1. FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES. 1746 -1828. 2º DE BACHILLERATO
- APORTACIONES A LA PINTURA ESPAÑOLA Y UNIVERSAL
- ETAPAS Y CARACTERISTICAS ESTILISTICAS
- PRINCIPALES OBRAS
2. Francisco de Goya y Lucientes, pintor, grabador y
dibujante, nació en Fuendetodos (Zaragoza) , en 1746,
hijo de un artesano dorador; por su cronología,
pertenece a la generación de románticos y neoclásicos,
contemporáneo de J.Louis David, Ingres, Delacroix ,
Canova…. Pero siempre prescindió de cualquier
imposición de la moda, para “inventar”, para crear un
estilo altamente personal, que ha convertido su obra en
un referente para los impresionistas franceses del s.
XIX y para las “vanguardias” del s. XX como el
Expresionismo.
Sólo en su juventud quiso amoldarse a las “reglas
pictóricas” impuestas por el Arte Académico de moda
en la Corte de Carlos III, cuando el pintor neoclásico
italiano Mengs daba las pautas a seguir en la Academia
de Bellas Artes de San Fernando, en un intento de
ganarse la confianza de una clientela cortesana que le
permitiera vivir de la pintura.
Pero pronto acabaría abandonando este camino por
su estricta reglamentación, para desarrollar una técnica
suelta y una creatividad personalísima y “moderna”:
frente al Goya retratista de la Corte, tradicional, rococó,
neoclásico al gusto del momento, está el Goya genial y
creativo de sus grabados, sus pinturas sobre la Guerra
y sus Pinturas negras, cuya autenticidad está siendo
sin embargo, discutida.: Goya fluctúa, cambia.
3. Trasladado con su familia a la capital, Zaragoza, asiste con 13 años a la Academia de Dibujo de
José Luzán: durante 4 años, allí aprendió la técnica, el dibujo, el estilo barroco, copia estampas de
obras maestras….y como era normal en esos años
al terminar, intentó por 2 veces obtener beca de la
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
sin conseguirlo, con 17 y 20 años, para estudiar en
Italia a los grandes maestros.
En 1770 decide completar su formación 1 año en
Roma,Venecia y Bolonia por sus propios medios,
dentro del estilo neoclásico que adoptaría de
inmediato. A su regreso a Zaragoza, recibe sus
primeros encargos importantes:
-la decoración al fresco de una capilla en la Basílica
del Pilar, muy Barroca: pincelada suelta de técnica
abocetada, sentido escenográfico,con escorzos,
tonos cálidos…
-la decoración en óleo sobre muro de la cartuja del
Aula Dei, con escenas de la vida de la Virgen.
En estos años (1773) se casa con Josefa Bayeu,
hermana del pintor Francisco Bayeu, bien
relacionado en la Corte de Madrid.
Arriba: casa de Fuendetodos ,donde nació, en 1746, hoy
convertida en Museo.
Abajo: casa de Burdeos, donde murió, en 1828, hoy sede del
Instituto Cervantes en esa ciudad
4. Cartuja del Aula Dei (Zaragoza).
Conjunto
Pintadas entre 1772/ 74 por Goya,
fueron 11 escenas de la Vida de la
Virgen (tema), en óleo sobre muro
(técnica/ soporte), de las que sólo
se conservan 7; el resto se
perdieron por la Desamortización
de Mendizábal en 1836 que afectó
al Monasterio:.(Sus padres
Joaquín y Ana, el Nacimiento, la
Visitación a Sta Isabel, la
circuncisión de Jesús, la
Epifanía…)
En ellas, Goya mezcla la moda
Rococó con el aprendizaje del
clasicismo romano que traía de su
experiencia italiana (ej: la
visitación de María a Sta Isabel).
Destaca el sentido escenográfico de las
composiciones: arquitecturas con
escalinatas, enmarcando unas figuras de
técnica muy abocetada, como concebidas a
brochazos, lejos del dibujo neoclásico que
inundaban las obras académicas de ese
momento.
Nacimiento de la Virgen (barroco)
5. Frescos de la Basílica del Pilar (Zaragoza). 1780.
Técnica/soporte: fresco
sobre muro.
Tema: María y los
mártires de Aragón. Y en
las pechinas, las
virtudes.
Director de la obra: su
cuñado ,Francisco
Bayeu.
Análisis: muy en línea
con lo que Goya ha visto
en Italia: los grandes
fresquistas Giaquinto y
Lucas Jordán: una
técnica abocetada, en
líneas quebradas en zig-
zag, con mucho colorido,
sin dibujo, lleno de
escorzos y sentido
escenográfico… muy
barroca.
No gustó ni a su cuñado
ni al Cabildo catedralicio.
6. Arriba: María, figura principal
Abajo: los mártires
Estos frescos se interpretan como el
antecedente de su obra máxima
posterior: los frescos madrileños de la
Ermita de S.Antonio de la Florida.
Bayeu le obligó a rehacer las 4
pechinas (las virtudes: fé, templanza,
fortaleza y caridad) dentro de un estilo
neoclásico y academicista, lo que le
hizo discutir con su cuñado, pero tuvo
que aceptar.
Como su técnica moderna y
abocetada no gustó, Goya se sintió
incomprendido y regresó a Madrid.
7. Esta técnica colorista, suelta, abocetada… no
gustó en su momento, pero es la que ha permitido
pasar a Francisco de Goya a la Hª del arte como el
artista que supo dar con un estilo personalista,
individual, ajeno a las reglas.
8. Muy interesante y prolífica fue su labor como pintor de Bocetos en Cartón para la Real Fábrica de
tapices de Sta Bárbara de Madrid, 1ª oportunidad importante de su carrera, al servicio del director
y asesor artístico de Carlos III, el italiano clasicista Rafael Mengs.
El trabajo no le entusiasma, pero lo acepta por lo que significa: pintar para los aposentos reales de
Palacio, ya que sus dibujos se convertirían en los tapices que cubrirían sus paredes. Lo hizo entre
1775 y 1792 , año en que una enfermedad larga y aguda le deja sordo y le aleja de esta fábrica de
tapices.
En estos cartones al óleo sigue muy de cerca el gusto rococó francés de colorido brillante y claro,
con una pincelada muy fluida convertida casi en acuarela, exquisita en el detalle (gasas, encajes y
bordados, en los peinados….) y preciosista, elegante, amable, en cuyos temas populares se
observan de cerca las costumbres y tradiciones españolas de:
-los majos y majas, (aristócratas cortesanos disfrazados de estos personajes son frecuentes),
-cacerías reales,
-bailes y fiestas costumbristas –zancos, peleles volteados, gallinita ciega, meriendas en las
praderas,...-
-alegorías de las estaciones del año
Este trabajo como pintor de cartones para tapices le granjeó contactos con personajes
importantes en la vida social y política de la Corte, gracias a los cuales fue ascendiendo en su
consideración artística y social, puesto que paralelamente, se consolida como retratista de Corte
(Marquesa de Pontejos, Duques de Osuna…..)
10. La gallinita ciega (Prado, Madrid): refleja
aristócratas disfrazados de majos/as
(personajes populares de la sociedad).
Ultima fase de estos cartones ,dedicados
al ocio y diversiones campestres,
reinando ya Carlos IV.
Estilo Rococó, galante y preciosista en el
detalle.
El Cacharrero 1779 (Prado, Madrid): tema popular
del mercadillo. Interesante la figura femenina interior
del coche, pues en ella se anticipa Goya al
Impresionismo.
11. Romería en la pradera de San
Isidro: temas de romerías populares
ocuparon tambien un lugar en los
cartones para tapices
La Maja y los embozados… escenas
típicas populares de amor, celos,
engaños…que tanto gustaban entre
las clases altas de la Corte. El
taparse la cara era algo frecuente y
las ordenanzas del Marqués de
Esquilache sentaron mal entre la
población española al prohibirlo.
Rococó en el tema y en el detalle.
12. Dcha: Sueño de
José
Izda: Crucificado.
Goya trabajó muy
poco el tema
religioso, puesto
que él mismo era
ajeno al espíritu
religioso de su
momento.
Estas 2 obras quizá
sean las más
conocidas:
En el sueño de
José, aun se
muestra muy
barroco -1771- ,con
diagonal en la
composición,con-
trastes lumínicos propios del estilo, colorido brillante –dorados, rojo y azules- y pincelada suelta.
Pero en el crucificado, presentado para ser nombrado académico, en 1780, aunque desprende
barroquismo en el contraste de luz y se aprecia una inspiración velazqueña, ya van dibujando
mucho mas los contornos para acercarse al neoclasicismo, aunque lo que trató de demostrar,
ante todo, era el dominio del conocimiento anatómico.
13. Goya retratista:
Cuando se instaló en Madrid, dejó retratos
del rey Carlos III como cazador, del Conde
Floridablanca –asesor real- ,de su mujer,
Josefa Bayeu y de su cuñado, el tambien
pintor, Francisco Bayeu. Alternó con su
actividad en la Fábrica de Tapices.
14. Los Duques de Osuna fueron no sólo
buenos amigos del pintor, e ilustrados,
sino que introdujeron a Goya en los
círculos cortesanos. Gracias a su
amistad y apoyo, Goya se convirtió en
el retratista de moda en Madrid,
pintando a los mismísimos reyes
Carlos IV y Mª Luisa de Parma, recien
nombrados por el fallecimiento de
Carlos III.
En este retrato familiar, se observa
una notable influencia del retrato
inglés, tan del gusto de Goya en estos
años.
Duques de Osuna. 1788
15. En 1793, Goya sufrirá una enfermedad, quizá “saturnismo” ( pulmones contaminados por plomo,
típica de los pintores), de la que se recuperaría pero con una secuela de por vida: la sordera.
La sordera le cambiará el carácter y su estilo pictórico. Abandona la pintura rococó, amable y
colorista, sustituyéndola por un estilo mas creativo y original, que le convierte en claro antecedente
del Romanticismo: temas de locos, asaltos a diligencias por bandoleros, naúfragos, incendios,
prisiones, temas de tauromaquia sanguinolentos……
Pero superada la enfermedad, en 1795 se convierte en académico de San Fernando sustituyendo
a su cuñado tras su fallecimiento; este nombramiento le abrirá puertas para convertirse en el
retratista más importante de la Corte, ostentando el cargo oficialmente, por nombramiento del
valido real Manuel de Godoy, desde 1799.
Retratos de los Duques de Alba,
personajes muy influyentes en la
Corte.
De ella siempre se dijo que Goya
se sintió atraído por su carácter
independiente y caprichoso. El
Duque, gran aficcionado a la
Música, retratado sobre una clave
y con partitura musical.
16. 3 de sus retratos mas conocidos: Jovellanos, ilustrado, cuyos trazos más marcados señalan la moda y el gusto
neoclásicos del s. XVIII, cumbre del retrato intelectual goyesco digno y elegante ; el escritor, político y jurista, era
en 1798 ministro de Justicia y sus ideas influyeron mucho sobre Goya.
La Marquesa de Pontejos y la Condesa de Chinchón: mucho mas cercanos a la estética rococó francesa:
pincelada suelta, preciosista en los detalles,.La Condesa de Chinchón, esposa de Godoy, estaba embarazada y
de ahí que Goya intensifique el punto de luz sobre su abdomen. (1786 y 1797 respectivamente)
17. Pero los retratos con los que Goya alcanza la cima de su carrera, siendo ya desde hace años
Pintor de Cámara, son: el Retrato de la familia de Carlos IV (Museo del Prado) , los retratos
reales y las famosas Majas desnuda y vestida.
- Retrato de la Familia de Carlos IV: hacia 1800.De composición compleja, quiso emular de alguna
manera la obra maestra de Velazquez, Las Meninas, que tan bien conocía. Destacan, como en
aquel lienzo, la luz contrastada, el recurso del “cuadro dentro del cuadro” para intentar recrear
cierta profundidad, el detalle de presentar la escena como a través de un espejo para poder
autorretratarse él mismo tal y como hiciera Velazquez siglo y medio antes.
La pincelada es suelta y vaporosa, -presagia el Impresionismo posterior- y se sirve de simples
toques para resaltar a la perfección los detalles preciosistas como las ropas con encajes, las
joyas y las condecoraciones de los varones –el toisón de oro, por ejemplo-. Pero renuncia la
representación del espacio, tan bien conseguido en Velazquez, agudizando un poco la
“angustia espacial” al disponer a todas las figuras casi en línea.
18.
19. Retratos de los reyes Carlos IV y Luisa de Parma, a quienes no
se idealiza, como era frecuente en otros pintores “cortesanos”.
Goya no prescinde del realismo, nunca se mostró adulador, ni
con ellos, ni con su hijo, futuro Fernando VII, ni con Godoy.
Nunca se sintió obligado a embellecer a los reyes y a sus
cortesanos porque ello no iba con su carácter hosco y difícil; hizo
gala de un “naturalismo” que a veces convierte sus retratos en
casi caricaturas
20. La Maja desnuda: fue la 1ª de las dos, entre 1790/1800, por encargo de Manuel de Godoy para su
gabinete privado. Ambas estaban fuera del alcance visual del resto de la Corte.
En ambas, vestida y desnuda, la mujer es la misma modelo, probablemente Pepita Tudó, amante
de Godoy, aunque no tiene atribución segura.
La maja desnuda es de factura neoclásica, por sus colores fríos, pinceladas fuertes dejando ver las
líneas del dibujo muy marcadas. Mira directamente al espectador.
Goya tuvo problemas con la Inquisición por esta obra, que le había sido confiscada a Godoy por
su enemigo Fernando VII, aunque salió absuelto del proceso por inmoral. Sabemos que fue fuente
de inspiración para la posterior” Olimpia” del pintor Eduardo Manet.
21. La Maja vestida: es posterior, entre 1802/ 05 , tambien por encargo de Godoy para formar
parte de su “juego erótico” con la otra en su gabinete privado. Idéntica por ello a la anterior,
en cara, postura, proporciones…. Pero no así en la ejecución técnica, pues aquí hay
abandono total del dibujo, y Goya vuelve a su pincelada suelta, libre, mezclando texturas con
el pincel, y dando mas toques de color al lienzo.
La modelo es la misma, y el traje presenta la moda española popular que tanto gustaba a la
nobleza del momento.
23. Goya y la Guerra de la Independencia.
El autor era un hombre de ideas
afrancesadas, modernas, liberales, pero
cuando observa el rastro de violencia que
dejó el paso de la Grande Armeé en nuestro
país, su carácter se agrió aun más porque no
era ese reguero de sangre lo que esperaba
Goya de las ideas ilustradas francesas.
Acabada la guerra, en 1814, Goya quiso
dejar escenas sobre el heroísmo y la
violencia desatada por la invasión francesa y
pidió a la Regencia (aun no había llegado a
Madrid Fernando VII) ayuda económica para
pintar 2 grandes lienzos al óleo sobre los
acontecimientos iniciales del conflicto,.La
Regencia aceptó su ofrecimiento, y aceptó
pagar por ellos.
Son 2 lienzos de gran tamaño ( mas de 2,5 X 3,5 mts) que responden al espíritu pictórico del Romanticismo:
Pincelada suelta,, amplia gama cromática y tonal, pasión, violencia extrema, tema histórico en forma de drama
humano, contrastes lumínicos, escorzos, inestabilidad, expresividad en los rostros………
En esta “Carga de los mamelucos en la Puerta del Sol” o “2 de Mayo” nos muestra a los mercenarios egipcios
al servicio de la Grande Armeé cargando sobre la población amotinada cerca del Palacio real madrileño para
evitar la salida de los últimos miembros de la familia real hacia Francia. Acción, sangre, movimiento, crueldad,
pasión, color… impregnan la dura escena de las matanzas, que sin embargo el autor nunca vio personalmente
pero que conoció por testimonios.
Es todo un homenaje a la Resistencia española al invasor.
Se sabe que hizo bocetos preparatorios en papel sobre madera, no son fruto de la espontaneidad. Todas las
figuras estaban perfectamente estudiadas, así como los fondos arquitectónicos, mal identificados.
24. “Los Fusilamientos del 3 de mayo en
Principe Pio de Madrid”. 1814.
,.Aquí narró, con sentido dramático y
colorista, cómo su alma está dolorida
por la secuencia de sangre que deja
Napoleón en España, sin demagogia,
con realismo: no hay héroes, sólo
dolor y muerte: los que van a morir y
los que van a matar. Los ejecutores
franceses, uniformados, verdugos con
saña, cumpliendo su misión: fusilar
con bayonetas a quienes se han
alzado contra el dominio francés, en
perfecta formación, alineados, cuyos
rostros no pueden verse. Dan la
espalda al espectador.
Al otro lado, los fusilados, nos enseñan
el terror en sus rostros, sin dibujo, para
acentuar el “expresionismo” , la expre-
sión del horror ante la guerra y ante la muerte. Los cuerpos ejecutados se amontonan en escorzos y están
cubiertos de sangre; no hay duda: es la locura de la violencia. Temática propia del Romanticismo.
Nos cuenta un criado de Goya, Isidro, que el autor sí fue testigo de esta escena, con un catalejo, desde su
quinta de la pradera,y que, acabadas las ejecuciones, salió de noche al escenario de la matanza, con papel y
cartones, para tomar esbozos de lo que allí sucedió. Era noche de luna, con espesos nubarrones alternando
sombras y claros, por lo que se ha captado muy bien el dramatismo del momento.
Luz contrastada, propia del romanticismo, donde el farol blanco ilumina con fuerza al protagonista central para
que el espectador dirija a él su foco de atención. A su lado, hombres del pueblo, sacerdotes… esperan su turno
cerrando los ojos por el miedo, mientras los fusilados sanguinolientos se amontonan para resaltar aun mas el
dolor de la escena. Al fondo, la silueta tenebrosa de Madrid. Impactaron ambos lienzos entre sus
contemporáneos.
25. Las Pinturas negras. 1819/ 1823. Son un conjunto de 14 murales al óleo
que decoraban su “Quinta del sordo”,
junto al Manzanares, en donde vivió
estos años, junto a su amante Leocadia
Weiss, (mujer casada) y la hija de ella,
Rosario, ¿y de Goya?, a quien algunos
autores atribuyen la autoría real de
estas obras –también han sido
atribuídas a su hijo Javier, que
heredaría la casa cuando Goya se
exilia en Burdeos, con su “nueva
familia”, en 1824, acabado el Trieno
Liberal y con el regreso al Absolutismo
de su odiado rey-.
Goya es ya un hombre mayor, supera
los 70 años, está amargado, sordo,
receloso de todo, odia a Fernando
VII,se aisla del mundo y de la
Corte….lo cual puede explicar el
dramatismo del conjunto, el pesimismo
que lo embarga.
Son óleos concebidos a manchas negras, donde no hay dibujo/línea, las pinceladas son pastosas,
hechas con trazos gruesos y rápidos, el color aplicado con espátula, en una gama de ocres, grises,
negros, dorados y toques de blanco que conceden al conjunto la sensación de dramatismo,
pesimismo, violencia, horror,. En estos óleos se aprecia bien la “estética de lo feo” (tambien en lo
feo hay hermosura). Se han considerado antecedente claro del Expresionismo – vanguardia del s.
XX- por su técnica renovadora, moderna, su angustia espacial sin perspectivas, sus temas……
26. En la temática hay escenas variadas: el único tema mitológico de
su obra: Saturno devorando a sus hijos, en clave violenta, negra,
pesimista, alejada de cualquier concepción mitológica del barroco
colorista y alegre. El fondo negro y la mirada aterradora acentúan
esta sensación.
Los Aquelarres de brujas y machos cabríos se llenan de
personajes “expresionistas”, terroríficos, dramáticos, de ojos
saltones, bocas abiertas, miradas de locos y/ o “poseídos”…
Dispersas, calaveras que
simbolizan la caducidad de la
vida, la decrepitud…en medio
de una enorme “angustia
espacial”: los personajes se
lanzan sobre el espectador.
27. El retrato de Leocadia Weiss decoraba una de las paredes de la planta baja, quizá como
homenaje a su entrega y paciencia, puesto que el propio Goya conoce las dificultades de convivir
con él y su enfermedad ,carácter fuerte y amargura.
El tema de la soledad aparece tambien en las pinturas negras: un perro perdido en la immensidad
de un espacio abocetado, sin referencias a la perspectiva, que no representa nada; rostros
asomando en un paisaje, con miradas expresivas, rasgos que reflejan ¿qué?
28. “Viejos comienzo sopas”.
Los rostros decrépitos,
desdentados, pintados sobre un
fondo negro betún, ha sido una
de las escenas donde más han
insistido los historiadores sobre
la posibilidad de que puedan
considerarse el antecedente
mas claro del Expresionismo”
del s. XX.
“Duelo a garrotazos”
¿Qué simbolizan 2 españoles a
garrotazo limpio, con las piernas
hundidas en la tierra
imposibilitando cualquier
movimiento de huida? ¿quizá las
2 “Españas”, la absolutista
inmovilista y tradicional, y la
liberal, moderna de ideas
ilustradas?.
¿Qué tenía Goya en la cabeza
cuando concibe esta escena?.
29. El Santo Oficio o
Inquisición fue
tambien un tema
recurrente en la obra
de Goya por su
significado, tan
relacionado con la
tradición religiosa, las
torturas, las
supersticiones, la
brujería….que el
autor, con sus ideas
afrancesadas e
ilustradas, tanto
detesta. Es una feroz
crítica a la existencia
de este tribunal, que
no fue abolido en
España
definitivamente hasta
la regencia de Mª
Cristina de Borbón.
30. Goya en Burdeos.
Entre 1824 y 1828, Goya, con su nueva
familia, vivó exiliado del absolutismo español,
en la ciudad de Burdeos, donde muere. Hoy
su casa ha sido convertida en el Instituto
Cervantes.
Allí dejó su última obra catalogada, la lechera
de Burdeos, si bien historiadores como
Manuela Mena sostienen la tesis de que fue
obra en colaboración con Rosario Weiss e
incluso totalmente de la mano de ésta.
Es un óleo sobre lienzo, dentro de la corriente
del Romanticismo (tema popular, pinceladas
sueltas, gama cromática variada en tonos
verdes/ azules/dorados/blancos fríos,), y
donde se advierte una forma de pintar
próxima al futuro Impresionismo, de quien se
considera antecedente: pinceladas cortas y
yuxtapuestas sin mezclar tonos, gamas claras
que van tomando forma a medida que el espectador se aleja del lienzo. Ya nada queda de la
sordidez y pesimismo de las Pinturas negras. Al contrario, de nuevo regresa la quietud, el
optimismo que dan los tonos claros y que sin duda reflejan que los últimos años de su biografía
fueron mas tranquilos y sosegados al haber dejado atrás el recuerdo de la turbulenta política en
España.
31. Goya Grabador:
Realizó varias conocidas series de grabados, generalmente trabajados al aguatinta y aguafuerte,
sobre planchas de madera y piedra (“xilografía” y “litografía”):
a) Los llamados “Caprichos”: 80 “estampas”, critica social y censura a la hipocresía, supersticiones
y prejuicios de la sociedad de su tiempo. Trata de forma caricaturesca temas como: la prostitución,
el amor de conveniencia, la avaricia, la glotonería, la Inquisición ,la mala educación de los niños ,la
Iglesia, la brujería, la muerte, los diablos, los sueños…. Muy expresivas y de forma insólita.
33. b) Los “desastres de la guerra”: 82 “aguafuertes” que expresan una verdadera galería de horrores
provocados por la “Guerra de la Independencia”; fueron grabados entre 1810 y 1815 , quizá
encargados por Palafox. En ellos se muestran: asesinatos, violaciones, la huella del hambre,
buitres, vampiros, matanzas…..Son escenas desgarradas, que muestran la realidad de una guerra.
34. Desastres de la guerra:
El horror ante la muerte,
violaciones, asesinatos,…
35. c) La Tauromaquia: 33 grabados, realizados en los mismos años que los desastres de la guerra.
Goya, aficcionado a los toros desde que era joven, trató el tema desde un punto de vista de la
tensión, la muerte, la violencia del encuentro hombre/animal, los “lances” taurinos y la muerte de
los caballos, mas que desde el punto de vista costumbrisdta y amable del aficcionado. Dejó su
huella en Eduard Manet y en Pablo Picasso
37. d) Los “Disparates”.- Ultima serie de grabados, 22, al aguafuerte y aguatinta, realizados entre 1815
y 1823, antes de irse a Burdeos. Se han interpretado como una crítica al Antiguo Régimen y su
forma de ver la vida y las Instituciones. Los protagonistas:
Los carnavales y sus máscaras, sus transgresiones a la autoridad y las costumbres:
La crítica al Ejército: el miedo y la borrachera impiden el valor del soldado
La crítica a la Iglesia y al amor “sagrado” del matrimonio: adulterios, orgías, brujería y aquelarres…
38. Por toda esta forma de entender la pintura y el grabado, de Goya se da dicho siempre que se
adelanta a grandes movimientos modernos de la pintura como el Impresionismo y el
Expresionismo; ha resultado siempre difícil de encajarle en movimientos contemporáneos, pues
siempre basculó entre las modas: romanticismo, rococó, neoclasicismo… pero de su personalidad
siempre destacó el inconformismo, la fuerte personalidad y carácter, el querer vivir sirviendo a sus
mecenas al par que odia el absolutismo que le tocó vivir, su admiración hacia todo lo afrancesado
por considerarlo “moderno” pero su desencanto ante la muerte y destrucción de los ejércitos
napoleónicos en España. Hombre crítico con la Religión, con el Ejército, con el Absolutismo, quiso
vivir libremente y en ese intento, terminó su vida en Burdeos, exiliado del país cuya vida popular
reflejó como nadie.
