquen crear
atmosferas por sobre todo.
 En el caso de alimentos envasados, deben ser fotografiados junto
con su envase. Se usa primer plano y un color sólido de fondo o un
escenario poco llamativo. Esto es lo más universal dentro de esta
categoría. Los alimentos enlatados no entran en estas directrices,
por lo que se presta para propuestas más aventuradas.

13.  Las fotografías de comida al exterior necesitan más
dedicación. En el estudio hay más control (luz,
clima, temperatura de la comida) y menos detalles
visuales que considerar.
 En bebidas un objeto inmediato de atención es la
iluminación y su reflejo en los envases. Se puede utilizar una
iluminación trasera para poder definir el líquido cuando es
oscuro en una botella, la que debe ser uniforme (desde los
lados y arriba). Se usa también la iluminación del fondo,
buscando dar contraste. Si se debe mostrar la etiqueta de un
envase, se recomienda servir el líquido en un vaso o copa,
mostrándolo fuera y permitiendo facilitar la iluminación
frontal, por sobre la trasera de la botella. Los fondos y
objetos auxiliares se usan para contextualizar el producto.

14. Edificios y maquinaria
 La forma y la composición globales son esenciales para la idea
y atmósfera. La mayoría son en exteriores y, en el caso de los
vehículos y máquinas, en funcionamiento.
 Las máquinas en funcionamiento se benefician del contacto
humano. Depende de la función y el tamaño, puede bastar con
unas manos o con un plano general y personas moviéndose.
 Es importante saber la intención de la fotografía: ¿se quiere
mostrar la restauración del edificio o es para un folleto
publicitario de una vivienda? En el primer caso, radica en
promover sensaciones y actitudes positivas sobre la estructura
del edificio e informarlo de su importancia cultural en la
sociedad; mientras que, en el segundo, debe mostrar seguridad
y comodidad. Estas atmosferas dependerán de la utilización de
la luz, la colocación de la cámara, del color y del fondo.

15. .
 En la arquitectura, la perspectiva es primordial, ya que otorga
proporciones. La materialidad y estilo arquitectónico definirá
los recursos técnicos necesarios: una pared de piedra iluminada
necesita más contraste para mostrar la textura y una iglesia
muy decorada obligará a elegir detalles que comuniquen más
que otros.
 En grandes construcciones, una perspectiva sencilla pero que
muestre lo enorme de una construcción puede ser suficiente.
En construcciones pequeñas, los paisajes y contextos aportan
significados.
 La arquitectura moderna obliga a un tratamiento distinto y
posibilita al fotógrafo a jugar con tomas más abstractas, como
la utilización de estructuras contiguas, patrones de formas y
reflejos.
 En la arquitectura doméstica, los árboles dan valor al
encuadre. Esta fotografía debe comunicar amabilidad y
familiaridad, con tomas más cercanas y acción humana

16.  En interiores, el tema es el contraste de luz, por lo que se usa
iluminación artificial y natural, que dependerá de la intención: un
restaurant tiende a ser más oscuro y basta con luz natural para dar
tranquilidad en una comida.
 Las maquinas de gran tamaño usan colores brillantes, lo que abre
posibilidades de colorear las fotografías, aportando mucho, ya que es
necesario dar energía a las fotografías. La acción y los operadores
suman, también, en este caso. Es importante la perspectiva, mostrar
la magnitud y la versatilidad de estas máquinas (ángulo tres cuartos).
Los vehículos deben estar limpios.

17.  Los automóviles tienen tres modos principales para ser
fotografiados: en movimiento (deportivos), en paisajes
sugerentes (de carrera o autos de usos específicos) y en un
ambiente doméstico y amistoso (normales). Se pueden usar
lentes zoom, cambiando la distancia focal para registrar el
movimiento del auto en varias ocasiones. El desenfoque ayuda
cuando hay más autos en escena.
 El movimiento debe mostrar velocidad, pero también seguridad:
debe asegurar que no está sobrepasando la velocidad límite.
 El entorno seleccionado para un auto estacionado depende del
mercado y el tipo de vehículo. Las fotos de galerías permiten el
uso de un estudio, mostrando otro tipo de detalles.

18. Fotografía de figuras humanas
 Las personas pueden ser protagonistas, como en una entrevista, o pueden ser un
complemento, como en un catálogo de productos. En este tipo de fotos tiene gran valor
las relaciones humanas, por lo que importa un ambiente de relajo y comodidad para el
fotógrafo y los modelos, aunque se recurran a modelos profesionales.
 Los niños dan un toque natural cuando se fotografían en sus contextos. Su motivación
se puede expresar fácilmente en las fotografías.
 Los retratos pueden ser de carácter subjetivo y dramático o pueden ser de variedad
objetiva y realista. En estos trabajos el énfasis lo da el juego de la iluminación y los
gestos. Por ejemplo, en rostros jóvenes es mejor utilizar una luz más plana y ligera;
mientras que en rostros de mayor edad, se usan contrastes de luces y sombras.
Generalmente se usan tomas de ¾, pero en ocasiones los perfiles pueden ser una buena
fotografía. Según la persona, le vendrá mejor una fotografía sentado o una de pie.

19.  En las fotografías de desnudos la luz juega un papel importante
en la comunicación: natural, para elegancia y sutileza; luces
audaces, para fotos más atrevidas. Los espacios domésticos y
los tonos generalizados funcionan bien. Los detalles como
colores y accesorios deben ser bien estudiados según el
mercado de la fotografía, para que sean de buen gusto.
 La fotografía de moda se divide en dos: catálogos, con un
aspecto corriente, y de trabajos de alta costura, con modelos
diferenciados. En el primero, se busca identificación, para
motivar ventas. Es importante la selección de los vestidos por
especialistas. La alta costura opera con ideas y con estilo, y las
modelos deben representar ambos. El fotógrafo también debe
lograr expresar ese estilo del cliente.

20. Fotografías de reportaje
 Se usan para registrar acontecimientos y paisajes reales. Sus autores,
generalmente, son periodistas gráficos y pueden incluir diversos
temas. Como son tomas exteriores, el papel del director de arte se
reduce al encargo, la selección y la edición de fotografías. Es muy
importante la elección del fotógrafo, según el juicio de este y la
especialización de este (viajes, naturaleza, guerra), ya que las
escenas son irrepetibles en este tipo de trabajo.

21. Fotografía urbana y de paisajes
 La fotografía urbana y paisajes tiende a tener un carácter subjetivo y la atmosfera se da con la
iluminación, por lo que es necesario definir el lugar y el momento del día para llevarla a cabo. Es
recomendable delimitar el espacio de trabajo, por ejemplo, a seis calles para ser eficientes. Es
necesario considerar los elementos verticales energéticos que pueden romper con la horizontalidad
de estas fotos, como los faroles y luminarias. Las composiciones en paisajes, generalmente, son
fotogénicas: el orden natural de los montes, rocas y árboles. El paisaje también puede narrarse
recurriendo a detalles como las texturas de elementos naturales.
De deporte y ocio
 En fotografías de deporte, es esencial la planificación
para sacar el mayor provecho posible, considerando las
etapas de comienzo, fase central y clímax. Un buen
fotógrafo será apto para captar todos estos momentos.
Los planos generales aportan contexto, los primeros
planos comunican más que todo. La tarea del director
de arte puede estar en el recorte, que ayuda a centrar
la atención.

22. 4. Equipos y técnicas de
iluminación
El conocimiento de la técnica es vital para el
director de arte. Las principales son el flash
electrónico y la luz de tungsteno, que busca
reemplazar la luz natural para los trabajos de
estudio. Se utiliza una segunda luz en la mayoría
de los trabajos que se llama luz de relleno o
reflejada, que aporta realce, equilibrio y suaviza
las sombras.
 El flash es el más utilizado porque es más simple y
congela el movimiento. Su problema es que el
fotógrafo queda restringido a la velocidad que su
cámara se sincronice con el flash. La iluminación con
tungsteno muestra más claro cual será el resultado
final, pero aumenta la temperatura y reduce la
profundidad de campo al obligar a usar un diafragma
más cerrado, por ser más oscura. La tercera más
usada, es la luz diurna que da un aire más natural y
menos forzado.

23. Técnicas de iluminación
 El flash tiene una luz dura, por lo que se han desarrollado distintos
cabezales para obtener un destello difuso. La luz del flash debe evitarse
de manera frontal, por lo que se usan difusores. Una herramienta
frecuente y útil es la sombrilla difusora de luz, además de otros
difusores como gelatinas coloreadas, materiales reflectante o, incluso,
una hoja de papel.
 El fondo continuo es sumamente útil para fotografías objetos pequeños.
Este consiste en un papel curvo y sin costuras montado, el que debe ser
iluminado por arriba y con un filtro para evitar contrastes duros.
Localizaciones naturales
 Puede significar cualquier cosa, como desiertos o calles. Pero en todos,
la luz solar y ambiental son susceptibles a ser la iluminación principal,
apoyado con flashes y reflectores. En este tipo de locaciones, se debe
considerar la hora del día. También la temperatura de color.

24. Manipulación de la imagen, colores y montajes.
 La atmosfera y el aspecto de una foto se pueden seguir
manipulando tras su creación. El modo más básico en que
un director de arte puede manipular una imagen es con el
reencuadre y el redimensionado (ampliación o reducción),
pudiendo eliminar espacios de la fotografía que no aporten,
asegurando que todo sume o que haya “periodos de
descanso” que centren la atención en el objeto
protagonista. Con estas herramientas se puede ganar
movimiento y dar relevancia a la acción.
 Se pueden realizar modificaciones del tono y el color de la
fotografía análoga con el uso de distintos tipos de papeles
fotográficos. Así mismo, la manipulación de la imagen se
puede hacer con métodos como el teñido y el coloreado a
mano de estas fotografías. Con la manipulación de los
negativos en el revelado, se pueden realizar montajes y
editar el contenido de las fotografías.
 Todos estos efectos (y más) se pueden conseguir con las
–entonces- nuevas máquinas de edición, de una manera
electrónica e innovadora para la época. Estas son las
máquinas EPM, que (en 1990) funcionaban mediante
transparencias y scanner, permitiendo la manipulación en
ordenadores.