1. m

2. Es el arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra,
madera u otro material. Es una de las Bellas Artes en la
cual el artista se expresa mediante volúmenes y
espacios. La escultura incluye las artes de talla, cincel,
fundición y moldeado.
Hablamos de estatua o estatuaria cuando nos
referimos a esculturas que representan la figura
humana.

4. Podemos diferenciar dos grandes grupos de esculturas:
- De bulto redondo o exentas
- Relieves

5. Es aquella que se puede
contemplar
desde
cualquier punto de
vista a su alrededor.
Si se representa la
figura
humana
se
denomina estatua.
Si la estatua representa
a un personaje divino o
está hecha para el culto
religioso
se
llama
imagen.

6. Es aquella que está
realizada o adherida sobre
un muro o cualquier otra
superficie, por lo que tiene
un único punto de vista
que es frontal.
Según lo que sobresale del
plano se clasifica en:

7. Altorrelieve: la figura
sobresale más que la
mitad de su grueso.

8. Medio relieve:
sobresale la mitad.

9. Bajorrelieve:
sobresale
menos de la
mitad.

10. Hueco relieve: no
sobresale del plano
del fondo, sino que
se rebaja el volumen
a su alrededor.

11. Busto: Sólo representa la cabeza.
Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.
Sedente: Sentada.
Yaciente: Tumbada.
Orante: De rodillas.
Oferente: Presenta una ofrenda.
Ecuestre: A caballo.
Grupo: Lo que su nombre indica.

12. Busto:
Sólo representa la
cabeza hasta los
hombros. En
ocasione hasta la
altura del pecho.

13. Torso: Le falta la
cabeza, piernas,
brazos.

14. Escultura Sedente: Se
representa sentada. A veces
el asiento es un objeto real.

15. Escultura Yacente: Está tumbada.

16. Escultura Orante: De rodillas.

17. Escultura Oferente: Presenta una ofrenda

18. Escultura Ecuestre: Se representa subida a caballo.

19. Grupo Escultórico:
Compuesto por
más de una
figura.

20. Para poder realizar un correcto comentario de las
esculturas que vamos a ver, es necesario conocer las
técnicas escultóricas. Aunque eso lo estudiaremos en
un tema aparte, en este video podemos ver un rápido
resumen de las principales.
En este otro video, nos dan las claves de los puntos más
importantes para realizar un comentario de una obra
escultórica.

23. El arte prehistórico se remonta al Paleolítico inferior, cuando el hombre
cortaba el sílex golpeando el mismo contra otra piedra. De esta manera se
conseguía el bifaz, una herramienta con punta y corte que utilizaban para
defenderse y para descuartizar y aprovechar la carne de los animales.
Bifaz, herramienta para
cortar y tallar

24. La mayoría de estatuillas de la edad de
piedra fueron hechas de marfil o piedra
blanda, sin embargo, han sido encontradas
figuras de barro con forma humana y
animal.
Aparecen representadas las primeras
figuras humanas femeninas de piedra, que
muestran una gran exuberancia en una
exaltación a la fertilidad; hay ejemplos de
entre 27.000 y 32.000 años de antigüedad.
Estas figuras se conocen con el nombre
genérico de «Venus», y entre todas las que
nos han llegado cabe destacar la Venus de
Willendorf (24.000-22.000 a. C.), la de
Brassempouy y la de Lespugue.
Venus de Willendorf

25. Es un arte simbólico, con
connotaciones mágicas. Se
consideran que son ofrendas
o peticiones a los dioses y
fuerzas de la naturaleza.
Las Venus se suelen asociar a
la Fertilidad, debido a que se
resaltan
los
atributos
reproductores
(pechos,
genitales y caderas).
Venus de Lespugue

26. También son frecuentes los relieves en
piedra o huesos de animales, con temáticas
similares a las de la escultura o la pintura
rupestre (animales, escenas de caza,
figuras femeninas, etc.)

27. En muchas ocasiones, las escenas de pintura rupestres de dibujaban sobre formas
o salientes en la roca, a modo de relieves coloreados.

28. Mesopotamia y Egipto

29. Los MATERIALES utilizados son: piedra, arcilla,
alabastro, bronce, madera y marfil. También
encontramos ejemplos en oro.

30. Se evita el desnudo, porque la vestimenta de los
personajes se usa para representar su jerarquía. Sólo se
representan desnudos a los vencidos.

31. Eran habituales los relieves de piedra y sobre todo de
arcilla adosados a muros de palacios y templos. En
ellos eran comunes la representaciones de animales y
figuras fantásticas como leones alados o esfinges.

35. En Egipto, además de
decorar palacios y templos,
las esculturas tienen una
función fundamental en
sus creencias: son el cuerpo
en el que vivirá
eternamente el alma de los
difuntos. Por eso usan
materiales muy duraderos,
como las piedras de granito,
basalto , obsidiana, etc.

36. No obstante, también se han encontrado esculturas
realizadas en otros materiales como madera, marfil o
metal.

37. En Egipto se busca la
representación del
parecido del
personaje, aunque
siguiendo unas
normas establecidas
en cuanto a la
posición, vestimentas,
etc. Se solían
policromar para
lograr mayor
realismo.

38. Sus características principales no cambiaron apenas
en los 3000 años de historia de esta civilización.
HIERATISMO Y
RIGIDEZ
FRONTALIDAD
FORMAS
CÚBICAS
SIMETRÍA

39. FARAONES: Se
representan sentados o de
pie con una pierna
ligeramente adelantada y
con los brazos pegados al
cuerpo. Ojos
almendrados y mirada al
frente.
Triada de Micerinos

40. Estatua de Kefren

41. Reina Nefertiti

42. ESCRIBAS: Se representan sentados en el suelo con los
materiales de escritura
Escriba Sentado

43. DIVINIDADES: Solían
tener cuerpo de humano y
cabeza de animal
Horus

44. OTRAS ESCULTURAS EGIPCIAS
Esfinge de Gizeh

45. OTRAS ESCULTURAS EGIPCIAS
Miniatura funeraria
El Alcalde del Pueblo

46. Grecia y Roma

47. La escultura es la manifestación
artística en la que más
destacaron los griegos. El tema
que más repitieron fue el del
cuerpo humano, que sirvió para
representar a héroes, divinidades
y mortales.
Al igual que en su arquitectura,
los
griegos
valoraron
especialmente la proporción, el
equilibrio y el ideal de belleza.
Los
materiales
que
más
emplearon fueron el mármol
(coloreado) y el bronce.

48. En función de la evolución
técnica, pueden distinguirse
tres etapas:
- Época Arcaica (s.VII-VI a.C.)
- Época Clásica (s.V-IV a.C.)
- Época Helenística (s.IV-II a.C.)

49. - Es un periodo de aprendizaje, el escultor poco a poco
modela el cuerpo humano y lucha por dar expresión
al rostro.
- Las figuras eran representadas normalmente de
manera estática (sin movimiento), de frente (ley de
la frontalidad) y en posturas rígidas.
- Sus ojos eran grandes y expresaban una sonrisa
forzada (sonrisa arcaica). En ellas se aprecia una
clara influencia de la escultura egipcia.
- Son muy representativos de este período los
llamados "Kuros" (jóvenes atletas desnudos) y las
“Koré” (mujeres vestidas)

50. Dama de Auxerre

51. Koré del Peplo

52. Kuros de Anavyssos

53. Kuros de Tenea

54. Moscóforo

55. - Las figuras se hicieron más naturales y expresivas,
-
-
adquiriendo más movimiento y posturas menos
forzadas.
Desapareció la ley de la frontalidad.
Los escultores se afanaron en la búsqueda de la
perfección y la belleza ideal, aplicando estrictos
cánones o reglas en sus obras.
Aparece el “contraposto”
Destacan: Fidias (esculturas del Partenón), Mirón,
Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.

56. Auriga de
Delfos

57. Zeus Artemision

58. Zeus Artemision

59. “Discóbolo” de Mirón

60. “Discóbolo” de Mirón

61. “Doríforo” de Policleto
(y canon de Policleto)

62. “Doríforo” de Policleto

63. “Diadumeno” de Policleto

64. “Aproxiomenos” de Lisipo

65. “Atenea” de Fidias

66. “Amazona Herida”
de Fidias

67. “Frisos del Partenon”
de Fidias

68. “Hermes”
de Praxiteles

69. “Afrodita”
de Praxiteles

70. - En este período las esculturas fueron dotadas de
mayor dinamismo (movimiento). Se pierde el
equilibrio sereno clásico.
- Ya no se trataba de representar el ideal de belleza,
sino la naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa,
bella o fea o, incluso, trágica (Muerte de Laocoonte y
sus hijos). Se busca por tanto mayor naturalismo y
realismo, aunque no se pierde la idealización.
- Aparecen los grandes grupos escultóricos.

71. “Laooconte y
sus hijos”

72. “Laooconte y
sus hijos”

73. “Laooconte y
sus hijos”

74. “Laooconte y
sus hijos”

75. “Laooconte y
sus hijos”

76. “Laooconte y sus
hijos”

77. “Venus de Milo”

78. “Afrodita y Pan”

79. “Afrodita y Pan”

80. “El niño de la oca”

81. “El spinario”

82. “Galo moribundo”

83. “Galo Ludovisi”

84. “Victoria de
Samotracia”

85. “Fauno dormido”

86. “Púgil sentado”

87. “Toro Farnesio”
Es el mayor grupo
escultórico de la
antigüedad que
ha llegado hasta
nuestros días
(4,5m de alto y 24
toneladas de
peso)

88. La escultura romana “bebe”
profundamente
de
la
escultura griega. De hecho la
mayoría de las esculturas
griegas que conocemos en la
actualidad es a través de
copias romanas.
Sin embargo, en Roma
aparece un nuevo gusto por
el retrato realista y por el
relieve conmemorativo o
monumental

89. - El relieve en Roma tiene un
carácter
propagandístico,
narrando las grandes vitorias
y conquistas romanas
- Tienen carácter narrativo: se
cuentan historias de manera
secuencial.
- Los principales monumentos
conmemorativos son los
Arcos Triunfales y las
Columnas conmemorativas.

90. “Escena del sacrificio del altar de Ahenobarbus”

91. Escena del “Ara Pacis”

92. Sarcófago decorado con escenas de batalla

93. “Arco de Tito”

94. “Arco de Tito”

95. “Arco de Tito”

96. “Arco de Constantino”

97. “Arco de Constantino”

98. “Arco de Constantino”

99. “Columna Trajana”

100. “Columna Trajana”

101. “Columna Trajana”

102. “Columna Trajana”

103. “Columna Trajana”

104. - La gloria de la escultura romana fue,
indudablemente, el retrato.
- El retrato romano tiene su origen en el arte
etrusco, en el mundo griego helenístico y en
las imágenes mayorum, máscaras en cera de
los muertos que se guardaban en las casas
para rendirles culto y sacarlas en
procesiones.
- Los materiales más utilizados en el retrato
fueron el bronce y el mármol y la estatuas
eran apolícromas, salvo en un primer
momento en que los ojos se coloreaban,
práctica que se abandonó para ser tallados.

105. “Patricio Barberini”

106. “Lucio Junio Bruto”

107. “Lisipo”

108. “Retrato de niño”

109. “Catón y Porcia”

110. “Augusto a la Prima
Porta”

112. “Retrato ecuestre de
Marco Aurelio”

113. “Augusto Velado”
Museo de Arte Romano de
Mérida

114. “Retrato de Antinoo”

115. “Retrato de Antinoo”

116. “Matrona Flavia”

117. - Se denomina arte paleocristiano
al estilo de arte que se desarrolla
durante los seis primeros siglos
de nuestra era, desde la
aparición
del
cristianismo,
durante la dominación romana,
hasta la invasión de los pueblos
bárbaros.
- En escultura se continua con la
tradición técnica y a veces
incluso iconográfica de Roma.
- Se encuentran especialmente en
sarcófagos decorados.

118. “Buen Pastor”, s. IV d.C.
“Moscoforo”, s. IV a.C.

119. Relieve de “El buen pastor”

120. “Sarcófago de Julio Basso”, 359 d.C.

121. Crismon

122. Sarcófago con Crismon

123. Románico y Gótico

124. - El Románico es el estilo predominante en Europa
durante los siglos XI, XII y XIII.
- Unió características del arte romano, bizantino,
prerrománico, germánico, árabe…
- Es sobre todo un arte religioso, que refleja los
valores de la nueva sociedad y el impulso del
cristianismo.
- Las muestras más importantes de esculturas
románicas las encontramos en la decoración de
iglesias y altares.

125. Pórtico Románico

126. - Se expanden las ideas de San Agustín, quien cree
que el mundo natural es sólo una apariencia
intermedia tras la que se oculta la verdadera
realidad transcendente de Dios.
- Creen que el arte debe rechazar la representación
de la Naturaleza tal como se percibe por los
sentidos y se exige extraer las verdades ocultas que
se esconden tras las formas.
- El arte es desarrollado por y para la inteligencia
humana, no para sus sentidos. No pretende copiar
fielmente la naturaleza, sino buscar la belleza de
una manera abstracta y racional.

127. Tímpano Románico

130. - La escultura se supedita a la arquitectura, cumpliendo dos leyes:
- LEY DEL MARCO: obliga al escultor románico a adaptar sus
figuras al marco arquitectónico que las soporta. Por ejemplo, en
los tímpanos se obliga a los personajes a adoptar diferentes
alturas o a inclinar y agachar sus cuerpos.

131. Tímpano Románico

132. Capitel Románico

133. Decoración en jambas

134. Decoración de un arco

135. Capitel románico

136. Capitel románico

137. - LEY
DEL ESQUEMA
GEOMÉTRICO: exige al
escultor que, aunque no
se vea presionado por el
marco arquitectónico, las
figuras de su escultura
han de tener una lógica
geométrica. por ejemplo,
que guarden simetría o
que
formen
figuras
parecidas a cuadrados,
círculos, cruces, etc. sin
importar
que
este
"forzamiento" distorsione
la realidad de animales o
personas talladas.

138. Decoración del montasterio de
Santo Domingo de Silos

139. - Son comunes las representaciones de animales reales o
monstruosos (bestiario), escenas de torturas infernales,
etc.

143. - El Gótico es el estilo artístico que se
desarrolló en Europa occidental
durante los últimos siglos de la
Edad Media, desde mediados del
siglo XII hasta la implantación del
Renacimiento (siglo XV para
Italia), y bien entrado el siglo XVI
en los lugares donde el Gótico
pervivió más tiempo.
- Surge en el norte de Francia y se
expande por todo Occidente.

144. - Frente al
románico (que refleja una sociedad
ruralizada de guerreros y campesinos), el gótico
coincide con el máximo desarrollo de la cultura
urbana donde aparece la burguesía, las universidades
y el florecimiento de las órdenes religiosas.
- Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del
románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales
llenas de luz.
- Como elementos comunes, la inspiración religiosa
del arte y la unión de la escultura con la arquitectura.

145. “Sainte Chapelle” de París

146. Maqueta de la Catedral de Burgos

147. - La escultura gótica evolucionó a partir de la románica y
más adelante se «disolvió» en lo que sería la escultura del
renacimiento y el manierismo.
- La aparición del arte gótico fue vista como una
innovación y fue nombrado opus modernum ( obra
moderna), siendo la escultura una de sus expresiones más
importantes.
- Sin embargo, durante el renacimiento —cuando los
valores clásicos fueron reconsiderados de nuevo—, la
escultura de los siglos inmediatamente anteriores era
considerada como grosera y basta y se la llamó «gótica»,
ya que se creía que era fruto de la cultura de los godos, los
bárbaros responsables de la desaparición del Imperio
Romano.
- Esta valoración negativa se prolongó hasta mediados del
siglo XIX,

148. - La escultura gótica nació estrechamente vinculada a la
arquitectura, como se observa en la decoración de las
grandes catedrales y otros edificios religiosos, pero con el
tiempo fue ganando independencia.
Catedral de Amiens

149. Catedral de Amiens

150. Catedral de Amiens

151. Catedral de Amiens

152. “Virgen con el Niño”, Cracovia

153. “Piedad” s.XIV

154. - Durante
una primera
etapa se cultivó un estilo
austero, estilizado, de
proporciones alargadas y
con una apariencia
general hierática, que
quería
transmitir
espiritualidad,
alejándose
de
la
anatomía real de un
cuerpo.
Pórtico Catedral de Chartres

155. Calvario

156. Catedral de Chartres

157. - Después
evolucionó
hacia un naturalismo
más grande, hacia el
realismo, a partir de
una
absorción
progresiva
de
influencias clásicas y
una observación más
profunda
de
la
naturaleza.
Virgen Blanca de Toledo

158. “Ángel Sonriente” de la
Catedral de Reims

159. Altar
Rosenkraz

160. “Virgen de los
Ángeles” de Alejo
Fernández

161. - Además de los pasajes bíblicos y de la representación
de santos y reyes, en el gótico son comunes los temas
relacionados con la muerte, la representaciones
diavólicas y las figuras grotescas (como las gárgolas)

162. Gárgola de la Catedral de Lincoln

163. Gárgola de la Catedral de Ulm

164. Catedral de Plasencia

165. Tumba de Filippe Le Pot