Portafolio de Marijke

MARIJKE LAUPPE's portafolio para
ARTEARTE
lATINOAMERICANOlATINOAMERICANO
con énfasiscon énfasis
COLOMBIACOLOMBIAMaría del Carmen Falcón Tolme y otros,
Universidad Tecnológica Perreira, Colombia
JUNIO 2014

¡Hola!,
Ahora estás mirando a mi portafolio para el MOOC 'Arte Latinoamericano con
Énfasis Colombia'.
Este curso es ofrecido por María del Carmen Falcón Tolme y otros para el
Universidad Tecnológica de Perreira, y tiene como objetivo:
"Analizar y conceptualizar históricamente las manifestaciones artísticas en
Latinoamérica con énfasis en Colombia, causadas por la influencia social y
cultural desde el arte prehispánico hasta la vanguardia."
El tema de mi portafolio es la escultura + la figura humana.
He elegido este tema porque todas esas imágenes a través de las culturas y a
través de las edades nos ofrecen un espejo de lo que somos nosotros mismos.
Mirando y comparándonos podemos aprender más acerca de ellos y también
aprender más acerca de nosotros mismos.
En la esencia somos todos iguales, pero debido al ambiente, la topografía, la
religión, la política, la economía, la época, ..., y sobre todo la cultura, pensamos y
actuamos de forma diferente y también hacemos otras cosas y dejamos otros
objetos para nuestros antepasados.
Espero que disfrutes mirando mi portafolia tanto como yo he disfrutado creándola.
saludos, Marijke

módulo 1. ARTE PRE-COLUMBIANO
hasta 1500
Para la parte 1 de mi portafolio elegí una expresión artística característica de cada
cultura que hemos discutido en el módulo 1. Doy una descripción corta y algunas
imágenes de eso.
módulo 2. ARTE COLONIAL A PARTIR DE
COLOMBIA
1500-1810(-1950s)
Parte 2 de mi portafolio muestra cómo la escultura en el 'nuevo mundo' durante la
época colonial fue fuertemente influido y regulado por la iglesia católica y las
academies de arte europeas.
América Latina pasó por los mismos movimientos de arte que Europa durante este
tiempo: renacimiento, barok, rococó, ...
Estas influencias durarían por mucho más tiempo. Por ejemplo, sólo en
aproximadamente los años 1950 la escultura colombiana finalmente se inventó de
nuevo.
módulo 3. MODERNIDAD EN EL ARTE Y
CONSECUENCIAS EN AMÉRICA
módulo 4. MOVIMIENTOS UNIVERSALES EN
LA VANGUARDIA A TRAVÉS DE COLOMBIA
Parte 3 de mi portafolio describe cómo escultura finalmente logró liberarse de sus
cadenas coloniales.
Colombia fue el último país latinoamericano donde esta forma del arte se
modernizó, pero este país produjo el escultor más exitoso de todos: Fernando
Botero.
Enfoco mi atención en la parte 3 en mis 3 favoritos escultores modernos: Enrique
Grau, Fernando Botero y Edgardo Carmona.
Sin embargo ... Enrique Grau y Fernando Botero tienen más de 80 años por ahora,

así que necesitamos una nueva generación de escultores.
En la parte 4 presento a 10 nuevos escultores prometedores.
- La mitad de ellos son colombianos.
- La mitad de ellos son mujeres.
- Cada uno de ellos se puede clasificar en los movimientos artísticos de finales del
siglo XX y los principios del siglo XXI, como el arte figurativo, el arte conceptual,
el minimalismo, ...
- Algunos de ellos ya son bastante famosos, como Nadin Ospina.
Sus versiones 'pop-precolombianas' de figuras contemporánea de alguna
manera nos traen de vuelto al módulo 1.

MÓDULO 1.MÓDULO 1.
arte prehispánicoarte prehispánico

- MESOAMÉRICA
- OLMECA
- TOLTECA
- AZTECA
- MAYA
- INCA
- COLOMBIA PRECOLOMBINA
- SAN AGUSTÍN
- TIERRADENTRO
- CALIMA
- QUIMBAYA
- TOLIMA
- MUISCA
- TUMACO
- QUILLACINGA
- TAIRON
- CHIMILA
- SINÚ

OLMEC:
figuras huecas de terracota
Aunque los Olmecas son conocidos principalmente por sus cabezas colosales y
sus figuras niño-jaguars sobrenaturales, se han encontrado muchas figuras que
representan seres humanos.
Las figuras representan la realeza, el juego de pelota, los chamanes, los enanos y
también la gente común. Estas últimas figuras se han encontrado generalmente en
la basura doméstica, en el relleno de construcción y en las tumbas. Las figuras
están realizadas en terracota local.
La mayoría de las figuras son de diseno sencillo. Son desnudas o tienen un
mínimo de ropa.
Debido a la fragilidad de terracota, la mayoría de las recuperaciones eran meros
fragmentos: una cabeza, unos brazos, un torso o una pierna.
Sus tamaños son pequeños, en promedio 5 centímetros.
figuras arrodillados con barba:

figuras reclinadas:
figuras sentadas
- mujeres que se nutren los bebés:

- ancianos
- mujer con un espejo de hematita.
Esta mujer no es una persona ordinaria: los espejos eran emblemas de la
autoridad política y religiosa, y por eso debe ser una dama de alto rango.
- bebés con las piernas abiertas.
Estas figuras son un marcador único de la cultura olmeca. Se encuentran en
todos los lugares donde floreció la cultura olmeda. Tienen cara de niño con la
boca girada hacia abajo, un cuerpo rechoncho, ojos hinchados de hendidura y
ningunos genitales. Sus cabezas ya muestran la deformación craneana artificial.
Suelen llevar un casco similar a los que llevaban las cabezas colosales.
Tienen un pulido antideslizante blanco o crema.
Son bastante grandes, en promedio 25 a 30 cms.
Han encontrado tan muchos de estos bebés, que debe ser el caso que tenían
algún significado pero no tenemos ni idea cual era ese significado.

OLMEC: hombres alargados
Los hombres de pie alargados de la cultura olmeca son más duraderos y más
conocido.
Están talladas en jade, serpentina, basalto y otras piedras y minerales. Jade es el
material más común.
Todas las figuras son menos de 30 cm de alto.
Estas figuras tienen una postura rigidez artifical y se caracterizan por sus cráneos
alargados - lo que es el resultado de la deformación craneal que se inician a una
edad muy temprana - extremidades delgadas, ojos de forma de almendra y la
boca curvado hacia abajo. Casi siempre las piernas son separadas. Los dedos y
los dedos del pie están representados por líneas.
Las orejas tienen a menudo pequeños agujeros para los adornos.
Algunos científicos son de la opinión de que tenían varios trajes para diferentes
ocasiones rituales.
Se han puesto las pequeñas figuras en esta escena a las posiciones originales en
las cuales se habían encontrado. No hay ninguna respuesta definitiva para la
promulgación de esta escena:

AZTECAS: reglas de estandarización
Escultores aztecas eran altamente calificados en trabajar con piedra y arcilla.
Representan dioses y diosas, sacerdotes, guerreros, jugadores de pelota y la
nobleza así como los plebeyos.
Las figuras eran estandarizada. Los escultores nunca crearon retratos realistas de
los individuos, pero usaron tipos de figura y posturas estándares: asentado, de
rodillas, de pie, ..., siempre en vista frontal. Las figuras eran estrictamente
simétricas. Los hombres se representaron como fuertes y las mujeres se
representaron como hermosas.
Las mujeres son con frecuencia de rodillas, con las manos descansando sobre sus
rodillas, mientras que las figuras masculinas a menudo son sentado con sus
rodillas dobladas y los brazos cruzados sobre ellos.
A pesar de la estandarización de la escultura azteca no es en absoluto rígida o sin
expresión, pero muy viva y a veces muy naturalista: las figuras tienen arrugas,
jorobados, muecas con dientes separados, ... Los escultores aztecas observaron
sus modeles cuidadosamente.
- hombre sentado

- mujer arrodillada
- hombre jovén de pie
- hombre arrodillado

- mujer que se pone en cuclillas
- hombre que lleva una vaina de cacao (material: piedra volcánica + rastros de
pigmento rojo)
- mujer moliendo maíz
Moler el maíz era una actividad diaria para las mujeres aztecas, mientras que los
hombres estaban a cargo del crecimiento de las cosechas.
- bebé en un tablero de cuna

- mujer que está dando la luz a su bebé (material: aplita)
- madre y hijo

MAYA: figuras de fertilidad
Los escultores mayas hicieron muchas figurillas en terracota que son
increíblemente animado y realista. Usaron un molde. Aparte de los dioses y diosas,
personas animales, guerreros, jugadores de pelota y la nobleza, ellos también
representan a los plebeyos. Su arte es un reflejo de su estilo de vida y la cultura.
No sólo fue utilizado en los rituales, pero también un importante comercio de
mercancías.
Se han encontrado muchas figuras de fertilidad que representa a una mujer
embarazada de pie que está acariciando su vientre mientras mira al cielo como si
pidiendo un favor de la diosa maya de la fertilidad: Ixchel. Muchos científicos creen
que estas figuras representan en realidad Ixchel ella misma.
En la cultura maya el nacimiento de un niño era el evento más significativo. El
parto se consideró un signo de buena fortuna y una medida de la riqueza.

madre sentada con su bebé.
Esta figura tierna y conmovedora captura el enlace universal entre madre y niño.
Su rostro expresivo está marcada con ojos rasgados, destacado por pestañas y
cejas pintadas negras.
Su gran nariz sobresale encima de una boca suavemente abierta.
Como ella acuna a su bebé en piernas cruzadas, podemos imaginar su torso
ligeramente doblada meciéndose hacia adelante y hacia atrás.

INKA: capac hucha
La cultura Inca practicó capac hucha - sacrificios de niños. Ofrecián los niños a
sus dioses para implorar su benevolencia. Los más importantes dioses incaicos
eran Inti, el dios del sol, y Pachamama, la diosa de la fertilidad y la cosecha.
Eligieron los niños - las edades que van de 6 a 15 - por su pureza, su belleza y su
salud, ya que no podían ofrecer nada mejor a sus dioses.
Los niños campesinos fueron escogidos para este sacrificio ritual, que vivieron una
vida de alto estatus hasta su muerte. Meses - a veces incluso años - antes de la
peregrinación de sacrificio - los niños fueron engordados con maíz y una gran
cantidad de proteínas animales, como charki (carne de llama secada).
Entonces se adornaron en ropa fina y joyería para encontrar al emperador en
Cuzco - la capital imperial - en un banquete en su honor.
Después de la fiesta los sacerdotes incas llevaron a los niños a las altas cimas de
las montañas. Durante el viaje - un viaje que duraría 3 a 4 meses - fueron
alimentados hojas de coca y chicha (cerveza de maiz) para que puedan alcanzar al
final del viaje vivo. En el lugar del entierro les dieron una bebida embriagante.
Entonces o se mataron o se abandonaron morir del frío extremo.
Muchos de estos cuerpos han sido encontrados por los arqueólogos, ya que se
han momificado naturalmente (incluyendo el pelo y los órganos internos), debido a
las temperaturas glaciales y el aire de la montaña ventoso seco.
Más de 100 ornamentos preciosos fueron enterrados con los niños, entre los
cuales pequeñas figurillas humanas de oro, plata y concha spondylus.
Las figurillas en sí son desnudos, pero originalmente estaban cubiertas en prendas
especialmente hechas en miniatura. Se utilizan clavijas 'tupu' para fijar estas
prendas. Por lo general, están de pie con sus brazos afiliadas a través de su
pecho. Su función es mantener la presencia eterna de los muertos.

COLOMBIACOLOMBIA
PRECOLOMBINAPRECOLOMBINA

QUIMBAYA: retablos
La cultura Quimbaya hizo figuras de cerámica estilizadas distintivas, conocidos
como 'figuras de losa' ('slab figures' en inglés).
La mayoría de estas figuras son de sexo masculino y pueden ser sólidas o huecas.
Una losa cuadrada o rectangular de arcilla forma la cabeza y el cuerpo y bobinas
de arcilla están unidos para los brazos y las piernas. El cuello es un surco
profundo. Los ojos y la boca son aberturas horizontales, mientras que la nariz es
realista. Muchos de los retablos llevan anillos de la nariz de oro o cobre. Los
retablos fueron pintados con diseños geométricos. Por último, les dieron un pulido
que los hace brillar como si estuvieran vidriosos.
La fila de agujeros que algunos retablos tienen en sus cabezas, originalmente
estaba destinada para elementos decorativos.
Se pusieron los retablos - juntos con vasijas de cerámica y ornamentos métalicos -
en las tumbas como un guarda o compañero para los fallecidos.
Las características de la cerámica Quimbaya son:
- uso de pintura negativa
- uso de pinturas monocromas y policromas
- adornos con dibujos geométricos

CHIMILA: urnas funerarias
La cultura Chimila primero elimina la carne de sus difuntos, ya sea a través
de la incineración o el enterramiento en la tierra por un corto período de
tiempo. Luego pusieron los huesos humanos en urnas de figuras que ponen
en cámaras en tumbas profundas.
La idea era que 'plantando' los huesos en una urna con forma fálica dentro
de una cámara de parecida a una matriz en la madre tierra, la vida renovada
surgiría de la sepultura.

SINÚ: figuras femeninas
En el cultura Sinú las mujeres se llevaron en alta estima. Tenían enormes poderes
políticos y sociales. Las mujeres se consideran como símbolos de la fertilidad, la
sabiduría y el respeto.
Si alguien murió varias figurinas femeninas de cerámica y ollas con figuras
humanas fueron colocadas en la tumba como un símbolo de la concepción y el
renacimiento en el mundo de los muertos. También adornos de oro - generalmente
representaciones de los animales - fueron puestos en las tumbas.
Una 'túmulo hembra' redonda fue construido sobre la tumba. Este montículo
simbolizaba el embarazo y el parto. Se plantó un árbol en la parte superior del
montículo - con campanas de oro colgando en las ramas.
El cultura Sinú retratado las personas de manera naturalista: se sientan en las
sillas, están de pie, sostienen una calabaza, tocan música, ... Las mujeres a
menudo llevan telas tejidas con una variedad de patrones y llevan cestas tejidas
sobre la cabeza.
Cerámica que se utilizaron para otros fines a veces son representaciones
antropomorfas de varios seres.
olla colla con base anular y figuras modeladas:

Las estatuillas son aproximadamente 20 a 30 cm de alto.
madre y hijo

arte colonialarte colonial
a partir dea partir de
colombiacolombia

COLOMBIA:
durante la época colonial ...
La escultura durante la época colonial en Colombia fue totalmente dominado por la
iglesia católica y los gobernantes y colones españoles. Se dedicó a representar a
las personas y escenas religiosas y era fuertemente influenciado por las escuelas
españoles de la escultura sagrada. Las esculturas eran o imitaciones de los
originales realizados por los colonos españoles - que habían venido a trabajar en
los centros ricos colombianos - o importadas de España. Muchas esculturas se
hicieron en policromía.
Casi todas las obras de arte elegidas fueron muy dramático y sugestivo para
facilitar la conversión a la fe católica.
En contraste con las prácticas coloniales en otros países como México y Ecuador,
no se instruyeron muchos artesanos indígenas para hacer arte religiosa, basado en
los estilos clásico, barroco y rococó.
Tal vez porque la experiencia indígena residía en la cerámica y la metalurgia en
lugar de tallar o pintar.
Y tal vez porque se consideró "el arte indochristiano" - una mezcla de tradiciones
indígenas y influencias europeos como enseñado por los frailes franciscanos,
agustinos y dominicos - menos deseable.
Todas las nuevas fundaciones religiosas en Colombia necesitan pinturas y
esculturas para adornar sus retablos.
Importantes escultores colombianos durante la época colonial fueron:
- PEDRO DE LUGO Y ALBARRACÍN quien creó Christo Caído de Monserrate
(1656).
Se encuentra esta escultura en el punto más alto en Bogotá y se ha convertido
en un destino para muchos peregrinos.
Pedro de Lugo y Albarracín fue el padre de una dinastía de artesanos, como
Lorenzo de Lugo.
La mayoría de sus obras fueron policromadas y ejecutadas en plomo. Usó
cabellos humanos y pestañas verdaderas para su esculturas.
- MANUEL CHILI, apodado Caspicara (?1723-?1796) que hecho sus esculturas
religiosas tanto en madera como en mármol.
Caspicara creó numerosas obras de arte, y uno de sus más bellas y
impresionantes esculturas es 'Cristo Yacente'. No se sabe en qué año creó esto.
- PEDRO LABORIA (1700-1784) introdujo a un tipo de esculturas menos trágico y
más melodramático con sus santos y ángeles y sus dioses representados como

niños. Sus figuras llevaban ropa contemporánea y tenían caras muy expresivas.
- BERNARDO DE LEGARDA (1700?-1773) es conocido por su figuras religiosas
casi bailando en medio de decoraciones florales y vegetales.
Representaciones de la Virgen, el niño Jesús, el Cristo, santos, y figuras de
pesebre pueden tener mascarillas de metal, ojos de vidrio y accesorios de plata.
Trabajó en madera tallada y policromada.
Su obra más conocida es la Virgen de Quito (1734). Creó una composición
jugosa, llena de movimiento, casi musical.
Caspicara y Bernardo de Legarda vivieron y trabajaban en Ecuador, pero
durante la época colonial Colombia, Ecuador, Venezuela y Panama juntos
formaron Gran Colombia durante aproximadamente una década. Por eso les
incluyo aquí también.
Pedro de Lugo y Albarracín: Christo Caído de Monserrat (1656)

Manuel Chili: Cristo yacente
PEDRO LABORIA
- Santa Barbará
- San Joaquín y la virgen niña

Bernardo de Legarde
- la Inmaculada Concepción = Virgen de Quito (1734)
- San Juan de Dios
- la Inmaculada Concepción = Virgen de Quito
- Calvario

... y después
La independencia de España no trajo independencia de las tradiciones del arte
colonial durante bastante tiempo. Los artistas siguieron trabjando según las reglas
impuestas por las academias (y la iglesia católica durante la época colonial).
No fue hasta el siglo XX - ¡muchos críticos de arte reclaman los años 1950! - que
la escultura se liberó de estas restricciones autoimpuestas y se inventó de nuevo
mezclando elementos tradicionales con conceptos modernos.
Dos importantes escultores colombianos que después de la colonización
claramente trabajaron de acuerdo a las directrices académicas eran Tobón Marco
Mejía y Roberto Henao Buriticá.
MARCO TOBÓN MEJÍA (1876-1933) vivió en Francia por casi toda su carrera. Ahí
se reunió con varios artistas destacados como Auguste Rodin. Trabajó sobre todo
dentro de los estilos neoclásico y art nouveau, y es conocido sodre todo por sus
esculturas en bronce, eletrochapa y estaño.
Sus famosas estatuas de mármol La Poesía y El Silencio se dedican al poeta
Colombiano José Asunción Silva, quien se considera uno de los fundadores del
modernismo hispanoamericano.
ROBERTO HENAO BURITÍCA (1898-1964) viajó a Francia en 1913 para estudiar
en la Academia de Bellas artes y a la Academia Julian en París. Trabajó en el estilo
neoclásico. Su producción era escasa debido a la mala salud.
En 1926 participó en el Salón Anual de Paris con una escultura de tamaño - 'Eva' -
con la cual ganó el primer premio.
También en 1926 se instaló su famosa escultura 'Rebeca' en el parque Centenario
en Bogotá. Consiste en una aguadora desnuda que tiene un cuenco y un cántaro,
situada en medio de un estanque compuesto por un espejo de agua.
'Eva' así como 'Rebeca' estaban hecha en mármol de carrara.
En 1930 regresó a Colombia.

Marco Tobón Mejía
- la poesia (1914)
- el silencio
- thais (realce en bronce) (1910)
- la caída

Roberto Henao Buritíca: Rebecca

modernidadmodernidad
en el arte yen el arte y
consecuenciasconsecuencias
en américaen américa

DESPUÉS DE LA INDEPENDENCIA:
el arte se reinventó
Al final del siglo XIX y el principio del siglo XX, el mundo del arte europeo cambió
drástícamente como resultado de la revolución industrial y más tarde la primera
guerra mundial.
Había comenzado la era del arte moderno. Muchos movimientos de arte vinieron y
fueron rápidamente - a veces simultáneamente - el (post) impresionismo, el
modernismo, el simbolismo, el fauvismo, el expresionismo, ...
En América Latina las distintas guerras de la independencia en todos los países
aún no conducen a cambios en el mundo del arte ... hasta que los artistas -
especialmente aquellos que regresaron de Europa a los países en los que nacieron
- comenzaron a oponerse a la todavía prevalece el estilo colonial. El mundo del
arte latinoamericano se modernizó y se estableció una nueva identidad. Una
identidad que era una mezcla de influencias indígenas, europeos y africanos.
Como las poblaciones originales y las tradiciones de los países diferentes de
América Latina eran muy diferentes, el arte era también muy variado ahora.
También había mucha variación en los temas que los artistas representaron. No
era de ningún modo sólo sobre temas políticos.
Muchos movimientos de arte aparecieron y desaparecieron de nuevo. A menudo
eran populares y activos al mismo tiempo.
Estos movimientos incluyen:
- al principio del siglo XX
- el Muralismo en México: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente
Orozco
- el Modernismo en Brasil (Anita Malfatti, Lasar Segal, Tarsila do Amaral)
- el Martinfierrismo en Argentina (Norah Borges, Emilio Pettoruti, Xul Solar)
Aparte de Orozco, todos estos artistas habían vivido en Europa por un tiempo.
Después de regresar a such países de origen se negarona volver al estilo de
arte colonial que aún prevalece allá.
- los años 1930 y 1940
- el Surrealismo (Roberto Matta, Rufino Tamayo, Leonora Carrington, Juan
O'Gorman, Frida Kahlo, Wilfredo Lam)
- el arte abstracto (pintores: Joaquín Torres-García. Tomas Maldonado, Gyula
Kosice Fernando de Szyszlo, María Luisa Pacheco, Gunther Gerzso)
(escultores: Jesús Rafael Soto, Edgar Negret, Julio LeParc)
- en los años 1960 los artistas pusieron la figura humana central en su trabajo.
Mediante figuras humanas podrían expresar el sufrimiento extendido de la vida
contemporánea (Antonio H. Amaral, Fernando Botero, Rafael Ferrer)

Colombia
Según los críticos del arte los artistas en Colombia no comenzaron "reinventar los
elementos tradicionales dentro de los conceptos del siglo XX" antes de los años
1950.
Alejandro Obregón es considerado el padre de la pintura colombiana moderna, y
uno de los artistas más influyentes en este periodo.
No había muchos escultores colombianos en los años 1800 y 1900 como se
consideró la pintura el más importante de los artes, pero en el siglo XX había
muchos escultores colombianos modernos, como:
- Santiago Martínez Delgado (1906-1954)
- Pedro Nel Gómez (1899-1984)
- Gustavo Arcila Uribe (1895-1963)
- Hugo Martínez González (1923)
- Edgar Negret (1920-2012)
- Eduardo Ramírez Villamizar (1923-2004)
- Rodrigo Arenas Betancur (1919-1955)
- Doris Salcedo (1958)
- Nadín Ospina (1960)
- Enrique Grau (1920-2004)
- Fernando Botero (1932)
- Edgardo Carmona ("más de 50 años" :-) )
Estos últimos 3 son mis favoritas ... o mejor dicho: tengo experiencias personales
con algunas de sus obras de arte.
Después de revelar estas experiencias, voy a dar un poco de información sobre
estos 3 y mostrar algunas de sus obras.
¡Todavía tengo que hacer mucha exploración!

¿imágenes vivas? o ¿imaginación viva?
Un artista colombiano que es conocido en todo el mundo - más por sus pinturas
que por sus esculturas - es Fernando Botero.
También es famoso en mi país, Holanda, aunque la mayoría de la gente por aquí
no están familiarizados con sus obras políticamente comprometidas.
Ya he visto más arte por artistas latinoamericanos, en su mayoría artistas
colombianos - como dejé mi corazón en Colombia. He visto obras de arte bastante
hermosas, pero Fernando Botero siempre estará entre mis favoritos.
He tenido la suerte de admirar algunas de sus esculturas de verdad - sí, incluso he
acariciado las senos de Gertrude en la Plaza Santo Domingo en Cartagena de
Indias - y yo casi me reía a muerte al encontrar esta estatua viviente de Gertrude:
¡Me encanta esta mujer! Ella tiene humor y coraje.
Otros dos escultores que 'descubrió' en Cartagena de Indias, pero cuyo trabajo no
olvidaré nunca, son Edgardo Carmona y Enrique Grau.
Me he reído casi a muerte sobre Gertrude viva, pero fui casi asustado a muerto por
la escultura de Pedro Claver y un esclavo por Enrique Grau.
La primera vez que me paré delante de esta estatua, ya era bastante oscuro.
Estaba mirando las cadenas en los pies de las personas pobres, cuando, de
repente, la estatua comenzó a moverse. Me tomó un tiempo para calmarme de
nuevo.

ENRIQUE GRAU (1920-2004)
elaborando su 'San Pedro Claver' (1999)
Enrique Grau Araújo nació en 1920 y creció en Cartagena de Indias.
Como estudiante de 20 años de edad, Grau recibió una mención de honor en el
primer salón de artistas nacionales, celebrada en Bogotá, para su 'Mulattress de
Cartagena'. El gobierno colombiano a partir de entonces le concedió una beca au
para estudiar en Nueva York, donde permaneció hasta 1943. Luego visitó Italia,
donde aprendió las técnicas de grabado y fresco antes de regresar a Bogotá.
Allí, Grau - junto a Alejandro Obregón, Edgar Negret, Ramírez Villamizar y otros
jóvenes talentos - comenzó a desempeñar un papel activo en los círculos
artísticos, participando en salones y exponiendo en galerías comerciales. Sus
obras fueron un esfuerzo intencional para modernizar el arte en Colombia.
En 1957 ganó el salón de artistas colombianos, lanzando una carrera bien célebre
en las artes.
En los años 1980 comenzó a crear esculturas. También ha practicado el grabado y
ejecutado murales a lo largo de su carrera.
Era famoso por sus representaciones de figuras colombianas indígenas y
afrocolombianas.
En 2004 Grau donó 1.300 obras de arte (incluyendo algunos de otros artistas) a la
ciudad de Cartagena. Estaban destinados para un museo Grau. 'Casa Grau' abrió
sus puertas en enero de 2014. Por esta y otras contribuciones a la ciudad, Grau ha
sido honrado con el título 'Hijo Predilecto de Cartagena de Indias'.
"He sido escenógrafo, guionista y director de cine, pero, ante todo y básicamente
soy pintor, y todo lo que hago es en función de mi pintura. Todas mis otras
actividades las considero de prolongación de mi mundo pictórico." - Enrique Grau
Esto debe ser cierto, ya que hay versiones pintadas de todas sus esculturas. Pero,
sin embargo, era un gran escultor!

Rita, 10.30 am (1990)
Rita 5.30 pm (1984) Tango azul (1983-84)

FERNANDO BOTERO (1932)
Fernando Botero Angulo nació en 1932 en Medellín. Su padre murió cuando él
tenía 4 años.
A la edad de 16 años publicó sus primeras pinturas en el periódico 'El Colombiano'
y antes de los 20 años tuvo su primera exposición en Bogotá. Allí fue invitado a
viajar a Barcelona con algunos otros artistas. No se quedó mucho tiempo allí. En
1953, estudió en Francia durante un año y posteriormente, estudió los maestros
del Renacimiento en Italia.
En 1958 ganó el primer premio en el Salón de Artistas Colombianos en 1958 y
llegó a prominencia nacional. Pronto después se proclamó "el más colombiano
de artistas colombianos".
Ha logrado reconocimiento internacional por sus pinturas, dibujos y esculturas, con
exposiciones en todo el mundo. Es el único artista en vida que es conocido en
todos los países del mundo.
Su arte es recogida por muchos grandes museos internacionales, corporaciones y
coleccionistas privados.
In 2012, recibió el 'Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award' del
International Sculpture Center.
Con sus pinturas de Botero a veces ha manifestado una fuerte crítica política (la
violencia en Colombia a causa de los cárteles de la droga; la prisión de Abu
Ghraib, ... ) sino acerca de sus esculturas dice:
"Mis esculturas no tiene un mensaje específico, ni social ni de ningún otro tipo. No
creo que el arte pueda cambiar la situación política. Mis esculturas no tienen
ningún significado simbólico. Sólo me intereso por las formas, por las superficies
suaves y redondas que subrayan la sensualidad de mi obra."

las características del estilo de Botero, también conocido como 'Boterismo'
- Todas las personas y las figuras están representadas en gran volumen,
exagerada. Según Botero él mismo no son gordas, pero voluminosas e intensas.
Es su manera de expresar la sensualidad.
"Yo no esculpo gordas. No he esculpado una gorda en mi vida. Lo que he hecho
es expresar el volumen como parte de la sensualidad."
- A pesar de sus formas, las posturas y movimientos sugeridos de sus figuras
humanas son muy elegantes.
- Ninguna de sus figuras humanas tiene rasgos faciales que elimina una
personalidad en la representación.
"Prefiero no personalizar mis esculturas porque lo que me preocupo es crear
superficies lisas y redondeadas que hagan hincapié en la sensualidad, un
lenguaje que más considera universal."
- Botero a menudo juega con las proporciones.
- Inicialmente todas las esculturas fueron hechas de bronce; en los últimos años
comenzó a usar mármol blanco también.
"La utilización del mármol blanco contraste enormemente con la del bronce,
utilizado en la mayoría de mis trabajos. Es para realzar la nobleza y la pureza de
las figuras representadas."
- Las esculturas tienden a tener nombres simples, como 'La mano', 'Eva', 'Adán',
'Maternidad', ...
Según la 'leyenda Botero' frotando las estatuas trae el amor y la buena fortuna.
Esta escultura es Gertrudis (2000) - aunque los Cartageneros la llaman 'la
gordita'. Gertrudis era una prostituta conocida. Se la encuentra en la Plaza de
Santo Domingo en Cartagena de Indias.
La escultura de 650 kilos es célebre en esta ciudad y tiene 2 partes notoriamente
desgastadas debido al mito que dice que todo aquel que toca las nalgas de la
escultura obtendrá buena suerte y que al tocar los senos de Gertrudis, te aseguras
un largo romance con tu pareja. Además se cree que eso también asegura tu
regreso a la ciudad de Cartagena.

Donna Seduto (2003)
▼ mujer reclinada sobre almohada (2010) ▲ mujer blanca (2010)

bailadores (2000) bailarines (2001)
amantes (2010) pareja

EDGARDO CARMONA
Edgardo José Carmona Vergara - nacido en Cartagena de Indias hace al menos
55 años - es un hombre de muchos talentos.
Estudió la administración de empresas, la ingeniería mecánica, el dibujo, la pintura
y la escultura, entre muchas otras cosas.
Había estado trabajando en su propia compañía de metal durante muchos años
como diseñador y constructor de máquinas y las estructuras de acero para
edificios, cuando una crisis nacional le obligó a cambiar de carrera.
Por entonces vio la oportunidad de combinar sus conocimientos de montaje (y
manejo) metal con sus habilidades artísticas. Ya tenía una idea: la mayoría de las
esculturas en su ciudad representaban a personas históricas en lugar de personas
comunes, contemporáneas:
"Ellos son los personajes que le dan identidad a Cartagena, a Iberoamérica y a
cualquier parte del mundo. A mí me gusta representar lo que vemos.
Todas las figuras que tengo en mi ciudad, como la de los dos borrachitos
discutiendo, son representaciones de gente que también puedes ver en la calle.
Esos dos borrachitos, ¡los reales!, se pasan la vida en una plaza de aquí y
cualquiera los puede ver. El arte no puede estar hecho para élites, su importancia
es hacer reaccionar a los humanos. Sacar una sonrisa, sorprender ... Eso busco."
Creó sus primeras esculturas en 1978. Su estilo y técnica (ensemblaje en acero)
son únicos.
Aunque sus esculturas pueden parecer simples, claramente ha prestado atención a
los detalles más pequeños.
Todos sus figuras - unos 200 en total - son muy vivaces, muy expresivas y llena
de espíritu ... también son muy graciosos.
Tuvo su primera exhibición en 1999 en el museo de arte moderno en Cartagena de
Indias. Desde entonces ha participado en numerosas exposiciones en América y
Europa.
Desde 1999, 11 de sus esculturas están en exhibición permanente en la Plaza de
San Pedro en Cartagena de Indias. Estas esculturas fueron declaradas Patrimonio

Cultural por el Ministerio de Cultura. Algunas otras ciudades donde su trabajo está
en exhibición permanente son Panamá, París, Zaragoza, Hohenstein-Ernstthal, ...
Edgar Carmona seguramente es uno de los más importantes y más queridos
artistas colombianos del momento.
Actualmente encuentra un nuevo desafío en la creación de esculturas más de 8 o 9
metros de altura.
entrevistador ¿Tiene alguna referencia a la hora de hacer sus creaciones?
E. Carmona Sí, varias.
entrevistador ¿Alguna en especial?
E. Carmona Siempre admiré a Leonardo Da Vinci.
vendedor de raspao

palenqueras: vendedoras de frutas
el carretillero

al filo (el amoladora) ▲ la puta ▼

territorios ▲ & ►
mambeo cadencias

mOVIMIENTOSmOVIMIENTOS
UNIVERSALESUNIVERSALES
EN LA VANGUARDIAEN LA VANGUARDIA
A TRAVÉS DEA TRAVÉS DE
COLOMBIACOLOMBIA

¡TODO DEBE CAMBIAR!
¡TODO CAMBIARÁ!
En el módulo anterior - módulo 3 - mostró cómo el arte latinoamericano se invento
de nuevo después de las guerras de Independencia, la Revolución Industrial y las
dos guerras mundiales.
La escultura en Colombia no logró liberarse de las reglas dictadas por la iglesia
católica y las academias de arte de Europa antes de los años 1950, porque se
consideró la pintura una forma de arte más importante.
La escultura colombiana no fue el más rápida, pero sin duda produjo el escultor
más exitoso de todos: Fernando Botero.
Pero ... tanto Enrique Grau como Fernando Botero tienen más de 80 años de edad,
por lo tanto es hora de una nueva generación de escultores.
Esta semana mi objetivo era encontrar algunos de estos nuevos y prometedores
escultores. Tomó un montón de 'googling', pero me las arreglé para llegar a los
siguientes 10:
- Sandra Monsalve (1970)
- Emiro Garzón (1950)
- Pascal Tissot (1955)
- Joaquín Restrepo (1984)
- Miriam Perez
- Olivia Gúzman
- Melva Medina (1964)
- Margareta Checa (1950)
- Rodrigo de la Sierra (1971)
- Nadin Ospina (1960)
- 5 de ellos son colombianos, 4 mexicanos y 1 peruano
- 5 de ellos son mujeres
- todos ellos han participado en exposiciones internacionales
Algunos de ellos ya son muy famosos y algunos son aún relativamente
desconocidos. No siempre era fácil encontrar abundante información acerca de
ellos, sobre todo de aquellos que no tienen sus propios sitios web todavía. Otros
tienen Twitter, Facebook, weblogs, etcétera.
Las cosas que todos ellos comparten - siendo de y viviendo en América Latina -
son
- todos ellos tienen experiencias con circunstancias económicas difíciles debido a

la crisis financiera mundial que golpea más fuerte en América Latina.
Me rompe el corazón al leer que el sueño de Sandra Monsalve es ver el Cirque
du Soleil en vivo un día. Para mí - yo vivo en Amsterdam - eso es difícil de
imaginar. Aunque nuestro mundo parece mucho más pequeña a debido de la
globalización, todavía puede ser demasiado grande a veces.
- todos ellos están experimentando con nuevos materiales, nuevas técnicas o
nuevas herramientas, por curiosidad, por razones económicas, por razones
medioambientales, ....
- ninguno de ellos comenzó a exhibir sus obras antes de 2000.
- todos ellos han participado en exposiciones internacionales.
- todos ellos se puede clasificar en los nuevos movimientos del arte de finales del
siglo XX y principios del siglo XXI, como el arte figurativo, el arte pop, el arte
conceptual, el minimalismo, ...
El tema central de mi portafolio es figuras humanas, y mi subtema para el módulo 4
es figuras humanas en acción/en movimiento - algunas más evidentes que otras.
Elegí este tema porque el arte en sí está continua en acción/en movimiento
también ... ¡Todo debe cambiar! ¡Todo cambiará!

SANDRA MONSALVE
Sandra María Monsalve nació en Medellín en 1970.
Inspirada por El Circo del Sol - que ha estudiado durante tres años - crea figuras
humanas que representan atleticas con cuerpos perfectos, con suaves
movimientos, en su maxima expresion.
"Amo el esplendor, los colores, la musica, el vestuario, cada personaje con su
papel en escena, observo los movimientos, las posiciones de los cuerpos, las
expresiones de los rostros, para mi es un lenguaje corporal muy teatral, rico en
arte."
Su sueño es poder ver algún día en vivo El Circo del Sol y poder seguir
proyectando su obra en el exterior.
Realizó estudios de escultura con el maestro Carlos Mario Vélez, y desde 1999
dedicó a buscar una línea propia, una marca que identificara su obra, y encontró
que el cuerpo humano sería la herramienta perfecta, el lenguaje con el cual podría
expresar su magia.
Por lo tanto adelantó estudios de anatomia para artistas y anatomia clínica por 4
años. Además de múltiples seminarios artísticos.
"Creo obras modernas, minimalistas, arquitectonicas, depuradas en su estilo.
Exploro el arte contemporaneo para crear una obra completamente diferente,
impregnada de colores, pinturas tridimencionales hechas escultura."
En el año 2005 representó Colombia en la bienal internacional de arte en
Florencia, Italia y consiguió muy buena crítica internacional: "depurado, simple,
pero con diseñado con mucha clase."
la gloria esperando la primavera

EMIRO GARZÓN
Emiro Garzón Correa nació en Belén de los Andaquíes, Caquetá, en 1950. Es
pintor, escultor y dibujante. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Neiva y fue
pupilo del padre Rafael García Herreros.
Se encuentran sus esculturas en plazas y sitios públicos de Neiva, Florencia, Belén
de los Andaquíes, Yaguará, Hobo, Pereira, Bogotá y en la República de Panamá.
Emiro Garzón es "un artista neohumanista que rinde tributo a la cotidianidad del
ser humano que va desde el ciudadano normal, hasta los que desempeñan
trabajos de la construcción, del campo, de la vaquería y de la selva. También se
inspira en la vida, la música, el estudio, el amor, la oración y en especial, en la
mujer."
Además de la técnica del ferroconcreto, ha incursionado también en la fundición a
la cera perdid.
Emiro Garzón ha expuesto su obra en varias ciudades de Colombia, así como en
América Latina, Estados Unidos y Europa.
la niña tomando el vuelo (1994)
Emiro Garzón no sólo es bueno en la escultura, pero también es bueno con las
palabras: "En 'La Niña tomando el Vuelo' se refleja la placidez de los momentos de
descanso matizado con un erotismo desenfadado y gozoso. Esta obra hace parte

de las esculturas inmersas en una cosmovisión de la vida que se eleva hacia el
cielo en un continuo movimiento.
Son ellas pueblerinas y campesinas, quienes como venus latinoamericanas
desempeñan abiertamente 'cosas de mujeres', como labores de hogar o su entrega
al ocioso placer de existir. Las actitudes desenfadadas, sus poses libres de
artificio, poseen un sutil heroísmo lleno de picardía."
oficios del café oficios de la cocina
(Biblioteca Universidad Cooperativa de Colombia sede Neiva)

PASCAL TISSOT
Pascal Tissot nació en Bordeaux, France, alrededor de 1955, pero ha vivido
practicamente toda su vida en Colombia. Durante más que 30 años, Pascal Tissot
trabajó en industrias metalmecánicas, lo cual le permitió conocer muy de cerca las
aplicaciones y características de diversos materiales como el hierro, el bronce, el
cobre y el acero.
Desde los 20 años, y por la facilidad de contar con talleres de fundición en su
actividad laboral, la escultura se convirtió en su hobby. La investigación alrededor
de la forma, el equilibrio, la expresión, y la armonía a través de los metales lo llevó
a dedicar un tiempo diario a la escultura en un largo proceso de autoformación. En
el año 2002, ingresó al taller del maestro inglés Paul Gervis en Bogotá.
La obra de Pascal Tissot se inició con chatarras hasta evolucionar a la figurativa de
hoy, trabajada en bronce con la técnica de fundición a la cera perdida.
Su primera exposición fue en el 2006 en el Centro Cultural 'Reyes Católicos.'
el silletero

JOAQUÍN RESTREPO
Nació en Antioquia en 1984.
Desde pequeño se interesó por el arte. Comenzó a estudiar la pintura a los 16
años, bajo la tutoría de maestras como Débora Arango y Ethel Gilmour. A los 19
años se fue a vivir a Bogotá para estudiar artes plásticas.
A pesar de que su formación es de pintor, la obra que más se conoce de Joaquin
Restrepo es la escultura. "Si lo piensas, la escultura es un dibujo en tercera
dimensión."
Las figuras humanas y los caballos son sus dos temas principales.
"Yo comencé con la figura masculina porque yo soy lo más cercano a mí mismo.
Vivo tan en mi mundo que para mí es muy difícil salir al exterior."
Joaquín Restrepo ha expuesto sus obras en todo el mundo, pero es especialmente
conocido en China.

MIRIAM PEREZ
danza de la cantera
Miriam Pérez nació en Mérida, Yucatán, México.
Estudia artes plásticas y tiene un grado Máster en Artes Finas con especialización
en diseño y construcción de hornos y kilns de cerámica.
Su trabajo engloba un vasto arreglo de formas y medios de arte , incluyendo
escultura en bronce y acero inoxidable, pintura, dibujo , vidrio fusionado y
cerámica. Ella también ha diseñado sets e iluminación para teatro y televisión, asi
como coreografiado y dirigido baile.
"Creo que el arte debe comunicarse a golpe de vista, de primera impresión, de la
misma manera en que la brisa o el sol tocan tu piel, o como una sonrisa o una
lágrima mueven el alma. Mi trabajo está basado en la alegría del esfuerzo y el
movimiento, la lucha de la vida y cómo se refleja en el cuerpo y el alma humana."
Fue directora de Difusión Cultural en centros de educación superior como el
Tecnológico de Monterrey. Actualmente vive en Cuernavaca, Morelos, México.
danza milonga

toro a grande pasos
diversidad

OLIVIA GÚZMAN
Olivia Gúzman nacio en México y no quiere que sabemos su edad.
No puede ser el más joven de los escultores en la parte 4 de mi portafolio como
empezó a estudiar arte en 1976 bajo la tutela de grandes maestros. Después cursó
la maestría en bellas artes.
Ha presentado su trabajo en bronce accidentado en más de 100 exposiciones
principales en México y en el extranjero y ya es bastante conocida.
"Su trayectoria es una profunda manifestación de la comunicación humana a través
del lenguaje universal del arte."
"Mi lenguaje personal no es de palabras. En cambio, mi habilidad estriba en la
expresión de mis pensamientos a traves del bronce y el mármol; dando forma
poco a poco con mis manos a cada frase hasta que la historia completa haya sido
contada. Las formas resultantes que cobijan mis más profundos sentimientos y
experiencias son como formas utilizadas una y otra vez, suspendidas en el tiempo.
Vestigios que resumban sin cesar. Emociones que vienen a parar dentro de los
corazones y mentes de aquellos que perciben lo que "mis palabras" tratan de
decir".

MELVA MEDINA
Melva Medina Ortiz nació en Morelia, Michoacan, México, en 1964.
Obtuvo una maestría licenciatura en artes visuales con una especialidad en el
grabado en 1999. Todavía está tomando cursos ella misma, así como enseñar a
otros. Es profesora de escultura, pintura y dibujo. También es director de Casa
Nahualli, un espacio donde expone su obra gráfica y esculturas.
Su trabajo ha sido expuesto en más de 40 exposiciones en México y el extranjero.
"El ejercicio de mi obra creativa, tiene un camino definido sobre la expresión
figurativa, tomando elementos de formas humanas, animales y vegetales, trato de
hacer un lenguaje propio y simbólico, abreviando las formas, fundiendo unas con
otras, dejando emerger nuevas estructuras que hablen de lo esencial de la vida, de
la magia y la espiritualidad que guarda todo elemento en nuestro mundo.
Intento proyectar un lenguaje onírico que proyecte reflexiones hacia lo natural, lo
ecológico, lo primario y lo energético que se mueve en todo a nuestro alrededor y
en nuestro interior, dando como resultado la lectura de una poesía visual, legible
para un público abierto, no necesariamente especializado."
semilla

energía
pensamiento tierra viva

MARGARITA CHECA
Margarita Checa nacío en Lima, Peru, en 1950.
Se formó en la universidad católica, bajo la dirección de Ana Maccagno - maestra
e inspiración a los escultores más destacados del Perú. Su trabajo se enriqueció
aún más por las enseñanzas de otra notable escultora peruana - ya fallecida -
Christina Gálvez.
Comenzó con la creación de figuras humanas en un mundo de fantasía, pero
maduró en un mundo de reflexiones internas. Sus figuras humanas exploran la
angustia de la vida, el tormento interior universal a todas las culturas y toda gente.
Inicialmente trabajó con el bronce, pero gradualmente la madera de olivo se
convirtió en su material de elección.
Después de pasar algún tiempo en Costa Rica enriqueció sus esculturas de
madera con incrustaciones, maderas exóticas y bronces.
Margarita Checa es considerada por muchos como la escultora más célebre de
Perú, si no de América del Sur.
Hace más de 30 años Margarita Checa ha expuesto sus esculturas en todo el
mundo.
the skin of the sky the beginning of movement

the sound of life
a glance inside dance with emptiness logos

RODRIGO DE LA SIERRA
"La vida es demasiado seria para tomarnos tan en serio."
Rodrigo de la Sierra nació en Mexico City en 1971.
Inicialmente trabajó como arquitecto - especializado en el diseño de espacios e
ingeniería hidráulica - pero entonces primero tomó un curso de creatividad y
después comenzó a estudiar escultura en serio. Tomó cursos de modelado, talla en
madera, moldes y vaciado y escultura figurativa. Posteriormente tomó clases
particulares con los maestros Luis Rey Luna y Gustavo Salmones.
Desde 2008 ha expuesto sus obras en todo el mundo y ha obtenido gran éxito y
reconocimiento internacional.
Pero no por sus figuras humanas - aunque ellas son hermosas - ...
el vigía (2009) acróbata (2009)

Pero por Timo(teo), hecho en pátinas de bronce pálido. De la Sierra se refiere a
Timo como "el pequeño hombre de la vida cotidiana", así como su alter ego.
Utiliza las aventuras de Timo como metáforas para las cosas difíciles en el mundo.
"Este artista ha conquistado la tarea difícil y casi imposible de tocar
conceptualmente en temas serios pero presentándonos algunos exquisitamente
ejecutada arte alegre - una dicotomía difícil que Timo conquista con su levedad del
ser."
ciudadano (2008) let me in, let me out (2009) falling in love (2014)

NADIN OSPINA
Nadin Ospina nació en Bogotá en 1960.
Es un pintor y escultor conocido por su arte que fusiona formas precolombinas con
figuras de la cultura pop, como Mickey Mouse y los Simpson.
Estudió en la Universidad Jorge Tadeo Lozano. En 1992 ganó el XXXIV Salón
Nacional de Artistas con su obra In partibus infidelium.
Ha tenido exposiciones por todo el mundo, incluso Holanda.
"Lo más importante de su obra es que revela una firme voluntad de romper con
todo convencionalismo y una actitud abierta independiente y libre, así como una
tendencia a probar y actuar intuitivamente. Su trabajo también pone de presente
cierta conexión entre el arte de hoy y los símbolos de la prehistoria mítica, y de allí
ese efecto entre mágico y simbólico que la caracteriza."
el etnografo (2013) el soplo de oro (2013)

el paseante (2000)
Aunque el mundo del arte estará continuamente en movimiento para siempre,
estas figuras neo-precolombianas de Nadin Ospina de alguna manera útiles me
llevó al comienzo de este portafolio.
El círculo se ha cerrado. Esto es - sólo por el momento - un buen momento para
detener ...

IMPORTANTE MENSAJE FINAL
Nadin Ospina: jefes (2005)
Dedico este portafolio a María del Carmen Falcón Tolme y su equipo entero por
ofrecer un MOOC tan maravilloso en 'ARTE LATINOAMERICANO CON ÉNFASIS
COLOMBIA', mi país favorito :-)
Antes de tomar este curso nunca pensé que podría ser posible 'hacer algo' con la
cultura de los Olmecas, Toltecas, Aztecas, Mayas e Incas dentro de una semana -
ni siquiera dentro de un año - pero este curso me demostró que estaba
equivocado.
Por supuesto me doy cuenta que esto sólo ha sido una introducción, pero de aquí
en adelante será mucho más fácil de explorar este territorio, porque ahora tengo
una mejor idea de la historia del arte latinoamericano.
Estoy feliz por eso.
A pesar de todos los errores en mi español, también estoy muy contenta con mi
portafolio, aunque definitivamente voy a trabajar un poco más en los módulos 1 y
3.
Este curso ha enriquecido mi vida y además de eso, fue muy divertido!
Me encantó poder expresar mi admiración por Enrique Grau, Fernando Botero y
Edgardo Carmona.
Gracias desde el fondo de mi corazón, Marijke,
Amsterdam, el 13 de julio de 2014

REFERENCIAS
fuentes de imágenes
En muchas imágenes encontrarás un número en la esquina inferior derecha.
Usando esta lista de de números puedes comprobar de qué sitio he tomado la
imágen. Si no hay un número, por favor, vuelva a la última imagen antes que tiene
un número. La imágen sin numeración es del mismo sitio.
imágen/es recuperado de
01 http://www.metmuseum.org = the Metropolitan Museum of Art
02 http://www.latinamericanstudies.org
03 http://www.crystalinks.com/olmec.html
04 http://www.guggenheim.org = Guggenheim Museum, New York
05 http://www.mexicolore.co.uk/aztecs = MexiColore
06 http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/ = Arte Historia: la pagina del Arte y la
Cultura en español
07 http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art = the Metropolitan Museum of
Art: Heilbrunn Timeline of Art History
08 http://www.aztec-history.com/aztec-society-family.html
09 http://www.barakatgallery.com
10 http://www.antiquetrader.com/antiques/antiquesamericana/museums/the_
aztec_world_at_field_museum
11 http://www.brooklynmuseum.org/opencollection/objects = Brooklyn Museum
12 http://tfeanda.wordpress.com = Tim Forrest, Art & Antiques
13 co.kalipedia.com
14 http://www.colarte.com = ColArte
15 WIKIPEDIA
16 http://www.banrepcultural.org = Museo del Oro Banco Republica
17 http://www.mfa.org/collections/object = Museum of Fine Arts Boston
18 carlos.emory.edu
19 http://www.google.com/culturalinstitute
20 http://capachucha.blogspot.nl/2010_10_01_archive.html
21 http://ancientweb.org/index.php/explore/country/Peru
22 http://www.studyblue.com/notes/note/n/art-history-final/deck/6863348
23 http://nga.gov.au/exhibition/Incas
24 http://theslideprojector.com/art9/art9lecturepresentations/art9lecture16.html
25 http://www.amnh.org/exhibitions/past-exhibitions/gold/golden-ages/sweat-of-
the-sun
26 http://www.allposters.nl/-sp/A-Tiny-Incan-Fertility-Figure-Unearthed-at-Cerro-
Llullaillaco-Poster_i3995767_.htm
27 http://www.davidrumsey.com/amica/amico1260164-34580.html
28 http://daphne.meccahosting.com/~a00048a1/p.html
30 https://artecolonial.wordpress.com
31 http://yocucurucho.com
32 http://andes.info.ec/fotos/EL-ESPLENDOR-DEL-BARROCO-QUITENO

33 http://esferapublica.org
34 http://elotroecuador.8m.com
35 http://www.enciclopediadelecuador.com
36 http://cool.conservation-us.org/icom/recursos/banco-de-datos-de-las-listas-
rojas/categoria/madera-colonial-y-republicano
37 http://www.enciclopediadelecuador.com
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39 http://www.colombia-sa.com/departamentos/quindio/personas1quindio-es.html
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roberto_henao_buritica__a_dos_anos_del_cincuentenario_de_su_
fallecimiento-seccion-general-nota-27594.htm
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51 http://dispatchfromelpaso.blogspot.nl/2011/01/cartagena.html
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propal-tradicion-en-rescate-del-arte-colombiano
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mano-de-pedro-claver.html
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56 http://www.yorokobu.es/un-da-vinci-en-cartagena-de-indias
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59 http://www.cartagenacaribe.com/avisos/exposicion-edgardocarmona.htm
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of_three_choral_movements_from_Golijovs_La_Pasion_segun_San_Marcos
68 http://www.todocoleccion.net
69 www.azureazure.com
70 http://www.elespectador.com/fernando-botero/esculturas-humanas-y-
animales-de-botero-se-exponen-nuev-galeria-383930
71 http://www.entretenimiento.terra.com.mx
72 http://www.museumsyndicate.com
73 http://www.marlboroughgallery.com
74 http://contemporaneoart.jimdo.com/galeria &
http://espitiagaleria.jimdo.com/artists/sandra-monsalve
75 http://colombianeivahuila.blogspot.nl
76 http://www.artelista.com
77 http://tissotpascal.com/
78 http://www.rodrigodelasierra.com

79 www.miriamperez.com.mx
80 http://www.artesmexico.org/galerias/olivia_guzman.asp
81 http://www.artesmexico.org/galerias/melva_medina.asp
82 http://lowegallery.com/artists/index-archive.php?artist=margarita-checa
83 http://www.nhgaleria.com/nadin-ospina-artist
84 http://www.nadinospina.com/nadin-ospina_herzog.html
85 http://joaquinrestrepo.com/
* marijke lauppe
otros recursos (aparte de todo el material del curso)
Para informarme visité los sitios ya mencionados y además visité lo siguiente
sitios/ve lo siguiente clips/lee los textos siguientes:
- http://www.youtube.com/watch?v=7A4IKTt1EXY
SECRETS OF THE ANCIENT OLMECS (bbc-documentary)
- https://www.kimbellart.org = Kimbell Art Museum
- THE AZTEC EMPIRE: a guide to the exhibition (Guggenheim Museum, New
York)
- http://www.authenticmaya.com/maya_art.htm
- http://www.google.com/culturalinstitute
- http://www.howardnowes.com/gallery = Howard Nowes, Ancient Art
- www.iadb.org/cultural = Real Colombia through the Vision of its Artists, Inter-
American Development Bank, cultural center
- http://www.footprinttravelguides.com/latin-america/colombia/culture/fine-art-and-
sculpture
- http://www.youtube.com/watch?v=vUDiXs927-U (National Geographic
documentary: Mummified child sacrifice)
- http://www.youtube.com/watch?v=-js1O-YrjJU#t=75 (BBC-documentary: Inca
mummies: Child sacrifice victims fed drugs and alcohol)
- http://www.jstor.org/discover/10.2307/4128305?
uid=3738736&uid=2&uid=4&sid=21104381559023
Constanza Ceruti: Human Bodies as Objects of Dedication at Inca Mountain
Shrines (North-Western Argentina)
- http://www.scholastic.com/browse/article.jsp?id=3753884
- http://prezi.com/zs0qzotgpoxe/latin-american-art-and-achitecture/
- http://kids.britannica.com/hispanic_heritage/article-253339
- http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/grau_enrique.htm
- http://www.iadb.org/EXR/cultural/catalogues/Colombia/engrau.htm
- http://www.fundacionenriquegrau.com/en/grau-foundation/friends-of-casa-grau =
CASA GRAU
- http://www.latinamericanart.com/es/artistas/edgardo-carmona/biografia.html
- PASCAL TISSOT: http://www.youtube.com/watch?v=EhhfSG_tlCs
- http://www.romegallerytours.com/article.311/rodrigo-de-la-sierra-il-ponte-
contemporanea.html#sthash.ox4lOU9t.dpuf

- https://twitter.com/rodtimo = Rodrigo de la Sierra
- http://virtualvallarta.com/puertovallarta/puertovallarta/peopleprofiles/visual-
artists/miriam-perez.shtml
- http://miriamperez.artelista.com
- http://www.galeriaomaralonso.com/olivia_guzman_cv.html
- http://www.addisongallery.com
- http://www.auragalerias.com
- http://www.youtube.com/watch?v=RuZ8s_P1_SU = Melva Medina
- http://preguntas-de-arte.blogspot.nl/2014/02/que-tipo-de-esculturas-son-las-que-
se.html
- http://www.youtube.com/watch?v=JQBEpiZXBmo
- http://www.youtube.com/watch?v=p25wiNYNou0
- http://www.youtube.com/user/JoaquinRestrepo

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