Conceptos de historia del arte.

CONCEPTOS DE HISTORIA DEL ARTE. BIBLIOGRAFÍA: “Conceptos fundamentales de la historia del arte”. Heinrich Wölffin. Realista (u objetivo): ROSTROS-----IDENTIDAD-----PSICOLOGÍA RETRATOS Esto sucede en general, pero hay una excepción: en la tradición artística occidental los rostros más retratados han sido los de la Virgen y los de Jesucristo--- tienen rostro, pero no identidad, con lo cual, prima la psicología de la persona, el estado de ánimo,… CUERPOS---- NATURALISTA (intenta recrear en la pintura la sensación visual de tener un cuerpo cerca)----ANATOMÍA (estudio del cuerpo dividido en partes). Figuración: Éstetica: Vesalio es el primero que en el siglo XVI hace estudios de anatomía con cuerpos humanos (con presos por causas graves, como condenados a muerte). Antes se hacía con monos, similares al ser humano en un 80 ó 90%. Si tras su análisis sus conclusiones no coincidían con los textos clásicos se alegaba que eran cuerpos de endemoniados. Al surgir la anatomía se creaba un conflicto con la pintura naturalista porque una vez abierto un cuerpo y visto lo que hay dentro, la visión cambia completamente y se vuelve desagradable. Para evitar esto se vuelve a los clásicos, a las estátuas. (dibujo de cuerpos graves y leves) Sublimar: en el arte, observar cuerpos desnudos dejando de lado el deseo sexual. Se consigue midiendo, observando los uepos como líneas,… Es llegar a algo elevado saltándose el paso intermedio. Kandinsky ve que el arte del S. XIX está lleno o de conocimiento científico o naturalista. ROSTROS----FOTOGRAFÍA----PSICOLOGÍA ESPACIOS----FOTOGRAFÍA Sorolla es el mejor representante español de esta época. Winckelman (alemán) escribe en 1750 “Reflexiones de Winckelman” (abreviación de un título larguísimo). En su primera carta describe cómo sería en su cabeza Atenas y el mundo clásico, con buen clima, luz,… De ahí surge la estética neoclásica, algo que marcó a las juventudes alemanas desde 1750 hasta alrededor de 1899. También las experiencias sublmes las alcanzan con las catedrales. Al entrar te sientes pequeño y da la sensación de que te elevas, de que pierdes gravedad. SE consigue una experiencia espiritual. Kandinsky emplea esa espiritualidad en el arte. Para ello hay que olvidarse de la belleza, de rostros y psicología, de espacios, de cuerpos, de anatomía,… RESUMEN DE LA ASIGNATURA. Buscaremos en los artistas del S. XX y XXI sus referencias. En la tradición artística occidental siguen una continuidad en cuestión de rostros, retratos,… También existen referentes ajenos al arte occidental: máscaras primitivas, arte parietal o pre-histórico,… Estudiaremos arte medieval y arte griego clásico como referencia. Vasari es el autor de la genealogía artística occidental. Fue el primer director de museo (recopilando las obras de los Medici), el primer escritor de historia del arte,… Winckelman es el rpimero en escribir la tradición artística a través de la filosofía, de los clásicos,… En el S. XIX priman los argumentos basados en la literatura en la que se basan los cuadros, la historia antigua y la filosofía. Priorizan estos contenidos a los de la obra en concreto (más técnicos,…). Constable, Turner, Gericault, Goya, Delacroix, Ingrés. La llegada del realismo (con la fotografía) libera al arte del clasicismo (idealización) y del romanticismo (subjetividad, exaltación de las pasiones humanas y la carnalidad, revolución, decepción, post-revolución,…). Realismo=objetividad. ROSTRO: RETRATO----IDENTIDAD, CARÁCTER----RETRATO PSICOLÓGICO----FISIOGNÓMICA (medida, estructura del rostro) (Giovani de la Porta). CUERPO: NATURALISMO (encarnación pictórica: proceso en el que los pintores consiguen representar la carne) (teoría del color)----TEORÍA DE PROPORCIÓN ----CUERPOS CLÁSICOS----IDEALIZACIÓN ANATOMÍA----ANTROPOMETRÍA----REALISMO, ROMANTICISMO. ESPACIO: ILUSIONISMO----SFUMATO, TRATADOS DE PERSPECTIVA (hacia el horizonte se pierde definición, los colores tiran hacia el azul, se representa la atmósfera, la presencia del aire). En este curso se tratarán los conceptos fundamentales del S.XX. Abarcaremos desde 1880 (Monet, Gaudí) hasta 2010 (Bourgeoise, Serra). TEMA 1. Lo original. Lo original (primitivo: se basa en la antropología, prehistórico: busca en als culturas textuales) en el arte contemporaneo. La prehistoria surge ante la necesidad nde dejar constancia escrita de normativas y leyes. Así pues, es cuando surge la administración pública de una civilización organizada cuando se crea la historia escrita. Háptico: conjunción de lo visual y lo táctico. Naïf: arte infantil (original). Impulsos menos condicionados culturalmente. TEMA 2. La influencia del clasicismo en el S.XX. I: Crítica de arte: Para los romanos algo muy importante eran los rostros. Las mascarillas funerarias fueron muy populares. Sólo las famílias solventes podían pagar esas máscaras que se solían colocar en los jardines,… Los museos modernos y el parlamento se basan en modelos clásicos para su arquitectura. Las pinacotecas eran habitaciones oscuras donde estaban las mejores esculturas, que eran ofrendas a los dioses en Grecia. Esto fue el orígen de los museos. En Grecia no existían los retratos. La única excepción eran los deportistas que ganaban los juegos olímpicos (se les consideraba semi-dioses). Sólo existen 3 estatuas de los cuerpos de 3 atletas, y un solo rostro del hombre que ganó 6 juegos olímpicos (cree Vicente). Las esculturas en Roma eran blancas, gustaba mucho el mármol (en Grecia se pintaban). Se le cogía el cuerpo de alguna escultura de Dioses, se le cortaba la cabeza y se les colocaba la de algún emperador, siempre idealizada. TEMA 3.Pervivencia del arte medieval en el S.XX. Turner, Friedrich, Carus. Apolo: impera el orden, la razón sobre las pulsiones o pasiones. Estética apolínea. Dionisio: basado en la pasión (constructiva y destructiva). Sombra y pasión. Estética clasicista de la luz y el orden. Entorno a 1750 se forman 3 conceptos diferentes del arte: -Estética: Baumgarten. -Historia del arte: Winckelman. -Crítica de arte (1725): Denise Diderot fue el primero en escribir sobre lo que se hace en el momento (arte contemporaneo). Si no es historia del arte. El crítico de arte es un agente activo en la producción de arte. Debe ir a los talleres y ver qué se está gestando incluso antes de que estas obras se expongan (antiguamente en los llamados “salones”). Los museos estaban normalmente en los mismos edificios que las oficinas de las administraciones públicas. Era otro símbolo de poder. Los artistas se formaban en pequeñas academias, realizaban exposiciones que les dieran reconocimiento para poder entrar a formarse en la Academia. El fin de este ciclo formativo era acabar en la Academia de Roma. Exponer en los salones era mucho más fácil para la gente que tuviera contactos. Se debía registrar en una obra magistral todas las cualidades del autor (o varios autores). Sólo el estado podía acceder después a estas grandes obras. Eran cuadros monumentales, se podía tardar un año en realizarlos. Solían ser heróicos y de gran formato, muchas veces a escala real. Desde la Revolución Francesa (1789) una de las reivindicaciones de los revolucionarios fue que todo el mundo no sólo tuviera acceso a las colecciones reales y salones, sino la obligación de visitarlos. El último gran académico español que siguió toda esta ruta de formación (España, París, Roma) con cuadros heróicos fue Sorolla. A partir del Impresionismo cambia esta tendencia de obras monumentales por una serie de obras menores. Se produce con ello un cambio de paradigma. Se cambia la búsqueda de referentes a otras culturas, por ejemplo la oriental Sobre 1850 llegó a Europa: -Ukiyo-e: grabadores de imágenes de la vida cotidiana. El artista más famoso Hokusai (pinta colecciones de un monte a lo largo de todas las estaciones, 40 y pico, 60 y pico,…). También Utagawa Hiroshige (maestro de grabados de la vida cotidiana) y Hutamaro. La naturaleza es el tema central. -Otros: caligrafías y representaciones sagradas. Sus adquisidores fueron Monet y sus contemporaneos impresionistas. La temática fue una gran influencia en sus cuadros y la técnica empleada. En lugar de academia se creó la Sociedad de Artistas Independientes y se crearon los salones impresionistas. Nadar cedió su estudio, donde realizaba fotografías, para exponer estos cuadro. Así se creó el primer salón impresionista. Las normas básicas que asumieron este grupo de artistas (por ejemplo económicas) fueron las del gremio de panaderos de París. Así pues, el escenario funamental para este movimiento ya no era Roma, sino París. Los realistas utilizaban las fotos para pintar cuerpos y rostros, pero intentaban este método. Usaban técnicas muy complejas y lentas (veladuras,..) siempre guardadas en secreto. Los maestros impresionistas utilizan pintura directa, se reconoce cómo están pintados los cuadros, la materia empleada, cambiando así la percepción de los cuadros. Goya, Velázquez, Rembrandt no son elegantes pintando, son bruscos. Se ven las pasadas de la brocha- A la Academia le gustaba lo contrario, los trucos, las capas, la sutileza,… Rembrandt a veces incluso pintaba con la mano. Fue cuando surgió la pintura moderna (1880) cuando se revisa la historia anterior y se valora realmente ese periodo. Monet llega a calificar a Velázquez como “el pintor de los pintores” (hasta el S.XIX no se aprecia el valor de este artista del S.XVII). La pintura moderna se caracteriza porque se ve la técnica, vemos los trazos del pincel (no como los clásicos, que lo ocultaban). Lo más empleado para pintar en el S. XVII eran los puentes, las fábricas y las catedrales. Claude Monet es el primer artista moderno. Realiza cambios sustanciales en cómo se trata y da importancia al rostro, cuerpo y espacio. Nacimiento de lo moderno en 1873.Pese a intentar hacer obras maetras con una dedicación de un año para poder entrar en los salones, él con lo que disfrutaba era saliendo a la naturaleza a pintar paisajes. Le gustaba captar en ellos el paso del tiempo (pintando el mismo paisaje por la mañana, tarde y noche,…). Pinta la Catedral de Rouen, cuadro con gran sensación de rebote de la luz en la catedral, no pretende crear la sensación de cuerpo sólido a través de un contorno y unas líneas muy concretas. A Monet no le interesa la permanencia del objeto sino la fugacidad de su percepción. Llega a retratarla en 3 momentos diferentes de la misma mañana. En los años 60 todavía intentaba entrar en los salones. Pinta, por ejemplo, “Mujeres en el jardín”. Las personas retratadas van con ropajes modernos y con actitud cotidiana y actual (los usos sociales de la época--- otra característica de la pintura moderna). Rompre también con la pintura clásica ésta está rigurosamente estructurada en lo referente a las figuras que están en el cuadro, su situación en el lienzo, los equillibrios,….dando la sensación de permanencia. Monet decide dedicar este arte lento a momentos efímeros, como los pic-nics, con sus personajes en actitudes cotidianas, imágenes inmediatas y cercanas. Los personajes no miran al pintor, se asemeja más a la fotografía. En “Bendita Camille” no está retratado ni rostro ni vestido ni cuerpo, la modelo sólo está al servicio de la naturaleza en ese preciso moneto, con el viento, el sol,… Cada vez más las figuras en sus cuadros son más pequeñas hasta que llegan a desaparecer. Siempre hay una lejanía, todo tiende al horizonte. Monet en 1878 pinta, recién salido de la guerra entre Alemania y Francia, la algarabía del final de la guerra. Sensaciones evocadoras pero poca concreción y permanencia. “El balneario de Trouville”, Monet. Para ir hasta allí hace falta sobre todo trenes que lleven hasta allí. “ La estación de San Lázaro”. Sensación de ruido, velocidad y pesadez. El observador no ve desde el andén, está metido en las vías (probablemente lo haría con fotografía o apuntes). La estación es un gran condensador de humo. Es una experiencia cromática. Sensación de estar metido en el cuadro, en la acción del momento. Cuando cumple los 60 más o menos cambia los paisajes por las vistas de su jardín (se construye uno japonés, con puente) cerca de París. Lo pinta infinidad de veces, lo tiene desbordado de plantas, sin orden, incluso con invernaderos para tener más colores en todas las épocas del año. Chardin y Fragonar son otros dos pintores que retratan este tipo de momentos. John Berger “La tristeza en los ojos de Monet”. El término Impresionismo viene de la sensación instantánea y efímera, en cierto modo, que produce el ver una obra de este estilo. Es algo que te produce una sensación no demasiado profunda y detallada, pero sí intensa y breve. I:Grabados de Durero (al igual que Friedrich lo dibujaba todo, necesitaba estar muy seguro dibujándolo todo a la perfección. Sus obras no tienen gracia, movimiento, son rígidas). Klimpt pinta el lago Ater con vistas impresionistas pero sin esa lejanía, sin horizonte. Canaletto: pinta las ciudades con estilo impresionista. Las personas y objetos se desvanecen en el aire. Se retrata a la muchedumbre. Hay lluvia, vapor, gas,… I:Manet: “El ferocarril”. Sensaciones transmitidas diferentes a Monet. William Morris es un exponente de la relación que se genera en la arquitectura moderna que toma referencias en la arquitectura medieval. Dijo “algún día los puentes volverán a construirse de piedra”. En España un gran exponente de esto es Gaudí. MEMORIA: subjetiva. Recuerdos. HISTORIA: inventada por el poder para su beneficio. Escrita, externa, reconstruible, verificable, objetiva. Archivo, documento. Louise Bourgeois (1911-2010): ha sido prácticamente la última representante de las Vanguardias. Se formó en la Academia, pero su valor radica en que rompió con esas enseñanzas basándose en lo que aprendió en academias alternativas como Gran Chaumiére (Gran Chimenea). Vivió uno de los principales fenómenos artísticos: el traslado de la capital cultural de París a Nueva York alrededor de 1930. Pasó su infancia viviendo muy cerca del frente de la guerra europea, donde su madre ( restauradora de tapices) trasladó a la família para que su padre herido no se ligara a todas las enfermeras (era muy mujeriego). De pequeña se dedicaba a restaurar las estatuas de plomo típicas en los jardines del S. XVIII (se agujereaban por la climatología y ella tapaba los agujeros) hasta que llegó el gobierno y se las llevó todas para hacer balas. De mayor estudió en el Louvre por las mañanas y en Fenelon (filosofía y matemáticas) por las tardes. Después entró en la Gran Chaumiére. Robert Goldwater empezó a estudiar con criterio de historiador de arte el arte primitivo (máscaras africanas,…). Se acercó para ello al arte y artistas vanguardistas y así conoció a Louise Bourgeoise, quien se convertiría en su mujer. Ella, como muchos otros surrealistas franceses (vanguardia) se fueron a casas de amigos artistas en N.Y. antes de que los nazis llegaran a Francia. Allí se relacionó mucho con Miró. Una vez casada y hasta los años 70, cuando se le concedió la ciudadanía norteamericana, estuvo viviendo 6 meses en N.Y. y seis en París. Con 56 años (en 1967) empezó a aprender a tallar. Lo estudió durante 4 años en Pietra Santa (bronce y mármol)- Ha sido la primera mujer a la que se le ha dedicado una exposición retrospetiva monográfica en el Moma (alrededor de 1984, cuando ella contaba con 73 años). El Moma se fundó en 1929 y realizaba 1 ó 2 monográficos al año de artistas vivos o muertos (acto que les consagraba). Hasta Bourgeois ninguna mujer había tenido ese privilegio. Una de sus obras es “La mujer cuchillo”, en oposición a las “mujeres cuchara” de Giacometti, que insinuaban que las mujeres son un simple contenedor o recipiente para el hombre, algo pasivo. Otra obra fue “La Diosa frágil”, en bronce. Sus esculturas tenían referencias a las obras y esculturas primitivas. “Torso. Autorretrato”, bronce patinado en blanco. Años 60. “Niña. Versión más dulce”. 1968-69. “Abrazo”, escayola. Año 1962. “La guarida”, escayola. Crece en vertical pero en espiral. Año 1962. “La guarida”, escayola con agujeros. Año 1962-63. “Guarida”, goma. Año 1966. “Paisaje inconsciente”, bronce. Año 1967-68. “Paisaje blando”, alabastro. Año 1967. “La destrucción del padre”, escayola, latex, madera y tela. Año 1974. Marcel Duchamp hace sobre los años 30 una obra similar con sacos de carbón. Se le considera el padre de las instalaciones, aunque en realidad los artistas llevan haciendo “instalaciones” sin premeditación desde tiempos inmemoriales. Una de sus primeras instalaciones fue “Guarida articulada”. A edad avanzada desarrolló agorafobia. Decía que las miradas de la gente eran para su mente como cuchillos. I: Richard Sierra y Walter Benjamin (pasajes). “Pasagen Werk”: una de las grandes construcciones de la literatura de la historia del arte, de Walter Benjamin. Los pasajes de París eran los callejones entre tiendas cubiertos con cristales. Fueron las primeras galerías (los locales eran muy caros). Fueron los inicios de os grandes almacenes (entre 1860-1880). Walter Benjamin escribió acerca de ellos alrededor de 1927-39, y decía que entrar en ellos hacía que se reaviviara la memoria o la historia porque tenían objetos del siglo anterior. Louise Bourgeois crea “El pasaje peligroso”, escenario de sus traumas para librarse de ellos (como decía Freud). A diferencia de Benjamin, que quiere reconstruir la historia, ella reconstruir su memoria. Al final de esta obra se encuentra simbolizada una buhardilla, con su pupitre de niña, enfrente el sillón del padre educador, la silla de la madre con “petit-pua”, y en medio una cama con 4 pies que simbolizan a padre con su institutriz. Todo ello configura la escena del trauma. A finales de los 70 empezaron las grandes exposiciones artísticas. Bourgeois quería preservar las “relaciones amorosas” entre sus obras. Por ello, en estas grandes salas ella creaba habitacioncitas (instalaciones), generando así espacios privados. Las primeras que hizo fue soldando paneles y puertas que existían en la antigua fábrica textil donde ubicó su taller. En los años 40 hace una serie de grabados, “Desapareció en completo silencio”. También empieza a difundir sus obras pictóricas “Mujer-casa I”, “Mujer-casa II”, “Mujer-casa III” y casi siempre cuerpos femeninos oprimidos por edificios (hogares----su infancia) Sobre 1947-49 hace sus primeras esculturas con las vallas de madera recicladas de sus vecinos (que las habían cambiado por otras más altas). “Retrato de Jean-Louis”, uno de sus hijos. Blanco que parece de dientes, agujas de pelo. Año 1947-49. “El observador”, “El niño puñal”. Esculturas que parecen incisivas=los cuerpos de las personas queridas hacen heridas). “Pilar”. Año 1949-50. “El ciego guiando a los ciegos”. Año 1947-49. “Mujer espiral” (la espiral evita la forma fálica). Año 1951-53. “Torre laberíntica”. Año 1962. “Mujer casa”. Año 1982. Pliegues y más lpiegues, en los que se intuye que hay un cuerpo debajo, aunque tal vez no lo haya. Interior=exterior. Ella, psicoanalizada, pensaba que expresar sus traumas, abrirse, mostrarse por dentro, hacía que éstos desaparacieran. “Líquidos preciosos”. Año 1992. “Arco de histeria”. Año 1992-93. Con máquinas de cortar de la antigua fábrica textil y paneles de acero. Miedo patente a la amputación (cuerpo sin brazos ni cabeza). Los paneles dejan rendijas por los que se ve el interior (pero no se ve de dentro hacia afuera). Charcot es el padre científico de Freud. Fue el neurólogo (estudia cómo funciona fisiológicamente nuestro cerebro) que inventó la enfermedad “histeria” (afirmaba que era una enfermedad del útero). En esto es en lo que se basa esta obra de Bourgeois realizada en la época de represión del arte moderno. “Celda con 12 espejos ovalados”. Año 1993. Son sillas incómodas, ordenadas como en psicoterapia (en redondo) frente a espejos con forma de cuchillos (unos cóncavos y otros convexos) que te deforman (no te muetran como eres). “El espejo”. Año 1998. Amenazante, agresivo, en forma de lanza. En cada una de las concavidades del espejo te deformas. “Célula II”. Año 1991. Botecitos de perfume (simbolizan família) transparentes (otra vez interior visible). Espejos con lentejitas que deforman. La mesa es un espejo, da sensación de vértigo cuando la colocas en el suelo. Muestra el interior de las manos, que protegen con un hueco. “La habitación roja”. Año 1994. Rosalind Krauss desarrolla el concepto de “pasaje” diferente a Benjamin, simplificándolo. La escultura ya no es un cuerpo, sino un objeto por el que se pasa (un pasillo). Año 66. “Libro de los pasajes”. El concepto de “pasaje” para Bourgeois era algo íntimo. En algunas de sus obras muestra la ambivalencia de que todo el que te quiere y a quienes quieres en cierto modo te encierran, te privan de libertad (Instalación de la araña por ejemplo). FLATNESS: Condición de lo plano. Greenberg acoje ese término para la pintura (“la pintura desde Monet a Pollck ha ido tendiendo a la planitud”). Ese concepto de planitud es representado por Bougeois a través de las planchas de acero que rodean o encierran su obra. Las rendijas que quedan pueden simbolizar la sensación de ser observaba y privada de su libertad por parte de los críticos de la época. BIBLIOGRAFÍA: “Destrucción del padre. Reconstrucción del padre” de Louise Bourgeois. Ed. Síntesis. BIBLIOGRAFÍA:“La poética del espacio”, de Gaston Bachelard. Atget: fotógrafo ambulante. Retrató todas las profesiones de París del S. XIX. A veces eran tan sólo los objetos los que representaban a las personas. Berenice Abbott recopiló todas esas fotos en 1920. Exposiciones universales. 1851: La primera de las grandes exposiciones fue la del principe Alberto, en Londres (“Exposición de las industrias de todas las naciones”). I: Decripción de Egipto. Los antecedentes son las grandes exposiciones de las cosas expoliadas por las tropas de Napoleón a Egipto ( las quería porque le fascinaba la figura de l faraón a la que todos le rendían culto y dedicaban su vida a construirle una gran pirámide. Le habría gustado ser uno). La tipología de estos grandes pavellones eran los invernaderos (Kew Gardens). Solían ponerse en los grandes parques, entre vegetaciones típicas de cada país, con plantas exóticas que no resistían a la intemperie. La idea era poder construirse un paraíso en la tierra (como Winckelman, que soñaba con hombres esculturales en tiempos soleados,…). Para el gran pavellón de la primera exposición de Londres el jurado decidió que debía ser una mezcla de propuestas de varios arquitectos, pero finalmente Albrerto se decantó por la de Paxton, que era más económica y se ajustaba más a la idea. La estructura final fue hecha en hierro, cristal y madera de cedro. Se asemeja a las catedrales góticas en cuestiones básicas, pero al contrario que éstas, que eran hechas más altas que anchas para llegar más cerca del cielo, el pavellón fue construído para abarcar ela mayor cantidad de exensión de tierra posible (ancha)----símbolo del capitalismo. Se exponían antigüedades (de Grecia,…) y las cosas más modernas existentes (el faro más moderno, el telescopio,…). Eran fundamentales para la expansión de las nuevas tecnologías. Se mostraban todos los tipos de objetos mezclados, incluso se traían a nativos de la India vestidos con su indumentaria típica y los exponían como objetos. También se encontraba la mayor fuente de vidrio soplado. El concurso al mejor objeto de la exposición lo ganó Paxton, con el edificio en sí. Fue el primer lugar donde se expusieron las máscaras africanas (a las que dedicó su estudio el marido de Bourgeois) También se vieron en la gran exposición de París. En uno de los laterales se hacía exposición de las vidrieras de las catedrales góticas, sacadas de éstas para la exposición. Los visitantes podían tener la experiencia estética de verlas pero era algo devaluado, nada que ver con la experiencia religiosa de verlas en las iglesias. Delante de ellas estaba la sala de las máquinas. En el año 36 se quemó y desapareció. Violet Le Duc es el principal teórico de la arquitecturadel S. XIX. Hizo la restauración de Notredame. Es el referente de lo que llamamos Neogótico (construcciones modernas con materiales modernos pero con estructuras góticas). El autor de referencia en Inglaterra era Willian Morris (Gothic Revival), sobretodo en edificios públicos. La gan exposición universal, la más apoteósica (las anteriores no habían sido tan populares) fue la de París, en 1889, coincidiendo con el centenario de la Revolución Francesa. La edificación fue la dotada de mayor luz (distancia entre pilares), con el pavellón más ancho (el de las máquinas) y la estructura más alta (la torre Eiffel). Estaba constituída por varios pavellones dedicados a distintas disciplinas. El ingeniero de esta exposición fue Ferdinand Dutert, sólo algunos arquitectos se dedicaron a decisiones prácticamente decorativas en zonas cerce de la entrada al recinto (como el hall de entrada). Los jardines los diseñaron los ingenieros ferroviarios (dando vueltas, sin esquinas). Los ornamentos de los edificios eran de yeso, imitando a piedra (no querían permanencia, sólo que durara los meses que duraba la exposición). Bartholdi fue el mayor arquitecto dela época (creador de la Estatua de la Libertad). Hizo para uno de los pavellones una escultura que representaba el progreso (un carro tirado por 4 caballos, cada uno tirando en una dirección). Fue la primera vez que habían unos generadores de vapor en el exterior que producían la electricidad necesaria para mover las máquinas de dentro. Había un eje que recorría todo el pavellón de las máquinas y hacía que éstas funcionaran. Los burgueses lo veían todo desde arriba en los puentes rulantes. Cuando acabó esta exposición en 1889 se reutilizó el pavellón para otra exposición en 1899. Allí, en el Museo de Trocadero, se acumularon todas las muestras de artes primitivas. Se fueron ampliando a más pavellones nacionales (Japón con una especie de templo…). En el pavellón de las máquinas se hizo otra pequeña estructura dentro que redujo su tamaño y se perdieron los puentes rulantes. En 1909 fue demolido, lo único que se conserva es la Torre Eiffel. Constantin Brancusi: es el escultor más revolucionario del S. XX. Inicia el desarrollo de la escultura moderna. Sigue la estela de Rodin (se reconoce el proceso escultórico) y es muy dado al lenguaje académico. Estudió en Bucarest y luego vajóa a París, alrededor de 1902. En el año 1908-1909 deja de modelar y empieza a tallar. Trabaja en series, a muchas de ellas las llama “El origen del mundo”. I: TORSO DE BELBEDERE. “Escultura para ciegos”. “El beso”. Pule los aspectos carnales de la escultura, quita la pervivencia de la carne. Vuelve al estadío arcaico de la escultura (monolito).Parece un cubo. Año 1907. “La musa dormida”, bronce dorado. Semipulida. Hecha con taladro. Año 1910. “El recién nacido”. Año 1915. “La negra rubia”, cabeza relicario de la cultura Funk. Año 1926. “Pájaro en el espacio”. Año 1930. “El gran pez”, mármol. Año 1930. “El milagro”, más conocida como “La Foca” (podría ser la Venus moderna, la nacida de las aguas). Año 1943. “La tortuga voladora” “Madame Pognani”. Sus ojos están basados en las máscaras de Oceanía. Se supone que es el retrato dedicado a una amiga de París, pero sin seguir las nociones de lo que son los retratos clásicos. “Torso de hombre joven” serie. Intentando pulir esa carnalidad, limándola y sublimándola, toda la obra se convierte en un falo. “La princesa X”. Le pasa lo mismo, la escultura llega a aparentar directamente un falo (no pudo llegar a exponerla por ello). “El gallo”. “El torso de mujer joven”. “Adán y Eva”. Año 1921. “Máscara casco”, de la cultura Senufo (Costa de Marfil). “La pequeña chica francesa”. Año 1914-1918. En 1917 Duchamp (que formaba parte de la asociación de artistas modernos de EEUU) organizó la primera exposición de arte moderno en EEUU, “Armory Show”, donde se expusieron obras de Brancusi (eran muy amigos de jóvenes en París). Depuraba las formas y cambiaba los materiales de cada una de las piezas creando así las series que configurará a lo largo de años. También les cambiaba el pedestal,… En algunas obras pone un pivote de hierro que permite que éstas giren evitando así que sea el espectador quien tenga que dar la vuelta para verla desde otro ángulo. También talla la madera para alguna de sus obras. Brancusi fue a los restos de las exposiciones universales a ver el arte primitivo que le serviría de inspiración. Fue el primero en hacerlo. Luego lo haría Giacometi. Modigliani también realiza esculturas inspiradas en máscaras primitivas (cultura Guro de la Costa de Marfil). Año 1911. Su primera máscara viene de la cultura Gelede. Es una cabeza simple, sin torso, sin pedestal. Se inspira, entre otras cosas, en las máscaras de Ife (S. V-VI d.C.). El uso de estas máscaras en las culturas primitivas es el chamanismo. Se las ponían los hechiceros en sus ritos cuando entraban en trance (se convertían en seres mágicos) adquiriendo así supuestamente poderes de los animales y la naturaleza. Por eso se cubrían también con plumas, pieles,… El arte primitivo se realizaba también para intentar templar las fuerzas de la naturaleza (Ej.: si no hay lluvias no hay recolecta---muerte del grupo). Por ello muchas tienen símbolos de elementos naturales como el rayo,… Como en el S. XIX se había separado lo que era arte de lo religioso, volver al primitivismo significa volver al arte como necesidad de supervivencia, a lo original. Esto es lo que hacen los primeros vanguardistas. Lo curioso y difícil es el equilibrio entre este arte primitivo y lo moderno (nuevos materiales,…). En esta cuestión es el la que destacó Brancusi. Por ejemplo, “Columna sin fin“ empezó siendo un tronco de madera. A Brancusi le fascinaban los rascacielos de N.Y. (acumulaciones de elementos que llegan hasta el cielo). Esto mezclado con los ritos funerarios (columnas con un pájaro encima encargado de llevar el alma al cielo) de su Transilvania natal configuraron la base de la obra. Las civilizaciones se pueden dividir en sedentarias o nómadas. Las sedentarias suelen ser patriarcados, símbolos normalmente fálicos, de aire. Las nómadas matriarcados, con símbolos más femeninos, de tierra, de fertilidad (como enterrar cuencos en forma o simbolizando úteros). I: Brancusi muere en 1957. Julio González (de origen español): venía de familia de orfebres y herreros (trabajaban metales en pequeño y gran formato). Viajó a París y entró en contacto con Brancusi. También se relacionaba con Picasso. Muere en 1942, en plena Guerra Mundial. I: “Bailarinas” de Degás. Aprendió a utilizar las soldadoras modernas en Citroen, a donde tuvo que ir a trabajar en la I Guerra Mundial porque dijo que era escultor y que sabía trabajar el hierro. En sus obras hay una condición mecánica y moderna por el uso de esa maquinaria. Se ve el empleo de la soldadura. Parecen dibujos en el espacio. La escultura está condicionada por la herramienta. Se emplea el hierro porque de alguna manera lleva a la cultura agraria, de la tierra, y era el material con el que los ingenieros empezaban a edificar.. Representa la era industrial. Se usa más que el bronce (mucho más perdurable), que es de los materiales más caros y resistentes. González reduce la masa escultórica y enfatiza los signos, la estructura. “La cabellera”. Año 1934. “Cabeza yacente de mujer”, influencia clara de Brancusi (cabeza sin pedestal ni busto). Año 1934. “El encapuchado”, planchas soldadas de bronce forjado. “Desnudo tendido con un libro”. Año 1914. “El rostro de Montserrat gritando”. Año 1938-39. “Barba y bigote”, de madera. “Tocado con antílope” (varios). Referente: cultura Bambara de Bali. En algunos casos formas más complejas, densas y con ornamentos, y otras más simples y mínimas. “Mujer sentada”. Año 1936. “Pequeño torso egipcio”. Modela cuerpos a través de chapa (planchas). “Mujer con ánfora”. Ofrenda de mujer típica de las tumbas griegas. “Gran torso femenino”. Vaciado en bronce. “El beso”. “La mujer cactus”. “Mano erguida”. Año 1937. “Mano acostada”. Año 1937. “Mano derecha levantada”. Ensayo en escayola. Luego obra en bronce fundido. “Cabeza de Montserrat gritando”, escayola. Año 1942. Todas las obras de Montserrat iban a formar parte de una gran Montserrat que quería llevar a la gran exposición de París para llamar la atención de la situación del gobierno en España (Guerra Civil) A su muerte, la familia autorizó el vaciado en bronce de muchas de sus obras. Las vuelve más suaves, más redondeadas, no tan cortantes----- su sensación cambia. BIBLIOGRAFÍA y centros: JULIO GONZÄLEZ IVAM. “Julio González en la colección del IVAM”. VVAA. Aldeasa. Madrid, 2000. “Arte africano”, Frank Willet. Ed. Destino. Barcelona, 2000. “1900-1910. Los diez primeros años, los orígenes del arte contemporáneo”, Valeriano Bozal. Balsa de la Medusa. Madrid, 1993. “Primitivism in 20th century Art”, William Rubin. Catálogo exposición del Moma. Nueva York, 1984. “L´atelier Brancusi”, VVAA. Centre George Pompidou. París, 1997. Giacometti: Nació a finales del S. XIX en Suiza (Suiza italiana). Su familia estaba relacionada con el arte, pero no tuvo formación académica. Realizó “EL gran viaje” a Italia con un amigo y éste murió repentinamente una noche. Este hecho le dejó muy marcado. Le influyó mucho la figura relicario de la cultura Kota (máscara cóncava). Intenta hacer figuras clásicas en dibujo pero no respondiendo a las normas de la academia (medir antes de encajar,…). Son dibujos más directos, más estructurales, más dinámicos y activos. Empezó a hacer esculturas del tamaño que veía, normalmente a lo lejos, así que eran muy pequeñas. Decidió hacerlas más grandes dándoles más altura, pero la anchura seguía siendo pequeña. Coleccionaba enciclopedias ilustradas de la historia del arte. Dibujaba copiando todas las ilustraciones o fotografías de sus páginas (animales, máscaras primitivas de fertilidad,…). A parte de las grandes exposiciones se hacían otras pequeñas coloniales con todo tipo de objetos (ropajes, bastones, hachas,…) de tribus,…de todos los rincones del mundo. En ellos se retoma la fusión de lo práctico y lo simbólico de los objetos (ejemplo: un puñal que sirve para cazar y su empuñadura son dos cuernos simbólicos para que se incremente la caza). El Trocadero era una sala cercana a la gran exposición de París donde quedaron almacenados todos los objetos de arte primitivo que se habían expuesto. Giacometi era muy asiduo a este museo. Las “mujeres cuchara” primitivas son objetos que, a parte de servir como herramienta, convoca a los alimentos que vamos a ingerir (une practicidad y uso religioso). Giacometi hace la “Mujer cuchara” en bronce con la idea de que las mujeres son un vientre (recipiente) a parte de un utensilio. También se inspira en los grabados japoneses como los de Okusai y hace su versión de “Viajeros bajo la llúvia”. “La nariz” “Casco máscara de la cultura Baining”, inspirada en la cultura india norteamericana. “La mujer que marcha”. Año 1920. Se empezaba a querer incorporar el término de “movimiento” en las esculturas. Ponía grandes pedestales, grandes raices ensanchando los pies de las esculturas (así tienen más peso). Representaba normalmente las figuras masculinas como pinchos y las femeninas como cucharas. Max Ernst: muñecas kachinas de los indios Hopi (existentes en los desiertos de la frontera entre los EEUU y Méjico). Ernst las coleccionaba. También tomó las máscaras africanas como inspiración. “La mujer de Tours” “La cabeza pájaro”. Año 1934. “El espíritu de la Bastilla”. Años ´60. Los totems también funcionan como inspiración (metafísica del aire). AXIS MUNDI: árbol mágico. Eje del mundo. Une el cielo con la tierra (como las esculturas de Brancusi). Metafísica del aire. Henry Moore: también en contacto e influído por Brancusi. Le influyen las máscaras africanas (Mumuye,…) y las culturas esquimales. “La cesta del pájaro”. “Las tres gracias”. INFLUENCIA DE LAS MÁSCARAS EN EL S. XX. 1900-------Cezanne, Picasso y los cubistas, Matisse, Munch, Brancusi, Modigliani. 1920-------González, Giacometti, Ernst, Moore,… 1940-------¿¿¿??? 1968-------Land Art, Morris, Serra, Heizer, de María, Holt. El gran boom se produce a partir de la I G.M, alrededor de 1918-20. La máscara africana se pone muy de moda, todos los burgueses tienen en sus casa máscaras primitivas. Barnet Newman (pintor): los americanos recibían revistas de Europa (en alemás y francés) en las que no entendían los textos. Newman veía las fotos de las obras de Giacometti y decidió reducirlas a líneas en lienzos rectangulares gigantes (las líneas abarcaban desde arriba hasta abajo del todo del lienzo para evitar que se intuyeran figuras---abstracto). Para ellos es sublimar. Newman fue maestro de muchos otros sobre los años ´60. Land Art (arte de la tierra): se dejan de un lado las máscaras primitivas y se toma como referencia las construcciones megalíticas (grandes piedras). No habían sido estudiadas por los historiadores de arte y antropólogos hasta llegados los años ´50. Ahí nlos artistas, sobretodo norteamericanos, los toman como referencia. Las construcciones megalíticas indicaban que existían masas de población unidas, que cultivaban y sembraban. Normalmente habían relojes de sol. Solían ser representaciones que festejaban la fertilidad de la tierra, el cultivo,… El cabecilla del Land Art fue Robert Morris. Las líneas de Nazca en Perú se descubrieron alrededor de los años ´60, cuando se empezó a fotografiar las grandes extensiones de tierra desde el cielo. Morris lo vio y le fascinó (esculturas gigantes y planas). Esto inspiró el Land Art. Se solía hacer en terrenos inhóspitos y desolados como desiertos (cerca de cementerios de armas nucleares, fábricas de armas,…) para evitar que fueran obras “bellas” estéticamente. Richard Serra hizo “Afangar” en Islandia, en una isla. “Shift” (la primera obra de una serie. Año 1971. “A nivel”. Morris hizo una recreación de la cultura megalítica pero en clave post-moderna: “Obesrvatorio”, en Holanda. Holt, alrededor de 1973-76, compró una parcela de tierra e hizo “Túneles solares”: son unos tubos de hormigón con perforaciones y en su interior se ve la luz que entra por éstas (representando constelaciones). A través de ellos no se ve ningún tipo de figura---- el máximo del abstracto. Heizer también compró una parcela e hizo un “anti-objeto”. Construyó un gran agujero rectangular en el suelo parecido a una trinchera gigante. Todas estas obras están protegidas por la Dia Fundation. Smithson hizo la espiral en Utah, en el Lago Sagrado. El agua que la rodea es roja por la cantidad de sal y contaminación. Es el mayor anti-objeto existente. Tan sólo se aprecia en su totalidad si se ve desde el aire (en helicóptero, por ejemplo). De María hizo “El desierto quemado” (1 Km X 1 milla): alrededor de 1000 palos de acero en una zona con alta probabilidad de tormenta de rayos. Podría estar inspirada en los indios Hopi, que hacen que sus adolescentes vayan a vivir fuera de la comunidad y si les cae un rayo y sobreviven se convierten en el nuevo chamán. BIBLIOGRAFÍA: “1900-1910. Los 10 primeros años, los orígenes del arte contemporaneo”, Valeriano Boza. Balsa de Medusa, 1993. El arte europeo está condicionado fundamentalmente por la historia. El arte primitivo no, habían mantenido el tipo de tallas y estructuras ancestrales. Las distintas culturas se diferenciaban por características muy concretas en su arte. HISTORIA: es documental, constitutiva de las civilizaciones=grandes obras públicas. Un historiador=funcionario. ANTROPOLOGÍA: estudio de los grupos humanos y su cultura antes de las civilizaciones. Las técnicas artísticas más primitivas dependen más de la memoria que de la historia. Como disciplina se inventó en el S. XIX. Empezó siendo “etnografía” (estudio de las etnias) en el S.XVII-XVIII, pero fracasó porque era una versión colonialista de la ciencia, que intentaba demostrar la supremacía del hombre blanco. Los primitivos tenían esa necesidad del arte que une lo espiritual (metafísica) con lo corporal (física: alimentación, reproducción,…). Existe una relación directa con la naturaleza. Esto es lo que se había perdido en el S XIX en el arte (vínculo entre lo estético y lo sagrado) Este arte primitvo no tenía autor específico, si no que la hacían todos los chamanes a lo largo del tiempo y salvando las distancias. Esta es la raiz de los expresionistas alemanes no figurativos, más abstractos (con necesidad de espiritualidad), no como los franceses, que seguían pintando cuerpos desnudos. I:Peggy, Hilla Von Rebay, Solomon R. Guggenheim. ARTE PRIMITIVO PARIETAL/PALEOLÍTICO. Las manos imprimadas en las cuevas es de las expresiones más básicas y primitivas del arte. Es la prueba de la propia exiistencia (no cuerpos dibujados,…sólo manos). Estas manos imprimadas solían apreciarse en movimiento al realizarlas porque eran alumbradas con fuego (en movimiento) Hay restos y manchas de humo cerca de ellas, a veces alrededor. Es un efecto que en la actualidad, con luz contínua, no vemos. Esa mano solía ser la convocatoria de las fuerzas del cielo. El zig-zag ascendente simbolizaba al rayo. El horizontal a la serpiente. Conviven geometrías, abstracciones, imprimaciones de manos,…en estas cuevas. “Cuevas de Pechmerle” “La hiena herida”: mango de lanzas o flechas. “Miau”: bisonte en arcilla (con tres heridas en forma de agujero). “La pasiega”, en Santander: Bisontes. “Cueva de Kab-abba” en Nueva Guinea. “Cuevas de el castillo”:flujos simbólicos de energía, de materia (agua, viento,…). “Cuevas del castillo. Tectiformas”: imágenes que convocan las experiencias del cielo. También hay símbolos que representan atributos sexuales (vulva,…). “Cuevas de Altamira”: líneas dibujadas sobre arcilla en una de sus salas. “Cueva de Trois-Frères”: mármol negro y capa de de caliza blanca encima. Se ven las pinturas en negro sobre blanco. Figuraciones una sobre otra. Antropomorfos: medio hombre, medio animal. “Cueva de la Colombiere” en Francia: hay piedras pequeñitas con un montón de animales superpuestos, una especie de apuntes o esbozos de dibujos que luego se trasladan a las cuevas en dimensiones más grandes. “Las puertas de Madelane”: dos cuerpos femeninos desnudos tumbados, una hacia cada lado, situadas en la entrada de una cueva. Existen también especies de bastones con perforaciones para lanzar flechas, y con ornamento para convocar la caza o protegerse de animales. BIBLIOGRAFÍA: “La abstracción en el arte figurativo del paleolítico”, Juan María Apellániz. Ed. Universidad de Deusto, 2001. “Los chamanes de la prehistoria”, Jean Clottes y David Lewis-Williams. Ed. Ariel-prehistoria. “El presente eterno, los comienzos del arte”, Sigfried Giedeion. Ed Alianza. Madrid. Distintas ediciones. “Sombra y luz en el arte paleolítico”, Marc Groenen. Ed. Ariel-prehistoria. Barcelona, octubre 2000. “Manual de arte prehistórico”, José Luís Sanchidrián. Ed. Ariel-prehistoria. Barcelona, 2001. “Maestros subterráneos: las técnicas del arte paleolítico”, Joaquín Vaquero. Ed. Celeste. Madrid, 1995. EXPRESIONISMO ABSTRACTO NORTEAMERICANO. Los americanos querían conciliar todas estas características en un estilo concreto pero era muy difícil. Hubo gente que lo logró, como Jackson Pollck, que desarrollaron su particular parcela. Querían deshacerse del arte clásico europeo y generar un arte moderno propio, aunque tomando como referencia lo que veían en las revistas de las vanguardias europeas (sólo miraban las imágenes, no leían los textos porque estaban escritos en francés, alemán e italiano). Cogían un quot;
trocitoquot;
de las vanguardias europeas y lo sobredesarrollaban. Evitaban contornos para evitar las leyes de Gestalt. Willem de Kooning (el único figurativo. expresionismo gestual) hacía obras muy similares a las de Picasso pero en grande (Picasso hacía mujeres rotas por 80 partes------> Kooning hacía mujeres rotas por 200 partes). Hacía quot;
mujeres tiburónquot;
. Pintores de color (los 3 siguientes): David Smith hacía las quot;
Tank Totemquot;
, obras similares a las quot;
mujeres cactusquot;
de Julio Gonzalez pero en grande. Clifford Still pinta cuadros rojos dejando pequeñas franjas blancas en medio. Admite la influencia de los cuadros de Matisse donde los fondos, con tonalidades muy intensas, devoraban la figura. Mark Rothko dibujaba horizontes (un gran campo de color arriba y un gran campo de color rojo abajo). No se veían ni nubes, ni soles, ni nada....ninguna figura. Hacían abismos de luz, pintando rayas de un color en un sentido, de otro color en otro, de otro color en otro,... Creaban un negro con profundidad, no plano. Sus obras se tienen que ver con poquita luz y en silencio. Robert Motherwell. Clement Greenberg (quot;
Arte y culturaquot;
. Ed. Síntesis o Anagrama) fue el crítico del expresionismo norteamericano. Se usa el término quot;
factnessquot;
, lo que de hecho sucede, cómo está realizada la pintura. Pollock inventa el quot;
drippingquot;
(gotear, chorrear). Fue el primero en conseguir una exposición monográfica en Nueva York. Nació en 1912 y murió en 1955 en un accidente de furgoneta. Procedía de una família de granjeros. Se formó para aprender a dibujar. Thomas Hart Benton (uno de los representantes de los muralistas americanos, que defendían los cuerpos más viriles y hacían grandes murales, ensalzaban el individualismo del artista) le formó. -quot;
Autorretratoquot;
. Año 1931. -quot;
Cabezaquot;
. Año 1938-41. -quot;
Máscaraquot;
. Año 1941. quot;
Hombre desnudo con cuchilloquot;
. Año 1938-40. Estuvo muy influído por el último Monet (se ven más las pinceladas, la gestualidad pictórica y la materia que otra cosa). Ejemplo: quot;
Glicinasquot;
. -quot;
Los guardianes del secretoquot;
. Año 1943. Se ven figuras, es algo totémica. -quot;
Guerraquot;
. Año 1946. -quot;
Ecoquot;
. Año 1951. -quot;
Cut-outquot;
. Año 1948-50. Hizo unas poquitas esculturas pequeñas. -quot;
Sin títuloquot;
. Año 1940-43. Tallada en hueso. En los grabados empieza a desarrollarse sobre los años 40. Es más fácil deshacerse de la figuración porque va girando las planchas metálicas y así no se pintan tantos trazos verticales (más reconocibles como figuras). Muchos cuadros no tienen título sino número, librándose así de las connotaciones que éstos podrían aportar. Cuando se va a vivir a los Hamptons, alrededor de los años 40, es cuando se produce el cambio sustancial. Sus cuadros dejan de tener formas verticales, empiezan a ser isótropos (tienen las mismas cualidades en todas las direcciones). Empezó a pintarlos puestos en el suelo y sin ninguna preferencia de dirección (así no existen cuerpos alzados). Fue por eso por lo que destaca este autor, porque logró arrancar la figura de los cuadros, librándose de la figuración (algo que habían estado intentando los artistas americanos). A casi todos sus formatos verticales les llamaba quot;
Catedralquot;
en homenaje a Monet. Por ello Greenberg decía que era esencial, porque la pintura no configuraba otra cosa, sino sencillamente se veía cómo estaba pintado directamente. Era absolutamente quot;
factnessquot;
. Los cuadros pintados en el suelo también tienen como influencia a los indios Hopi, que pintaban en el suelo en sus ritos. Diferencias entre esta pintura moderna y la tradicional: los materiales no son necesariamente especializados, se compran en ferreterías muchas veces, son pinturas de radiadores, de coches, pinceles bastos,... Los lienzos no se impriman necesariamente. No se buscan colores que intenten imitar lo que vemos, no se intenta templar el color. Cada una de las partes tiene un significado simbólico Pollock iba dando capas y capas de goteo hasta que conseguía resaltar la isotropía. A veces echaba en el lienzo materias de carga (trozos de cristal,...) La serie negra, alrededor de 1950 es la que tiene menos color, cosa que hacía que dejara de competir con Monet. Uno de los antecedentes de este arte moderno es la imágen microscópica, donde no hay norte, sur, este u oeste. -quot;
Retrato y un sueñoquot;
. Año 1953. Se ve de nuevo a Picasso. -quot;
La luz blancaquot;
. Año 1953. Uno de sus últimos cuadros. La historia del arte prefiere narrar que su obra acaba con los cuadros en los que se desprende totalmente de lo figurativo, pero lo cierto es que después hizo algunas obras en las que, a la que se descuidaba, se volvía a entrever a Picasso o Matisse. Jean Dubuffet: es el máximo exponente de lo que se denomina quot;
informalismoquot;
. Hizo sus propias revistas de quot;
Art Brutquot;
. No quiere competir con sus referencias anteriores, sino desarrollar los que venía habiendo con el surrealismo. Gaston Bachelard: fue un téorico que ha influido directamente en muchos artistas. (quot;
Las poéticas del espacioquot;
). Fue físico y matemático . Divulgó las repercusiones de las relaciones entre espacio-tiempo para gente no especializada en el tema. Muy dado también al psicoanálisis. Brassa: era un fotógrafo surrealista que ilustraba los textos de Psico-análisis,...de la época. Informalismo era el desarrollo plástico del planteamiento de los surrealistas, aunque para éstos, publicaban cosas referentes a arte primitivo, pre-histórico, arte hecho por locos,... El informalismo trata de construir arte a raiz de encontrar determinadas cosas existentes, no creadas por los artistas. Por ejemplo, los niños que encuentran agujeros en las paredes de balas de guerra y dibujan una cara con ellas, porque se reconocen formas concretas a raiz de elementos ya existentes. Todo ello se publica en los artículos de quot;
Art Brutquot;
. 18 DE NOVIEMBRE DE 2010 (Paloma) JEAN DUBUFFET – 1901-1985 – ART BRUT La familia de Jean Dubuffet (padre un hombre culto, NO le hacía caso porque solo estaba en su despacho o biblioteca) rechazaban la cultura porque su padre no le hacia ningún caso. Su padre era un tratante de vinos y no le hacía caso porque estaba siempre en la biblioteca. Y el tenia rechazo a la cultura y por ese rechazo se paso toda la vida estudiando a los locos. Es un disparate porque se quiso cultivar en la cultura del dibujo. Louis Bourjos conocía a Jean Dubuffet y le llamaba FAUX NAIF tendencia a dibujo no especializado o ligero, aperturas artísticas ingenuas y menos cultivadas, no quería ser culto pero estudio mucho los dibujos de los locos y quería parecer un loco, como si fuese un loco. Hizo unos cuadros magníficos. Quería estudiar a los locos y psiquiatras. Era muy culto pero no quería parecerlo, quería dibujar como si fuese un loco o un ingenuo. Abandona su vida burguesa, a su mujer y se lía con Lilí y la dibuja a la manera ART DECO (su nueva novia). En sus primeros cuadros hace Pintura FAUVE (salvaje, primitiva, esculturas esquimales, queriendo imitar los modos de representación de las culturas menos desarrolladas y más salvajes , etc. filiformes etc.)Estos cuadros los hizo en el año 42 , en plena guerra mucho después de los de Picasso y Matisse. Reinterpreta a Picasso (su ídolo) con “los músicos”. Viaja al desierto y convive con los beduinos y le fascina la imagen de la arena, como las sendas de camellos hacen vista desde el cielo. Cambio sustancial es la imagen de un espectador flotando, mirando desde el cielo y los antecedentes son la imagen microscópica, vemos un mundo flotando , ni grande ni pequeño , no te imaginas cuál es tu posición con respecto a lo que ves. No hay proximidad con los cuerpos representados sino que hay una distancia. Pasa a realizar cuadros con capas de óleo y capas y después las araña (como en las cuevas primitivas donde se veían las manos rayadas)- “Los músicos en el desierto” . Acumulación de colores tratando de acercarse a la tradición primitiva, pero con un material tan moderno como el óleo. Lo que más le fascina son los estudios sobre la materia o textura (es una relación entre lo que vemos y tocamos). Materiología (series enteras de pinturas, dibujos y grabados). La textura viene de tejido y son los distintos tactos asociados a la vista, relación entre lo que vemos y lo que tocamos. La Materiología, la materialidad de las cosas es la potencia de la tierra para crear las plantas. Le interesa más la palabra Materiología. EL PUNTO DE VISTA ESTA FLOTANDO. La materialidad de la tierra generadora de imágenes -“El catastro” – sensación de intimidad de la materia y pura exterioridad. (Paradójico) -“La alegría de la tierra” – papel mache, crear campos de textura como hacíamos en el colegio. Para un niño el mundo es esférico y se trabaja con texturas. Parece que está hecho con materiales vegetales, ofrece sensaciones e interpretaciones. Lejos de la facticidad de Greenberg y habla del gozo de la tierra. Dubuffet dedica parte de sus obras a Bachelard. -“Topografía dorada” o “El transito del sol”. El gozo de meter las manos en la tierra, se imaginaba los paisajes desde el cielo. Grandes paneles “Texturologia “(ensoñaciones de la tierra). Esta puesto en el lugar del sol GLOBALMENTE SE LLAMAN TEXTUROLOGIA (no hace falta aprenderse los nombres de los cuadros) , son dreepeg PINTOR DEDICADO A LA TIERRA DURANTE MUCHOS AÑOS, es desde 1950 1960 ( Desde los músicos en el desierto hasta las imágenes de la tierra) Pasa a “El violinista del perro”, con estos cuadros quiere dar a entender que en las imágenes de la tierra siempre hay imágenes. Nos cuenta la potencia generadora de imágenes. (Lo que dice Gastón Batchelard, que dice que en la tierra las imágenes están dormidas, hay que soñar que en todo lo informe de la tierra y del barro hay imágenes) . Son las poéticas que sirven de sustrato al INFORMALISMO. El informalismo es global para todos los artistas de los años 50 europeos que desarrollan recrean la poética de la tierra, que en el agua, el fuego etc... Hay figuras. El americano dice la pintura es pintura y me gusta reconocer como estas hechos los cuadros y reconocer el color y los franceses quieren soñar y dar rienda a sus interpretaciones de las sustancias y de las imágenes. Si queremos hacer un trabajo de Dubuffet hay que remitirse siempre a Gastón Bachelard. La pintura de Dubuffet es del tipo de juegos de los dos agujeritos en la pared de una roca donde dibujamos automáticamente una nariz y los agujeros nos sirven de ojos. Hace lo mismo pero en los lienzos. Esta considerado un pintor de ART BRUT, que junto al Arte popviar y el Naif comparten ciertos elementos. Dibuja grandes barbas “Las barba de las soledades”. Se fascina por las barbas que tiene posibilidades infinitas. Dedica muchos cuadros a sus barbudos, cuando vemos los ojos nos recuerda al arte rupestre/urbano. La paradoja es que el sentido inmediato del tipo de grafitis es la inmediatez no utilizar un lienzo. Pasa los estudios de Texturologia para hacer figuras en las que se ve la materia. En los años 60 hace una serie “imagina a nos niños viajando por Paris”. Dibujos hechos con cera. Imita los dibujos de los niños y su mundo “paseando con la mano en el bolsillo”, como no está muy seguro le pone nombre a sus dibujos como harían los niños. Hace GRANDES SERIES, por ejemplo en los almacenes La Fayette. Sigue haciendo figuras desde la potencia ensoñadora de la materia. -“Desorden sobre la mesa” (reconocemos la vinculación cubista , surrealismo francés , con nuevas técnicas plásticas) , ha cubierto de pintura negra , luego roja y luego amarilla y luego blanca, agita los colores como técnicas similares al arte infantil. Escultura con papel de plata “El comendador”. “La vivacidad del plegado” – realiza figuras de estropajo “Gygotón” donde utiliza materiales para la fabricación de imágenes. Tiene una potencia imaginadora de las materias informes (como un estropajo) . Desarrolla las leyes de la Gestalt – en cualquier masa informe hay figuras. TODA MATERIA DENSA PERMITE EVOCAR IMÁGENES, ES LA POÉTICA FUNDAMENTAL DE DUBUFFET. Cambia a colores puros y entre comillas a mas POP en los años 60 con iconografías específicamente infantiles con colores más saturados y mas infantiles “Boveryn Bum” como Peter Pan que son dibujos automáticos de cuentos infantiles. El color es mucho más anímico y parecido a los CUT OUT DE POLLOCK. -“VENUS patata” son dos cuerpos enormes que están basados en los DIBUJOS PARIETALES, cuerpos deformes, representaciones de los dibujos parietales, paredes en las que reconocíamos figuras. En una pared arruinada o vieja tiene una sensación geológica (sensación de carne) desarrolla las potencias que en cualquier pared destruida podemos reconocer como figuras. Si esta nueva la pared es neutra, sin imágenes. Dice que nuestra materialidad es TELÚRICA, recupera las densidades no como en los modos de representación del cuerpo femenino en la tradición, como cuerpos purísimos y levísimos, nos olvidamos de la pasta terrenal. El falo de Brancusi, inocente y pulido y pulido para que no se recociese su textura y el de Bourjois que era especialmente carnal con latex imitando las formas y texturas de la carne. El paso intermedio de esto Dubuffet, trabaja las tierras y ver las imágenes propias que generan las tierras. Busca imágenes que crea la propia tierra, tenía un amigo que adoraba las mariposas pero las mataba y las metía en un bote con tapón y algodón y arsénico, se morían pero quedaban bonitas porque no sufrían. -“La pintura de las gaseadas” – matar de forma sofisticada. El cuadro esta hecho de alas de mariposa de las que les sobraban a su amigo Roger Calois.La potencia de la materialidad, algo que puede ser vegetal y es animal, algo inanimado pero que parece animado. Luego le da por pintar vacas, las que se encuentran entre Suiza y Francia. También dibujo vacas, las mejores vacas que se han pintado. PAUL KLEE – (1879-1940) - 18 DE NOVIEMBRE DE 2010 Nació en Berna. Amo de casa, se quedo al cuidado de los hijos y empezó a pintar y a tener cierto éxito en la pintura. Realizaba pinturas ágiles, lo que se apreciaba mas eran las expresiones artísticas menos condicionadas por la especialización de la academia. Fue profesor de pintura de la Bauhaus. Uno de los mejores artistas de las vanguardias centroeuropeas. Coincide con Picasso y su gran influencia de la Bauhaus, ya que era profesor de pintura de esta escuela. Cubría el lienzo con pequeños trozos de papel de periódico ya que medio imprimaba el lienzo y pintaba. Es uno de los casos típicos del uso de la máscara en el año 24 y del ensayo de ciertas técnicas pictóricas que se utilizaban en algunos colegios. Capas de pintura de cera y luego rallarlas. Uno de los primeros en Alemania que se metió en la pintura Naif. Mascara de la cultura KIFWEBE (Zaire), casi todas las mascaras llevan pelo y plumas para tapar la presencia real del chaman y alas y cola para parecer animales mágicos. En Alemania (países de potencias coloniales) tenían museos etnográficos y todos los impresionistas alemanes colgaban mascaras africanas y se identificaban como pintores primitivos, pero el nuevo modo de hace de Paul Klee es mucho más silencioso, formato pequeño y expresividad comprimida, más parecido a la expresividad de un niño. Con las crisis del año 20 en Alemania, la mitad de ellos estaban afiliados al PC y en esos años muy predecibles una revolución de corte comunista es donde surge el NACISMO. La textura de la imagen (en crudo sin imprimir) no lo realiza Paul Klee, y le da sensualidad a la imagen. En este caso trabaja con el lienzo en crudo y le pone pintura para teñir el tejido. Esto tiene que ver con los tejidos que venían en las mascaras. Famosos las mascaras de los indios PUEBLO, ZUNI, OPI, podemos reconocerlas por los colores, usos etc... Copiaban los atuendos y las decoraciones también. -“Álbum pictórico” – Para las culturas primitivas piensa que no existe el vacio. -“La pastoral” – escenas campestres de la arcadia (faunos y ninfas). Toma el titulo prestado y construye un muro más o menos vegetal o animales. Imagina una extensión de terreno muy grande. Pinta como imagina un niño un cuerpo o una casa, sus representaciones no tienen un arriba o un abajo, siempre llenos de símbolos geométricos que obedecen a las animas o fuerzas que mueven a la naturaleza. La cultura del grafiti obedece mucho a las obras de Paul Klee, la voluntad de llenarlo todo de signos. Las culturas primitivas lo llenan todo de signos porque entienden que lo que nosotros vemos como transparente como material y vacio (perspectiva) para ellos está lleno de energía. “El pintor no debe representar visible lo invisible” (fuerzas, espacios y energías que habitan entre los cuerpos). “Hacer visible lo invisible”. El hombre moderno distingue entre lo que funciona y lo que significa, el mundo de lo útil y el mundo de lo simbólico y que una cosa esta separada de la otra y lo que quieren recuperar los artistas son las latencias sagradas que no han separado una cosa de otra (soldados americanos poniéndose los pelos como los indios y dándole nombre a los misiles – tomahou) Los dibujos de Paul Klee también evocan los circos, signos que vienen directamente de los tatuajes y decoración tiendas de los indios, un estado anímico que cree que está lleno de monstruos. Las culturas primitivas entienden que la noche es muy peligrosa, que el desierto está lleno de peligros. La serpiente es la representación del rayo en la tierra. Otro cuadro con signos de la cultura MANGBETU (Zaire) . La serpiente y el rayo estaban conectados en las culturas primitivas. Todos los artistas de los años 20,30, 40 y 50 han utilizado las mascaras y lo que está relacionado con las culturas primitivas. GUSTAV KLIM : Es el artista favorito , el que mas merchandaising que produce en el mundo. Es de finales del XIX Y principio (24 de NOVIEMBRE) PICASSO – y el arte primitivo (1881-1973) 92 años Todos los mitos. La infancia de la humanidad había sido Gracia, ensueños de lo salvaje. Culturas reconocidas por sus esculturas. Relación con la naturaleza amable pero realmente el hombre esta atemorizado con la naturaleza. Las lluvias – muerte, las sequias-muerte y los animales-muerte. Tuvo una infancia infeliz. EXPLICACIÓN. La búsqueda de Picasso hacia el clasicismo, es dándole densidad a los cuerpos. Etapa azul= melancólica y depresiva en “Ciencia y Caridad” vive la bohemia francesa. Utiliza como soportes cartones y colores azules. Los rostros insanos copiados de Toulouse Lautrec (tintas planas) propios del grabado japonés que pintan en azules con temperamento melancólico. Cambia a temperamento de corte expresionista con su autorretrato en 1901. Apolinaire es amigo poeta que explica el cubismo. Convive con Picasso en esta época en su buhardilla. Muere Apoli y los poetas deciden hacer un monumento al poeta llevado a las máximas claves de representación y se lo encargan a Picasso. Toda su obra abstracta invoca constelaciones, la calavera, fue la que dedico a la muerte de Julio González. MEDARNO ROSSO – Señora x – 1896 Escultor italiano, transforma del retrato de la cabeza por mascaras. Fue el primero que comenzó a representar las cabezas sin ser retratos. Brancusi tiene influencias de Medarno. 20 años después todo el artista representa las cabezas igual que Medarno (Antoin Peusner) que se cambio de nombre a NAUM GABO (Nombre primitivo) , hizo una máscara de metacrilato o plexiglás. La pieza era transparente y se volvió marrón. Realizo una escultura primitiva con materiales más modernos en el año 1923. Las tensiones entre lo primitivo y lo moderno es lo que va a marcar la trayectoria de PICASSO. Las escultura de Picasso están basadas en el uso de las mascaras africanas, tenía una pequeña colección de mascaras originales. El primitivismo está directamente relacionado con el modernismo. Sr. William Hamilton (cónsul de su majestad británica en ......?) Coleccionaba vasijas griegas y grabados en los que aparecían vasijas. En las decoraciones de estas aparecen geometrías con figuras de ilustraciones de textos clásicos como OMERO etc. Conviven geometría y escenas de batallas. Surge el mito de que en el arte griego la línea servía para convocar un volumen de cuerpo. Junto a Hamilton hay que conocer a un grabador FLAXMAN que tenía la idea de que un buen contorno es suficiente. WINCKELMAN, FLAXMAN, HAMILTON, INGRESS se reunían a deleitarse con los cuerpos clásicos de Grecia. De ahí surgen los grabados de Picasso () de la línea). Una de las metáforas obvias de las montañas es la representación del cuerpo de una mujer. Suite Vollard fue el marchante de Picasso. El surrealismo y el clasicismo no pueden existir..... No me dio tiempo a coger mas. En un mismo grabado puede haber tratamientos diferentes. Todas las supuestas etapas de Picasso conviven a la vez en una misma obra, a Picasso le fascinaba el minotauro (Laberinto del Minotauro, Teseo entra a matar el Mino tauro con una cuerda que le da Ariadna.) Le fascinan los toros y las pulsiones animales. La tensión de Pi en el mismo cuadro, la serenidad con la .... en su regazo y .... Los libros dicen que en 1931 se vuelve ..... Las cronologías NO SON CIERTAS porque hay latencias de surrealismo en el clasicismo y porque puede hacer grabados clásicos por la mañana y por la tarde esculturas de hierro y figuras en una supuesta etapa de clasicismo. Las esculturas de hojalata basadas en mascaras de culturas primitivas. Representación de la guitarra = cultura GREBO (Coleccionaba piezas de la cultura Dogón). . Hace mascaras para un teatro basadas en las de la cultura BAULE (forma de animales) y también diseña vestuario para teatros. Autorretrato de 1906 elige los contornos rigurosos para producir una enorme solidez. Acude a la máscara para evitar la representación de un rostro. Como antecedente de las Srtas. de Avignon fue el retrato de HERTRUT STEIN, donde cuesta reconocer el rostro , el corte radical y cobertura rígida como una máscara. Cezanne también utiliza las mascaras y los ojos como embutidos. Un antecedente del cubismo es la pintura de Cezanne (sólidos de revolución, o sea la esfera el cono y el cilindro) Hay solidez y rigor. Picasso trata el cuerpo violentamente y en su obra conviven dos personalidades, tiene una mente partida (esquizofrenia) que es la imagen propia del clasicismo. Utiliza los sólidos de revolución con un contorno, cuadritos preparatorios de las Srtas. de Avignon (1907), vivifica la pintura impresionista con el color y el tratamiento del espacio violento. Todo esto lo hace al mismo tiempo que las mascaras. MODERNIDAD Y TRADICIÓN todo junto. En cada rasgo del rostro que aparece la identidad del retratado y por otro lado....... Otro dialogo claro Ingres – Marie Marcoz 1814 Picasso – Retrato de Olga 1929 Ingres – Inés de Moitessier 1856 Picasso – Retrato de Marie Therese Walter 1932 Hace una FRACTURA “El sueño” es una mujer desnuda en un sillón rojo (1932) con reminiscencias de la obra de INGRES Y lo mas sorprendente es que en el 300 aniversario de las meninas hace una revisión del cuadro de Picasso. Uno de los motivos que hizo a Picasso dedicarse a Las Meninas fue su estudio “La Californie” . A la vez que las Meninas (cubistas) realiza la mujer desnuda acostada en 1955. Con sus trazados convoca un cuerpo robusto. En 1955 transforma el cuerpo y sigue fracturándolo. O SEA QUE NO HAY ETAPAS COMO DICEN LOS LIBROS, TODO LO QUE HACE PICASSO LO DESARROLLA JUNTO Y A LA VEZ . El ensueño de este clasicismo es PAUL CEZANNE MONET – No hay presencia material, nada permanece Cezanne – Quiere recuperar los rasgos del clasicismo desde una experiencia. CEZANNE DIJO. – Hay que hacer con el impresionismo un arte como el de los museos” ya que hay una cierta simetría. “El tiempo del clasicismo” deja fuera del tiempo humano. No hay sensación de prisa mirando un Cezanne, que decía que no se puede pintar mirando un reloj. En los museos hay sensación de permanencia, del clasicismo no queda NADA de pintura solo los cuerpos supervivientes, o sea los que estaban hechos en piedra o mármol, no existen cuadros. El modo de componer de Cezane es clásico, estudios preparatorios de las grandes bañistas. Se va a Paris y se dedica a desarrollar durante 15 años a los bañistas. Ensaya otras posibilidades de cuerpos, enfatiza los colores de la tierra, lo hace a través de un contorno pero NO ACADÉMICO. Construye escenarios permanentes. Esto es el gran proyecto de Cezanne, quiere mantener ciertos rasgos del clasicismo como Matisse y Picasso Los cuerpos trazados con contorno evoca la convocación de cuerpos potentes y modelados. “Los juegadores de bolos” eran muy cercanas a los cuerpos de Cezanne. “Los estudios para el lujo” coninciden con el tiempo con las Srtas de Avignon , fue en esta época cuando Matisse... Estan tallados como esculturas africanas (precarios como cuerpos de un árbol). “Mujeres cuclillas” de Degas (modelado de academia, dibujos, nunca lo vonveremos a ver en el arte del siglo XX). Naun Gabo (Profe de escultura de la BAUHAUS) Man Ray – Fotografio a Picasso como un hmbre vigoroso y era muy pequeño. Referente “Dos mujeres corriendo pro la playa” tiene ref a las caras de Ingress. En el arte florentino dibujan con RIGATINO (Modelados de los cuerpos con rayas de pintura que trazas una envarnacion global de colores calidos y encima tramas distintas de colores distintos). Hay mucho clasicismo en Picasso . Cuando viaja a Roma e imita esas formas de pintura y quiso recuperar la monumentalidad de los cuerpos clásicos en “Dos mujeres corriendo por la playa” . Mar cercano y en calma , mar entre tierras. Surgen dibujos de tanteos con líneas contundentes que nos enseñan cuerpos contundentes como vasijas CONVOCANDO UN CONTORNO hacemos cuerpos maravillosos, cuerpos serenamente tendidos y cuerpos trazando con RIGATINO. CUERPO SANO = CONTUNDENTE BETSABE DE Rembrant – INTERNET Exageracion en el volumen de las extremidades, sentarse en cubo como lo hacían en la academia. El clasicismo de Picasso siempre tiene al Mediterraneo de fondo. En 1905 viaja a Holanda y se queda fascinado por Rembrant (que no era pintor académico, un cafre , directo, inmediato y directo en su concepción pictórica). CLASICISMO. En la arquitectura romana se copian las formas griegas. Los templos griegos protegían a los dioses, era donde se guardaban las mejores obras de arte y jamás se abrían al público. (Cela=caja oscura). Martín Heidegger: hace una lectura sobre el templo griego, cómo están construidos y constituidos. Acrópolis: Ciudad elevada, sagrada. Geometría= lenguaje de los dioses. Podium: elevación------> estética idealista. Peristilo: conjunto de columnas que rodean al templo. Da la sensación de que no está tan cerrado. Cella: el sentido del templo griego era guardar en oscuridad la apariencia o imagenes de los dioses. La elevación del templo griego es uno de los referentes de la cultura occidental. Relación de la arquitectura con su lugar. (dibujo de montaña y templo arriba). El arte griego se recupera en el S.XX. Cuando vemos un templo griego auténtico, lo que ves es lo que hay. Cuando el templo es romano imita a lo griego en lo estético, su apariencia estructural es la misma, pero su estructura real es moderna. Por ejemplo, las columnas parecen iguales a las griegas, exteriormente son de mármol,...pero por dentro son de cemento o ladrillo. Todas las correcciones curvas que se dan en el arte griego responden a una necesidad de templar la geometría para adaptarla a la percepción humana, que se da de manera cóncava por la forma de los ojos, no plana. Mies Van Der Rohe: Fue profesor de la Bauhaus. En sus construcciones quiere desacralizar el templo clásico. Tiene todos los elementos de construcción clásica pero invirtiendo todos los elementos simbólicos. POr ejemplo: Cellas luminosas, transparentes, que dejen ver lo que hay en el interior. Hace lo posible por evitar la verticalidad en columnas (y en sillas hace por ejemplo (Dibujo de silla)). Uno de sus referentes es el arquitecto Frank Lloyd Wright (entendía que el centro de una casa era la chimenea=asociado a columna vertical, por donde la casa se abre al cielo, alrededor de la cual se genera la actividad de la casa, la comida, el calor,...). Mies intentará por contra hacer chimeneas en sus construcciones anchas y que no sobresalgan por el techo demasiado.El exagera siempre lo horizontal. Dibujito de casa. No hay el equilibrio griego entre lo vertical y lo horizontal, sino supremacía de lo horizontal Una de sus formas de conseguirlo era poner el techo a la misma altura de los ojos que el suelo, o pintarlo exactamente del mismo color que el suelo. Los capiteles tradicionales eran un nexo entre la columna y el techo que suavidaba la unión, normalmente en forma de cuña, donde se plasmaba la tradición artística. Mies hace lo contrario, pasa de Dibujos de capiteles. Prácticamente elimina el capitel. Reconoce las formas clásicas para usarlas al contrario. Emplea juntas re-hundidas entre paredes y techo. Dibujo de pared trasversal. Vista pared trasversal----------> dibujo En sus clases construían maquetas hechas con papeles (paredes,...). Por ello daba la sensación de cosas móviles, igual que sus construcciones, que carecen de la sensación de estabilidad de los clásicos (de nuevo invierte la simbología). Uno de sus profesores fue Alois Rielg, difusor de las ideas de Niestche, historiador de arte, experto en villas romanas. Creía que la concepción que tenemos normalmente de arte tiene un solo punto de fuga porque tenemos una religión monoteísta. Los griegos es al contrario, tienen muchos dioses=muchos puntos de fuga. Mies, a raiz de entrar en contacto con Rielg, empieza a tener en cuenta el simbolismo en la arquitectura, pero lo deforma, lo pervierte, usa sus opuestos. -quot;
Pavellón de Barcelonaquot;
. Año 1886-1969. Alemania, después de protagonizar la G.M. quiso dar una imagen moderna y lo montó. Alemania era la mayor productora de acero y carbón, y quería renovar esta imagen pasándose a los suministros de electricidad. -quot;
Fábrica de turbinas de la AEGquot;
de Peter Behrens. Fue uno de los maestros de Mies. También trabajó para él, y aprendiendo estuvieron Le Corbusier y Walter Gropius. Hamilton: Fue uno de los primeros arqueologos modernos. Revoluciono la historia del arte con el estudio de las vasijas griegas. Siempre hay dos conceptos divergentes: la grecia que imaginamos y la que relamente es (partenon: integramente policromado y nosotros lo soñamos blanco y luminoso. Hoy en dia solo queda el peristilo que deja intuir la presencia y la solidez de lo que existia antes en ese interior). Esto influye mucho en Henry Moore para crear sus esculturas (de gran peso pero huecas por dentro), a parte de las características típicas del arte clásico griego. Sala del Tesoro de Micenas: Uno de los enterramientos más grandes de la antiguedad. Su cúpula fue la más grande hasta la construcción del Partenon de Roma (dibujo tumba). “Apadana Persépolis” (conjunto de palacios reales en capital) distinto a la acrópolis de grecia. La cultura persa y la política era de dominio (a todos los pueblos circundantes que cada año tenían que hacer un simpósium o tributo a persia). El conjunto de la Apadana era el recorrido por el que tenían que desfilar todas esas naciones. Hipóstiles: salas llenas de columnas. Estas columnas no eran talladas por los persas, sino los griegos obligados a hacerlas despues de su sometimiento. El arte griego clásico surge a raiz de la derrota de sus pueblos ante los persas. Grecia reunió los ejercitos que les quedaban después de la derrota y así se enfrentaron. Empezó ahí la reconstrucción en dimensiones más grandes que las originales del partenon (promotor de la reconstrucción del partenon fue Fidias). Los guerreros griegos eran hombres libres, los persas eran los propios prisioneros de guerra. En el arte persa todas las imagenes de personas son iguales, con los mismos atributos, mismos rostros... representando a los ejércitos de las diferentes naciones sometidas. Tenían ligeras diferencias según la categoria del pueblo sometido (los griegos ya no). Para los egipcios la geometria era sagrada porqué dividia las tierras (significaba reparatición del poder, ayudaban a controlar las cosechas a base de riegos...). Era tan sagrada que en las esquinas de los templos se hacían ofrendas, sacrificios de animales... para los dioses. Las formas de las estatuas griegas iniciales se les nota que vienen de esas formas geométricas (cilindro...). Poco a poco va humanizandose el arte, hay una liberación del cuerpo y la arquitectura redondeando formas. Coincide este cambio de la grecia arcaica a la grecia clásica con el resurgimiento de esta después de su derrota y reconstrucción del partenon. Las estatuas ya no tienen esas figuras geométricas tan visibles. La gran baza del arte griego clásico es el equilibrio entre la geometria y el naturalismo (equilibrio entre apariencia de los dioses y de los hombres). Cada vez se parecen más a los humanos pero siguen con ciertas relaciones de geometria de los cuerpos celestes. A los griegos les fascinaba el estudio de los cuerpos leves (que no pesaban), física cósmica (el cosmo es igual a la totalidad de lo existente). Preferian esto a los cuerpos graves (fisica de lo grave) que consideraban corruptos. (cuadro física) -quot;
Los guerreros de riacequot;
. Año 460-430 A.C. Encontrados en 1972. Uno de los máximos exponentes entre el equilibrio de apariencia humana y el rigor en medidas geométricas. Las esculturas clásicas eran construidas en bronce mayoritariamente porque era muy rico en oro, no por su apariencia sino por su perdurabilidad. -quot;
Estela de fundación del templo de Ateneaquot;
. Estaban construidos con el orden: (grafico) Los templos griegos gozan de esa templanza entre robusto y ligereza, conseguidos a través de las dimensiones de sus columnas y los espacios entre ellas (las proporciones que generan el tamaño del templo). Según las diferentes relaciones de esos espacios se dividen los templos en dóricos, jónicos o corintios. Esto es más importante que la decoración de sus capiteles, etc. Cada vez es más vertical, columnas más altas y menos espacio entre ellas. -quot;
Panateneasquot;
: ofrendas a atenea. Singularizadas cada una con ropajes y rostros ligeramente distintos. -quot;
Erecteionquot;
: otro templo del partenon. Las columnas se llaman las quot;
cariatidesquot;
, todas ligeramente distintas. En estas estructuras lo que es es lo que hay, no como en los romanos que imitan las construcciones griegas pero solo en apariencia. Ejemplo: detrás de las columnas del pórtico hacian bóvedas, estaban construidos con ladrillo pero revestidas de marmol para que parecieran construidas en este material. Los templos romanos para empezar no tenían la ubicación precisa y seleccionada de los griegos. Los teatros griegos eran abiertos a la naturaleza y las representaciones no evocaban un lugar concreto, con personajes concretos. Simplemente leían textos reclamando y con máscara. Los romanos lo cierran, se caracterizan haciendose únicos y situan la escena en un lugar concreto. Símbolo: costumbre griega. Cuando un griego tenía que viajar (normalmente por cuestiones políticas de guerra, etc) dormía en la casa de otra família griega. Al despedirse hacian un gesto simbolico. Cogian una joya o moneda, la partian y se quedaba un trozo cada uno de ellos. Al viajar de nuevo se llevaban esos joyeros llenos, y cuando un trozo coincidia con otro de la familia de acogida significaba que sus antepasados habían estado unidos. Las vasijas, aparte de diferenciarse en su forma dependiendo de lo que debían contenter, se diferenciaban por las figuras geometricas y de dioses que aparecían en ellas (según a quien se consagraban simbolicamente convocando la abundancia de lo que debian contener). Así, con el arte griego clásico, también se funde la forma y función del arte. Bibliografia -Boarman, John. quot;
el arte griegoquot;
Ed. Destino. Barcelona 1997 -Elvira, Miguel Angel. quot;
arte clásicoquot;
(grecia y roma). Ed. Historia 16. Madrid 1996 -Robertson, D.S. quot;
arquitectura griega y romanaquot;
. Ed. Cátedra. Madrid 1994 -Stierling, Henry quot;
grecia, de micenas al partenonquot;
. Ed. Taschen. Colonia 2001 -Wittkower, Rudolf quot;
la escultura, procesos y principiosquot;
. Ed. Alianza. Madrid 1999 Eco, Umberto quot;
como se hace una tesis doctoralquot;
. Ed. Gedisa. El concepto de que el arte puede ser un gozo personal, aparte de como ofrenda a los dioses, empieza a esbozarse en grecia y se consolida en roma. El juego entre lo vacio y lo lleno en la arquitectura era algo fundamental para arquitectos como Mies Van der Rhoe. Mies Van der Rhoe: la estructura clásica le sirve como base para pervertirla y hacer lo contrario. Una de las cosas que más evitaba era la chimenea para evitar el simbolismo o religiosidad (ascenso al cielo). (Frank Right, por ejemplo, usa la chimenea como elemento central de sus edificaciones). Con el quot;
Pabellon de Alemaniaquot;
en barcelona empieza a hablarse de arquitectura moderna. La única escultura en su interior es quot;
luz de amanecerquot;
. Algunas de sus paredes parecen moviles. Rompe simetrias clasicas, se crean rincones.... accesibles visualmente. Se le encargo a Mies porqué había adquirido reconocimiento a base de encargos de pabellones en ferias de telas y cristales (diseñaba pequeñas casitas o departamentos con las telas o estructuras de cristal, y también diseñaba muebles para ellas). El pabellon se desmonto cuando acabo la exposición en 1929. En el centenario de la muerte de Mies se reconstruyó con alguno de los materiales originales. I: Giovanni Baptista Piranesi (arquitecto/arqueologo del siglo XVIII) quot;
Panópticoquot;
: se ve todo. Construcciones de finales del siglo XVIII, sobretodo inicialmente para hospitales, carceles y psiquiátricos. Luego esa construcción se paso a las fábricas (así se controlaba el trabajado

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