1. Fovismo
movimiento pictórico
El fovismo,[2]
[3] también conocido como
fauvismo (del francés fauvisme; de fauve,
«fiera»; e -ismo,[4] «movimiento»,
«tendencia» o «carácter»),[5] fue un
movimiento pictórico originado en Francia,
alrededor de 1904 a 1908. Luego se
expandió a otros países, en años
posteriores. Generalmente es
caracterizado por un empleo provocativo
2. del color. Su nombre procede de la
expresión les fauves («las fieras»), dado
por el crítico de arte Louis Vauxcelles al
conjunto de obras presentadas en la Sala
VII de la tercera exposición del Salón de
Otoño, en el Gran Palacio de París, en
1905. Lo usó por primera vez en su crítica
de arte publicada en el periódico Gil Blas,
el 17 de octubre de 1905, en un artículo
dedicado al salón artístico.
3. Fue un movimiento sincrético[6] donde se
usaban e incluían características de
Paisaje: Provinza por Alfred Henry Maurer, c. 1912.[1]
Louis Valtat. Bahía de Anthéor, circa 1906-1907; óleo sobre tela, dentro del periodo fauvista.
4. movimientos artísticos próximos, en su
espíritu de transformación de volver a la
pureza de los recursos,[cita requerida] de no
ser sumisos ante la herencia pictórica, el
grupo quería ir más allá de lo logrado en la
pintura, razón por la cual fueron
vanguardistas.[cita requerida]
Con distinción y separación, algunos
consideran como el precursor o el líder[7]
[8]
[9] de este movimiento a Henri Matisse.
Por otra parte, Guillaume Apollinaire le
atribuye la invención del fauvismo a Henri
Matisse y André Derain.[10]
[11] Otra
posición afirma la existencia de «un
triángulo esencial del fauvismo»[12]
5. compuesto por Matisse, Derain y Maurice
de Vlaminck, y que, al debilitarse esa
unión, se desvaneció progresivamente el
movimiento. Otro enfoque menciona a tres
artistas como creadores[13] del fauvismo.
Origen del nombre
Aquí se muestran algunos nombres de artistas y sus cuadros,[14]
que se presentaron en la exposición del Salón de Otoño
de 1905, señalados como "Las Fieras". La publicación es de L'Ilustration, No. 3271,[15]
4 de noviembre de 1905.
6. Hay dos versiones sobre el origen del
calificativo hacia el grupo de artistas y sus
obras:
El primero de estos supuestos proviene de
la mención les fauves ‘las fieras’ al
conjunto de obras expuestas en la sala
número VII durante la celebración del
Salón de Otoño de 1905, donde se
presentaron numerosas obras y
aparecieron problemas a la hora de
clasificar y hacer una categorización de
algunas de ellas con nociones de arte ya
establecidas o aceptadas. Fue algo
parecido a lo que pasó en su momento
con los impresionistas cuando una serie
7. de pinturas fueron calificadas de
«incoherentes», y sus autores, excluidos
del salón por expresarse de un modo
intenso y diferente. Las palabras les
fauves fueron parte de una crítica de arte
publicada en el periódico Gil Blas, el 17 de
octubre de 1905, por Louis Vauxcelles,
sobre las obras presentadas en la sala VII:
Au centre de la salle, un torse d’enfant, et
un petit buste en marbre, d’Albert Marque,
qui modèle avec un science délicate. La
candeur de ces bustes surprend, au
milieu del’orgie des tons purs: Donatello
chez les fauves...[16] (En el centro de la
sala, un torso de niño y un pequeño
8. busto en mármol de Albert Marque, que
modela primorosamente. El candor de
esos bustos sorprende en medio de la
orgía de tonos puros: Donatello entre las
fieras...).
La mención a Donatello se debe a que en
la misma sala había una escultura de
corte renacentista del escultor Albert
Marque (no confundir con el pintor Albert
Marquet). El artista había presentado dos
esculturas: un torso de un niño en bronce
y un retrato de Marthe Lebasque, un busto
de mármol.[17] Con una sensibilidad que
recuerda el estilo italiano, menciona
Matisse en otro relato,[18] sobre el busto
9. infantil. Este cuenta que en el momento de
entrada del crítico de arte Louis Vauxelles
a la sala, él exclamó: "iVaya, Donatello
entre las fieras!" ["Donatello au milieu des
Fauves"] . Después de esto, los autores de
las obras dieron importancia, a la
frase:"Donatello chez les fauves..." (en
español, Donatello entre fieras...)
publicada al final del apartado de la crítica,
para la Sala VII en el periódico Gil Blas o el
relato mencionado por Matisse sobre lo
sucedido. El grupo terminó adoptando el
distintivo, como etiqueta a sus obras y su
colectivo. John Elderfield menciona estas
dos afirmaciones: la publicación en el
periódico y la anécdota dicha por Matisse
10. sobre la frase.[18] Este origen se toma
como cierto desde muchos años en la
historia del arte.
El segundo de estos supuestos, el más
reciente, es donde Roberta Smith, crítica
de arte contemporáneo, la cual escribe
actualmente en The New York Times, hace
una relación del artista Henri Rousseau
con su obra León hambriento atacando a
un antílope, esta obra fue expuesta[19] en
el Salón de Otoño de 1905 con el grupo de
artistas que posteriormente fueron
llamados fauvistas. Ella aclara que
Rousseau nunca se le ha considerado
como fauvista, ni ella lo hace. Sin embargo
11. la temática de violencia o la violencia en la
selva o la violencia salvaje del cuadro,
pudo haber influido[20] en la elección del
calificativo para el grupo y las obras de
pintores jóvenes del movimiento. Esta
afirmación surge en la exposición Henri
Rousseau: Selvas en París donde también
se hace la misma afirmación. (https://web.
archive.org/web/20090507091118/http://
www.nga.gov/exhibitions/2006/rousseau/
attack.shtm) Esta exhibición fue realizada
del 16 de julio al 15 de octubre de 2006, en
la Galería Nacional de Arte de Washington
D. C. (en colaboración con el Tate Modern
o el Museo Nacional Británico de Arte
Moderno, la Unión de Museos Nacionales
12. de Francia o Réunion des Musées
Nationaux (RMN) y el Museo de Orsay. Los
curadores de la exposición fueron[21]
Frances Morris del Tate Modern,
Christopher Green del Courtauld Institute
of Art y Claire Frèches-Thory (curador
principal del Museo de Orsay).
Contexto
13. El ambiente del París de las vanguardias,
donde surgió el fauvismo, lo constituyen
muchos elementos variados, y sería una
tarea inacabable mencionarlos todos, pero
se pueden indicar algunos, para ilustrar: la
renovación de la ciudad en la segunda
mitad del siglo xix por Georges-Eugène, el
Barón Haussmann y su plan urbanístico,
nuevas formas de construcción por
ejemplo de hormigón, el avance de
dominio del modernismo es el estilo
arquitectónico, la construcción con hierro,
teniendo la Torre Eiffel como metáfora de
construcción moderna. La introducción de
Louis Vauxcelles por Jules Chéret (1836-1932). Carbón sobre papel azul. 35,5 x 22 cm. Fecha: 27.11.1909
14. la electricidad a la ciudad permitió la
apertura del tren metropolitano en 1900 y
una mayor movilidad de los pobladores.
Las Exposiciones Universales de inicios y
antes del siglo xx. Otros procesos
tecnológicos en la última década del
siglo xix: el automóvil, el motor diésel,
cinematógrafo, el primer cable submarino
telefónico entre Francia e Inglaterra, la
telegrafía sin cables, el alumbrado
eléctrico. etc. Espectáculos masivos, el
Tour de Francia en automovilismo y
ciclismo. Los avances de la ciencia, con la
teoría de la relatividad y radiactividad. La
influencia del psicoanálisis con los tres
ensayos sobre la sexualidad de Freud. Una
15. relación muy activa, en varios ámbitos del
arte, tanto de artistas franceses y
residentes extranjeros. La actividad de
varios marchantes.[22]
En 1905, el Salón de Otoño, realizó una
exposición de pinturas, esculturas, dibujos,
grabados, arquitectura y artes
decorativas.[23] En el catálogo de la
exposición artística, no se indicó el
número de salas en que estaba
compuesto el salón, los nombres de los
artistas con las obras expuestas fueron
ordenados alfabéticamente,[24] en total
fueron 1636[25] obras de 577 artistas.[24]
La crítica de arte dedicada al salón
16. artístico de ese año, por Louis Vauxcelles
menciona 18 salas,[16] Además se debe
tomar en cuenta por otra parte que “solo
tres de los seis artistas que agrupaba
L'lllustration estaban representados en la
famosa Salle VII: Matisse, Derain y
Manguin. Con ellos estaban Marquet,
Camoin, Vlaminck y algunos otros; Puy
estaba en la Salle III con los nabis,
mayores que él, Vuillard y Bonnard entre
ellos; Rouault estaba en la Salle XVI con
algunos realistas de influencia cezaniana,
como los clasificó Vauxcelles, que
apuntaba el contraste entre su obra y la de
Rouault. Valtat estaba en la Salle XV, con
17. los entonces desconocidos Jawlensky y
Kandinsky".[14]
Hay que tomar en cuenta que usó colores
brillantes, estuvo en muchos artistas fuera
del fauvismo, en el París hacia 1900, el
uso del color intenso, lejos de ser un
fenómeno exclusivo de los inicios de este
movimiento, fue una de las características
principales de la vanguardia en la pintura,
durante esa época. La obra temprana de
los fauves debe estudiarse en este
contexto más amplio.[26] El uso de colores
intensos por sí mismo, no es
característica única para clasificarlo
18. dentro del movimiento fauvista,[27] por
otra parte.
En 1904 Henri Matisse estaba
trabajando[28] en la pintura Lujo, calma y
voluptuosidad la cual expuso en el Salón
de los Independientes en 1905,[29] esta
obra es considerada como una síntesis del
posimpresionismo que fue resultado de un
esfuerzo de una búsqueda personal y se
convirtió virtualmente en un manifiesto de
lo que sería el fauvismo poco después. La
utilización subjetiva del color y la
simplificación del dibujo empleados por
Matisse sorprendieron a todos cuando fue
expuesto por primera vez, mientras que su
19. desinterés por el acabado y sus colores
chillones le granjearon el desprecio de la
crítica cuando expuso sus paisajes,
pintados en Colliure, en el Salón de Otoño
de 1905. Allí también se expuso el Retrato
de la Señora Matisse o La Raie Verte (La
línea verde) donde se interpretó por
críticos como una caricatura a la
feminidad y una excentricidad en la
pintura de retrato.
El repudio o la importancia de la crítica
convirtió al fovismo en el grupo de
vanguardia en París de ese entonces, poco
después Maurice de Vlaminck se unió al
fovismo de Henri Matisse y André Derain.
20. Como movimiento expresionista,
[cita requerida] apareció cronológicamente a
la vez que el Expresionismo alemán,
[cita requerida] con una propuesta de protesta
contraria al Positivismo, al Naturalismo y
al Impresionismo.[cita requerida]
El grupo de artistas de este movimiento no
poseían un manifiesto. No se puede hablar
de un estilo fauvista, sino cada artista
manifestaba un acercamiento en
particular dentro del fauvismo, de libre
expresión, libertad de moralidad y
autonomía de enseñanza-aprendizaje[30]
por ejemplo.
21. Retrato de Friedrich Nietzsche en 1885 con su firma
Influencias para el fauvismo
22. Las influencias pueden ser variadas no
solo del arte sino de otros campos ya
sean en lo cultural, social, filosófico o
literario, ciencia, tecnología, etc.
Con la filosofía y el arte, sus principales
influencias vienen de las ideas de Zola,
Nietzsche, Bergson, Croce, Stirner y
Huysmans.[cita requerida]
En el grupo de fauvistas "puede
observarse la misma obsesión por la
inmediación de la experiencia, el mismo
culte de la vie, en el entusiasmo
Eugène Carrière. Autorretrato. Pintura al óleo.
23. contemporáneo por Friedrich
Nietzsche".[30]
El fauvismo hace vínculo con la intuición
y la inmediatez, fundamentado en Herni
Bergson y Benedetto Croce.[31]
Los maestros Charles Lhuillier, Eugene
Carriere y Gustave Moreau, fueron
influencia formativa para algunos del
grupo de fauves ya que tuvieron formación
en el estudio o la academia con estos
Una de las salas del Museo Gustave Moreau, París, Francia
24. maestros. El grupo principal de fauves,
empezó su formación desde antes del
1900 con tres[32] maestros que
constituían, en primer lugar, de Henri
Matisse y sus condiscípulos de la época
del estudio de Gustave Moreau y de la
Academie Carriere: Albert Marquet, Henri
Manguin, Charles Camoin, Jean Puy y, algo
distante de estos, Georges Rouault. En
segundo lugar, la denominada «escuela de
Chatou», donde André Derain y Maurice
Vlaminck compartían[33] un estudio en
Chatou desde 1900. Y una tercera
agrupación, los últimos en llegar al grupo,
desde El Havre fueron Emile Othon Friesz,
Raoul Dufy y Georges Braque, ellos
25. tuvieron[34] en común como profesor a
Charles Lhuillier en la Escuela de Bellas
Artes de Le Havre. Luego se une al
movimiento otros artistas, el neerlandés
Kees Van Dongen, que conoció a los
demás en los salones y galerías en que
todos ellos expusieron.[35]
Aunque concebían la actividad artística
como consecuencia de un impulso vital,
[cita requerida] su punto de partida fue la
resolución de problemas puramente
plásticos,[cita requerida] como el empleo del
color en una doble función plástica y
constructiva al mismo tiempo.[cita requerida]
El maestro del grupo fue Gustave Moreau,
26. en cuya escuela estudiaron Henri Matisse
y Georges Henri Rouault, Henri Manguin,
Charles Camoin y Jean Puy. Moureau no
enseñaba ninguna doctrina sino que
forzaba a sus alumnos a pintar con
independencia y con la técnica que fuera
más adecuada a su temperamento.
[cita requerida] De la obra de Gauguin
aprendieron la libertad en el uso del color,
[cita requerida] que llevaron al extremo (los
colores como cartuchos de dinamita, que
diría Derain), así como la liberación del
temperamento y el instinto personal.
También admiraban la capacidad de
síntesis y el sentido decorativo de la obra
de Gauguin. Para los fauvistas el cuadro
27. debía ser expresión, no composición y
orden.[cita requerida]
Como artista Paul Cezanne tuvo influencia
para varios artistas del fauvismo. Se ha
afirmado que el fin del fauvismo fue por la
influencia de Cezanne desde su
revalorización a partir de 1907, pero
también este artista "fue un componente
decisivo del fauvismo desde su principio
mismo".[12] Albert E. Elsen realizó un
estudio donde relacionó la escultura El
siervo de Matisse con su pintura y la
influencia de Cezanne.[36] Ver obra de
Henri Matisse: El siervo. 1900-1903.
Escultura en bronce. 91,77 x 37,8 x 33.02
28. cm. Museo de Arte Moderno, San
Francisco, California, Estados Unidos.[37]
En André Derain.[38]
[39] En 1904 Charles
Camoin visita al artista, en ese año realiza
un retrato a Albert Marquet que se parecen
a un retrato por Cezanne de su esposa, el
cual fue exhibido en el Salón de Otoño de
1904.[40] Ver obra de Charles Camoin:
Retrato de Albert Marquet. 1904. Óleo
sobre tela. 92 x 72,5 cm. Centro Nacional
de Arte y Cultura Georges Pompidou,[41]
París, Francia.
Otro artista que pudo haber influido según
André Salmon en una crítica que hizo en
1912 "se preguntaba si el fauvismo habría
29. podido alcanzar la plena manifestación de
su color sin la influencia de Redon".[42]
Con el artista Paul Gauguin, el color plano
característico del fauvismo tuvo su
influencia.[6] En la obra de Matisse y
Derain, por ejemplo este último sentía que
la luz meridional aplasta los
volúmenes.[43] "Lo que impide encuadrar a
Gauguin entre los fauves es que él no
construye espacio mediante el color, sino
que lo usa como expresión del
sentimiento" diría Matisse.[44] En el arte
decorativo del artista, en el sentido del
color exaltado y decorativo.[45] Las
primeras noticias de culturas exóticas
30. provinieron de este artista para los fauves,
en el primitivismo evidente en sus pinturas
tahitianas con figuras de ídolos y tótems,
también las piedras de indios que tanto
impresionaban al artista.[46] En el tema de
la danza, de Matisse y Derain, hay una
reinterpretación de la obra de este artista
con lo primitivo.[47] Su interés por la
cerámica también fue influencia para los
fauves.[48]
Salón de Otoño de 1904, Ambroise Vollard, Sala Cézanne.
31. Los marchantes tienen un papel
importante en dar a conocer el
movimiento artístico y dar estímulo a
nuevas relaciones entre artistas,
exposiciones individuales o colectivas,
nuevas experiencias pictóricas, visitar
países, dar apoyo financiero en bonos por
ejemplo, etc. El marchante Ambroise
Vollard ayudó y conoció a varios
integrantes del grupo, como anécdota, con
André Derain le dio apoyo para que fuera a
Londres aprovechando el auge que
todavía tenía el impresionismo en ese
lugar y a la vez realizar unos cuadros[49]
por encargo.[50] Por otra parte cede
espacio en su galería para la primera
32. exposición individual a Kees Van
Dongen[51] y Matisse.[51] El marchante
Wilhelm Uhde que albergó en su galería
obras de este movimiento. La galerista
Berthe Weill (1865 - 1951) fue la que
"descubrió a los Fauves antes del Salón de
Otoño de 1905" y ser la primera persona
distribuidora de obras arte de los artistas:
Derain, Braque, Matisse, Dufy entre
otros.[52]
33. El arte de África occidental y de la parte
septentrional, que llegaron en la década de
los 1870s[53] a los museos de Francia,
Alemania, Londres y a las colecciones de
algunos artistas, incluían máscaras
africanas y esculturas negras. De la
misma forma máscaras y esculturas de
Oceanía. Producto del proceso
colonialismo realizado por varios países
europeos. Con el arte, el colonialismo y el
Norte de África francés se puede hacer
una relación de esa influencia.[54]
Vista del Trocadero durante la Feria Mundial de París 1900. El Palacio del Trocadero representado en este cuadro había
sido construido para la Feria Mundial de 1878 y fue destruido por un incendio en 1935. Los dos edificios a ambos lados
del Trocadero son el Palacio de Argelia y el pabellón de Argelia.
34. El arte de África y el arte de Oceanía
fueron influencia para los fauvistas por
ejemplo: Henri Matisse era visitante
frecuente del antes llamado Museo
Trocadero en París, en algunas visitas lo
acompañaba Maurice de Vlaminck.[55] En
otros momentos André Derain[56]
Máscara africana, máscara de la cultura Sénoufo, Sur de Malí y Norte Costa de Marfil, África Occidental (Fue territorio
colonial de Francia)
35. acompañaba a Vlaminck. Además por
distintas situaciones estos artistas
tuvieron otros encuentros con el arte
africano.[57] Matisse viajó al norte de
África a principios de 1906,[58] a Argelia,
se trajo varias cerámicas y tejidos
locales[59] y a Marruecos (1912-1913).[60]
Maurice de Vlaminck poseía una colección
de arte de África y Oceanía que tuvo su
exhibición en 2009. La historiadora de arte
Élie Faure en la introducción para los
visitantes del Salón de Otoño de 1905, les
manifestaba ser tolerantes “para ponernos
en contacto con la joven generación de
artistas, debemos estar dispuestos a
escuchar y a entender un lenguaje
36. absolutamente nuevo. Prestadles oído a
estos primitivos”.[61] Con el uso de la
palabra primitivo y la historia del arte se
demanda la siguiente aclaración, léase
Estudio de la Historia del Arte#El estudio
de la historia del arte no occidental y del
arte primitivo.
Fue un movimiento sincrético,[6] porque
usaban e incluían características de los
movimientos artísticos contemporáneos,
en su espíritu de transformación de volver
a la pureza de los recursos como diría,[6]
Matisse, de carácter directo y con
valoración de la individualidad, de no ser
sumisos ante la herencia pictórica, el
37. grupo quería ir más allá de lo logrado en la
pintura, razón por la cual fueron
vanguardistas.[cita requerida]
En la formación del estilo fauvismo, hubo
muchos movimientos artísticos que
fueron un ambiente adecuado para su
desarrollo, de aprendizaje, para síntesis o
sincretismo o reinterpretación. Esto se
aprecia en la capacidad de síntesis de la
tradición de la pintura de finales siglo xix.
En el caso de Matisse, esa capacidad la
madura hasta 1905. Por ejemplo con
respecto a la obra que menciona John
Elderfield: La mujer convaleciente (La
mujer enferma, título que da el museo). De
38. 1899. Es un óleo sobre tela. De 41,4 x 38,4
cm. Tienen un número del objeto:
1950.225. La cual está en el Museo de
Arte de Baltimore,[62] Baltimore, Estados
Unidos. De esa obra se puede apreciar
que: “no solo combina los métodos
neoimpresionistas con los métodos nabis,
sino que los injerta en su propio estilo
alternativo de 1899, el de El invalido, a su
vez profundamente influido por una
tercera gran opción postimpresionista, la
de Cezanne”.[12]
Con los Nabis
39. "Mientras que las figuras de las
obras tempranas de Matisse
recuerdan a Cezanne y a la
escultura que el propio Matisse
empezaba a hacer por entonces la
zonificación del color se debe en
alguna medida al decorativismo
plano de los nabís. Tanto el
decorativismo nabi como su color
se hacen patentes en las vistas de
Notre-Dame y de los puentes del
Sena que Matisse pinto hacia 1900,
en sus violetas y serenos verdes,
tan dominantes, y en su aliento más
Paul Sérusier. Danza bretona, pintura al óleo. Nótese el uso del color y lo decorativo. Paul Sérusier, fue
el líder del grupo de los Nabis.
40. sosegado que el de sus cuadros de
figuras".[12] Ver obra de Henri
Matisse: Notre-Dame. 1900. Óleo
sobre tela. 66,7 x 99,1 cm. Soporte
46 x 37,5 cm con marco 68,9 x 60,8
x 8,1 cm Tate,[63] Londres,
Inglaterra. Esta influencia se
extendía a otros futuros
fauvistas:[12] Albert Marquet, Keen
Van Dongen, André Derain.[64]
Los primeros dibujos, con pincel y
tinta china, de Albert Marquet con
temas callejeros del ambiente
parisino, es donde se puede
apreciar "otro aspecto del arte nabi,
41. al estilo caligráfico «japones» de los
dibujos de Bonnard".[65] Ver la obra
Albert Marquet: Pareja bailando.
1903. Pincel y tinta china sobre
papel. 15,5 x 11cm. Número de
inventario: Bx 1960.5.15, Museo de
Bellas Artes de Burdeos,[66]
Bordeaux, Francia.
Con el impresionismo. Influencias de
Paul Gauguin[cita requerida]
42. André "Derain estuvo haciendo,
hacia finales de 1905 o principios
de 1906, una revaluación deliberada
de un proyecto que había ocupado
a Monet, a saber, una serie de
pinturas del río Támesis que le
habían sido encargado por Vollard.
Durante su estancia en Londres,
Derain realizó algunos de los
ejemplos más destacados del
fauvismo. Reaccionó de manera
muy acentuada a la variedad
cambiante de luces y a las distintas
gradaciones de la niebla y las
Claude Monet. El Parlamento en Londres, 1904. Óleo sobre tela. 80x91 cm. Museo de Krefeld. Krefeld.
Renania del Norte-Westfalia, Alemania. Uno de los principales exponentes del impresionismo.
43. brumas que se cernían sobre el río;
sin embargo, no se trata
meramente de respuestas
impresionistas reelaboradas sino
reinterpretadas de un modo
característicamente subjetivo".[67]
Con el postimpresionismo[cita requerida]
Con el neoimpresionismo
Matisse tenía[68] el libro de Signac,
titulado De Delacroix al
neoimpresionismo[69] el cual
leyó[70] en el estudio de Gustave
Moreau.
"No deja de ser significativo que los
primeros experimentos
44. neoimpresionistas de Matisse
estuvieran influidos por la obra de
Signac y Cross, que trataron las
unidades de color como adoquines
o teselas de un mosaico, dándoles
una extensión mucho mayor que la
de los componentes del puro y
meticuloso pointillisme de
Seurat".[71]
Con el puntillismo[cita requerida]
Con el divisionismo
45. En el salón de los Independientes
de 1905, Matisse expuso la obra
"Lujo, Calma y Voluptuosidad" en la
primavera de ese año. Aparte de la
discusión de la crítica por la obra, el
artista promovió a otros fauvistas a
acercarse al “divisionismo”, la así
llamada evolución del estilo
puntillista de Seurat. De otra
manera Signac hacía hincapié que
el estilo continuase guiado por las
leyes del contraste en el círculo
cromático y los complementarios.
En la obra de “ Lujo, Calma y
Georges Seurat Pierre. "Gravelines: un estudio de la tarde". Pintura al óleo. El Museo de la Anunciación
en Saint Tropez, Francia. Exponente del divisionismo.
46. Voluptuosidad” se aparta de toda
guía indicada por Signac: “sus
manchas de color son demasiado
grandes para que la mezcla óptica
“funcione” a la manera de Seurat.
Gran parte del divisionismo
practicado por Matisse, Derain,
George Braque y otros no era más
que una separación de los colores
en manchones sin mezcla
(taches)”.[72]
Henri Matisse: Estudio para
Lujo, Calma y Voluptuosidad .
1904. Óleo sobre tela, 32,7 x
40,6 cm. Museo de Arte
47. Moderno,[28] New York,
Estados Unidos.
Estas son algunas características que se
pueden mencionar:
El color aplicado con la pincelada hace
que el dibujo y el mimetismo fueran
supeditados al color. Ronald Pickvance
menciona: "La identidad de las flores
queda subsumida en una equivalencia
de pincelada de un solo color, formando
un dibujo rítmico independiente, [...]
niegan cualquier función descriptiva que
evoque las flores de forma precisa"[73]
Características
48. para la obra de Maurice de Vlaminck:
Jarrón azul con flores, 1906. Óleo sobre
tela. 81,5 x 45,7 cm. Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid, España.
El color fue su centro en la creación.
[cita requerida] "La lógica de la forma creada
mediante el color - mediante el dibujo
del color - que el fauvismo hizo posible
no se comprendió del todo enseguida
salvo por quienes estaban tan
obsesionados por la pureza pictórica
como Matisse. Este se dio cuenta
inmediatamente de que el color por sí
solo podía evocar el registro completo
de cualidades pictóricas que los otros
49. componentes de la pintura expresan por
separado: la profundidad y el carácter
plano, los contornos y las superficies, lo
sustantivo y lo ilusorio."[74]
Limitar las formas con contornos
oscuros.[cita requerida]
Vlaminck manifestaba: usar los «colores
puros tal y como salen del tubo»[75] en
el lienzo.
De Albert Marquet la obra El Puente Nuevo (París), un óleo sobre tela, dimensiones sin marco 50,2 x 61,3 cm. Con
fecha de 1906. Observe el uso colores oscuros para pintar algunos contornos de algunas figuras en el cuadro.
50. El dibujo será un aspecto secundario
para estos artistas,[cita requerida] sin
embargo Matisse no se olvidó de su
importancia. También se destacaba la
función decorativa y se empleaban las
líneas onduladas.[cita requerida]
En esta búsqueda tan dirigida hacia el
color se olvidan otros aspectos como el
modelado, el claroscuro o la
perspectiva.[cita requerida]
51. Hay una transgresión de la forma por
buscar más allá de la representación
por mímesis heredada del
academicismo, esa búsqueda da una
abstracción de la forma centrada en el
color. Esta abstracción de la forma, no
llega alejarla del modelo exterior en que
Dibujo de estilo académico
52. se inspira el artista, la identificación de
la obra con el modelo no desaparece.
[cita requerida]
La técnica pictórica fauvista emplea
toques rápidos y vigorosos, trazos
toscos y discontinuos, aunque se crea
distorsión en las figuras: se persigue dar
una sensación de espontaneidad.
[cita requerida] Respecto a esta
característica Tomás Llorens Serra,
afirma que la "ejecución es muy somera
y directa, anticipándose a lo que será
una de las características distintivas del
estilo fauve"[76] respecto a la obra de
André Derain: Paisaje en los alrededores
53. de Chatou. 1904-1905. Óleo sobre tela.
54,2 x 65,2 cm. Museo Thyseen-
Bornemisza, Madrid, España. En la
misma página se puede pinchar en la
parte "La obra en su contexto" que lo
dirige a la exposición virtual, ahí se
puede hacer un zum a la imagen de esta
obra y apreciar el tipo de pincelada que
se hace mención.
El fundamento de este movimiento es la
liberación del color respecto al dibujo
exaltando los contrastes cromáticos.
[cita requerida] Los artistas fauves van a
trabajar con la teoría del color
interpretando qué colores son primarios,
54. cuáles son secundarios y cuáles son
complementarios.[cita requerida] Mediante
este planteamiento consiguieron una
complementariedad entre colores, lo
que producía un mayor contraste visual
y una mayor fuerza cromática.
[cita requerida]
Este planteamiento, conocido como
Modelo de color RYB, clasificaba los
colores como:
Modelo de RYB, la ubicación de los colores primarios, secundarios y terciarios en un círculo cromático, para las
armonías y contrastes.
55. Colores Primarios: rojo, amarillo,
azul
Colores Secundarios: se obtienen
mezclando colores primarios: rojo +
azul (violeta); rojo + amarillo
(naranja); amarillo + azul (verde).
Complementarios: se entiende por
color complementario, el color
opuesto a otro: para el verde es el
rojo, para el azul es el naranja y
para el amarillo es el violeta.
Estos artistas fueron los últimos que
hicieron pintura al aire libre, "plein air"
como en francés se hace referencia.
Matisse se entusiasmó con la
56. luminosidad de Paul Signac en Saint-
Tropez y compartió con André Derain el
verano en Colliure, donde elevaron las
tonalidades de sus paletas. Otros
miembros del grupo -Charles Camoin,
Henri Manguin y Albert Marquet-
también fueron seducidos por la luz
mediterránea,[cita requerida] que queda
reflejada sobre todo en las vibrantes
naturalezas, en las vistas marinas y en
los cuidados desnudos. Poco después,
George Braque, Raoul Dufy y Othon
Friesz pusieron su atención en los
pueblos pesqueros y en el júbilo de las
villas engalanadas por las fiestas
populares.[77] Esta característica se
57. ejemplifica con la obra de André Derain,
barcos en la playa, en Colliure (o
Colibre), 1905.
La luz es un tema tratado en el arte en
muchas manifestaciones artísticas. En
los fauvistas la luz se hizo por los
contrastes realizados por matiz no por
tono.[78]
Otra característica de esta pintura es su
intención de expresar sentimiento, algo
que anteriormente intentaron los
pintores Nabis.[cita requerida] Esto hace
que percibieran la naturaleza y lo que les
rodea en función de sus sentimientos.
En la idea de que hay una diferencia
58. entre el color percibido por los ojos y el
color procesado por la mente o el
pensamiento.[cita requerida]
Defendían una actitud rebelde, un
intento de transgresión de las normas
con respecto a la pintura. Buscaban en
definitiva, algo diferente, que les hiciese
avanzar en el ámbito artístico.
Maurice de Vlaminck:"Yo no quería
seguir un modo convencional de
pintar; yo quería revolucionar las
costumbres y la vida
contemporánea".[79]
Con respecto a los temas que pintaban
existía gran variedad: algunos pintaron
el mundo rural y otros el ámbito urbano.
59. Algunos realizaron desnudos, escenas
interiores, bodegones, mientras otros
preferían la pintura al aire libre,
realizando paisajes, influidos por las
costumbres del impresionismo, otros
mostraban la importancia de sentir la
alegría de vivir.[cita requerida]
Dentro de este estilo hay una
combinación de métodos llamado
"fauvismo de técnica mixta"[80] donde
había un sincretismo de varios
movimientos artísticos. Por anécdota:
se "combinó características derivadas
de Seurat y van Gogh, con la pincelada
restregada, frotada, y las divisiones
60. arbitrarias de color que recuerdan a
Cezanne".[81]
Generalmente se conoce que tuvo un
gran aporte a través de la pintura al óleo
sin embargo los fauvistas también
realizaron obras en otras técnicas
artísticas: cerámica, escultura, grabado,
dibujo, etc.[cita requerida]
En Wikipedia se puede encontrar obras del
fauvismo con historia, contexto, análisis,
apreciaciones y datos de las mismas.
Además de esas obras, se presenta a
continuación una breve lista de obras del
movimiento, en pintura al óleo:
Obras
61. André Derain: El "Pool" de Londres.
1906. Óleo sobre tela. 66,7 x 99,1 cm.
Tate,[82] Londres, Inglaterra.
André Derain: Henri Matisse. 1905. Óleo
sobre tela. 46 x 34,9 cm. Tate,[83]
Londres, Inglaterra.
Charles Camoin. Retrato de Albert
Marquet. 1904. Óleo sobre tela, 92 x
72,5 cm. Centro Nacional de Arte y
Cultura Georges Pompidou,[41] París,
Francia.
George Braque: El puerto de Amberes.
1906. Óleo sobre tela. 49,8 x 61,2 cm.
Galería Nacional de Canadá,[84] Otawa,
Canadá.
62. George Braque: Los grandes árboles. El
Estanque. 1906-1907. Óleo sobre tela,
80 x70,5 cm. Museo de Arte
Moderno,[85] New York, Estados Unidos.
Henri Matisse: André Derain. 1905. Óleo
sobre tela, 38,4 x 28,3 cm. Tate,[86]
Londres, Inglaterra.
Henri Matisse: Mujer con sombrero.
1905. Óleo sobre tela, 80,65 x 59,69 cm.
Museo de Arte Moderno de San
Francisco,[87] San Francisco, California,
Estados Unidos.
Henri Matisse: La Gitana. 1905. Óleo
sobre tela, 55 x 46 cm, Museo de la
Anunciación.[88] Saint-Tropez, Francia.
63. Maurice de Vlaminck: El Remolcador en
el Sena, Chatou. 1906. Óleo sobre tela,
50,2 x 65,1 cm. Galería Nacional de
Washington D. C.,[89] Washington D. C.
Estados Unidos.
Maurice de Vlaminck: Los árboles rojos.
1906-1907. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm.
Centro Nacional de Arte y Cultura
Georges Pompidou,[90] París, Francia.
Maurice de Vlaminck: Jarrón azul con
flores, 1906. Óleo sobre tela. 81,5 x 45,7
cm. Museo Thyssen-Bornemisza,[73]
Madrid, España.
Raoul Dufy: Los afiches en Trouville.
1906. Óleo sobre tela, 65 x 81 cm.
64. Centro Nacional de Arte y Cultura
Georges Pompidou,[91] París, Francia.
Si bien el fauvismo se conoce en la
mayoría de los casos por su gran aporte a
través de la pintura al óleo, este
movimiento incursionó en otras técnicas
plásticas:
Ambroise Vollard tuvo la idea de
estimular a algunos artistas para que
realizaran cerámica fauvista, para hacer
más accesible este movimiento al
público. Maurice de Vlaminck en 1906,
animado por Vollard, su marchante,
inicia una colaboración con el ceramista
André Metthey, con esta técnica,
65. algunas de sus obras, están clasificadas
como fauvistas.[92] Derain y Matisse
fueron también estimulados por el
marchante y el ceramista.[48] Sin
embargo el proyecto de cerámica
fauvista no triunfó. Algunas obras que
se pueden mencionar:
André Derain: Florero. 1907-1908.
Cerámica. 53 x 20 x 20 cm. Número
de inventario: KMSr135. Galería
Nacional de Dinamarca,[93]
Copenhague, Dinamarca.
André Metthey[94]
[95]
André Metthey “Plato - Adán y Eva”
(1909-1920). Petit Palais, Musée
66. des Beaux-Arts de la Ville[1] (http://
panasonic.co.jp/es/museum/exhibi
tion/15/150411/index_en.html) ,
París, Francia.
Henri Matisse: Jarrón. Hacia 1907.
Cerámica. 23,4 cm de altura.
Colección particular.
Maurie de Vlaminck, Plato decorado
con ave corriendo. 1908.
Usualmente André Metthey
realizaba las formas de los platos o
jarrones y Vlaminck los decoraba.
En la Embajada de Francia de Tokio
(Japón) se realizó una exposición
titulada: Los trabajos de cerámica
67. de Rouault y los fauvistas (2015)[2]
(http://panasonic.co.jp/es/museu
m/exhibition/15/150411/index_en.
html) .
Coppel[96] da la idea y sugiere
influencias para el desarrollo del
grabado en madera o xilografía en los
fauvistas.
Henri Matisse: Grabado en madera
grande. 1906. Grabado en madera.
Papel 57,4 x 46 cm, Matriz 46,5 x
39,5 cm. Número del objeto:
1950.12.236. Museo de Arte de
Baltimore,[97] Baltimore, Estados
Unidos.
68. Henri Matisse: Grabado en madera
pequeño negro. 1906. Grabado en
madera. Papel 46 x 28,7 cm, Matriz
31 x 22 cm. Número del objeto:
1950.12.235. Museo de Arte de
Baltimore,[98] Baltimore, Estados
Unidos.
Con el grabado a Punta seca
André Derain. Paisaje. 1907.
Grabado a punta seca, 28,9 x 35,8
cm. Museo de Arte Moderno,[99]
New York, Estados Unidos.
Henry Matisse. Dos desnudos, Dos
cabezas, 1900-1903. Grabado a
punta seca, tamaño de la matriz
69. 14,9 x 10 cm y tamaño del papel 32
x 25,5 cm. Museo de Arte
Moderno,[100] New York, Estados
Unidos. Matisse empezó a trabajar
en grabado en cobre alrededor de
1903, con punta seca.[101]
Con el grabado en litografía. Matisse
después de sus grabados en cobre,
alrededor de 1903. Hace una pausa
retomando el grabado en 1906,
realizando sus primeras litografías y
linograbados, nuevamente hizo una
pausa hasta 1914.[102]
Henri Matisse: Desnudo
inclinándose con la mirada
70. agachada. Litografía a lápiz. 1906.
45,1 x 28,1 cm. Número del objeto:
1950.12.133. Museo de Arte de
Baltimore,[103] Baltimore, Estados
Unidos.
Henri Matisse: Figura con un collar
negro, vista desde de atrás.
Litografía a lápiz. 1906. 44,9 x 27,9
cm. Número del objeto: 1958.116.
Museo de Arte de Baltimore,[104]
Baltimore, Estados Unidos.
Con la técnica de la pintura en acuarela,
se han algunos trabajos expuestos.[105]
Aparte de ellos se puede mencionar:
71. André Derain. Danza báquina. 1906.
Acuarela y lápiz sobre papel. 49,5 x
64,8 cm. Museo de Arte
Moderno[106] New York,
Estados.Unidos.
André Derain. Dos bailarinas. 1906
ca. Acuarela sobre papel. 43,8 x
54,6 cm. Número de inventario:
KKSr158. Galería Nacional de
Dinamarca,[107] Copenhague,
Dinamarca.
El dibujo que muchas veces es visto
como un paso previo al trabajo en
pintura, como bocetos. Los dibujos
sirven como estudio o anotación para el
72. artista. Los que tienen la oportunidad de
observar estos trabajos previos o
finalizados, pueden apreciar en el dibujo
parte del proceso de construcción de
una obra o ideas para futuras obras o
ver soluciones que da el artista a
determinadas respuestas o análisis
visuales. También se puede observar
tratamientos de algunos elementos del
lenguaje visual o de composición que da
el artista. El "aspecto notacional de la
pintura está determinado por el dibujo,
que, además de su función técnica de
proyecto, goza, a la hora de presentarse
como dibujo "libre" o bosquejo, de una
especificidad artística capaz de atribuir
73. un valor estético autónomo al
producto".[108] Trabajos en dibujo se
han expuesto[109] sobre este
movimiento.
Albert Marquet. Coche fúnebre.
1905. Pincel, tinta china sobre
papel. 12,7 x 14,2 cm. Número de
inventario Bx 1960.5.8. Museo de
Bellas Artes de Burdeos,[110]
Bordeaux, Francia.
André Derain. La Edad de Oro.
1904-1906. Carboncillo sobre
papel. 29,7 x 19,4 cm. Número de
inventario AM 3671 D. Centre
Nacional de Artes y de Cultura
74. Georges Pompidou.[111] Museo
Nacional de Arte Moderno, París,
Francia.
Henri Matisse: El baño. 1905-1906.
Pincel y tinta china. Papel 94 x 69
cm, con el borde 95,7 x 71,3 cm.
Número del objeto: 2013.4. Museo
de Arte de Baltimore,[112] Baltimore,
Estados Unidos.
Con la escultura varios artistas del
fauvismo se expresaron a través de esta
técnica artística, utilizando por ejemplo
la talla de madera, algunas obras que se
pueden mencionar:
75. André Derain: cabecero y pies
tallados para una cama. Hacia
1906-1907. Talla en madera.
Paradero desconocido
Henri Matisse: La danza. 1907.
Talla en madera, 44 cm de altura.
Museo de Matisse de Niza, Niza,
Francia.
Para consultar más sobre obras y artistas
de este movimiento artístico se puede leer
el apartado de exhibiciones temporales,
más delante.
77. Desde su origen los fauvistas han sido
parte importante de la historia del arte,
razón por la cual sus obras forman parte
de colecciones privadas y públicas, de
importantes museos alrededor del mundo.
El público en general puede apreciar estas
obras en la mayoría de los casos a través
de las exposiciones temporales como
Museo de Arte Moderno de Céret, Francia.
78. parte de las actividades de los museos. En
la actualidad, los museos en su papel de
divulgar, investigar, educar, preservar su
aporte cultural da a conocer por Internet
su importante valor. También hay
exhibiciones de destacables
organizaciones diplomáticas y culturales
que se pueden mencionar. Por ello esta es
una breve lista de exposiciones
temporales sobre fauvistas para consultar:
Dufy (Del 17 de febrero al 17 de mayo
del 2015). Museo Thyssen-
Bornemisza,[113] Madrid, España. En ella
se puede encontrar su producción del
periodo fauvista entre otros.
79. Henri Manguin. Un "salvaje" en el
Bonnard". Del 27 de junio al 31 de
octubre de 2015. Museo Bonnard,[114]
Le Cannet, Francia.
Las obras de cerámica de Rouault y los
fauvistas (en inglés The Ceramic Works
of Rouault and the Fauvists) del 11 de
abril al 21 de junio de 2015. Museo de
Panasonic Shiodome, Tokio, Japón. La
exposición la organizó el Museo de
Panasonic Shiodome y otros. La
apoyaron la Embajada de Francia en
Japón, Instituto Francés de Japón y
otros . Con especial colaboración de la
80. Fundación Georges Rouault.[115] El sitio
tiene una versión en inglés.
Los fauves. La pasión por el color (del
22 de octubre de 2016 hasta 29 de
enero de 2017). Fundación
MAPFRE,[116] Madrid, España. La
comisaria de la exposición fue María
Teresa Ocaña.[117]
Las "bestias salvajes": el fauvismo y sus
afinidades (del 26 de marzo al 1 de junio
de 1976), Museo de Arte Moderno,[118]
New York, Estados Unidos. En el mismo
sitio está el catálogo razonado "El
fauvismo" de John Elderfield, en
español, por Juan Díaz de Atauri, 1983 .
81. Jean Puy (1876-1960) plenitud de un
salvaje. Del 9 de abril al 18 de
septiembre de 2016. Museo de Château
de los Duques de Wurtemberg,[119]
[120]
Riquewihr, Francia.
Maurice de Vlaminck, un instinto fauve.
Pinturas de 1900 a 1915. Exposición del
3 de julio al 18 de octubre de
2009.CaixaForum Barcelona,[121]
España. La comisaria fue Maïthé Vallès-
Bled.[122] En el sitio hay fotos y vídeos
de la exposición.
Exposición de fauvistas húngaros. Del
21 de junio al 12 de octubre de 2008.
Museo de Arte Moderno de Céret , Céret,
82. Francia. Exposición coproducida con
Museo Matisse de Cateau-Cambrésis y
Museo de Bellas Artes de Dijon, en
colaboración con la Galería Nacional
Húngara de Budapest.[123]
[124]
Othon Friesz, un salvaje singular. Del 17
de junio al 17 de octubre de 2016.
Museo de la Anunciación,[125] Saint-
Tropez, Francia.
Los aportes del fauvismo en el siglo de las
vanguardias, se pueden observar en varias
consecuencias importantes para el
desarrollo del arte en la primera mitad del
siglo xx. Los aportes fueron directos o
Influencia fauvista
83. indirectos, más allá de su apogeo en
Francia y no se puede determinar a ese
país solamente. Además no fue una causa
exclusiva o única para las siguientes
transcendencias:
Otros artistas que no fueron del grupo
principal del movimiento pero de fuerte
influencia en Bélgica, España, Hungría y
otros:
En Bélgica, los fauvistas de Brabante, es
una expresación dada por primera vez
en 1941 por el crítico belga Paul Fierens,
para describir un grupo informal en
Brueselas (en Brabante) los fundadores
84. incluyen Fernand Schirren, Louis
Thévenet, Willem Paerels (1878-1962),
Charles Dehoy y Auguste Oleffe Y el
artista Edgard Tytgat, Jean
Brusselmans, Anne-Pierre de Kat (1881-
1968.[126] Por otro lado el artista Henri
Evenepoel.
En España, los artistas Francisco
Iturrino y Juan de Echeverría.[cita requerida]
En Hungría, el artista Béla Czóbel,
Róbert Berény, Vilmos Perlrott Csaba,
Sándor Ziffer, Lajos Tihanyi, Géza
Bornemisza, el matrimonio Sandor
Galimberti y Valéria Dénes.[127]
85. Estos grupos de otra manera se conocen
como fauvismo belga, fauvismo
ibérico[128] como lo llamaría Gaya Nuño y
el fauvismo húngaro,[cita requerida]
respectivamente.
Hay agrupaciones de artistas que tiene
una diversidad[cita requerida] de tipos de arte
y donde generalmente toman en cuenta
varios movimientos artísticos
[cita requerida]en su manera de entender el
arte por tanto no considera del todo al
fauvismo. Estos son algunos colectivos
artísticos o grupos de artistas
influenciados:
86. El grupo Der Blaue Reiter (el Jinete Azul
en español) este grupo tuvo muchas
influencias y entre ellas este
movimiento artístico.[129]
El Grupo Montparnasse, en 1922,
artistas chilenos de la pintura
influenciados por la tendencia
postimpresionista europea y, sobre todo,
por el fauvismo
El Puente (Die Brücke) tuvo influencia
del fovismo.[130] Donde el neerlandés
Kees Van Dongen se unió al grupo.
Sota de Diamantes fue colectivo ruso
cuyo interés fue el desarrollo de nuevos
estilos, a partir de sus interpretaciones
87. de Henri Matisse y su periodo fauvista.
Entre otros movimientos y artistas.
[cita requerida]
Hay artistas que han estado influidos por
el fauvismo, en su misma época de
surgimiento, desarrollo, apogeo y
agotamiento.Y no han estado en el grupo
principal ni en las agrupaciones
anteriores. Así ellos después de su paso
por el fauvismo siguen su propio camino
plástico hacia otros movimientos o
propósitos personales en el arte. Por
ejemplo el artista japonés Yoshio Aoyama
que conoció a Matisse, en su estadía en
París, específicamente en Niza.[cita requerida]
88. La artista francesa Émilie Charmy que
trabajó estrechamente con Henry Matisse.
[cita requerida]
En el siglo de las vanguardias, como lo fue
el siglo xx, surgieron numerosos "ismos",
movimientos artísticos que surgieron
producto de las influencias de unos con
otros,[cita requerida]
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Debe evitarse, aunque se halle muy
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