Auguste Rodin h Mariano Benlliure. Fundamentos del Arte II

1. Auguste Rodin
Escultura segunda mitad del siglo XIX
Julia de Dios 18-C

2. Auguste Rodin
Considerado el padre de la escultura
moderna, revolucionó el concepto de
arte al romper con el canon
académico que predominaba en
Francia en el siglo XIX.
Su obra se aleja de la tradición y
transgrede las leyes de la estética
dando paso al arte del siglo XX.
De formación neoclásica e
influenciado por artistas renacentistas
como Donatello y, sobre todo, Miguel
Ángel, Rodin innova y experimenta
creando una escultura impresionista,
expresionista e incluso simbolista
precursora de las vanguardias.
París,1840- Meudon,1917.

3. Características generales de su obra:
1.Obra anti-académica, transgresora y original. Se aleja del modelo clásico y de la exageración del
Naturalismo.
2.Tratamiento de la luz impresionista.
3.Búsqueda de la representación de la verdad humana. Se preocupa por representar la
personalidad, la psicología, el estado anímico y los sentimientos aunque para ello llegue a
distorsionar la anatomía y a exagerar los rostros.
4.Modelado inacabado y expresivo. Adopta el Non finito de Miguel Ángel.
5.Profundo estudio e investigación de la figura humana. La musculatura y la anatomía son
expresivas y sensuales y los movimientos fielmente representados.
6.La imagen es más importante que el material con la que se construye.

4. Hombre con la nariz rota:

5. Hombre con la nariz rota (1864):
Tema: Bibi, vecino de Rodin posó para éste en el establo que el escultor tenía como estudio. No
sólo representa el rostro de un trabajador sencillo, sino que muestra la verdad y la fuerza interior
del modelo. El busto realizado en barro se agrietó por el frío del invierno y se rompió la parte
trasera. La máscara, considerada su primer trabajo reconocido, fue rechazada en el Salón de
París de 1864 por considerarse inacabada y grotesca. Finalmente fue aceptada en el Salón de
1875.
Descripción y estilo: Con la estética que marcará el futuro trabajo de Rodin “La belleza reside
donde hay verdad”, el autor nos muestra el rostro resignado y cansado de un trabajador sencillo,
de gesto serio, con tabique nasal roto y numerosos surcos. La obra, opuesta al arte académico,
nos transmite una gran fuerza y logra un juego de luces y sombras a través del modelado.

6. La Edad de Bronce:

8. La Edad de Bronce (1876):
Tema: El hombre como espíritu de un ser primitivo. El modelo, Auguste Ney, joven soldado belga,
posó para Rodin que le estudió desde todos los ángulos posibles. La escultura la realizó durante
su estancia en Bélgica y se expuso en el Círculo Artístico de Bruselas en enero de 1877 y
posteriormente en el Salón de París. El cuerpo parece tan real que se acusó a Rodin de haber
moldeado directamente sobre el modelo, por ello tuvo que demostrar la autenticidad de su trabajo
con fotografías y testimonios. Fue la obra con la que se dio a conocer al público.
Descripción y estilo: Escultura exenta de un desnudo masculino de tamaño real que se aleja del
canon clásico. El joven, que en un principio sujetaba una lanza, aparece con la mano izquierda
cerrada a la altura del hombro mientras que la derecha reposa sobre la cabeza añadiendo más
sentimiento. Los rasgos faciales son expresivos y dramáticos. Las costillas ligeramente marcadas
por la respiración, la postura en un suave contraposto y bien musculado. La luz se obtiene
mediante texturas rugosas y contornos vivos y afilados que aportan movimiento y profundidad.
Realizada después de su viaje a Italia, Rodin ya tiene un dominio completo sobre el cuerpo y el
modelado. Este estudio anticipa algunas de las características de la obra de Rodin.

9. La Puerta del Infierno:

11. La Puerta del Infierno (1880- 1917):
Tema: Inspirada en La Divina Comedia de Dante Rodin reflexiona sobre la condición humana:
pasiones, tormentos, deseos. La Puerta del Infierno fue un encargo del gobierno francés en 1880
para la entrada del futuro Museo de Artes Decorativas de París que nunca se llegó a construir.
Descripción y estilo: Inspirada en La Puerta del Paraíso de Ghiberti y con influencias de los
grabados de Doré para las ilustraciones de La Comedia y del Juicio Final de Miguel Ángel en el
ábside de La Capilla Sixtina, este grupo escultórico presenta multitud de pequeñas figuras
desnudas que surgen de entre las rocas y las nubes y que aparecen en relieve en tímpano,
dintel, jambas y puertas. Todos los personajes están agitándose y retorciéndose y son muy
expresivos. Las superficies rugosas e inacabadas contrastan con los desnudos pulidos creando
efectos de luz que dan profundidad. El movimiento lo consigue dando tensión a las figuras y la
expresividad exagerando las formas anatómicas. En el centro del tímpano aparece Dante
pensando e inclinado hacia delante (El Pensador) y arriba remata la obra Las Tres Sombras, tres
hombres sin mano derecha y exageradamente inclinados que señalan al poeta antes de entrar en
el infierno. Rodin se aleja del academicismo del neoclasicismo, hace un uso de la luz
impresionista y del Non finito de Miguel Ángel en textura y zonas inacabadas.

12. El Pensador:

14. El Pensador (1882):
Tema: En principio representaba a Dante en el tímpano de La Puerta del Infierno meditando sobre
su obra, sin embargo, más que un retrato del poeta es una alegoría del pensamiento y la reflexión.
Fue en 1888 cuando se realizó como escultura exenta y ampliada.
Descripción y estilo: Escultura exenta de un hombre desnudo y robusto sentado sobre una roca e
inclinado hacia delante reflexionando. La mano izquierda se apoya sobre la rodilla izquierda y el
brazo derecho, que sujeta la cabeza con su mano, se apoya en el muslo izquierdo. Tamaño de
manos y pies desproporcionado. La composición es centrípeta, estable y compacta. Destaca la
postura llena de tensión, todo el cuerpo está empleado en pensar, reflejando la tensión del
pensamiento de manera física en forma de Pathos romántico que contrasta con el ethos
neoclásico de la obra de Canova. El cuerpo desnudo, con los músculos en tensión nos remite a la
Terribilità de Miguel Ángel. La roca sobre la que está sentado a medio labrar y la textura de la piel
señalan inequívocamente la influencia del Non finito de Los esclavos de Miguel Ángel. El
tratamiento de la luz es impresionista.

15. El Beso:

17. El Beso (1882):
Tema:Creada en un principio para la hoja izquierda de La Puerta del Infierno, representaba a
Paolo y Francesca, personajes de La Divina Comedia, en el momento en que se besan
apasionadamente justo antes de acabar condenados a errar en el infierno al ser descubiertos
por el esposo de Francesca y hermano de Paolo, quien los manda ejecutar. Sin embargo, El
Beso no es la representación de la maldición del amor pecaminoso, de la lujuria, sino la
representación del amor entre dos personas, de la sensualidad, de la sexualidad y de la
pasión. Fue en 1888 cuando se realizó como escultura exenta.
Descripción y estilo: Dos figuras sedentes y desnudas, unidas como si fueran una, se
entrelazan besándose. El cuerpo del hombre es musculoso y el de la mujer frágil y con
curvas. Combina las superficies pulidas con las rugosas que recuerdan el Non finito de
Miguel Ángel. En ella se pone de manifiesto la multiplicidad de puntos de vista para potenciar
al máximo la expresividad del cuerpo humano.
La composición dinámica contrasta con la estática que encontrábamos en Canova, “Eros y
Psique”, y presenta un juego de luces y sombras en vez de la luz uniforme de las obras del
artista neoclasicista.

18. Los Burgueses de Calais:

20. Los Burgueses de Calais (1884- 1889):
Tema: En el siglo XIV, durante la Guerra de los Cien Años entre Francia e Inglaterra, la ciudad
francesa de Calais fue sitiada por Eduardo III de Inglaterra durante meses. Finalmente los
franceses se rindieron para evitar más muertes y el saqueo y la destrucción de la ciudad y
entregaron al rey de Inglaterra, como éste había exigido, las llaves de la ciudad de Calais por
medio de seis ciudadanos.
El ayuntamiento de Calais encargó la obra a Rodin en 1884 para homenajear el sacrificio de estos
seis hombres.
Descripción y estilo: El conjunto escultórico no representa ningún momento concreto del episodio
histórico, se centra en el retrato individualizado de cada uno de los seis personajes, unidos en la
base por un mínimo pedestal pero totalmente exentos, con pathos expresivo y dramático
conseguido mediante el dinamismo de las figuras y la tensión muscular congelada. Las figuras
caminan lentamente descalzas vistiendo una túnica y llevando una soga al cuello. No se tocan, no
se miran, la unión es psicológica. Cada uno de ellos se enfrenta a la muerte de diferente forma,
con miedo, con ira, con orgullo...
Influencia del impresionismo en el tratamiento de luces y sombras, que logra gracias a un
modelado de superficies rugosas, y en el aspecto inacabado, técnica del Non finito de Los
esclavos de Miguel Ángel. Obra anti-académica.
También destaca la representación del momento en el gesto dinámico y tenso de las figuras, lo
que nos remite al pathos romántico, por oposición a la obra neoclásica de autores como Canova.

21. Monumento a Balzac:

23. Monumento a Balzac (1898):
Tema: La Sociedad de Hombres de Letras le encargó un monumento conmemorativo de Balzac.
Rodin, acostumbrado a trabajar con modelos vivos, investigó y se documentó durante años tanto
de la anatomía y rasgos de Balzac como de la vida y de la obra del escritor. El retrato no se basa
en el parecido físico del novelista, sino que es una síntesis del Balzac individuo y el Balzac
creador. Cuando presentó la obra en el Salón Nacional de Bellas Artes la Sociedad de Hombres
de Letras no la entendió y la rechazó.
Descripción y Estilo: Gran escultura exenta de una figura que esconde las formas de un cuerpo
casi geométrico debajo de un hábito con numerosos pliegues que aportan un juego de luces y
sombras. Tan sólo deja ver un tosco cuello, una gran y desproporcionada cabeza con pelo
alborotado y rostro de rasgos profundamente marcados y expresivos que mira al horizonte y unos
pies bien sujetos en el suelo. Rodin simplifica el cuerpo para que nos fijemos en la cabeza de
Balzac, en la personalidad del escritor, en la fuerza del personaje.
La obra, fuertemente expresiva, rompe con la tradición de la estatuaria pública, como ya hizo en el
Monumento a Los Burgueses de Calais, y es un anticipo de las vanguardias del siglo XX.

24. El Caminante:

26. El Caminante (1907):
Tema: Tomando como punto de partida las piezas mutiladas de la antigüedad y de la escultura de
Miguel Ángel, Rodin realiza obras de partes concretas de la anatomía humana. El Caminante es
un ensamblado de un estudio de piernas para San Juan Bautista y de un torso.
Descripción y estilo: Escultura exenta de un desnudo masculino sin cabeza ni brazos. La ausencia
de éstos y de la cabeza rompe con la tradición académica de las esculturas de figuras completas.
Es un cuerpo fuerte y musculoso, como de héroe clásico, en el que las piernas que sostienen el
torso están dando un gran paso.
Con gran fuerza de movimiento El Caminante es una obra precursora de las vanguardias del siglo
XX.

27. La catedral:

29. La catedral (1908):
Tema: Rodin sentía una especial predilección por las manos a las que convertía en elementos
cargados de simbolismo. Esta escultura forma parte de un conjunto de manos en mármol que
realizó el escultor.
Descripción y estilo: Dos manos derechas de dos figuras distintas se unen en posición orante
creando en su interior un espacio vacío que nos recuerda la estructura de una catedral. Ambas
manos elevadas hacia el cielo se unen formando una cúpula y dejando el vacío del centro que se
asemeja a la estructura interior de las catedrales góticas. Contraste entre la superficie pulida de
las manos y la superficie rugosa donde se apoyan y entre las luces y las sombras. El vacío,
siempre significativo en la escultura de Rodin, toma un papel principal en esta obra donde es más
importante que el material.
Escultura de claro simbolismo que influirá en artistas posteriores.

30. Bibliografía:
Apuntes Fundamentos de Arte II, prof. Manuel Higueras. Colegio Estudio.
musee-rodin.fr
soumaya.com.mx
museothyssen.org
museoreinasofia.es
fundacioncanal.com
bellasartes.gob.ar
fundacionmapfre.org

31. Auguste
Rodin,
1840-1917.
Máscara del
hombre de la
nariz rota, 1864.
La edad de
bronce, 1876.

32. http://enfer.musee-rodin.fr/fr/home
La puerta del infierno.1880-1917

33. El beso, 1889.

34. El pensador.
1882
Bronze
Sculpture
1,801 × 0,981 × 1,451 m
Localisation
Musée Rodin, Paris (France)
Temática: En principio representaba a Dante en la clave del
dintel de La puerta del Infierno, como una representación del
autor meditando sobre su obra.. Sin embargo más que un retrato
del poeta es una alegoría del pensamiento, de la reflexión.
Descripción y estilo: La composición es centrípeta, estable y
compacta. Destaca la postura llena de tensión que refleja la
tensión del pensamiento de manera física en forma de Pathos
romántico. El cuerpo desnudo, con los músculos en tensión nos
remite a la Terribilità de Miguel Ángel. La roca sobre la que
reposa, a medio labrar y la textura de la piel también señalan
inequívocamente la influencia del Non finito miguelangelesco (los
esclavos).
Comparación con Cánova, ethos neoclásico.

36. Los burgueses de Calais, 1889
Tema: Durante la guerra de los Cien años
entre Francia e Inglaterra, en el s.XIV, la
ciudad de Calais fue sitiada por Enrique III
durante meses. Finalmente se llega al
acuerdo de una rendición. Los franceses
de Calais entregan a seis notables
ciudadanos, los burgueses, que a su vez
fueron los encargados, vestidos en
camisón y atados con sogas, de entregar
las llaves de la ciudad a Enrique III.
El ayuntamiento de Calais encarga la obra
a Rodin en 1886.

37. Descripción y estilo: Este conjunto escultórico no
representa ningún momento concreto del episodio
histórico. Se centra en el retrato individualizado de los
personajes, con pathos expresivo y dramático,
conseguido mediante el dinamismo de las figuras y la
tensión muscular congelada.
El propio Rodin declaró: “He intentado expresar los
sentimientos internos mediante la tensión muscular”.
El estilo se ve influenciado por la pintura impresionista y
su aspecto inacabado, que en escultura retoma la obra
inacabado de los esclavos de Miguel Ángel.
También destaca la representación del momento en el
gesto dinámico y tenso de las figuras, lo que nos remite
al pathos romántico, por oposición a la obra neoclásica
de autores como Cánova.
Primera maqueta para la obra

38. Monumento a Balzac,
1898.

39. Camille
Claudel.
1864-1943.

40. Mariano Benlliure, 1862, 1947
El gran escultor del periodo de la Restauración y mejor exponente del realismo decimonónico español.
Fue un célebre personaje en la época y capitalizó gran parte de los encargos del periodo.
Originario de Valencia, fue durante su beca de Roma, en 1876 que decidión dedicarse a la escultura
por admiración a Miguel Ángel.
La temática de su obra es el retrato monumental de personajes políticos contemporáneos periodo
revolucionario: Emilio Castelar, Martínez Campos; periodo de la Restauración: Alfonso XII, Eduardo
Dato, Antonio Maura; s.XVI: Álvaro de Bazán, isabel la Católica; s.XVIII: monumento a Jacinto Ruiz,
Busto de Goya, retrato de Bárbara de Braganza.
También destaca su afición por la tauromaquia y el retrato de toreros célebres en la época.
Como personaje famoso y bien relacionado con la élite cultural y social de su momento realizó retratos
de otros artistas como los de la familia Sorolla y su amigo el escultor Aniceto Marinas.
También destaca su trabajo en conjuntos arquitectónicos, incluyendo al retratado o bien alegorías,
campo en el que destaca también: monumento a Emilio Castelar y Edificio Metrópolis.

43. Monumento al general
Martínez Campos en el
Parque del Retiro de
Madrid; inaugurado en
1907.
Goya, 1902.

44. Monumento a Emilio
Castelar y Ripoll, 1908.

45. Este monumento fue encargado por el Estado, pero sufragado por suscripción pública, recaudando fondos entre casinos, gremios, ayuntamientos y cámaras de comercio y agricultura.
El monumento está dedicado al primer presidente de la primera república española, Emilio Castelar, que presidiço el gobierno entre septiembre de 1873 y enero de 1874. Este personaje
destacó por su oratoria, su lucha por la abolición de la esclavitud en las colonias y reformas en el cuerpo de artillería.
Ubicación: El monumento se sitúa en el centro de la plaza a la que da nombre en el corazón del ensanche madrileño, en el paseo de la Castellana. En el lugar de la erección se situaba la
célebre Fuente Castellana y obelisco erigido por Fernando VII, que hoy se sitúan junto al Manzanares.

46. Descripción:
En el lado principal, mirando hacia el sur, encontramos la figura en bronce de
Emilio Castelar en actitud de arengar a un auditorio, con una mano levantada
enérgicamente por encima de la cabeza y la otra apoyada en el respaldo de un escaño.
A sus pies, en mármol, aparece recostada una venus, que para algunos es
alegoría de la Verdad y para otros de la Inspiración y la Elocuencia. Hacia esta figura
suben por unas escaleras las figuras en bronce de un trabajador, un soldado y un
estudiante, que representan el Trabajo, la Fuerza y el Estudio.
En el lado contrario dos figuras en mármol suben las escaleras mientras
observan y escuchan a Castelar. Son Cicerón y Demóstenes, oradores de la antigua
Roma y la Grecia clásica, con los que se pretende equiparar a Castelar con los oradores
más brillantes de la historia.
En la parte trasera encontramos un relieve en bronce dedicado a los discursos
de Castelar por la abolición de la esclavitud en las antiguas colonias españolas,
con las figuras de varios hombres, mujeres y niños desnudos que rompen sus cadenas,
y una leyenda que dice “Levantaos esclavos porque tenéis patria.”
Encima de los esclavos, un soldado maneja un cañón del Cuerpo de Artillería, cuya
organización Castelar había contribuido a modernizar.
Para culminar el monumento, el artista dispuso las figuras alegóricas de las
Tres Gracias mitológicas, desnudas y con las manos entrelazadas. A sus pies, el
lema de la Revolución Francesa: Libertad, Igualdad, Fraternidad.
Fuente:https://www.miradormadrid.com/monumento-a-emilio-castelar-paseo-la-castell
ana/