Pintores del Renacimiento y Barroco: Características y obras principales

Realizado por : Noelia González Rodríguez

Gerard David ( 1460 – 1523 )
Las características principales de la obra de Gerard
David, son la serenidad y dulzura en los rostros.

Los Desposorios Místicos De
Santa Catalina ( 1505 – 1510 )
Reposo en la Huída a Egipto ( 1510 )

Andrea Mantegna (1431-1506)

Maestro de la perspectiva y el escorzo,
contribuyó de manera destacada al
desarrollo de las técnicas compositivas
de la pintura renacentista.

Demostró siempre un apasionado
interés por la antigüedad clásica. La
influencia tanto de la antigua
escultura romana como de las obras
de su contemporáneo Donatello son
evidentes en el tratamiento que
Mantegna confiere a sus figuras
humanas.

Éstas se distinguen por su solidez, Cristo Yacente (1500)
rotundidad, volumen, expresividad y
precisión anatómica.

Leonardo Di Ser Piero Da Vinci (1452-1519)
Su producción estuvo marcada por el interés hacia
el claroscuro y el sfumato, la técnica con la que
difumina los contornos, consiguiendo una
excelente sensación atmosférica como se aprecia
en su obra más famosa, la Gioconda. Su faceta
como dibujante también es
destacable, conservándose una gran cantidad de
apuntes.

La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se
conoce, es una característica inconfundible de su
obra, en especial de los paisajes.

Mona Lisa (La Gioconda) (1506)
La Última Cena (1497)

Hans Holbein El Joven (1497-1543)

La soltura de su dibujo y la
riqueza cromática son dos de las
características de sus obras, así
como las de los maestros del
norte de Italia de aquella época.
En sus obras religiosas, Holbein
unió esta riqueza de detalles y
colores con la dignidad y la
severidad en la caracterización
propias de temas religiosos.

Erasmo de Rotterdam (1523)

Albrecht Dürer (Durero) (1471-1528)

Pintor famoso del alto renacimiento, artista
gráfico de maestría sin igual que imprime un
estilo híper realista cuando reproduce la luz
y la sombra, logrando una definición
fotográfica en el dibujo y la pintura. La
técnica que emplea en sus obras fue
revolucionaria para sus contemporáneos lo
que contribuyó a cambiar el curso evolutivo
de la pintura en Europa en forma
significativa. Alcanzó la fama en Europa por
la precisión y los detalles que reproduce en
grabados y tallados. Esta técnica
perfeccionista la aplica igualmente en sus
Autorretrato (1498)
retratos y cuadros religiosos realizados al
óleo sobre panel de madera. También fue
uno de los primeros artistas europeos que
utilizó la acuarela.

Giuseppe Arcimboldo ( 1527 – 1593 )

Arcimboldo es el más original de todos
los pintores del Renacimiento, un
genio que con sus extraños retratos
formados por elementos tales como
frutas, animales u objetos, parece
anticipar extrañamente vanguardias
del siglo XX tales como el surrealismo.

La Primavera ( 1573 )

Brueghel el Viejo ( Pieter Brueghel ) (1530-1569)
Pieter Brueghel ( denominado el viejo por ser el primer pintor de una
larga familia de artistas) fué un típico pintor flamenco, que conservó las
tradiciones de la primera pintura renacentista, pero al mismo tiempo
tomó la inspiración satírica, crítica y moral de El Bosco.

Boda Aldeana ( 1568 )
País Nevado ( 1565 )

Luis De Morales (1500-1586)

Seguidor del rafaelismo, pero con
rasgos ya manieristas (el canon
alargado de las figuras, idealización
de los personajes, sus actitudes, sus
gestos, etc.), y posteriormente
también rasgos leonardescos
(esfumado, tratamiento de los
velos, etc.) y de la escuela flamenca
(cuidada meticulosidad de su
técnica, el tratamiento del tema de
la Piedad). Sus obras más
importantes son de carácter
religioso.

Sus vírgenes tienen características
muy peculiares, como son la
Virgen con el Niño (1568) recogida severidad, unida a una
carga de equívoca sensualidad.

El Bronzino (1503-1572)

Fue uno de los artistas sobresalientes
de la pintura estilo manierista
Toscano, de formas
elongadas, ángulos de visión
diferentes y poses elegantes.
Conocido también como Agnolo
Bronzino, maestro en el arte de la
coloración, alcanzó un gran nivel en la
composición de sus cuadros realistas.
Su especialidad fueron los retratos y
las escenas religiosas.

Su estilo, es
distante, refinado, aristocrático y
técnicamente brillante en la ejecución
La Sagrada Familia Panciatichi (1535) de detalles y colores.

Michelangelo Merisi, El Caravaggio (1573-1610)

Naturalista de estilo
Barroco, introdujo en sus obras la
pintura claroscuro, que establece
mayor dramatismo en la escenas.
Agregó nueva vida al antiguo
manierismo romano, y para ello
acentuó la simplicidad y el
realismo, cosas que observamos en
sus obras religiosas.

Su utilización de modelos populares
para pintar sus primeras obras
profanas y posteriores composiciones
Los Músicos (1596)
religiosas atrajo la atención de la
Contrarreforma por su realismo
directo y por su carácter devocional.

Diego Rodríguez De Silva Velázquez (1599-1660)

Velázquez realiza durante toda su
vida una enérgica actividad en el
dibujo, que estudia de forma
constante, con el fin de reproducir
las diferentes expresividades de
las figuras de sus cuadros. Sobre
el dibujo preliminar, con el que
capta la esencia de la
realidad, plasmará la luz con gran
dominio de la técnica del
claroscuro.

Las Meninas (1656)

Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)
La pintura de Murillo destaca por el logro de una luminosidad íntimamente cómplice
con la escena que muestra.

Sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en
sevillanas conocidas del artista.

Inmaculada Concepción (1678)
Dos Mujeres en la Ventana (1670)

Johannes Vermeer (1632-1675)
Vermeer es descollante en la ejecución de su
pintura y estricto observante de la
perspectiva, genio en la representación geométrica
del espacio en torno a sus personajes. La coloración
que aplica es pristina, sus escenas de interior gozan
de un realismo difícil de hallar en pares de su
época.

Pintor holandés que destacó por sus retratos de
escenas de interior llenas de serenidad, compuestas
con una claridad matemática e imbuidas de una luz
fría y plateada.

Con algunas excepciones, que incluyen
paisajes, escenas de calle y algunos retratos, la
producción de Vermeer consistió en interiores
domésticos llenos de luz en los que una o dos
Vista de Delft (1661)
figuras están leyendo, escribiendo, tocando un
instrumento musical, o realizando alguna tarea
doméstica. Estas obras de observación y ejecución
precisa de la vida holandesa del siglo XVII se
caracterizan por un sentido geométrico del orden.
Vermeer fue una maestro de la composición y la
representación en el espacio.

Giovanni Antonio Canal Canaletto (El Canaletto) (1697-1768)

Pintor estilo Barroco, que deja poco a poco atrás
la técnica del claro oscuro, que carece de
luminosidad, para desbordar con el realismo
transparente propio de su forma de pintar. El
Canaletto no utiliza la perspectiva para alejar los
elementos componentes de la escena, si no para
acercarlos. Sobresale entre otros artistas de la
época, por ser más fiel a la topografía de aquellos
lugares que captura en sus cuadros. Inicia la moda
de retratar paisajes y vistas urbanas, cosa que
consigue de forma magnífica. Las escenas de
ciudad que pintó fueron principalmente de
lugares populares en Venecia. Esta idea surge para
El Palacio Ducal (1739) satisfacer el deseo de los visitantes extranjeros
por adquirir un recuerdo de su paso por la ciudad.
Otra especialidad del Canaletto fue el grabado en
aguafuerte, técnica muy antigua, que ejecutó con
gran maestría.

Bernardo Bellotto (1721-1780)

En su estilo destaca el respeto a la
geometría y la aplicación de su sensibilidad
para imaginar y pintar escenas de
ciudad, con reproducciones del cielo que
sólo él logró plasmar con tanta finura.

Sobrino del famoso pintor veneciano
Canaletto, continuó la tradición de su tío
con vistas cristalinas de paisajes urbanos y
escenas callejeras, como Vista del Tíber con
el castillo de Sant Angelo.

A pesar de que su obra es en ocasiones
San’t Angelo desde el Tiber (1740)
bastante similar a la de Canaletto, la
utilización de masas de nubes, los tonos
más oscuros y la vegetación exuberante son
rasgos distintivos de Bellotto. Su pintura es
apreciada por la exacta precisión en los
detalles y se ha utilizado para la
reconstrucción de edificios históricos.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

La técnica de Fragonard es impecable y va
más allá del colorido rococó que utiliza
con maestría. Su realismo es mágico.

Al principio Fragonard desarrolló un estilo
acorde con la temática religiosa e
histórica. Sin embargo, después de 1765
siguió el estilo rococó, que entonces
estaba de moda en Francia. Las obras de
esta última época, que son las más
conocidas, reflejan la alegría, frivolidad y
voluptuosidad del periodo. Se
caracterizan por la fluidez de líneas, las
vaporosas flores en medio de un suave
follaje y las figuras con poses llenas de
gracia y elegancia, normalmente de
El Columpio (1767)
damas con sus amantes o de campesinas
con sus hijos.

Joseph M. William Turner (1775-1851)
Su comienzo en la pintura fue con el óleo, empezó a recibir encargos todos ellos de
paisajes. Hubo una época donde el artista empleó pinturas oscuras y dramáticas, pero
hacía el año 1800 empezó a cambiar siendo el color su mayor medio de expresión.
Turner evoluciona su técnica pictográfica debido a que da mayor luminosidad a los
colores claros lo que le dota a sus cuadros de una nueva visión.

Joseph Turner representó el símbolo del romanticismo encarnado en sus paisajes que le
encumbraron a la gloria.

Obra que le catapultó a la
fama y que hoy en día
sigue siendo apreciada por
los amantes del arte. Era
una representación del
análisis que el pintor
realizó durante arios años
de la atmósfera, el color y
la luz.
Lluvia, vapor y velocidad (1844)

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)

Rossetti es un romántico
empedernido, amante del arte
sofisticado. Al observar sus obras. Ya
maduro pinta en forma
compleja, aplica diversas capas y
esfumado, utiliza puntillismo de
'pincelada casi seca', claramente
resalta su deseo de alcanzar la
perfección.

Rossetti sentía atracción por los temas
dramáticos y sobrenaturales. Más
El Sueño de Dante (1871)
tarde su arte pasó por diferentes
etapas, en las que los elementos
predominantes eran la noción de la
belleza humana, la intensidad de la
expresión abstracta y la riqueza
cromática.

Gustave Courbet (1819-1877)

Característico de la tradición
romántica y no sigue las reglas de
composición de la pintura
académica.

Su estilo, se caracterizaba por una
técnica magistral, una paleta
limitada aunque
vigorosa, composiciones
sencillas, figuras de modelado sólido
y severo (como puede apreciarse en
los desnudos) y gruesos trazos de
El Estudio del Artista (1855) pintura muy empastada que a
menudo aplicaba con espátula, lo
cual se manifiesta sobre todo en los
paisajes y las marinas.

Jean-Frédéric Bazille (1841-1870)

Bazille, influenciado por el creador vanguardista
Pissarro, practica el mismo estilo de su amigo pero
nunca alcanza la maestría y prestigio de él. A
diferencia del realismo clásico que incorpora hasta
el mínimo detalle, artistas como Bazille,
pertenecientes a una época en que los europeos
aumentaron su ritmo de vida y donde el tiempo
era más escaso, se inclinan por esta forma de
pintura, que siendo igualmente de corte realista,
emplea el pincel para reflejar el matiz de las
sombras que delinia los volúmenes, excluyendo la
rigidez esquemática de estilos anteriores.

La obra de Bazille se destaca por la claridad y los
diversos matices con que hace vibrar sus escenas.
Sus desnudos masculinos en “La escena de verano”
expresan inactividad de intento. Esta obra se
Escena de Verano (1869) asemeja más a una fotografía que a una pintura. Es
un impresionismo estático, conforma la escena en
un marco de naturaleza abierta con colores
fulgurantes, pero los jóvenes están reprimidos,
como disecados en el tiempo.

Jose Luis Fuentetaja (1951)
Es el artista que oculta una verdad Fuentetaja, dejando para más
que sólo se revela a los privilegiados. adelante la pintura al
Nos describe los cuerpos femeninos óleo, hogaño se dedica a
con una exquisitez y verismo rayanos cultivar la técnica del pastel.
en la perfección. Fuentetaja dibuja y Y he aquí, en estas series de
pinta como quiere y las mujeres de figuras femeninas, el
sus obras viven, piensan y sienten resultado de un año de labor
como si palpitasen entre nosotros. fructífera en todos los
sentidos. Porque, en esta
Fuentetaja rinde un verdadero culto a especialidad que encumbró a
la mujer. A la mujer en todos sus Chardin, su arte alcanza las
estados anímicos o temporales. Y las más sutiles vibraciones, las
sorprende en su adolescencia, en su calidades más intensas y
juventud, en la plenitud de su edad y luminosas.
belleza. Porque la mujer es un Estudio de Espalda (1982) Pasa, insensiblemente, de las
misterio perenne que Fuentetaja gamas cálidas a una sinfonía
intenta desvelar poniendo en el de colores
empeño toda su voluntad y sabiduría. azules, grises, rosas, naranjas,
Y pinta a la muchacha en la flor de su blancos, violetados que nos
existencia, y a la mujer rebosando sumerge en un verdadero
todo el magnetismo de su feminidad. éxtasis espiritual con el
Mediterráneo al fondo.

Camille Pisarro (1830-1903)

Pissarro desarrolla una técnica de
pincelada libre, infantil para los
expertos, que retrata escenas
registradas en la memoria del artista
y de esta manera, incorpora en la
obra la singularidad del autor.

Pintor del sol y de destellantes
juegos de luz, Pissarro produjo buen
número de tranquilas escenas
rurales de ríos y paisajes, también
pintó escenas callejeras en París.
Lluvia en la calle Saint-Honoré (1897)

Edgar Degas (1834-1917)
Pintor y escultor francés cuyas composiciones
innovadoras, sus magistrales dibujos y su perspicaz
análisis del movimiento le convirtieron en uno de los
maestros del arte moderno de finales del siglo XIX.

Aunque Degas es considerado un artista
impresionista, sus trabajos muestran la singularidad
necesaria que lo separan de ese estilo. Sin duda
emplea el pincel de una forma no igualada por otros.

A Degas le gustaban los temas del teatro, por lo que
la mayor parte de su obra representa
Ensayo de ballet (1874)
teatros, cafés, teatros de variedades o gabinetes y
Sus pasteles suelen ser composiciones carreras de caballos. Degas fue un gran observador
simples con muy pocas figuras. Se vio del ser humano —sobre todo de las mujeres, en las
forzado a recurrir a los colores brillantes y que se centra gran parte de su obra— y tanto en sus
a los gestos de gran retratos como en sus estudios de
expresividad, prescindiendo de la línea bailarinas, sombrereras y lavanderas, cultivó una
precisa y el cuidado detalle pero, a pesar objetividad absoluta, intentando atrapar las posturas
de esas limitaciones, sus últimas obras son más naturales y espontáneas de sus modelos como
de una elocuencia, expresividad y las que podían registrarse en las fotografías.
grandiosidad no alcanzadas por ninguna
de sus obras anteriores.

Alfred Sisley (1839-1899)

Pintor de estilo
impresionista, especialista en paisajes y
escenas al aire libre, realizados al óleo
sobre tela. Sisley, a diferencia de otros
impresionistas, desarrolla una pintura
no basada en acontecimientos de la
época ni influenciado por asuntos
políticos. Sus paisajes son atemporales
y gozan de una perspectiva
espaciosa, que embelesan e inspiran un
sentimiento de calma.

Sus pinturas, suaves e idílicas escenas
de las cercanías de París, revelan la
influencia siempre presente de Camille La inundación de Port-Marly (1876)
Corot, sobre todo en sus suaves y
armoniosos colores.

Claude Oscar Monet (1840-1926)

La fusión de esta temprana vocación artística con el gusto por la
libertad y la naturaleza tienen mucho que ver con Eugène Boudin. Se
inicia en la pintura trabajando el paisaje al aire libre.

No cesará su investigación de la luz, de la atmósfera, del color
siempre mutable y fugaz que tanto le cautivarán durante toda su
existencia, convirtiéndose el mismo en un gran ojo.

La definición de éste no llegará
hasta 1874, año en el que se
expondrá quot;Impresión, salida del
solquot;, cuadro que será
ampliamente ridiculizado y
considerado por la crítica de la
época como chapucero e
inacabado.

Impresión-Sol naciente (1873)

A partir de este momento las impresiones monetianas se exaltarán y que sus paisajes dejarán de
parecerse a los de los grandes maestros haciendo que una luz cegadora se apodere de sus cuadros.
Sus colores abandonarán su habitual inmovilidad y vibrará, variarán, alejándose de la uniformidad
en función de la hora del día. Para conseguir ese efecto Monet pintará sus lienzos a gran velocidad
intentando plasmar a veces lo quot;implasmablequot;, lo fugaz de esa luz, de ese color que define a los
objetos.

Por otra parte, en sus lienzos, las sombras adquirirán una nueva personalidad. El omnipresente
negro de la sombra clásica se teñirá, por primera vez, de distintos colores. Y ésta no será la última
novedad, ya que también desmontará los cánones del paisajismo tradicional, en el que todo se
dibuja reproduciendo la imagen mental de cada objeto. Monet sólo pintará lo que si ojo ve, no lo
que ya conoce intelectualmente. Él no verá láminas uniformes, sino salpicaduras que cambian de
color. Su arte es, por lo tanto, puro empirismo, pura percepción, puro instante cristalizado.

Con la llegada de los 80 el grupo de los impresionistas parece haberse disuelto, poco a poco
empiezan a ser aceptados, dando lugar a una etapa tranquila que Monet la dedicó por completo al
estudio en profundidad de la luz. Empieza a disolver más sus formas, cosa que le acercará o más
bien le convertirá en uno de los precursores del arte abstracto.

En su última etapa le gustará retratar la naturaleza en sus cuadros, una naturaleza que será única y
que él pintará también de forma única y acuosa ya que el cielo desaparecerá de esta serie, y solo
veremos flores y un agua que nos invitará a sumergirnos en ella.

Pierre Auguste Renoir (1841-1920)

Renoir siempre destacó por se una persona
muy exigente consigo misma por lo que era
frecuente ver como el pintor destruía sus
propias obras debido a que no se sentía
orgulloso de las mismas. El artista francés
siempre se sintió atraído por la pintura de
los clásicos de la cual se nutrió pero
también adquirió otras influencias de
artistas más controvertidos como
Delacroix, de quien fue un gran admirador.

En los años venideros al 1880, Renoir
depura el contenido de sus obras
empeñándose más en desarrollar el dibujo
Moulin de la Galette (1876)
ante el color que pasa a un segundo
término, estando representado por colores
fríos y lúgubres.

Gustave Caillebotte (1848-1894)

Retrató las calles de
París, modificando la perspectiva y
doblando edificios en forma
magistral. Caillebotte dió muestras
que el impresionismo era algo
natural en él. En algunas de sus
obras se establece la influencia
que tuvo de Manet, sin embargo lo
superó en elegancia.

Remeros en el Yerres (1877)

John Singer Sargent (1856-1925)

En París, en el estudio de Emile Auguste Carolus-Duran
cayó bajo el mágico influjo del arte y de la técnica de
Velázquez y los impresionistas. Esta etapa marcaría su
arte para siempre, Carolus-Duran y su estudio le
proporcionaron algunas de sus características más
notorias: un exquisito gusto por lo real, su atracción por
los juegos de luz y ese virtuosismo técnico que
caracterizaría toda su obra.

Madame Gautreau (1888)
Pintor sobresaliente de retratos, paisajes y
murales decorativos de gran tamaño. Los
retratos al óleo de Sargent son magníficos. Ya
maduro también dominó la acuarela y pintó
paisajes utilizando una variación del estilo
impresionista con características muy
Jardines de Luxemburgo (1879)
singulares.

Joaquín Sorolla (1863-1923)

Pintor español vinculado al impresionismo, del
que hace una interpretación personal basada en
el protagonismo absoluto de la luz y de la
plasmación del movimiento de las figuras. Desde
su juventud se interesó también por la pintura al
aire libre (en plein air), con la que trataba de
captar la luminosidad mediterránea, tanto en la
huerta valenciana como en la playa, al igual que
hacían por entonces los impresionistas franceses.

Artista de ingente producción, cuya pintura
reflejó fielmente las circunstancias históricas y
las contradicciones de un fin de siglo en crisis.

Entre sus temas preferidos destaca, no
obstante, su dedicación al paisaje levantino, de
ambiente costero, siempre con presencia Paseo a orillas del mar (1910)
humana, que plasma con un protagonismo
absoluto de la luz, que hace vibrar los colores y
marca el movimiento de las figuras.

Vincent Van Gogh (1853-1890)

Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus
primeras composiciones ponen en evidencia
el intenso deseo de expresar la miseria y los
sufrimientos de la humanidad tal y como él
los vivió entre los mineros de Bélgica.

Influido por la obra de los impresionistas y
por la de los grabadores japoneses como
Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar
con las técnicas de la época.

Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó
escenas rurales, cipreses, campesinos y otras
características de la vida de la región. Durante
ese periodo en el que vivió en Arles, empezó
a utilizar las pinceladas ondulantes y los
amarillos, verdes y azules intensos La Habitación de Van Gogh (1888)
relacionados con obras tan conocidas como
Dormitorio en Arles. Para él todos los
fenómenos visibles, los pintara o los
dibujara, parecían estar dotados de una
vitalidad física y espiritual.

Paul Signac (1863-1935)

Fue de los primeros pintores
neoimpresionistas, divisionis
tas o puntillistas. quot;El
puntillismo“ consistía en
pintar con pequeñas
pinceladas de colores
puros, que unos junto a
otros se potenciaban y
ofrecían una luz y un efecto
realmente espectacular.

Andelys (1886)

Henri Marie Raymond Toulouse-lautrec (1864-1901)

La fascinación que sentía por los locales de
diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos
con asiduidad y hacerse cliente predilecto de
algunos de ellos como el quot;Salón de la rue des
moulinsquot;, quot;Moulin de la Galettequot;, quot;Moulin
rougequot;, quot;Le chat noirquot;,… Todo lo relacionado
con este mundo, incluida la
prostitución, constituyó uno de los temas
principales en su obra.

La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por
su estilo fotográfico, al que corresponden la
espontaneidad y la capacidad de captar el
movimiento en sus escenas y sus personajes. A
esto hay que añadir la originalidad de sus
encuadres influencia del arte japonés, que se
manifiesta en las líneas compositivas
diagonales y el corte repentino de las figuras
La toilette (1889) por los bordes.

Harald Oscar Sohlberg (1869-1935)

Sohlberg introduce en sus obras ideas
tomadas de la corriente romántica y
del simbolismo. Trabaja toda su vida
creando el estilo que permite
diferenciar la pintura europea nórdica
de la del resto. En sus trabajos se
pueden reconocer las influencias del
impresionismo francés. La
originalidad que muestra reside en la
coloración, a veces hasta
fauvinista, como también el estilo
para representar claroscuros. Sus
paisajes, como él mismo
sostenía, eran sólo reflejo de lo que
veía quot;a primera vistaquot;. Esta
subjetividad le permitió expresar en
Reflejos del Sol (1892)
su arte la singularidad que tanto
anhelaba.

Georges Seurat (1859-1891)

Rechazando el efecto borroso
de las pinturas
impresionistas, realizadas con
pinceladas irregulares, inventó
la técnica más científica del
puntillismo, en el que las
formas sólidas se construyen a
partir de la aplicación de
muchos pequeños puntos de
colores puros sobre un fondo
Un Domingo en la Isla de Jatte (1886) blanco.

Edvard Munch (1863-1944)
Pintor noruego cuyos cuadros y obra
gráfica, tristes y angustiosas
representaciones basadas en sus
obsesiones y frustraciones
personales, abrieron el camino al
desarrollo del expresionismo.

Tras una primera influencia de la pintura
impresionista y postimpresionista, derivó
hacia un estilo mucho más
personal, obsesivamente apegado a la
representación de imágenes relacionadas
con la enfermedad y la muerte.

Las numerosas xilografías, aguafuertes y
litografías que Munch realizó a lo largo de
su carrera tienen hoy día una significativa
consideración dentro del arte gráfico
El Grito (1893) contemporáneo, un trabajo y un estilo
que puede definirse como
poderoso, simple, directo y fuerte.

Emil Hansen Nolde (1867-1956)

Uno de los más destacados pintores
expresionistas alemanes, cuyo crispado
manejo del pincel, la utilización de
colores vivos y estridentes y las figuras
de rostros a modo de máscaras
pretendían provocar en el espectador
un shock visual y emocional. Estuvo
muy influido por Vincent van
Gogh, Edvard Munch y James Ensor.

El viaje que realizó a Nueva Guinea en
1913-1914 hizo que cristalizara en él un
gusto por el arte tribal, que incluía
tremendas distorsiones de las
La Juventud de Santa María
formas, modelos planos y violentos
egipciaca (1912)
contrastes de color. Cambió poco de
estilo a lo largo de su carrera y se dedicó
sobre todo a los paisajes y a las escenas
de interior con figuras humanas.

Andre Derain (1880-1954)

Pintor francés representante de varios
movimientos artísticos de vanguardia a comienzos
del siglo XX.

En 1905, junto con Maurice de Vlaminck y Henri
Matisse, formó parte de los fauvistas (del
francés, fieras salvajes), llamados así por los
colores atrevidos e irreales que utilizaban y que
resultaban bastante chocantes para los críticos de
aquella época.

Las típicas características del fauvismo, son los
colores puros (a menudo aplicados sobre el lienzo
directamente con el tubo), pinceladas
irregulares, composición delirante y
despreocupación por la perspectiva o la
Big-Ben (1905)
representación realista.

La influencia de Paul Cézanne le llevó a una
tendencia de colorido más sosegado y a un mayor
control en sus composiciones.

Salvador Dalí (1904-1989)

La producción de Dalí de este periodo
se basa en su método paranoico-
crítico, inspirado en buena parte en las
teorías de Freud, representación de
imágenes oníricas y objetos cotidianos
en formas compositivas insospechadas
y sorprendentes, como los relojes
blandos de La persistencia de la
memoria (1931, Museo de Arte
Moderno, MOMA, Nueva York).

La técnica pictórica de Dalí se
caracteriza por un dibujo
meticuloso, una minuciosidad casi
La Persistencia de la Memoria (1931)
fotográfica en el tratamiento de los
detalles, con un colorido muy brillante
y luminoso.

Wassily Kandinsky (1866-1944)

Pintor ruso cuya investigación sobre las
posibilidades de la abstracción le sitúan
entre los innovadores más importantes
del arte moderno. Desempeñó un papel
fundamental, como artista y como
teórico, en el desarrollo del arte
abstracto.

Hacia 1913 comenzó a trabajar en las
que serían consideradas como las
primeras obras totalmente abstractas
dentro del arte moderno, no hacían
Amarillo-Rojo-Azul (1925)
ninguna referencia a objetos del mundo
físico y se inspiraban en el mundo de la
música, del que tomaban los títulos.
Durante ese periodo realizó tanto obras
abstractas como
figurativas, caracterizadas todas ellas por
el brillante colorido y la complejidad del
diseño.

Andy Warhol (1928-1987)

La importancia de estas imágenes
reside en el hecho de que fueran
objetos o celebridades cotidianas y
que, al ser impresos, podían ser
repetidos mecánicamente hasta el
infinito.

Representante, tal vez el más
conocido junto a Roy
Lichtenstein, del pop art (arte
popular) en el que se utilizaban
imágenes populares y de
consumo, así el mismo arte se
Marilyn (1964) convierte también en objeto de
consumo.

• He decidido ordenar estos artistas por
época, donde vivieron y dejaron sus obras de
artes, destacando el movimiento artístico que
se daba a lo largo de los años, del siglo menor
hasta nuestros tiempos.

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