Analisis Obras del Neoclasicismo y Post-Impresionismo

1. Obras Neoclásicas
La Muerte de Marat
Fue pintada por el artista Jacques-Louis
David en el año de 1793, bajo el periodo artis-
tico del neoclasicismo, mide 165 cm de alto
por 128 cm de ancho.
Se conserva en los Museos Reales de Bellas
Artes de la ciudad de Bruselas (Bélgica). Re-
presenta el fallecimiento en 1793 de Jean-
Paul Marat, el cual fue un escritor del periódi-
co radical L'Ami du peuple (El amigo del
pueblo) y muy relacionado con la facción
jacobina durante el reinado del Terror. Marat
fue apuñalado el 13 de julio de 1793, mien-
tras escribía en su bañera, por Carlota Corday,
quien apoyaba a la facción girondina, más
moderada. se considera generalmente que
es la mejor obra de David, un paso definitivo
hacia la modernidad, y una afirmación políti-
ca inspirada e inspiradora.
Aunque la figura del propio Marat está idealizada, no se evidencia ninguno de sus problemas
de piel que sufría, los detalles alrededor del modelo se consideran ampliamente verídicos.
David dice que visitó a Marat el día anterior a su asesinato y recuerda haber visto la sábana, la
alfombra verde, los papeles, y la pluma, diciendo a sus pares de la Convención más tarde que
él representaría a su amigo asesinado como él lo había visto, puede verse en el papel que
sostiene Marat en su mano izquierda; pero cabe destacar que la asesina ha sido retirada del
cuadro, aunque literalmente vemos a Marat exhalando su último aliento, en este sentido, por
muy realista que sea en sus detalles, esta pintura, en su conjunto, y desde el principio, es una
construcción metódica que se centra en la víctima, una composición llamativa considerada
hoy por varios críticos como una terrible bella mentira
Las Tres Gracias
Es un cuadro del pintor Pedro Pablo Rube-
ns, entre los años de 1636 al 1639, bajo el
movimiento barroco, expuesto en el Mu-
seo del Prado de Madrid, España. Está
pintado al óleo y mide 221 cm de alto por
181 cm de ancho.
Este cuadro posee un tema mitológico, el
artista lo plantea de un modo muy distinto
al de los artistas que le precedieron. En
efecto, esta obra del llamado príncipe de
los pintores flamencos es la antítesis de la
obra anterior de Rafael Sanzio Las Gracias,
caracterizada por un sentimiento general
de castidad.
Representan a las hijas de Zeus y pueden
citarse como tipo de belleza ideal aunque
pueden corresponder a la belleza más sen-
sual. Aglaya, Talia y Eufrósine fueron los nombres de estas tres mujeres que aparecen en el
cuadro.
La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente des-
nudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí
a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológica-
mente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo,
estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras.
Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la ampulosidad de sus contornos. Parecen más
bien tres desenvueltas bacantes que las pudorosas Cárites de la mitología griega. Aparte de
estas tendencias realistas, la composición del gran artista de Flandes destaca por la elegancia
con que están agrupadas las tres figuras y por el gran conocimiento que demuestra en el mol-
deado de las carnes que por su morbidez y frescura aparecen palpitantes. Estas carnaciones
claras irradian luz al resto de la obra. El trío está enmarcado a la izquierda por un árbol y a la
derecha por una cornucopia dorada de la que brota agua, con una guirnalda de flores por
encima. Esta pintura posee un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido
por un pintoresco paisaje de una gran sutileza. En él pueden distinguirse pequeños animales
pastando.
Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens,
Helena Fourment, o incluso variaciones sobre el mismo rostro de su esposa.
El Baño Turco
Su autor fue Dominique Ingres, en
1862 con la tecnica de óleo sobre
lienzo, bajo el perido del Romanti-
cismo, tiene un Tamaño 108 cm ×
108 cm se encuentra en el Museo
del Louvre, París, la obra repre-
senta un grupo de mujeres des-
nudas en un harén. En su epoca
no provoca mucho escandalo
debido a su evidente erotismo, a
diferencia de otros del mismo
género, como el Déjeuner sur
l´herbe de Édouard Manet (1863).
Para realizar este cuadro Ingres no
recurre a modelos; se inspira en
los numerosos croquis y cuadros
que ha pintado a lo largo de su
carrera, ya que el desnudo femenino fue el tema principal de su obra.
El primer plano está ocupado por una mujer vuelta de espaldas que está tocando una especie
de linstrumento musicsl. Constituye el elemento central de la composición. Igualmente, la
odalisca con los brazos levantados que se ve en primer plano, fue producto de un croquis que
hizo el pintor en 1818 y que representaba a su mujer (Madeleine). La espalda de esta mujer de
los brazos levantados, es más larga de lo normal, incoherencia anatómica del artista que utili-
zaba con frecuencia y de manera absolutamente consciente, sacrificando la verosimilitud por
el efecto; quiere pintar la belleza, su belleza, una belleza individual (por ejemplo las tres vérte-
bras suplementarias de La Gran Odalisca).
Los demás cuerpos están yuxtapuestos en diferentes planos, sin que se crucen sus miradas y
como haciendo un cadencioso ritmo figurativo. En el primer plano, a la derecha, hay una
manta roja y, sobre ella, una mesita con una serie de objetos. Forman un bodegón: una tetera
plateada, una jarra de porcelana, una taza.
Posteridad
La pintura fue un encargo hecho alrededor de 1848 por un pariente de Napoleón III (o del
propio príncipe Napoleón, según la página web del Museo del Louvre, quien poco después
de adquirirlo se lo devolvió al pintor, porque su mujer (la emperatriz Eugenia) lo encontraba
«poco conveniente». El pintor siguió trabajando en su obra hasta 1863, incluso después de
que él mismo lo datara en 1862.
El Dolor y los Lamentos de Andrómaca
sobre el cuerpo de Hector
Su autor fu Jacques-Louis David en el
año de 1783, tecnica de Óleobajo el
periodo del Neoclasicismo, tiene un
tamaño de 275 cm × 203 cm esta en el
Museo del Louvre, París.
Este es un cuadro inspirado en un episo-
dio de la Ilíada y representa a Andróma-
ca llorando sobre el cuerpo de su espo-
so Héctor.
El rey troyano, que se describe en las
fuentes clásicas como hombre enérgico
y combativo contra sus enemigos, final-
mente es asesinado por Aquiles y su
cuerpo, recuperado por su padre Pría-
mo, velado por su familia.
El cuadro fue pintado para ser presenta-
do como "obra de admisión" a la Real
Academia de Bellas Artes.
Psique reanimada por el Beso del
Amor
Esta es una escultura de mármol realiza-
da por el escultor Antonio Canova en
1787 pero no fue terminada hasta 1793,
en el periodo neoclásico, tiene una al-
tura de 1,55 m x 1,68 m. de largo y 1,01
m. de ancho, esta obra representa a Cu-
pido y Psique, se encuentra en el Museo
del Louvre en París. Fue realizada por
encargo del coronel británico John
Campbell, en 1787 aunque acabó
siendo adquirida por el marchante y
coleccionista holandés Henry Hoppe en
1800.Es una de las seis versiones de la
leyenda de Cupido y Psique, inmortali-
zada por Apuleyo en su Metamorfosis.
Obras Post-Impresionistas
La Noche Estrellada
El Autor de esta mi obra favorita
fue Vincent van Gogh en 1889
con la tecnica de Óleo sobre lien-
zo, bajo el periodo del Postim-
presionismo tiene un tamaño de
73,7 cm × 92,2 cm, esta localiza-
da en El Museo de Arte Moderno
de Nueva York.
El cuadro muestra la vista exte-
rior durante la noche desde la
ventana del cuarto del sanatorio
deSaint Rémy de Provence, don-
de se recluyó hacia el final de su
vida. Sin embargo, la pintura la hizo desde su memoria ya que para el momento de pintarla
era de dia. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno
de Nueva York. La obra fue pintada el mismo año que le arrancaron el lóbulo de la oreja des-
pués de mantener una fuerte discusión con su amigo Gauguin. Empezó a pintar en el jardín
del hospital, donde había cipreses. Van Gogh se comportaba de modo violento contra otras
personas; llegó a intoxicarse al ingerir pintura, se sentía acosado por las alucinaciones y lo
demuestra en la obra La noche estrellada.
La pintura ha sido comparada con una fotografía astronómica de una estrella llamada V838
Monocerotis, tomada por el Hubble en 2004. Las nubes de gas que envuelven la estrella se
parecen a los patrones giratorios que Van Gogh usó en esta pintura.
¿De Donde Vinimos? ¿Quienes
Somos? ¿A Donde Vamos?
Su autor fue Paul Gauguin, en 1897
bajo el periodo del Postimpresio-
nismo tiene un tamaño de 139,1
cm × 374,6 cm, en este momento
se encuentra en el Museo de Bellas
Artes de Boston. Paul lo pinto durante su segunda estancia en Tahití. Las tres preguntas son
las típicas que un tahitiano, curioso y hospitalario, hace a un extraño que se encuentra por el
camino: ¿quién eres?, ¿De dónde vienes?, ¿Dónde vas?. Seguramente a Gauguin le habían
hecho a menudo estas tres preguntas, que las transforma en la primera personal del plural y
hace una alegoría de la vida.
La pintura se basa en una escena de un paisaje tropical lleno de mujeres y niños tahitianos,
cada uno de ellos en una actividad diferente y simbólica. A la derecha, un bebé duerme en el
suelo rodeado de tres chicas sentadas y un perro. Al fondo, se encuentran dos personajes con
túnica y abrazados, caminan mientras hablan y una figura sentada en el suelo los mira en una
posición simiesca rascándose la cabeza. En el centro, una figura andrógina coge una fruta, a
sus pies, un niño come otra fruta rodeado de gatos y una cabra, al fondo en la izquierda hay
una estatua oriental con los brazos levantados con una mujer a su lado y un embrión humano
en el otro, finalmente, a la izquierda, hay una mujer apoyada sobre su brazo, una vieja sentada
en posición fetal tapándose la cara, y un pájaro blanco con una lagartija entre las patas.
El cuadro es un escenario de la vida y la actividad humana, desde el nacimiento hasta la
muerte, leído de derecha a izquierda.
Vairumati
Su autor es Paul Gauguin en1897 bajo el
periodo artistico del Postimpresionismo
esta obra tiene un tamaño de 73 cm × 94
cm se encuentra en el Museo de Orsay,
París.
Fue pintado durante la segunda estancia
de Gauguin en la Polinesia. El cuadro re-
presenta una joven polinesia sentada a la
cabecera de una cama y apoyada sobre su
brazo derecho. Tiene el torso desnudo y
una prenda enrollada a la cintura. Cerca de ella, a su espalda, una alegórica ave blanca con a
un lagarto negro en sus patas. Al fondo, en la esquina superior derecha del cuadro, se distin-
guen dos mujeres tahitianas sentadas en el suelo. No es posible determinar con exactitud lo
que están haciendo, aunque su postura evoca una actitud ritual o cultual, que recuerda a los
bajorrelieves de Borobudur. La muchacha tahitiana que constituye el motivo central del
cuadro se reclina ausente sobre un lecho florido, cuyo cabecero dorado destaca sobre la tierra
rojiza. El fondo está poblado de vegetación de tonos verdes y amarillos. A la manera de un
encuadre fotográfico,
La pintura describe una escena perteneciente a la leyenda de Vairaumati. Gauguin supo de
ella a través del libro Voyage auxiles du Grand Océan (1837) de Jacques Antoine Moerenhout,
aunque ya había sido recogida anteriormente por Williams Ellis en su obra Polynesian Resear-
ches (1830). Gauguin hizo su particular relato del mito en Ancien culte mahori (1892), donde
incluía pasajes literales de Moerenhout y hacía hincapié en los paralelismos con la Biblia. En
Noa Noa (1893) lo explicaba como una historia revelada por su amante Teha’amana.
Los Grandes Bañistas
Su autor fue Paul Cézane entre
los años 1900 a 1905 en el
periodo artisticob del Postim-
presionismo tiene un tamaño
de 130 cm × 195 cm esta en la
galeria nacional de Londres.
Cézanne pintó reiteradamen-
te bañistas, renovando el
tema de la mujer en el baño, haciendo de él una construcción moderna. Así lo hizo a partir de
la década de 1870, en cuadros en los que los personajes se funden con la naturaleza que los
rodea: Bañistas, Tres bañistas, Cinco bañistas, Gran bañista.
El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maes-
tros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin. No se trata aquí de figuras mitológicas o
literarias. Tampoco las representa según los cánones de la anatomía tradicional. Pinta a las
bañistas en diversas posturas unas de pie, otras sentadas, otras tumbadas. Los cuerpos y sus
poses están reducidos a elementos vivos que están ya cercanos a la abstracción, y lo mismo
cabe decir del paisaje.
El Café de Noche
Su autor fue Vincent van Gogh en 1888
bajo el periodo artistico del Impresio-
nismo tiene un tamaño de 72,4 cm ×
92,1 cm y esta guardad en la Galeria de
Arte de la Universidad de Yale.
En agosto de 1888, Vincent imagina
este cuadro. Indica la idea de una carta
fechada el 6 de agosto, dirigida a su
hermano menor Theo:
Hoy probablemente intentaré el inte-
rior del café donde tengo una habitación, por la tarde, bajo las luces de gas. Aquí, le llaman
un café de noche, y están abieros toda la noche. Los vagabundos nocturnos pueden encon-
trar refugio, si no tienen dinero para un alojamiento o si van demasiado ebrios.
La pintura representa el café de la Estación, a la plaza Lamartine, de Arlés, regentado por
Joseph Michel y su esposa Marie Ginoux, que en noviembre de 1888 posan para Van Gogh y
Gauguin. La escena, como indica el título de la obra, transcurre por la noche, precisamente a
las doce y cuarto, según el reloj del fondo de la sala. En este gran salon de techo alto, caracte-
rístico de los cafés provenzales del siglo XIX, iluminados por lámparas de gas, se representa en
el centro un billar francés y, todo alrededor, en estructura circular, las mesas y las sillas. Bajo la
mirada del camarero, bien entrada la noche, una pareja y unos pocos clientes medio dormi-
dos en su soledad.
John Leiner ROjas Marquez
C.I: 25650491
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Historia del Arte II