Tema 18.ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX
• La arquitectura de la segunda mitad del siglo XX reacciona contra el llamado
“estilo internacional”, otro nombre o variante del racionalismo o funcionalismo,
Este es un estilo arquitectónico desarrollado en la arquitectura moderna, el
mismo puede incluirse dentro del funcionalismo arquitectónico, que
implantaba una forma universal de proyectar, que no se atara a las
características de ninguna región especifica. Se caracterizó, en lo formal, por
su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas,
desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía
la construcción en voladizo, por entonces novedoso. También se avino a
una homogeneidad de materiales, presididos por el hormigón armado, con
el que se crearon amplios espacios interiores con similitudes en varios
edificios.

• FÁBRICA FAGUS, W. GROPIUS BAUHAUS, W. GROPIUS

• LOVELL HOUSE, R. NEUTRA PABELLÓN DE BARCELONA, M.V.D. ROHE

A partir de los años se inicia una recuperación del ornamento, es el llamado
neoformalismo. El estilo refleja el gusto por el clasicismo y es un esfuerzo de mediados
de siglo para actualizar los estilos del pasado con las nuevas tecnologías y elementos de
diseño. Este estilo se encuentra normalmente en edificios de alto perfil cultural,
institucional y cívico.
Son características principales del estilo:
• el uso de materiales tradicionalmente caros, como travertino, mármol, granito o
materiales sintéticos que imitan la calidad y el lujo de los anteriores;
• las líneas y formas geométricas dominan la composición de los alzados de los edificios;
• normalmente los edificios tienen alzados simétricos;
• las superficies de estos siempre son lisas;
• a menudo se definen en la parte superior por una terminación plana;
• la repetición del motivo de arco es común;
• las columnas son un soporte común a lo largo de todas los alzados

• TORRES GEMELAS, MINORU YAMASAKI.
• LINCOLN CENTER. VV.AA.

La progresiva recuperación de la ornamentación dio pie a la aparición del
movimiento “posmoderno”, también llamado neoecléctico.
Se conoce como arquitectura posmoderna a una tendencia arquitectónica que se
inicia en los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970,
continuando su influencia hasta nuestros días. El posmodernismo se dice que está
anunciado por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la
arquitectura, en respuesta al. Las formas y espacios funcionales y formalizados del
estilo moderno se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma
se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos familiares y
espacios. Quizás siendo lo más obvio, los arquitectos redescubrieron el valor
expresivo y simbólico de los elementos arquitectónicos y las formas que se habían
desarrollado través de siglos de construcción, que habían sido abandonados por el
estilo moderno. Originalidad, aspecto inusual, descontextualización de los
elementos dan lugar a edificios más que curiosos

• EDIFICIO ATT, P. JOHNSON EDIFICIO PORTLAND, M. GRAVES

En España, autores como Rafael Moneo o Ricardo Boffil realizarán obras de carácter
posmoderno.
Edificio Retama 1, Teatro Nacional de Cataluña, Museo Nacional de
Arte Romano

• El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que nació a finales
de la década de 1980. Se caracteriza por la fragmentación, el proceso de
diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de
las estructuras y, en apariencia, de la geometría no euclidiana (por ejemplo,
formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de
los principios elementales de la arquitectura, como la estructura y la
envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela
deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y un
caos controlado. Tiene su base en el movimiento teórico-literario también
llamado deconstrucción. El nombre deriva asimismo
del constructivismo ruso que existió durante la década de 1920, de donde
retoma alguna de su inspiración formal.

• Entre los autores más destacados de este movimiento podemos destacar a
Frank Gehry. De sus obras podemos destacar
Walt Disney Concert Hall Casa Danzante, con V. Milunic

• Museo de Arte Weisman Bodegas Marqués de Riscal

• Otra importante deconstructivista es Zaha Hadid, arquitecta anglo-iraquí. La llamada “reina de la
curva” con obras como:
Galaxy Soho,Pekín Pabellón-Puente, Zaragoza Centro Acuático, Londres

• También podemos añadir a Ren Koolhas con obras como
Sede Central Televisión China, Casa da Musica, Biblioteca Central, Seattle

• La llamada arquitectura “high-tech”, que muestra los componentes estructurales
del edificio, de esta manera se pretende reafirmar, reinterpretar el movimiento
moderno.
• La tendencia High-Tech, que irrumpe durante la década de los sesenta,
intenta superar el movimiento moderno en arquitectura, poniendo en
evidencia, y dejando a la vista los diversos elementos constructivos. Así la
estructura, las instalaciones, los cerramientos y demás sistemas
constructivos, pasan a ser los protagonistas, incluyendo la exposición de
componentes técnicos y funcionales de la construcción, una disposición
relativamente ordenada y un uso frecuente de componentes prefabricados. Las
paredes de vidrio y las estructuras de acero son muy populares en este estilo.
Estas características unidas, generaron una estética industrial. La técnica, en
algunos aspectos, implicó la base del fundamento estético de las construcciones.

Renzo Piano y Richard Rogers son los “iniciadores” de este estilo con el Centro
Pompidou

• Entre los seguidores de este estilo destacamos a Norman Foster
Sede del HSBC Ayuntamiento de Londres Estadio de Wembley

La escultura y la pintura minimalista están compuestas generalmente de formas
precisas, con bordes duros, geométricos, con planos rígidos de pigmento de color, por
lo general la utilización de tonalidades frescas o tal vez sólo un color. Suelen consistir
en composiciones geométricamente regulares no jerárquicas, a menudo dispuestas en
un formato de cuadrícula y elaboradas a partir de materiales industriales. Cualesquiera
que sean los detalles precisos, la idea de este tipo de arte no objetivo es purgar el
trabajo de todas las referencias o gestos externos, tales como la emotividad del
expresionismo abstracto.
El “abandono” del término escultura por “objeto”, “obra tridimensional”, “estructura” o
“propuesta” nos lleva a la consideración del “arte” como una creación de objetos
rigurosos, de aspecto frío, con el que el espectador deberá enfrentarse. La obra, de
acuerdo con los principios del minimalismo, huye de toda forma de ilusionismo o
narratividad.
Este gusto por el objeto conlleva la eliminación del pedestal y la base para la
instalación

Destacamos a autores como Donald Judd.
Sin Título, 1952 Ohne Tite Stack

El expresionismo abstracto fue ese movimiento pictórico dentro de la abstracción posterior a la
Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Tras estos terribles acontecimientos siguió un periodo de
lógica incertidumbre y de cuestionamiento de la moral humana.Esto da como resultado la
proliferación de obras de arte que incluían formas de creación desgarradas en las que quedaba a
un lado el goce estético tal y como se entendía hasta entonces. Un desencanto por lo colectivo dio
como resultado obras muy personales.
Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense y se dice por ello que incluso
fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría. Estados Unidos (Nueva York
en realidad) había sustituido a París como capital artística y los expresionistas abstractos cogieron el
testigo de la vanguardia. El país, líder ahora del mundo libre, necesitaba un arte propio que liderara el
arte occidental. Y qué mejor que un arte individual cuya principal característica es la libertad.
Los expresionistas abstractos estaban fascinados por la soledad y el
proceso. Individualistas, decidieron mostrar el carácter expresivo del arte investigando en búsquedas
personales, más que colectivas. El artista desalentado por su contexto político y social se refugia
ahora en su interior y abandona toda referencia externa. Se valora por tanto el gesto, una especie de
huella dactilar del artista, porque es algo único de cada uno.
Se potencia también la materialidad del cuadro y convierten el proceso artístico casi en un rito
religioso, siendo la pintura la prueba documental del mismo. La improvisación formaba parte de
este trance casi místico, en el que el artista entraba en contacto directo con sí mismo.
Este automatismo podría derivar del surrealismo, que aún estaba vivo en esos años.

• Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su
preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.
• Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay
excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como
ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un
aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como
el surrealismo.
• Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la
superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo
abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y
no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
• El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores
primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a
prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal.
• Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como
rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la
sociedad en la que surgieron estas obras.

Entre sus representantes más señalados está Jason Pollock. Empezó con obras figurativas,
pero al final de los años 30 empezó a interesarse por lapintura abstracta, que le permitió
desarrollar su arte a pesar de sus carencias artísticas, al menos para los legos en la materia.
Pero en 1947 algo cambió. La leyenda habla de accidentes (bote de pintura derramado en el
lienzo, salpicaduras….). Sea como sea Pollock«creó» el llamado dripping: en lugar de utilizar
caballete y pinceles como Dios manda, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él dejaba gotear la
pintura.
Los críticos americanos, deseosos de un arte puramente estadounidense empezaron a
apoyar este nuevo estilo. Pero no sólo los críticos… Es llamativo que en plena Guerra Fría la
CIA financió este movimiento, ejemplo máximo de libertad.
Grandes lienzos abstractos de vivo colorido, sin composición de ningún tipo, donde los trazos
se entrelazan hasta formar una maraña densa y compacta que se iba creando de
forma automática(esto lo relacionó con el surrealismo).
Pollock luchó toda su vida contra el alcoholismo, que le provocó no pocas desgracias. La
última de ellas, el accidente automovilístico que acabó con su vida a los 44 años, cuando ya era
una leyenda en vida y los jóvenes artistas americanos lo tenían como una figura casi mítica.

Entre sus obras:
Guardianes del Secreto,

• Ritmo de Otoño, nº30,

• Polos Azules

La otra gran figura es William de Kooning, quien mantendrá elementos figurativos en su pintura,
aunque en muchos casos con una mirada donde lo grotesco, lo lascivo, aparecen, en especial en su
serie Women.
Concebía el arte como "acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Christa von Lengerke),
como algo en lo que se trabaja con una intensa concentración dirigida exclusivamente al acto
creativo sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas, con
espesas capas de óleo. Esta action painting produce una pintura abstracta y vigorosa, de gran
densidad y muy intensa desde el punto de vista cromático
Las distintas pinturas de mujeres se mostraron en la galería neoyorquina de Sidney Janis en 1953 y
causaron sensación por su descarnada técnica y porque eran figurativas cuando la mayor parte de
sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones. Las composiciones son planas,
impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer. El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso
de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que
reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno.
Amplias sonrisas, dientes brillantes, pechos desmesurados más grandes que las cabezas, y
bamboleantes, grandes ojos vacíos, muslos opulentos, parecen representar las más oscuras
percepciones freudianas. Se trataría de "una representación simbólica de la mujer como madre
nutricia, depredadora y abusiva, una mujer de boca inmensa y mirada implacable, imagen
fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres" (Carrassat-Marcadé).

WOMAN II, WOMAN III, WOMAN IV.

ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO
El informalismo europeo es un movimiento artístico que aparece a finales de los años cuarenta en Europa.
Este movimiento artístico, desarrollado tras la Segunda Guerra Mundial ( 1939-1945), plantea una ruptura con el arte europeo anterior, y se
desarrolla paralelamente al expresionismo abstracto de EE.UU. Finalizada la contienda , se piensa que con la paz todo había acabado,
pero nada volverá a ser lo mismo, Paris a pesar de sus grandes esfuerzos no recupera la capitalidad mundial del arte. El mundo había
cambiado y, con él, el arte.
Las tradicionales vanguardias evolucionan , siguiendo la estela de Nueva York, hacia unas tendencias que se inscriben en el Informalismo,
mientras que las Vanguardias son un movimiento con una cierta identidad formal y programa conceptual coherente, en el Informalismo
encontramos una fuerte presencia de la personalidad del artista a través de las técnicas o materiales empleados, una exaltación del azar y
la improvisación, un rechazo de la construcción premeditada y una base ideológica fuertemente vinculada con el existencialismo.
Características
• Los artistas pertenecientes a este movimiento, realizan sus obras de manera espontánea y aleatoria, no premeditada, creando
pinturas carentes de composición preestablecida.
• Dan mucha importancia a las formas, las texturas, las manchas, tratando de expresar de esta manera su mundo interior.
• Rechazan los medios tradicionales del arte: la pintura al óleo no es bastante expresiva para sus necesidades y recurren a la
combinación y acumulación de gran cantidad de materiales, incluso materiales de deshecho, y realizan vertidos, goteos, cortes o
destrozos sobre lienzo.
• No siguen ninguna de pautas artísticas convencionales, tanto en el tratamiento plástico como en la composición de la obra.
• Estilo poco uniforme
• Informalismo es el rechazo a las normas, a la técnica
• Libertad del artista
• Encierra las tendencias de lo abstracto.
• Se explora la expresividad de la materia.
Podemos destacar a autores como A.Tapies, Lucio Fontana, J. Dubuffet

Dentro del informalismo podemos diferenciar:
• Pintura matérica,
– Gran preocupación por el aspecto físico y técnico.
– Creación de efectos matéricos y de forma muy expresivos, mediante estratificación de colores
mezclados con materias diversas como arena, serrín, yeso, vidrios rotos, etc…
– Inserción en la pintura de arpilleras, maderas, harapos, chatarra, etc. (Burri, Millares).
– Utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y
de las arpilleras (Burri, Millares, Fontana).
– Planteamiento cromático muy diverso:
– La obra se organiza con oposiciones de materia y no materia.
– Ausencia de perspectiva y de forma

• La otra gran corriente es el tachismo o manchismo. Entres sus características:
- Pintura abstracta no geométrica ni constructivista.
- Carácter gestual-informal marcadamente expresivo.
- En cierta medida evoca la realidad, pero atenuada por la expresión de la línea y el color (carácter
lírico).
- Utilización de signos abstractos o arabescos hallados libremente que recuerdan caligrafías o
pinturas orientales (Hartung).
- Empleo de manchas o borrones (taches) creados expontáneamente (Mathieu).
- Libertad de esquemas.
- En general, color limitado, casi acromático.
- Realización impulsiva, totalmente espontánea.
- Ausencia de planificación reflexiva previa.

Obras de Tapies
• Llibertat No door or Windows, Blanket with tracks

Abstracción geométrica se ha denominado a un capítulo del arte abstracto desarrollado a partir de los
años 1920, y se basa en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones
subjetivas sobre espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los
artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo puramente emocional. El
discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos
dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar
una realidad tridimensional.
Fue Wassily Kandinsky su principal precursor y el más influyente de los maestros en toda una
generación de artistas abstractos. Kasimir Malévich y Piet Mondrian también se encuentran entre sus
impulsores y en ambos se puede apreciar también la influencia de antiguas culturas que utilizaron la
geometría como expresión artística y decorativa. Es el caso de las cerámicas y mosaicos que se
conservan del arte islámico, obligado por el precepto religioso a evitar la representación de la figura
humana. También las culturas clásicas de la antigua Grecia y la Roma imperial, en las que se
utilizaron con profusión elementos decorativos sin referentes reconocibles en la realidad.

• Vásárhelyi Győző, más conocido como Victor Vasarely nació en Hungría en abril de 1906. Fue un
artista al que se ha considerado como el padre del op art (arte óptico). Su pintura se basa en el
rigor científico y combina leyes de física y geometría, junto a las cualidades perceptivas del color
y su influencia en la percepción visual, parra conseguir un engaño perceptivo.
Cebras Sin Título Vega 200

• El Pop-Art es un movimiento que se extiende entre los años 50/70 y que
se basa en las imágenes del consumismo y la cultura popular, tebeos,
advertencias de embalado, imágenes de televisión y del cine. Surge como
reacción al expresionismo abstracto. El uso de esas imágenes populares se
hace sin ningún tipo de cualidad, de forma maquinal, el hecho artístico
está en la “elección” de la imagen.
El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en
oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de
su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el
aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del
uso de la ironía.
Pintores destacados para la creación del lenguaje utilizado por el pop
estadounidense son Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein y
Andy Warhol

• Retroactive II, R . Rauchesnberg

• Obras de Andy Warhol

En España destacan las obras del Equipo Crónica.

La Nueva Figuración. Movimiento que plantea la vuelta a la figuración, representando la realidad
social del momento bajo una actitud cínica, cruel y de burla. La abstracción geométrica había caído
en franco declive y algunos artistas retoman el uso de la figura. Es una síntesis de movimientos sin
caracteres uniformes.
• Recuperación de la figura icónica, con predominio de la figura humana
• Visión subjetiva con un carácter tremendista de crítica y denuncia
• El color es elemento fundamental.
• La temática depende de la vivencia del artista y la manera como éste la interpreta.
• La figura se mezcla con elementos abstractos.
• Deformación y transformación de la figura, la aproxima a la caricatura.
Destaca la figura de Francis Bacon, pero también destacarán Lucien Freud y en
España el grupo El Paso con autores como Antonio Saura,

Figura con Carne

Tres figuras en una habitación

Tres estudios de Lucien Freud

• Otros autor destacado es Lucien Freud

El hiperrealismo es la tendencia realista más absoluta de la Historia. Se basa en la
representación fidedigna de los elementos. No podemos hablar de un origen en
concreto de ésta intencionalidad pues desde las pinturas rupestres encontramos
indicios de querer representar la realidad de los acontecimientos en pintura. El
hiperrealismo no es más que la evolución de esto. El hiperrealismo actual se fundó
en los principios estéticos del fotorrealismo. Los pintores y escultores hiperrealistas
utilizan imágenes fotográficas como fuente de referencia para crear una
representación más definitiva y detallada, que a menudo, a diferencia del
fotorrealismo, es narrativa y emotiva en sus representaciones.
Se afianza en los años 60 por lo que su asentamiento en el mundo del arte va,
inevitablemente ligado por un lado a la corriente del Pop-Art americano y por otro
lado, en Europa, se asocia a un lirismo casi surrealista.
Las técnicas más habituales con las que trabajan los pintores hiperrealistas son
el óleo y la pintura acrílica, aunque no son las únicas, pues también se emplean
acuarelas, aerografía, rotuladores…

En España destaca la figura de Antonio López, de quien podemos reseñar:
• Temática. Abarca desde vistas madrileñas, retratos de la familia, objetos de uso cotidiano o
elementos de la naturaleza, interiores, naturalezas muertas, la figura humana (la familia),
flores en la etapa más reciente
• Utiliza una técnica basada en un proceso largo y minuciosamente elaborado. No hay rastro de
pincelada.
• La temporalidad y el deterioro de lo material (vestimenta, objetos domésticos, fotos…) son
notas que definen su estilo.
• Son cuadros de grandes dimensiones.
• La luz poética, el realismo mágico, intimista, etc. son rasgos distintivos de Antonio López y de
la Escuela de Madrid.
• La realidad vista desde un lado cálido, emotivo, no como una imagen fría que se debe
reproducir.
• Lleva a cabo un minucioso estudio de la forma, de los detalles y una clara intención de
plasmar la realidad de la manera más fiel posible.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA
 The Oxford Dictionary of Art. AA.VV. Ed. Oxford university Press
 El Arte Contemporáneo. F.Calvo Serraller, Ed. Taurus.
 ¿Qué estás mirando? 150 años de Arte Moderno. W. Gompertz,
Ed. Taurus.
 El Expresionismo Abstracto. A. Everitt. Ed. Lábor
 Historia del Arte, 21º Bachillerato. AA.VV. Ed. Santillana
• Fuente: http://www.arqhys.com/articulos/estilo-internacional-
arquitectura.html
• https://es.wikipedia.org/wiki/Estilo_Internacional_(arquitectura)
• https://es.wikipedia.org/wiki/Neoformalismo#Edificios_exponentes
_del_Neoformalismo
• https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_posmoderna
• https://es.wikipedia.org/wiki/Deconstructivismo
• https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_high-tech
• www.e-zigurat.com/noticias/arquitectura-high-tech/
• https://www.arkiplus.com/minimalismo-en-pintura-y-escultura
• http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/untitled-
floor-sculpture-series-sin-titulo-serie-escultura-suelo
• https://historia-arte.com/movimientos/expresionismo-
abstracto
• https://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo_abstracto
• http://arteac.es/jackson-pollock-expresionismo-abstracto/
• ps://bauhausinformalismo.wordpress.com/pintura-
materica/
• http://listas.eleconomista.es/arteycultura/9355-10-obras-
op-art-de-victor-vasarely
• https://es.wikipedia.org/wiki/Victor_Vasarely#Galer%C3%A
Da
• https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop
• https://es.wikiversity.org/wiki/Nueva_Figuraci%C3%B3n
• http://vivaelarte-
cabusrri.blogspot.com.es/2010/12/caracteristicas-de-la-
neofiguracion.html
• https://es.wikipedia.org/wiki/Lucian_Freud
• https://totenart.com/noticias/30-artistas-importantes-
hiperrealismo/

Tema 18.ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

Tema 18.ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

Recomendados

Recomendados

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

La actualidad más candente (20)

Similar a Tema 18.ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

Similar a Tema 18.ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX (20)

Último

Último (20)

Tema 18.ARTE EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX