Obras neoclásicas y posimpresionistas

1. Obras NEOCLÁSICAS
La muerte de Marat
Las tres Gracias
El baño turco
El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor
Psique reanimada por el beso del amor
Anasofia Quintero Rivas
C.I 20 433 572
Escuela: 82
Historia del arte II

2. TITULO: La muerte de Marat
AUTOR: Jean-Louis David
ESTILO: Pintura neoclásica
CRONOLOGÍA: 1793
TÉCNICA: Óleo sobre lienzo
LUGAR: Museo del Louvre
David pinta a Marat en el momento de la muerte, apenas ha sangrado aún. El brazo
con el que estaba escribiendo ha caído pesadamente al suelo y la cabeza se desplaza hacia
atrás. Los labios entreabiertos expiran el último suspiro mientras su rostro pasa
suavemente del dolor a la paz. En la mano sostiene aún el papel con el que Charlotte se
introdujo en su apartamento.
Allí se puede leer: "13 de Julio de 1793". De Marie Anne Charlotte Corday al
ciudadano Marat: la terrible desgracia que tengo me da derecho a pedir vuestra
amabilidad..." En oposición a este papelito traicionero, en la mesa improvisada en un cajón
se puede leer el último despacho que había resuelto Marat: "dispondréis esta asignación
para esa madre de cinco hijos cuyo marido murió en defensa de la patria..." La disposición
de los elementos es tan sobria como la de un cuadro religioso.
Toda la estructura se basa en verticales y horizontales. En el suelo se ve el puñal
caído. La mitad superior del cuadro está completamente vacía, transmite un agobiante
silencio y frío. Una sombra clara asciende en diagonal evocando la huida de la vida del
cuerpo agonizante.

3. Titulo: Las tres Gracias
Autor: Peter Paul Rubens
Estilo: Pintura perteneciente al arte Barroco
Fecha: 1625/30
LUGAR: Museo del Prado
Material: Oleo sobre tabla
Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine, Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y
Eurymone. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Son las
representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza.
Rubens mantiene la composición del italiano Rafael, pero cambia la relación
entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y
sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo.
También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus
pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes. La
sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente,
obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. Las flores de la
guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. El fuerte
foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas, en
cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las dos esposas del pintor -
Isabella Brant y Hélène Fourment- mientras otros opinan que se trata de diferentes
variaciones de ésta última. La belleza femenina de la pintura de Rubens está
resumida en este magnífico trío.

4. TITULO: Baño turco
AUTOR: J. Auguste Dominique Ingres
FECHA: 1862-63
MUSEO: Museo Nacional del Louvre
ESTILO: Neoclasicismo Francés
MATERIAL: Oleo sobre lienzo
El desnudo es el tema principal de esta obra. Al ejecutar esta obra el artista
se basa en los escritos de madame Montague, esposa del embajador inglés en
Constantinopla, realizados tras la estancia en el "baño más bonito de la ciudad".
Ingres representa con una gran dosis de sensualidad mujeres desnudas en
distintas actitudes: estiradas, apoyadas sobre cojines, tomando café, charlando,
tomando un baño, bailando, etc. El pintor coloca en esta pintura otros desnudos
realizados anteriormente por él como son: La bañista de Valpinçon, La odalisca y La
pequeña bañista, constituyendo un resumen de sus experiencias vividas a lo largo
de su trayectoria artística.
En un principio la obra iba a ser rectangular, pero finalmente el pintor
transformó la composición en tondo, otorgando una nueva y acertada dimensión a
la obra y reforzando, de este modo, la cadencia de los cuerpos femeninos
desnudos. Este formato compositivo produce la sensación en el espectador de estar
vulnerando la intimidad de estas mujeres.

5. TITULO: Andromaca velando a Hector
AUTOR: Jacques Louis David
FECHA: 1783
MUSEO: Museo Nacional del Louvre
ESTILO: Neoclasicismo Francés
MATERIAL: Oleo sobre lienzo
La historia que narra una vez más se remite a la antigüedad clásica, concretamente a la
Ilíada, libro del que extrajo abundantes motivos para sus cuadros. Héctor era el hijo de Príamo, el rey
de Troya. Había defendido la ciudad durante más de diez años. Su mujer Andrómaca era el modelo
de madre amantísima y esposa fiel.
Héctor mató a Patroclo, Aquiles mató a Héctor y humilló el cadáver de su enemigo en el
funeral. Sin embargo, Andrómaca consiguió que el griego le devolviera el cuerpo de su esposo para
honrarlo a su vez. Aquí podemos ver la escena. David va depurando su estilo, que veíamos agitado y
sentimental en el Funeral de Patroclo.
En esta ocasión, ha realizado una severa composición geométrica en una gama casi
monócroma, lo que le da un aspecto muy frío. Andrómaca, con los ojos llenos de lágrimas, acoge su
hijo e implora a los dioses acerca del destino de su esposo. El hermoso pero gélido cuerpo de Héctor
yace en un lecho, coronado con laurel como un triunfador, con las armas a los pies de la cama. El
mobiliario y las armas fueron copiados por David de grabados y relieves antiguos.
En los relieves de la cama podemos intuir la historia de Troya, con la escena de la muerte de
Héctor al final, tras el respaldo de Andrómaca, como punto final de un ciclo iniciado mucho antes.

6. TITULO: Psique reanimada por el beso del amor
AUTOR: Antonio Canova.
AÑO:1793.
LUGAR: Musée du louvre (Paris)
Estilo: neoclásico
Altura: 1,55 m. Largo: 1,68 m. Ancho:1,01 m.
Material: mármol.
Técnica: esculpido.
Corresponde con un grupo escultórico de bulto redondo compuesto por dos figuras
semi-desnudas, que provocan gran erotismo y sensualidad en el espectador. El artista
concibió la obra para ser observaba desde todos los puntos de vista; lo demuestra la
previsible base móvil y el asa de hierro que embutió en el lado derecho, que invita a girar la
escultura para disfrutarla 360 grados.
Esta primera versión de Eros y Psique creada por Cánova entre 1786 y 1793 fue
realizada en mármol blanco en varias piezas mediante la técnica de la talla con gran
virtuosismo y perfección técnica. La luz que se proyecta en ambas figuras juega un papel
fundamental en la composición, ya que produce en ellas bellos efectos lumínicos de
claroscuro que le dan un carácter pictoricista. A su vez, en la obra también se aprecia una
gran luminosidad debido a la blancura y transparencia del mármol extraído de la Cueva del
Polvaccio.

7. Obras
POSIMPRESIONISTAS
La noche estrellada
¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?
Vairumati
Las grandes bañistas
El café de noche

8. TITULO: La Noche Estrellada.
AUTOR: VINCENT VAN GOGH.
FECHA: 1889.
UBICACIÓN: Museo de Arte Moderno de Nueva York
TECNICA: Óleo sobre lienzo. – Postimpresionismo.
GENERO: Paisaje.
La obra se divide en dos planos diferenciados, separados por la línea de las montañas. Más
de la mitad del cuadro lo ocupa el cielo estrellado siendo el auténtico protagonista del cuadro. En la
mitad inferior del cuadro se observa el pueblo cuyas casas aparecen representadas con trazos rectos
y del que sobresale el campanario puntiagudo, elemento vertical que rompe la horizontalidad de la
composición. En un primer plano apareces unos cipreses, tema presente en los cuadro realizados en
este periodo, que adquieren formas ondulantes que les asemejan a llamas, elevándose y uniendo
ambos planos. Las líneas de las montañas del horizonte se ondulan a semejanza del cielo en una
dirección ascendente de izquierda a derecha.
En el cielo observamos como dos espirales se envuelven mientras once estrellas parecen
iluminar la noche como si de lámparas de gas se tratasen. A nuestra derecha, un astro de mayor
tamaño de color naranja, quizás la luna, parece confundirse con el sol.
La técnica usada por el pintor es el óleo, aplicado en abundancia, técnica del empaste, con pinceladas
vigorosas y cortas que contribuyen a la fuerza expresiva de la obra. La gama cromática usada por Van
Gogh es fría con predominio de azules, celestes, verdes y grises, aunque también como contrapunto
cromático usa el naranja y amarillo de las estrellas, colores complementarios al azul dominante en la
obra.
Se observa como el color, la mancha aplicada con el pincel en pequeñas pinceladas, alargadas
y rectas unas veces, cortas y onduladas otras, sustituye al dibujo de manera que tan sólo algunas
líneas oscuras sirven para dar forma precisamente a los elementos más físicos y materiales del
cuadro, como las casas del pueblo, las montañas o los cipreses.

9. TITULO: ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?
¿Adónde vamos?
AUTOR: Paul Gauguin
FECHA: 1897
MUSEO: Museo de Boston
ESTILO: Impresionismo
MATERIAL: Oleo sobre lienzo
La desesperación llevará a Gauguin a intentar suicidarse
en diciembre de 1897, no sin antes realizar su testamento
pictórico. Que se trata del celebre lienzo ¿De dónde venimos?
¿Qué somos? ¿Adónde vamos?, su obra más ambiciosa.
En la parte inferior derecha, un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas se comunican sus pensamientos; una figura enorme
intencionadamente y a pesar de la perspectiva, también en cuclillas, levanta el brazo y mira extrañada, a los dos personajes que osan pensar en su destino. Una figura
central coge una fruta. Un par de gatos junto a un niño. Una cabra blanca. El ídolo, con ambos brazos alzados misteriosa y rítmicamente parece indicar el más allá.
Otra figura reclinada parece escuchar al ídolo; finalmente una vieja, próxima a la muerte, parece aceptar y resignarse a lo que piensa; a sus pies, un extraño pájaro
blanco, sujetando con su pata a un lagarto, representa la inutilidad de las palabras vanas. Todo transcurre junto a un riachuelo, a la sombra de los árboles. A pesar de los
cambios de tonalidad, el paisaje es constantemente azul y verde Veronés. Sobre él, todas las figuras desnudas destacan por su intenso color naranja".

10. TITULO: Vairumati
AUTOR: Paul Gauguin
FECHA: 1897
MUSEO: Museo de Orsay
ESTILO: Impresionismo
MATERIAL: Oleo sobre lienzo
La situación personal de Gauguin debió ser durante 1897 bastante
complicada. El fracaso de la exposición en la Galería Durand-Ruel de París en el
año 1893 marcó excesivamente al artista, que entró en una depresión acentuada
por la desesperación y la soledad, aun en su querida Polinesia.
Las obras realizadas este año estarán marcadas por un simbolismo casi
indescifrable. A pesar del enigma de su significado, la mujer continúa siendo
protagonista de las composiciones, en esta ocasión en primer plano, ejecutada
de una manera tosca y primitiva aunque no exenta de belleza.
Tras ella encontramos una escultura maorí y dos jóvenes; a la izquierda
aparece un pájaro agarrando a una lagartija que, según Gauguin, representaría la
inutilidad de las palabras vanas. El colorido rojo empleado provoca una extraña
sensación que aumenta lo enigmático del lienzo.

11. TITULO: Grandes bañistas
AUTOR: Paul Cézanne
FECHA: 1900-05
UBICACIÓN: National Gallery de Londres
ESTILO: Postimpresionismo.
TECNICA: Óleo sobre lienzo.
Las mujeres se muestran desnudas ante un fondo de paisaje en el
que no hay nada definido y en el que abundan las tonalidades malvas.
Estas figuras son macizas, casi escultóricas, en parte debido al empleo de
una línea oscura que delimita sus contornos.
Sin embargo, los rostros han desaparecido, siendo sustituidos por
máscaras, como también haría Picasso. El color es aplicado con violencia,
mediante largas pinceladas en las que emplea espátula.
Las tonalidades claras y alegres de sus primeros años dan paso a
tonos oscuros. Su proceso de recuperación de la forma a través del color
ha concluido; el Impresionismo ya es algo sólido y duradero, como el arte
de los museos.

12. TITULO: Café nocturno
AUTOR: VINCENT VAN GOGH.
FECHA: 1888.
UBICACIÓN: Yale Universidad Art Galería
ESTILO: Postimpresionismo.
TECNICA: Óleo sobre lienzo.
La habitación está presidida por un globo de gas en el centro de la
estancia acompañado de tres lámparas de aceite. El gas deja caer una luz
verdosa sobre la sala, iluminando fantasmagóricamente al dueño, vestido de
blanco, y a los demás clientes, que se acodan en las mesas.
Ese color verdoso de la luz y del tapete del billar contrasta
claramente con el rojo de las paredes, creando un ambiente digno de un
lugar de esas características. Los tonos amarillentos intensifican el contraste.
Vincent emplea su típica pincelada circular en las lámparas, formando así el
halo luminoso que se crea alrededor del foco de luz.
Esta pincelada caracterizará obras posteriores como Campo de trigo.
Van Gogh se inspiró en los libros y estampas japonesas para crear estas
pinceladas tan personales, pasando por alto los detalles pero sin olvidarlos,
como hacía Goya con sus retratos.