40 principales.Lucia.

PINTORES GUSTAVE COURBET EUGENIO LUCAS VELÁZQUEZ IGNACIO PINAZO PABLO PICASSO ANTONIO ALLEGRI DA CORREGIO SALVADOR DALÍ RAFAEL SANZIO LEONARDO DA VINCI VINCENT VAN GOGH DIEGO VELÁZQUEZ SANDRO BOTTICELLI EUGÉNE DELACROIX CLAUDE MONET TOMASO DI GIOVANNI FRANCISCO DE GOYA RUBENS JACQUES LOUIS DAVID PIERO DE LA FRANCESCA ALBERTO DURERO GIORGINE

EUGENIO LUCAS VELAZQUEZ Nace en Alcalá de Henares en 1817 y muere en Madrid en 1870.Fue un pintor romántico español, con una forma tradicional e hispánica de pintar, enérgica, fuerte y briosa. Hereda de Goya la “vete brava”, el bosquejo de las figuras, la pincelada suelta y fluida… En su paleta utilizan un colorido pardo o negro, con toques coloristas, muy vivos destacados. Los temas suelen ser costumbristas, pero enfocando con sentido crítico, el lado crudo, y o el amable, de la vida. PINTURA ROMÁNTICA EN ESPAÑA España posee en el romanticismo un grupo destacado de pintores de calidad que realizan hermosas obras de arte, resaltando, en el retrato, el costumbrismo, el tema religioso y en menor medida, el paisaje. La pintura no llega a ser espectacular y brillante, ni renovadora de un género; su mérito es más bien sosegado.

Obras: MAJAS AL BALCÓN Data del año 1862 y se encuentra en el Museo del Prado. Mide 107 por 81cm.Es un óleo sobre lienzo en el que aparecen dos jóvenes asomadas al balcón para ofrecer sus encantos; tras ellas aparecen dos embozados que “protegen” a las muchachas. Podemos decir que el tema es la prostitución. Eugenio juega con los contrastes cromáticos para emplear negros, blancos, dorados, aplicados con una pincelada rápida.

REVOLUCIÓN Data del año 1862 y se encuentra en el Museo del Prado. Mide 124cm de alto por 158cm de ancho. En el cuadro vemos una técnica de brutal fogosidad y riqueza de colorido habitualen el maestro, sin renunciar al realismo presente en los rostros y los gestos delgrupo de personas que rodea al fraile, situado en el centro como líder de la revuelta.

CONDENADA POR LA INQUISICIÓN Data del año 1862 y se encuentra en el Museo del Prado. Mide 51,5 x 41 cm. Es un óleo sobre lienzo. Realizada con una técnica manchista de una fogosidad brutal y riqueza de colorido. Presenta un tema costumbrista.

GUSTAVE COURBET Nació en Ornans, Francia, el 10 de junio de 1819 y murió en La Tour-de- Peilz, Suiza, el 31 de diciembre de 1877. Courbet fue el primer pintor que reflejó osada y audazmente la realidad con una precisión exhaustiva y literal, mostrando en ocasiones escenas eróticas y desnudos sensuales. Es el más fiel representante de la pintura realista del siglo XIX, siendo fundador de la Escuela de Arte Realista. PINTURA REALISTA FRANCESA La pintura realista francesa tiene su auge durante el Segundo Imperio de Napoleón III. Dos grupos de pintores bifurcan el camino del Realismo: los que primeramente muestran la vida y el trabajo de los personajes decimonónicos, con sus condiciones más o menos alegres o penosas, en los que hay un predominio figurativo humano, y los que continúan el sendero del paisaje deshabitado con preferencia a otros géneros.

Obras: EL SUEÑO Mide 135 cm de alto y 200 cm de ancho. Fue pintado en 1866, encontrándose actualmente en el Museo del Petit-Palais, de París, Francia. La puesta en escena es refinada. Las mujeres están sobre una cama, enmarcada por cortinas de terciopelo azul oscuro. Por la expresión del rostro, la mujer de cabellos rubios tiene un sueño erótico. En primer plano, sobre una mesita de madera con motivos florales en la tapa, hay un cáliz y un collar de perlas roto han de interpretarse como alegorías. Junto al cáliz, hay una botella azul y una jarra de cristal. Al fondo, a la derecha, hay un jarrón con flores, posible regalo de una de las amigas a la otra.

LAS CRIBADORAS DEL TRIGO Mide 131 cm de alto y 167 cm de ancho. Fue pintado en 1853, encontrándose actualmente en el Museo de Bellas Artes, de Nantes, Francia. La mujer que está sentada tiene los dedos artificialmente extendidos, mientras que la que criba el trigo está en una postura rígida y forzada. Los tres personajes están aislados, sin relacionarse entre sí.[ Aparece un espacio claro, la monocromía en gris y ocre, el fondo vacío, las figuras que aparecen como recortadas con vestidos de colores fuertes rojos y azul verdoso, las formas redondas y ovales y la postura de la cribadora

ENTIERRO EN ORNANS Mide 315 cm de alto y 668 cm de ancho. Fue pintado en 1849. encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, de París, Francia. Es una composición abierta. Viene determinada por las figuras representadas de pie a tamaño natural que están dispuestas horizontalmente. Los personajes están puestos sin ningún tipo de jerarquía, pero las mujeres se mantienen separadas de los hombres a la derecha; La horizontalidad de los dos precipicios del fondo y de las nubes se contrapone con la verticalidad de los personajes.

IGNACIO PINAZO Nació el 11 de enero de 1849 en Valencia y murió el 18 de octubre de 1916 en Godella. Pinazo es uno de los más relevantes artistas de finales del siglo XIX español. Clasificado dentro del Impresionismo hispánico, la personalidad y la obra de Pinazo se contempla también en el apartado de pintura de historia, al ser muy destacada esta faceta suya. Se vio obligado a trabajar desde muy joven para pagar sus estudios de arte ya que él pertenecía a una familia humilde. IMPRESIONISMO EN ESPAÑA España nunca podría hacer un Impresionismo de modelo francés por carecer de ese clima suave, esos prados llenos de verdor y humedad que caracterizan a Francia. España, por el contrario, posee un sol ardiente, implacable. La luz es brillante e incandescente y la sombra su brusco oponente. El artista español siente la necesidad de hacer Impresionismo, y lo va a hacer adaptándolo a su clima, con su peculiar manera, en forma de brillante luminismo, que le otorgará una personalidad inconfundible y una belleza extraordinaria.

Obras AUTORRETRATO Fecha: 1899 Museo: Museo de BB.AA. De ValenciaCaracterísticas: 64 x 47 cm. En los retratos realizados por Pinazo siempre se interesará por la expresión de su modelo, en este caso el mismo pintor. La parte más importante será el rostro, iluminado por un potente foco de luz para resaltar la fuerza de sus ojos y el gesto inteligente del maestro. La figura se recorta ante un fondo neutro, uniforme con la levita que viste el artista y contrastando con la cabeza, sirviendo la barba grisácea de transición. Las pinceladas son rápidas y seguras.

MONAGUILLO SOLFEANDO Fecha:1891 Museo: Museo del PradoMide:69 x 105 cm. El pequeño está tumbado en el banco de una iglesia, entonando las notas musicales de la partitura que sujeta en sus rodillas. Junto a él contemplamos un decorativo ramo de flores mientras que al fondo se aprecia una balaustrada y los brillos de las velas del altar. Se aprecia una soltura y rapidez de ejecución significativa, quedando algunas zonas del lienzo sencillamente esbozadas para centrarse en la expresión del rostro del niño y en sus manos, acercándose al Impresionismo. La luz resbala sobre el personaje, creando un significativo contraste con el fondo, obteniendo un resultado decorativo con el que Pinazo obtendrá notable fama.

DESNUDO DE FRENTE Data entre los años 1872 y 1879. Mide 554 x 1024. El cuadro representa un desnudo femenino de cuerpo entero y de frente. La mujer inclina ligeramente la cabeza hacia abajo, distinguiéndose apenas los rasgos de su cara; dobla el brazo izquierdo para posar la mano sobre la nuca. A sus pies, se encuentra un lienzo blanco; el fondo no está bien definido tratado con manchas de tonos ocres, marrones y rojizos.

PABLO PICASSO Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881 y murió en Mougins, Francia, 8 de abril de 1973. Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo.

Obras: Guernica Data de 1937 y se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Mide 776 cm × 349 cm Picasso divide el cuadro en cuatro partes iguales, donde irá colocando los distintos personajes del cuadro. La base de la composición es un triángulo de base muy ancha, que contiene las figuras más importantes, como el caballo, el guerrero muerto, la mujer agachada, y la mujer que sostiene la luz. Fuera del triángulo, las figuras colocadas a ambos lados (toro y madre con hijo muerto, a la izquierda, y mujer en llamas a la derecha) guardan simetría, y dan equilibrio a la composición.

MATERNIDAD Se encuentra en Cambridge MassFogg Art Museum Año: 1905 Representa en la figura de la mujer la vida, Los tonos pastel acompañan la imagen de arrullo e inclinación hacia el bebé mientras lo amamanta, con un toque de melancolía. Predominan los colores pastel y tonos cálidos, de líneas suaves y delicadas, y la figura de la madre, con proporciones alargadas.

Autorretrato con la paleta en la mano Características: 92 x 73 cm.Fecha: 1906 Museo: Museo de Arte de Filadelfia En el cuadro se marca la mandíbula y las orejas al tiempo que las sombras bajo la mejilla y la barbilla se interrumpen de manera brusca. El cuerpo es volumétrico, casi arquitectónico, definido gracias a intensas líneas de color negro con las que consigue aportar mayor volumetría, tanto a la cabeza como al brazo. Sin embargo, el resto de la composición pertenece claramente al periodo rosa como podemos apreciar en la postura frontal de la figura o el colorido empleado, jugando con tonos rosas, azules, blancos y grises. Los ojos abiertos del artista parecen indicar la expectación sobre lo que pronto va a llegar: la revolución cubista.

CORREGIO Antonio Allegri da Corregio nació en 1489 en Corregio y falleció en 1534 en Corregio. Fue un importante precursor del Barroco y el rococó. Tuvo audaces motivos de movimiento y reducciones de perspectiva. Corregio alcanzó la popularidad cuando se le reconoció como precursor del rococó. Desarrolló un estilo suave y matizado, sin contornos duros ni bruscos contrastes de color. Los nebulosos paisajes de fondo y los suaves efectos de claroscuro confieren a sus pinturas un ambiente apacible y subrayan el alegre carácter erótico de sus cuadros mitológicos. Sus amplios frescos para cúpulas están animadas por dos figuras que flotan con absoluta libertad, y constituyen auténticos hitos dentro del arte de la pintura de frescos ilusionistas.

Obras: DÁNAE “Dánae”, 1531. Realizada en óleo sobre lienzo. La estructura mide 161x193cm. Se encuentra en Galleria Borghese, Roma. La obra pertenece a una serie de cuatro que representan diversas aventuras amorosas de Zeus. La pintura de Corregio, sensual y erótica, aunque nunca vulgar, fue un modelo para los artistas del rococó.

LA NOCHE (Adoración de los pastores) 1522-1530. Escultura de óleo sobre lienzo. Mide 256,5x188cm. Se encuentra en Gemäldegalerie, Dresde. Corregio dota al claroscuro con sus marcados contrastes de luz y sombra, de una función completamente nueva que define el cuadro y anticipa el Barroco. La luz de esta escena emana del niño recién nacido, símbolo de la luz del mundo.

EL RAPTO DE GANÍMEDES 1531. Escultura de óleo sobre lienzo. Mide 163,6 x 70,5cm. Se encuentra en Kunsthistorisches Museum, Viena. Corregio muestra la escena en un formato de pequeño retrato con dinámicas reducciones de perspectiva y ante un paisaje donde la técnica del sfumato confiere al óleo aspecto casi de acuarela.

SALVADOR DALÍ Nace el 11 de mayo de 1904 en Figueras, España y muere el 23 de enero de 1989.Famoso por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas, Salvador se desarrolló en multitud de facetas como la pintura, el grabado o la decoración. Difundió sus ideas por medio mundo y en sus obras aparece mucho el subconsciente y el Psicoanálisis. SURREALISMO El surrealismo se caracterizó por interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio. Los objetos y formas sin su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado.Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia”). Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales. Todo aquello estaba en contra de la moral, la tradición y la cultura burguesa.

EL JUEGO LÚGUBRE Año: 1929 Medida: 44,4CM POR 30,3CM. Presenta las distorsiones típicas del surrealismo, un personaje masculino que se tapa la cara y extiende la otra mano mucho más grande sobre un pedestal con palabras alusivas a la medición. Más abajo, un león que levanta una pata apoyándola en una bola es símbolo de la pasión. En el otro extremo de la composición aparecen dos figuras abrazadas; una vista de espaldas con excrementos, ojos desorbitados y aspecto de loco mencionando a Dalí y otro, que se abraza identificándose con algo irreal. Tiene una hendidura en la cabeza que alude a la obsesión, su temor a las mujeres y su culpabilidad.

EL GRAN MASTURBADOR Año: 1929 Medidas: 110cm por 150 cm Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Es una composición llena de implicaciones autobiográficas, mitos, miedos… El tema central es una masa viscosa dentro de lo blando, que es entendido como lo sentimental y lo duro. En la izquierda aparece una cabeza, el autorretrato de Dalí. El perfil se reduce a una gran nariz, ojo y ceja; en el lugar de la boca aparece el saltamontes como animal repulsivo, idea de la muerte, desintegración de la materia ya que lleva hormigas en el abdomen. El peinado es muy marcado y en la cabeza está pinchada un ancla La otra figura, a la izquierda, puede ser también Dalí cortando las redes con su familia.

EL ENIGMA DEL DESEO Año: 1929 Medida: 30CM X 52CM Lugar: Staatsgallerie Moderner Kunst, Munich Con elementos como rocas, insectos, conchas y huecos, Dalí expresa sentimientos complejos hacia su madre, que era muy devoto de él. La cercanía y la ubicación de una figura humana en relación con la roca ayuda a explicar el título y el simbolismo utilizado por el pintor Nótese también, en la parte inferior izquierda de la imagen, un abrazo entre Salvador y su padre.

RAFAEL SANZIO Nace el 6 de abril de 1483 en Urbino y muere el 6 de abril de 1520 en Roma. Gran pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento, cuya carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos: -Sus primeros años en Umbría -Cuatro años en Florencia (1504-1508) -Doce años en Roma RENACIMIENTO La vuelta a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como el orden clásico, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos… Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza, que va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas.

Obras: LA VIRGEN DEL JILGUERO Data del año 1505. Sus dimensiones son 107cm x 77cm. Se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia, Italia Es una pintura al óleo sobre tabla. Aparece una mujer con dos niños pequeños sobre un fondo en el que se contrasta mucho el color claro del cielo con el marrón del suelo.

EL TRIUNFO DE GALATEA Data de 1512 y se encuentra en la Villa Farnesina. Sus dimensiones son 297cm x 224cm Éste es el más famoso de todos los realizados en ésta villa y a pesar de los deterioros que presenta se sigue viendo las excepcionales dotes de su autor. En el centro de la composición, Galatea, de pie sobre una gran concha sostiene con ambas manos las riendas de una pareja de delfines. Galatea, por la corrección de sus líneas, la pureza de sus contornos y la elegancia de sus movimientos es una figura admirable.

LA ESCUELA DE ATENAS Pintada entre los años 1512 y 1514 y se encuentras en los Museos Vaticanos, Roma. Sus dimensiones son 500cm por 770cm A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de Sócrates. Se encuentra también un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro. El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro, el joven de cabello marrón que observa al espectador, tocado con un sombrero redondo de color azul; a su lado, Perugino con idéntico sombrero pero en blanco. A la izquierda de la pintura se encuentra Hipatia de Alejandría, vestida en blanco, y observando al espectador.

LEONARDO DA VINCI Nació el 15 de abril de 1452 en Vinci y falleció el 2 de mayo de 1519 en Amboise. Además de pintor fue científico, botánico, poeta, escritor, músico, escultor, arquitecto… Como pintor hace constantes experimentos con nuevas técnicas, que a veces resultan desastrosos y refiriéndonos a su vida como inventor, pocos de sus proyectos llegaron a construirse. PINTURA PROPIA Sus pinturas son célebres; empleó técnicas pictóricas innovadoras, un uso sutil de los esfumados colores, e interés por la fisonomía. Dominaba principalmente la técnica del “sfumato” y la combinación de sombras y luces.

Obras: LA MONA LISA Fecha: 1503-1506 Museo :Museo Nacional del Louvre Mide:77 x 53 cm. Vemos el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul. La ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre.

LA ÚLTIMA CENA Pintada entre los años 1495 Y 1497 y se encuentra en el convento de Santa María delle Grazie, Milán. Sus dimensiones son 460cm de alto por 880cm de ancho. La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena.

LA ANUNCIACIÓN Está pintado al óleo sobre tabla. Mide 100 cm. de alto y 221 cm. de ancho. Data del periodo 1472-1475 y se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia. La escena se desarrolla enteramente en el exterior, dentro de un jardín cerrada de una típica villa florentina. El ángel es clásico, como iconografía, tiene las alas batiendo y sostiene una azucena blanca, símbolo de la virginidad de María. La impostación de la posición es clásicamente leonardesca, considerando los drapeados, con pliegues amplios y mórbidos. Al fondo se ve un río con meandros y barcas, montañas y árboles. Usa perspectiva aérea, a la que Leonardo daba mucha importancia.

VINCENT VAN GOGH Nació el 30 de marzo de 1853 en Zundert, Países Bajos y murió el 29 de julio de 1890 en Auvers-sur-Oise, Francia. Fue uno de los principales exponentes del posimpresionismo. La mayoría de sus obras son muy conocidas y tienen mucha importancia en todo el mundo. Su vida artística abarca grandes movimientos artísticos como son: Impresionismo, Postimpresionismo, Expresionismo… POSTIMPRESIONISMO Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulados Interés por lo exótico y los bajos fondos. Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos

Obras: PAISAJE BAJO LA LLUVIA Data de 1890 y se encuentra en la Galería Nacional de Wales. Mide 50cm por 100cm Las pinceladas empastadas se adueñan de la composición, organizándola a través de los pequeños toques de pincel denominados facetas, como si de un puzle se tratara. Los tonos empleados se complementan entre sí: naranja-azul, verde-rojo, pero el efecto lluvioso es lo que llama poderosamente nuestra atención, creando la sensación de que observamos el paisaje a través de una ventana.

PUENTE SOBRE EL SENA EN ASNIÈRES Año: 1887 Mide: 53 X 73cm. Vemos que las luces del atardecer inundan la escena y dotan de un aspecto fantasmagórico a la construcción, dispuesta en una acentuada diagonal en profundidad. Los reflejos ligeramente se aprecian sobre el río, cuyas aguas adquieren el tono oscuro del cielo. Van Gogh se interesa por otro tipo de iluminación, preocupado por las diferentes tonalidades dependiendo de una luz determinada. La pincelada continúa siendo rápida y firme, siguiendo fidedignamente las formas en aquellas zonas que resultan necesarias como en el puente para mostrarse más anárquica en las aguas.

SILLA DE VAN GOGH Año: 1888 Mide: 93 X 73,5CM Lugar: Galería Nacional de Londres Aparece una silla de paja sobre la que deposita su vieja pipa y su rollo de tabaco; al fondo podemos contemplar una caja en la que está su firma. El artista ha empleado una perspectiva elevada para su silla, perfectamente dibujada al marcar las líneas de los contornos con un fuerte trazo de color oscuro. Toda la perspectiva se anula con la pared del fondo, pintada en tonos azules. Las pinceladas no son tan vigorosas como en otras obras. Respecto a los tonos utilizados, son los preferidos por el pintor: amarillos y azules.

DIEGO VELÁZQUEZ Nació el 6 de junio de 1599 en Sevilla y falleció el 6 de agosto de 1660 en Madrid. Es un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y universal. Su paleta de colores era muy reducida, utilizando siempre los mismos pigmentos. Utilizó mucho la técnica de hacer fondos claros y capas transparentes de color para crear gran luminosidad. BARROCO -Predominan los temas religiosos porque es el momento de la Contrarreforma. -Los pintores españoles reciben la influencia del tenebrismo de Caravaggio en el tratamiento de la luz, aunque luego lo abandonan. -Existe una deliberada ausencia de sensualidad en la pintura. -El principal cliente de los pintores es la poderosa Iglesia de la época.

Obras: EL AGUADOR DE SEVILLA Año: 1620 Lugar: Museo de Wellington, Londres. Medidas: 106 X 82CM Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano. El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones.

LA COSTURERA Año: 1643-1649 Medida: 74 X 60CM Lugar: Galería Nacional de Washington En el cuadro la joven aparece con total realismo. Está realizada a base de manchas de luz y color, dando la impresión de que capta el movimiento de la aguja y de las manos. El colorido oscuro de verdes y pardos se rompe con las manchas blancas de la pañoleta que lleva la mujer sobre los hombros y con la tela que cose. En la zona de la izquierda se aprecia el retoque del brazo derecho de la costurera, demostrando así que Velázquez pintababa directamente sobre el lienzo, sin apenas realizar estudios preparatorios. La nota de color rojo en el moño y el fogonazo de luz del pecho sitúan esta imagen entre las más sugerentes del pintor.

LAS MENINAS Año: 1656 Lugar: Museo del Prado Madrid. Medida: 310 X 276cm. Es una de las obras más famosas. Los colores son muy escasos. Las figuras de primer término están resueltas mediante pinceladas sueltas y largas con pequeños toques de luz. El espacio arquitectónico es muy complejo. La falta de definición aumenta hacia el fondo y son los reyes representados en el espejo las figuras más someras.

SANDRO BOTTICELLI Nació en Florencia el 1 de marzo de 1445 y murió el 17 de mayo de 1510 en Florencia. Fue uno de los pintores más importantes del quattrocentoitaliano.Se caracterizó por utilizar temas mitológicos y delimitar muchos los cuerpos.Se basaba en la inspiración. QUATTROCENTO Interés por la figura humana, por la representación del espacio y de la luz. Abandono de los rígidos esquemas medievales y búsqueda de composiciones racionales, científicamente calculadas, de las que se deriva la armonía y el equilibrio de las partes en el conjunto de la obra. Búsqueda de tipos ideales de representación. Los temas reflejan el creciente interés por el hombre y la naturaleza: temas religiosos (con una nueva interpretación) y profanos (retratos) enmarcados en fondos arquitectónicos o paisajísticos.

Obras: EL NACIMIENTO DE VENUS Año: 1485 Lugar: galería Uffizi, Florencia Mide: 184,5cm por 285,5cm La obra se basa en un depurado dibujo en el que predomina la línea sobre el color. También destaca el trabajo de las formas naturales en el paisaje. No es un paisaje simbólico, sino la representación de la naturaleza transfigurada.La posición de Venus se ha desplazado respecto a la línea central para transmitir una sensación de movimiento desde un punto de partida central.

SAN SEBASTIÁN Año: 1474 Lugar: Staatliche Museen, Berlín Mide: 195cm x 75cm. Se representa al santo prácticamente desnudo, inmediatamente después del martirio. Viste sólo un taparrabos, está en pie sobre un tocón de un árbol. El paisaje está representado con gran detalle. En este cuadro de Botticelli la línea tensa y exasperada de sus contemporáneos se flexibiliza en una entonación casi elegíaca. El artista sigue las ideas clásicas en sus proporciones armónicas. Sin embargo, hay cierta inseguridad que se revela en el acortamiento de los pies del santo, confirmando que este cuadro pertenece a la fase primera de Botticelli.

ADORACIÓN DE LOS MAGOS Año: 1475 Lugar: galería de los Uffizi, Florencia. Mide: 111cm por 134cm El amontonamiento y la agitación de los personajes hacen del cuadro una especie de testamento espiritual, una voluntaria captación por el autor de la misma parábola de su vida y su carrera. Utiliza un colorido intenso. Presta gran atención al detalle, como puede verse en las vestimentas. Al fondo, el paisaje esencial, de inspiración nórdica.

EUGÉNE DELACROIX Nació el 26 de abril de 1798 en Francia y murió en Paris el 13 de agosto de 1863. Está considerado como el mejor representante del romanticismo pictórico universal. Prototipo de pintor culto y refinado, su pintura recoge las características expuestas en la pintura romántica francesa. La libertad, brillantez, exaltación, dinamismo, emoción… son llevadas al extremo, en sus lienzos. PINTURA ROMÁNTICA FRANCESA El romanticismo llegó a la pintura francesa con enorme ímpetu. El exceso de razón y de medida habían saturado hasta los límites la capacidad creativa de los pintores. Los sentimientos, la imaginación, y la pasión, largamente contenidos, irrumpieron con todo su poder, dando como resultado una realización bellísima y de gran calidad. Los temas románticos suelen ser históricos, costumbristas, folclóricos, exóticos…

Obras: LA MATANZA DE QUÍOS Realizada en 1824. Mide 417cm x 354cm. Se encuentra en el Museo de Louvre, Paris. Aparecen tonalidades cobrizas que unifican el espacio. El cuadro se compone de tres pirámides humanas y se ven expresiones de miedo y desesperación. Los cuerpos semidesnudos y tirados reflejan la derrota. Aparecen pinceladas borrosas que fortalecen la impresión de desolación que el cuadro transmite.

LA MUERTE DE SARDANÁPALO Realizada en 1827. Mide 392cm x 496cm. Se encuentra en el Museo de Louvre, Paris. La luz marca una diagonal que va desde el monarca Asirio, hasta el hombre que está dando muerte a una mujer. El color domina, la luminosidad es brillante. Utiliza colores cálidos en particular pigmentos castaños y rojos.

HELIODORO EXPULSADO DEL TEMPLO Realizada en 1857. Mide 750cm x 485cm. Se encuentra en el Museos Vaticanos. Se resalta la arquitectura en la soberbia del Templo, trazado con una perspectiva equilibrada de horizontales y verticales. El desarrollo de las escenas se efectúa en la zona superior e inferior. En la zona inferior surge un ángel imponente a caballo, junto con dos figuras suspendidas en el aire.

CLAUDE MONET Nació en París, Francia el 14 de noviembre de 1840 y falleció el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. Pintor, un gran maestro del arte impresionista y sin duda uno de los connotados en la pintura de este estilo. Comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas. IMPRESIONISMO -La luz, alegre o agobiante, domina sus cuadros gracias al culto, a los reflejos, a la abundancia de colores claros y brillantes. -No mezclan los colores en la paleta, usan colores puros que aplican uno al lado del otro en pequeñas pinceladas. -El resultado afecta la definición de las formas. Estas tienden a una desintegración que la burguesía contemporánea resiente como un ataque a sus valores.

Obras: TREN EN EL CAMPO Año: 1872 Museo: Museo de Orsay Medidas: 50 x 65 cm. Esta imagen que contemplamos es la primera en la que el maestro incluye el tren como protagonista; la densa nube de humo permite identificar el lugar que ocupa la locomotora, oculta tras la densa arboleda. La luz del atardecer inunda por completo la escena, crea una sombra oscura y muestra un cielo plomizo en el que se mezclan nubes y humo. La pincelada empleada es tan rápida como acostumbra Monet.

EL PASEO Año: 1875 Museo: National Gallery (Washington) Medidas: 100 x 81 cm La luz provoca una sombra malva que domina toda la figura mientras que la sombra que ella proyecta es más oscura. Las zonas iluminadas por el sol tienen, obviamente, un colorido más vivo. El niño queda más difuminado en el fondo, apreciándose apenas el color sonrosado de sus mofletes. Una vez más la pincelada rápida, a base de pequeñas comas, se convierte en la configuradora del conjunto.

BODEGÓN DE PERAS Y UVAS Año: 1880 Museo: Hamburger KunsthalleMedidas: 65 x 81 cm. Las peras, las uvas y las manzanas reciben un tratamiento totalmente impresionista, aplicando el color con rápidos toques de pincel, desinteresándose de las formas y de los contornos para crear una sensación, un efecto atmosférico. La luz impacta en algunas frutas, resaltando los reflejos con cortas manchas blancas. Las sombras coloreadas serán otro elemento imprescindible de este estilo que descompone la pintura en efectos de luz y de color, resultando imágenes de enorme belleza.

TOMMASO DI GIOVANNI DI SIMONE CASSAI. Massacio nació en 1401 en San Giovanni Valdarno y falleció en 1428 en Roma. Fue unos de los pintores iniciadores del arte del Renacimiento en Florencia. También fue el primero en utilizar la perspectiva central de modo regular, que le proporcionó a su obras un efecto espacial del todo nuevo. Dominó la técnica del cuerpo humano: sus figuras, modeladas por las luces y las sombras, se mueven libremente en el espacio y rebosan de dignidad. Era un gran observador de la vida y renovó por completo las escenas bíblicas al representar a los personajes mostrando sus sentimientos con gestos y expresiones faciales. Su escasa obra está considerada como un hito dentro de la historia del arte y fue dentro de la historia del arte y fue estudiada por sus contemporáneos y sus sucesores.

Obras: “La expulsión de Adán y Eva del Paraíso” h.1426. Mide 208x88cm. Se encuentra en Santa María del Camine, capilla Brancacci, Florencia. Representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que se narra en Génesis, con algunas diferencias en relación con el relato canónico.

“La Santísima Trinidad” 1425-1428. Fresco que mide 667x317cm. Se encuentra en Santa María Novella, Florencia. Massacio demuestra el potencial de la perspectiva central. La arquitectura simulada con sus formas antiguas, crea la ilusión de un espacio real ocupado por el Cristo crucificado. Massacio colocó de forma deliberad a los donantes en la parte inferior, a la derecha y a la izquierda de la capilla, para mostrar que están en un nivel distinto de la realidad que la Santísima Trinidad.

“EL TRIBUTO” h.1425-1427. Fresco que mide 255cm de altura. Se encuentra en Santa María del Camine, capilla Brancacci, Florencia. Las figuras están representadas como arquetipos neoclásicos y son tan realistas que parece que puedan tocarse. El fresco muestra a Jesucristo en medio de sus apóstoles con un amplio paisaje de fondo.

FRANCISCO DE GOYA Nació en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza) y murió en 1828 en Burdeos (Francia). Goya va rompiendo todos los moldes hasta convertirse en uno de los avanzados de la pintura contemporánea, pudiéndole considerar precursor del Romanticismo, Impresionismo, Expresionismo y Surrealismo. Su pincelada es muy suelta y ágil y su paleta luminosa, brillante y colorista. PINTURA NEOCLÁSICA EN ESPAÑA La pintura neoclásica, al no contar con restos pictóricos de la antigüedad grecorromana, se inspira en la escultura, en especial en los relieves, que la dotará de un marcado carácter escultórico. Características principales:-Predominio del dibujo academicista sobre el color.-La base de la belleza es la armonía de las proporciones y de las luces.-Los principales temas serán retratos, mitológicos y cuadros de historia.-La luz es clara y difusa, delimita las figuras y el espacio e imprime solemnidad en el ambiente. No interesan los contrastes lumínicos.

Obras: Su producción esta encuadrada en etapas: “Inicios”: 1746-1771, “Juventud”:1771-1792, “Madurez-Enfermedad”: 1792-1808, “Ancianidad, Guerras, Exilio”: 1808-1828. EL QUITASOL Realizada en 1777. Mide 104cm x 152cm. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. Aparecen dos figuras, una jovencita vestida a la moda francesa, y un criado, “cortejo”. El color en este cuadro es luminoso y contrastado por varios tonos. Una de las fuentes de este cuadro es el estilo Rococó.

EL CACHARRERO Realizada en 1779. Mide 259cm x 220cm. Se encuentra en el Museo del Prado, Madrid. En un primer plano muestra un valenciano vendiendo vajillas. En un segundo plano aparece un coche de caballos con un a dama. El tratamiento del color es muy notable en la armonía de los dorados de matices cobrizos, los grises y el azul del cielo. Destaca el bodegón que constituye los enseres de los vendedores ambulantes.

LA BODA Realizada en 1792. Mide 269cm x 396cm. Se encuentra en el Museo del Prado. Se observan personajes que procesionan alegres bajo un arco arquitectónico sólido. Atenúa el cromatismo ocre del pavimento y los sillares del arco. Aparece un niño alzando los brazos, subidos en un cañón.

RUBENS Nació en el año 1577, Siegen y falleció en el año 1640, Amberes. Fue el principal representante del barroco pictórico en Europa. Dominó todos los formatos y géneros, pintó retratos, escenas clásicas y bíblicas, paisajes, escenas de animales y de caza, y cuadros alegórico. Rubens se caracteriza por su patetismo, su dramático movimiento y profunda emoción, la representación sensual del cuerpo humano, los colores brillantes, así como la pincelada libre y fluida. Desarrolló este estilo durante su larga estancia en Italia. Rubens sabía como convertir temas complejos y alegóricos en sensuales.

Obras: ESTUDIO DE RETRATO Realizada en 1621, creta negra roja y blanca sobre papel. Mide 25,2 x 20,3. Se encuentra en Graphische Samsung Albertina, Viena. El dibujo trazado al natural, muestra a Nicolás, hijo del artista e Isabella Brant, su primera mujer, con la que se casó en 1609.

PAISAJE TORMENTOSO CON FILEMÓN Y BAUCÍS Realizada entre 1620 y 1635, óleo sobre tabla. Mide 147 x 209cm. Se encuentra en Kunsthistorisches Museum, Viena. Al contrario que Poussin o la escuela holandesa, Rubens no consideraba la naturaleza con o algo estático y estacionario, sino como un todo dinámico con en constante cambio. A la derecha del paisaje tormentoso, los dioses Júpiter y Mercurio se encuentran con los ancianos Baucis y Filemón.

AUTO RETRATO CON ISABELLA BRANT Realizada entre 1609 y 1610, óleo sobre tabla. Mide 178 x 136cm. Se encuentra AltePinakothek, Munich. Este doble retrato de la época de su boda y muestra a la pareja a tamaño natural y al aire libre. Los dos están vestidos con extravagancia a la última moda, como era normal entre las clases adineradas. La madreselva es un símbolo de la fidelidad y el amor marital, que también se evoca en el relajado gesto de afecto.

JACQUES-LOUIS DAVID Nació en Paris (Francia) el 30 de agosto de 1748 y murió en Bruselas (Bélgica) el 29 de diciembre de 1825. Fue el principal artífice y realizador de la pintura neoclásica. Mezcla el arte, la política y la ideología. La paleta de David es fría y de escaso cromatismo. PINTURA NEOCLÁSICA -La pintura del neoclasicismo no es significativa, salvo una excepción: Francia. -Los pintores , al no poder inspirarse en la pintura antigua, lo hacen en la escultura. Las obras destacan por sus academicismo y corrección. Los temas predominantes serán los mitológicos, históricos, los desnudos y los retratos. -En la pintura neoclásica francesa, se alcanza, con gran belleza, la plena interpretación del ensalzamiento imperial, fundiéndose con las ideas racionalistas vigentes y el privilegio exacerbado de la razón.

Obras: MADAME RÉCAMIER Realizada en 1800. Mide 174 x 224cm de ancho. La ambientación de este cuadro es clásica. En el retrato de aparece Madame recostada, vistiendo un sencillo vestido blanco. No lleva joyas, ni maquillaje. Muestra los pies descalzos. Se le ve desde una distancia que hace que se vea un rostro muy pequeño, haciendo que parezca más que un retrato, un ideal de elegancia femenina.

BELISARIO Realizada en 1781. Mide 312cm de alto x 288cm de ancho. Se encuentra en el Palacio de Bellas Arte de Lille, Lille (Francia). La obra nos muestra a Belisano, héroe del Imperio Bizantino. El tema de la piedad es omnipresente en la obra. La debilidad la vemos en las manos tendidas horizontalmente de los tres personajes. El fondo del cuadro yuxtapone varios planes del rococó.

NAPOLEÓN CRUZANDO LOS ALPES Realizada en 1800. Mide 260cm de alto x 221cm de ancho. Se encuentra en el Castillo de Malmaison, Yvelines (Francia). David usa para realizar esta obra tres capas: -Primera capa: desarrolló un contorno básico, con un dibujo ocre. Se centra en los bloques de luz y sombra más que los detalles -Segunda capa: se concentra en rellenar los detalles y conseguir posibles defectos. -Tercera capa: mezcla los tonos y suaviza la superficie.

PIERO DELLA FRANCESCA Nació en Sansepolcro, Italia en 1415 y falleció el 12 de octubre de 1492 en Sansepolcro. Fue un gran pintor del Quattrocento además de especialista en los frescos. Conocido también como matemático y geómetra, su pintura se caracterizó por un severo Humanismo y por el uso de las formas geométricas. QUATTROCENTO -Interés por la figura humana, por la representación del espacio y de la luz. -Búsqueda de tipos ideales de representación. -Los temas reflejan el creciente interés por el hombre y la naturaleza: temas religiosos y profanos enmarcados en fondos arquitectónicos o paisajísticos.

Obras: BAUTISMO DE CRISTO Pintado entre los años 1448 y 1450 y se encuentra en la Galería Nacional de Londres. Tiene unas dimensiones de 166cm de alto por 115cm de ancho. La figura de Cristo se sitúa en el centro de la composición, recibiendo el agua bendita de su primo san Juan Bautista; sobre su cabeza encontramos la paloma del Espíritu Santo y bajo sus pies las aguas del río Jordán. Las figuras están sabiamente interpretadas, obteniendo un marcado acentovolumétrico gracias al empleo de la luz, resaltando el aspecto escultórico y anatómico de los personajes, especialmente de Jesucristo. Las tonalidades no son muy vivas, al bañar las figuras con esa luz blanca y uniformemente distribuida.

TORTURA DEL JUDÍO Pintada entre los años 1452 y 1466, se encuentra en la Iglesia de San Francisco de Arezzo. Sus dimensiones son 356cm de alto por 193cm de ancho. La escena se desarrolla ante un fondo de murallas, apreciándose una torre en la zona izquierda; un potente foco de luz ilumina a los personajes para dotar de volumen y anatomía a sus figuras, destacando la ausencia de expresividad y la escasa fuerza de los hombres que izan a Judas. Sin embargo, sus miembros están sabiamente trabajados.

NATIVIDAD Pintada entre los años 1484 y 1487; se encuentra en la Galería Nacional de Londres. Su dimensiones son 124,5cm de alto por 123cm de ancho. Las figuras se integran en el espacio gracias a la luz empleada, destacando su volumetría y su aspecto escultórico. Elimina todo el lujo característico del mundo flamenco para mostrar una composición tranquila y serena, en la que los puntos de fuga adquieren cierto arcaísmo aunque la perspectiva resulta bastante correcta. Los rostros de la Virgen y los pastores no están terminados.

ALBERTO DURERO Nació en 1471, Nuremberg y falleció en 1528, Nuremberg. Figura dominante del Renacimiento en el norte de Europa. Artista universal, también fue un destacado artista gráfico. La obra de Alberto Durero muestra interés total por el mundo que le rodea y por la forma humana. El estilo del genial artista alemán estaba influido por un profundo sentimiento religioso, así como por su afán inexorable de desentrañar las leyes del arte de la naturaleza de una manera sistemática.Fue uno de los primeros artistas del norte de Europa en viajar a Italia.

Obras: LOS CUATRO APÓSTOLES Realizada en 1526, óleo sobre tabla. Mide 215 x 76cm(cada panel). Se encuentra en Alte Pinakothek, Munich. Fue la obra más famosa de Durero y la última. La obra fue donada a su pueblo natal, Nuremberg. Las monumentales figuran muestran la influencia de Giovanni Bellini, con quien Durero había estudiado en Venecia, en el brillante colorido y la apariencia voluminosa y estatuaria. Los cuatro hombres representan los cuatro temperamentos y edades distintas. En ellos se combina la tradición del norte de los Alpes con la grandiosa clásica de los clásicos y del Renacimiento italiano. Por encima de todo, reflejan el concepto de Lutero de una comunidad igualitaria de creyentes en una iglesia reformada

LA FIESTA DEL ROSARIO Realizada en 1506, óleo sobre tabla. Mide 162 x 194,5cm. Se encuentra Národní Gallerie, Praga. Este retablo representa a la Virgen entronizada ofreciendo rosarios. Los personajes principales, el papa Julio II y el emperador Maximiliano I, se arrodillan delante. Durero se incluyó a sí mismo atrás, a la derecha.

ARTISTA UTILIZANDO UNA MÁQUINA DE PERSPECTIVA Realizada en 1525. Mide 13,1 x 18,8cm. Se encuentra en Nuremberg. Esta ilustración detalla el uso de herramientas auxiliares para una reproducción más exacta de la perspectiva. Por medio de una cuerda tirante sujeta a una polea en la pared de la derecha, los dos hombres transfieren punto por punto la forma de un laúd a una plancha plegable situada a un lado.

GIORGIONE Giorgione, una de las figuras más misteriosas de la historia del arte. Está considerado como uno de los artistas más influyentes de la pintura europea. Sus pinturas transmiten su significado a través del color: las líneas son menos importantes y el dibujo retrocede tras la interacción de las modulaciones de los colores. El paisaje tiene dos funciones: servir como vehículo de transmisión y como atmosfera. Los mundos recreados en sus obras atraen por su delicadeza, melancolía y ambiente de ensoñación. Se inspiró en fuentes literarias y dotó de forma deliberada a sus obras de esa fascinación que prodúcela existencia de distintas interpretaciones.

Obras: LAURA Realizada en 1506, óleo sobre lienzo montado en tabla. Mide 41 x 34cm. Se encuentra en KunsthistorischesMuseum, Viena. En la parte de atrás hay una inscripción con la fecha en que se terminó y el nombre del pintor Zorzo de Castelfranco, Giorgione en el dialecto veneciano. El laurel alude a <<Laura>>, el nombre del personaje. Es uno de los pocos retratos que se han conservado de Giogione y está muy influido por la pintura de retratos venecianos.

LA TEMPESTAD Realizada en h. 1506, óleo sobre lienzo. Mide 82 x 73cm,Se encuentra en Galleriadell’Academia, Venecia. Dejando de ser mera decoración de fondo, la naturaleza se convierte en los cuadros de Giorgione en el auténtico tema del cuadro. El tormentoso cielo está lleno de dramatismo. Se desconoce el significado de las figuras representadas.

VENUS DOMIDA Realizada en h. 1510, óleo sobre lienzo. Mide 108 x 175cm. Se encuentra GemäldegalerieAlteMeister, Dresde. Esta Venus irradia completa paz mientras muestra su belleza. El cuadro lo terminó, a la muerte de Giorgione, su discípulo Tiziano, en cuyas primeras obras se observa la influencia de su maestro.

ESCULTORES TILMAN RIEMENSCHNEIDER AUGUSTE RODIN ALBERTO GIACOMETTI JUAN DE MESA DORÍFORO DONATELLO EMILE-ANTOINE BOURDELLE GIAN LORENZO BERNINI GIOVANI DA BOLOGNA MIGUEL ANGEL BUONARROTI

DONATELLO “Donatello di Niccoló di Betto Bardi” , nació en Florencia en 1386 y falleció en 1466. Fue un famoso escultor de principios del Renacimiento. Donatello destacó en la fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, relieve aplanado o aplastado.

Obras: “DAVID” 1440, escultura de bronce. Mide 158 cm de altura. Y se encuentra en el museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia. Obra representativa del quattrocento italiano, tiene un aire clásico debido a su desnudez y a su composición praxiteliana. Por lo que aunque se trata de un tema bíblico se reconoce a un héroe de la Antigüedad clásica.

“JUDITH Y HOLOFERNES” Realizada entre 1453 y 1457. Escultura de bronce, que mide 236 cm de altura. Se encuentra en la Sala de los Lirios del Palazzo Vecchio en Florencia. La estructura de la obra es piramidal. En la estructura se observa la oposición entre las dos figuras, como por ejemplo, Holofernes aparece desnudo mientras que Judith aparece completamente cubierta por la ropa.

“PÚLPITO EXTERIOR DE LA CATEDRAL DEL PRATO”. Realizada entre 1428 y 1438. Se encuentra en el Museo dell´Opera del Duomo (Prato). Mide 210cm de altura. Escultura compuesta por mármol, bronce y mosaico. Fue colocada en la parte sureste de la catedral de Prato para proporcionar el vinculo entre el lado romántico y la fachada gótica. Una vez concluido fue celebrado por la elegancia de su baldaquino o sombrilla, con un techo de madera de cuadratura radial, originalmente pintado de rojo, azul y oro.

EMILE-ANTOINE BOURDELLE Bourdelle, nació en 1861 y falleció en 1929. Fue un escultor de figuras de gran modernidad, llenas de fuerza y expresividad, que le incluyen en el Nuevo Humanismo de comienzos de siglo y le proyectan como precursor de la escultura figurativa más avanzada del siglo XX.

Obras: “Gran guerrero de Mountauban” 1898. Se encuentra en el Hirshhorn Museum de Washington. En esta escultura aparece un corpulento soldado desnudo, enarbolando una espada con una mano, y la otra extendida y abierta, en violento impulso expresionista. Está labrado con una gran robustez y volumen, tiene una rústica simplicidad. El guerrero está inacabado por sus extremidades inferiores.

“HÉRCULES ARQUERO” 1909. Se encuentra en el Museo de D´Orly. Realizada con gran fuerza, solidez y corporeidad. Inspirada en la escultura arcaica griega. Hércules, musculoso, aparece preparado para lanzar la flecha. Bourdelle capta la tensión del momento y la inmovilidad, se encuentra en una postura forzada de palanca en las piernas y brazos, que se contraponen con el de el arma. Como resultado queda un bronce de gran efecto plástico y dinamismo estático.

“CABEZA DE APOLO” 1900-1909. Realizada en bronce. Esta escultura inagura su predilección por los temas mitológicos. Imagen que muestra la búsqueda del orden y de síntesis. En esta obra podemos ver la atracción por la escultura griega arcaica debido al volumen. También podemos ver en la obra como Bourdeller acaba con su estética.

GIAN LORENZO BERNINI: Gian Lorenzo Bernini nació el 7 de diciembre de 1598 y murió el 28 de noviembre de 1680. Escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo.

Obras: “CABRA AMALTEA” 1625, escultura de mármol, que mide 44 cm de altura. El mito de la cabra Amaltea es una leyenda heredada de la mitología griega y, posteriormente adaptada por los romanos, que dicen que Amaltea es la cabra que alimentó con su leche a Júpiter, el dios Zeus en la mitología griega, el pequeño dios había roto uno de sus cuernos, el cuerno de la abundancia, como un símbolo asignado a la mayoría de personificaciones romanas, el cual es visible en los reversos de las monedas.

EL RAPTO DE PROSERPINA Realizada entre 1621 y 1622. Estatua de mármol, que representa a Proserpina siendo raptada por Plutón, soberano de los infiernos. Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla.

LA VERDAD DESCUBIERTA POR ELTIEMPO Realizada en 1645. Su idea original, atestiguada por bocetos iniciales, era realizar una escultura con el tema La Verdad descubierta por el Tiempo donde este último, en forma de un torbellino, desnudaba violentamente a la primera. Finalmente, quedó la imagen de la Verdad desnudada con violencia pero no la representación del Tiempo. Además incluye una especie de sol que la Verdad sostiene entre sus manos y que simbolizaría la verdad que es descubierta.

GIOVANI DA BOLOGNA Giambologna nació en 1529 en Duvai y falleció en 1608 en Florencia. Fue el escultor más importante que surge en la transición del Renacimiento al Barroco. Creó esculturas independientes, de tamaño natural, piezas monumentales para jardines y figuras de bronce. Giambologna fue el escultor manierista más importante de Italia. Sus figura magistrales en su composición parecen tener vida propia. Su dominio absoluto de las técnicas le llevó a abrir nuevas posibilidades en la escultura de bronce, llevando sus representaciones al máximo. Creó escenas tan sofisticadas como sensuales. Sus figuras de bronce se convirtieron en preciados objetos de coleccionistas por toda Europa y ejercieron gran influencia tanto en los escultores coetáneos como posteriores.

Obras: APENINOS Realizada en 1580. Escultura de piedra de más de 10cm de altura. Se encuentra en el parque cercano a la Villa Demidoff, Pratolino, cerca de Florencia. Escultura, a cuyo interior se puede acceder, que personifica la cadena montañosa de los Apeninos italianos. En esta lograda obra se desdibujan los límites entre la naturaleza, la escultura y la arquitectura. También ilustra la inclinación manierista a traspasar los límites, así como el gusto por las figuras a escala monumental.

MERCURIO Realizada en 1580. Escultura de bronce que mide 187cm de altura. Se encuentra en el Museo del Bargello, Florencia. Mercurio el mensajero de los dioses, parece conquistar la fuerza de la gravedad desplazándose raudo en el aire con sus pies alados. El virtuoso escultor equilibra todo ese peso de la figura en un único punto. Mercurio se encuentra en una corriente de aire que sale de la boca de Céfiro, el dios del viento. El brazo que gesticula hacia arriba acentúa la ligereza que transmite el cuerpo.

EL RAPTO DE LAS SABINAS h.1583. Escultura de mármol que mide 410cm de altura. Se encuentra en la Plazza della Signoria, Florencia. En esta escultura se observan varias figuras que describen una curva en “S” se enroscan unas a otras formando un espiral que se dirige hacia arriba. Se trata de una perfecta ejecución de la composición llamada figura serpentinata. La posición de los personajes hace que el espectador tenga que moverse alrededor de la obra, lo que le revela nuevas vistas en cada posición. Se representa la leyenda clásica del rapto de las sabinas a manos de los romanos. La fuerza y la brutalidad están plasmadas con maestría en esta dinámica pieza.

MIGUEL ANGEL BUONARROTI Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. Nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento. Valorado por la fidelidad reflejada por el colorido de la época. Miguel Ángel a los 16 años de edad ya había realizado dos esculturas en relieve.

Obras: VIRGEN DE LA ESCALERA 1491, escultura en relieve de mármol y que se encuentra en la Casa Buonarroti de Florencia. La obra tiene unas medidas de 55,5 x 40 cm. Está trabajada con el mismo estilo virtuoso de Donatello en la Virgen de la Leche, nombrado estilo stiacciato que significa literalmente «relieve comprimido». Los escalones de la escultura representan el camino al paraíso

BACUS Realizada entre 1496 y 1497 por Miguel Ángel, escultura de mármol. Con una altura de 203 cm se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia. Primera obra maestra de Miguel Ángel, donde muestra la sexualidad y simboliza el espíritu del hedonismo clásico. También muestra el sátiro como referencia a Sileno y la piel desollada y llena de uvas simboliza la vida sobre la muerte.

MADONNA DE BRUJAS Realizada entre los años 1501 y 1504. Sus medidad son de 123 centímetros. La obra se encuentra en la iglesia de Nuestra Señora en Brujas. Debido a su verticalidad adquiere una solemnidad plástica.

TILMAN RIEMENSCHNEIDER Tilman nació h.1440 en Heiligentadt y falleció en 1531 Wuzburgo. Fue un escultor destacado del Renacimiento alemán. Combina la expresividad religiosa con una reproducción realista de los rostros. Trabajó sobre todo con madera de tilo sin pintar, pero también con alabastro, piedra caliza y mármol. Fue un artista del gótico tardío o del primer Renacimiento. La obra de este escultor constituye un puente entre los estilos antiguo y nuevo. Típicamente tardomedievales son los ricos e intrincados marcos de sus grandes retablos. Los rostros realistas de las figuras y los desnudos cuidadosamente estudiados anuncian una nueva etapa. Tilman abandonó el opulento estilo popular vigente de pintura y dorado de las esculturas y los relieves. Este escultor siempre estuvo vinculado con los temas religiosos, de hecho, tiene obras de personajes religiosos en invitan a los espectadores a reflexionar.

Obras: ADÁN Realizada en 1510. Escultura de madera de peral, que mide 24cm de altura. Se encuentra en el Kunsthistorisches Museum, Viena. La obra se corresponde con los ideales góticos de belleza, los detalles naturalistas y la curva en “S” del esbelto cuerpo muestra un nuevo interés por la forma humana y su representación artística.

ÚLTIMA CENA 1501-1505, madera de tilo y de pino. Mide 4,16 m de anchura. Se encuentra en la iglesia de San Jacobo, Rothenburgo. Esta obra de arte tallada es la parte central de un gran retablo de cuatro partes conocido como la Santa Sangre. Las figuras salen de un material casi perfecto, el énfasis principal se encuentra en los rostros, con expresiones individuales, llenas de carácter y vitalidad en sus animados gestos. El vano de la parte de atrás de la pieza permite que la luz ilumine con especial viveza todo el conjunto.

ASUNCIÓN DE LA VIRGEN 1505-1510.Escultura de madera de tilo. Mide 7x3,5 m. Se encuentra en kunsthistoriches Museum, Viena. El artista esculpió él mismo las figuras principales de tamaño natural, aunque dejo partes de la enorme pieza para que las contemplaran los miembros de su taller.

AUGUSTE RODIN Nació en París el 12 de noviembre de 1840 y falleció en Meudon el 17 de noviembre de 1917. Fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». TÉCNICA El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

Obras: LOS BURGUESES DE CALAIS La escultura estuvo lista en 1888 para finalmente ser terminada e inaugurada en 1895. La escultura está realizada en bronce. Mide 2 metros de alto y cerca de 2,5 metros de ancho y se encuentra en el puerto francés de Calais. Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos en ropajes similares. No se narra un instante específico congelado en el tiempo, sino un espectro de pensamientos, sentimientos y decisiones.

LAS PUERTAS DEL INFIERNO Mide 6,35m de alto, 4 de ancho y 1 de profundidad. Contiene 180 figuras cuyas dimensiones fluctúan entre los 15cm y más de un 1 m.Actualmente se encuentran en el Museo Rodin de París, pero no están completas. El material es bronce, aunque no se fundió hasta después de la muerte del artista.

EL BESO Este grupo escultórico fue realizado en el año 1886 y se encuentra en el Museo Rodin. Mide 183 cm de altura. El material con el que está elaborado es el mármol. Fue realizado dentro del diseño inicial de las Puertas del Infierno y exhibido en el Salón de 1898. Existen otras versiones del mismo. La composición revela una de las características más distintivas de Rodin: la no utilización de un punto de vista único, sino la visualización del conjunto desde varios observatorios.

ALBERTO GIACOMETTI Nació en 1901, Borgonova y falleció en 1966, Chur (Suiza). Un destacado escultor y pintor del siglo XX. Tras 1945 desarrolló un estilo único y personal de escultura basado en sus experiencias durante la guerra. Sus frágiles y delgadas esculturas son representaciones simbólicas de la soledad y el aislamiento del hombre moderno. Considerado uno de los escultores más destacados del período de posguerra. Su obra está muy influida por los surrealistas. Durante el curso de la guerra, su estilo experimentó un cambio radical y comenzó a centrarse en la concepción de lo humano. El artista empezó a esculpir de memoria en lugar de basándose en un modelo, lo que se tradujo en un estilo propio. Fue un artista <<en busca del absoluto>>.

Obras: DIEGO Realizada en 1952-1953 Mide 57x53,5x40cm. Se encuentra Centro Georges Pompidou Trabajó temas como obsesiones, podríamos decir con Saura: hombres y mujeres de pie, gente andando, pequeños grupos de figuras aisladas o bustos; y con muy pocos modelos, siempre de su círculo más íntimo.; entre ellos su hermano Diego, que posó para él "diez mil veces", como el escultor dijo en una ocasión. Aunque la escultura pueda hacer pensar otra cosa, Giacometti controlaba cada pose y la distancia respecto al modelo, al que hacía estar inmóvil y en silencio.

PALACIO A LAS CUATRO DE LA MAÑANA Realizada en 1932-33. Se encuentra Museo de Arte Moderno de Nueva YorkA principios de los años treinta, cuando Giacometti está en el círculo de Breton, fabrica objetos, como "La hora de las huellas" o este "Palacio a las cuatro de la mañana", hitos en su camino a la escultura más personal de la posguerra. Fruto de una relación conflictiva y absorbente de seis meses con una mejor que le iba "transformando mágicamente a cada instante", Giacometti plantea un problema plástico y vital que hace pensar en Duchamp y El Gran Vidrio.

MUJER ALTA II Realizada en 1960, bronce. Mide 277 x 60 x 31cm. Se encuentra en la Fundación Maeght, Saint-Paul-de-Vence. Las altas y estilizadas estatuas de Giacometti recuerdan a los jeroglíficos y remiten a la idea de espacio. A pesar de esbozar, tan sólo una anatomía, el alargamiento de esta demacrada figura responde a unas proporciones exactas y dota a las esculturas de una impresionante e intensa presencia. Su fragilidad y aspecto quebradizo quedan alzadas por el modelado rugoso y tosco de la superficie.

JUAN DE MESA Juan de Mesa y Velasco nació en 1583, Córdoba. Fue uno de los escultores más relevantes del barroco. Pertenece a la primera generación de discípulos de Martínez Montañés. En la actualidad, Juan de Mesa está considerado como uno de los representantes más importantes del realismo sevillano. Se dedico casi en exclusividad a las imágenes procesionales, realizando numerosos estudios anatómicos de figuras humanas reales, vivas y muertas, para luego plasmarlas en sus obras con gran realismo. Esta fue su gran aportación. Su producción se sitúa dentro de la estética barroca. Sus desnudos revelan un gran conocimiento de la anatomía humana, los rostros de sus figuras reflejan una intensa vida interior y los ropajes de sus personajes crean intensos contrastes de luz.

Obras: EL CRISTO DE LA BUENA MUERTE Realizada en 1620. Es una escultura en madera policromada. Presenta un estudio realista de la anatomía y transmite dulzura y suavidad. Aparece sin característica corona de espinas de los crucificados de Mesa

JESÚS DEL GRAN PODER Realizado en 1620 para la cofradía del Traspaso de Sevilla. Es una de sus obras más conocidas. La talla muestra la influencia del Jesús de la Pasión de Montañés . Este Nazareno es el paso más popular de Semana Santa de Sevilla.

CRISTO DEL AMOR Realizada en 1618. La talla alcanza 1´81 metros de altura. Jesús aparece muerto. Los representa con tres clavos y de un tamaño mayor que el natural. Capta a la perfección la anatomía del cuerpo, pudiéndose apreciar la tensión de los músculos, los tendones y las venas y la expresividad del rostro.

DORÍFORO Policleto de Argos (h. 450-420 a.C.) fue uno de los escultores más famosos e imitados de la antigüedad. Aunque se han perdido, las obras de Policleto seguían un canon de proporciones que establecía la belleza ideal del cuerpo basándose en proporciones matemáticas. También participó en la creación de la postura llamada contraposto, en la que el peso del cuerpo de la figura se apoya sobre un pie dejando el otro ligeramente levantado. Esta postura resultaba mucho más natural que las que se habían usado con anterioridad y dotaba a las esculturas con mayor realismo. El contraposto fue la primera postura que permitió que la influencia de la gravedad afectara a la relación entre los músculos y los miembros de las figuras. La representación de Policleto de la anatomía humana se convirtió en la base y el estándar de la escultura europea hasta el siglo XX.

Obras: EFEBO DE KRITIO Escultura realizada en el periodo arcaico tardío/clásico temprano, 490-480 a.C. Mide 86cm el fragmento más alto (figura original: 117cm). Se encuentra en el Museo de la Acrópolis, Atenas. Con los kuroi se empezóa distribuir el peso de modo desigual entre una pierna y otra. La tensión y el reposo de las cadenas ligeramente inclinadas se refleja en la musculatura del tronco.

DORÍFORO Copia romana del original de bronce de 440 a.C. Escultura de mármol. Mide 212cm de altura. Se encuentra en el Museo Nacional, Nápoles. El Doríforo, o lancero, se conoce a través de una colección de copias de mármol romanas. Se cree que Policleto utilizó el Doríforo como ejemplo práctico y demostración de sus teorías sobre el canon de las proporciones. El pie levantado está más retrasado que el del Efebo de Kritios. Debido al desplazamiento de la figura, el cuerpo describe una suave <<S>>. La postura del contraposto crea zonas opuestas de tensión y relajación en el cuerpo. Policleto creó la conformación ideal de un atleta.

DIANUMENOS Copia del siglo I a.C., mármol. Mide 195cm de altura. Se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional, Atenas. Encontrada en Delos, esta copia de mármol del Diadumenos muestra a un joven atleta colocándose una diadema, la banda en la antigua Grecia identificaba al ganador. El atleta aparece dando medio paso, postura que trasmite un gran sentido de dinamismo y viveza. Aunque los brazos están rotos por la muñeca, resulta aparente que la figura está concentrada en su acción. El bronce original, de hacia 420 a.C., se atribuye a Policleto porque, estilísticamente, la figura es similar al resto de sus obras.

FOTOGRÁFOS ROBERT CAPA MAN RAY HENRI CARTIER BRESSON MORTEN HVAAL CECIL BEATON

ROBERT CAPA Nació en el año 1913 y falleció en el año 1954. Fotógrafo estadounidense célebre por sus fotografías como corresponsal de guerra. Nació en Hungría, su verdadero nombre era André Friedmann. El prestigio internacional le llegó sobre todo a partir de sus reportajes sobre la guerra civil española y sobre la Segunda Guerra Mundial, al captar con su cámara episodios bélicos como los bombardeos japoneses sobre China, las campañas del norte de África y el desembarco de Normandía.

MAN RAY Nació en 1890 en Filadelfia (Estados Unidos) y falleció en 1976 en París. Artista estadounidense impulsor de los movimientos dadaísta y surrealista en Estados Unidos. Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas.Captó la atención con sus primeras fotos abstractas, a las que bautizó como rayogramas.

HENRI CARTIER BRESSON Henri CartierBresson nació en 1908 y falleció en 2004. Fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images à la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

MORTEN HVAAL Nacido en Noruega, en el año 1963, Morten Hvaal creció viajando por todo el mundo. Su interés por la fotografía comenzó cuando era un adolescente y su padre le dejó utilizar su cámara. Fue mejorando y se convirtió en el ganador del premio internacional al mejor fotógrafo, escritor y director de documentales. Desde 1982, Hvaal ha cubierto principalmente conflictos y crisis humanitarias en todo el mundo. Es uno de los fotógrafos de World Picture News.

CECIL BEATON Cecil Beaton nació en Londres en 1904 y falleció en 1980 en Salisbury. Fotógrafo y diseñador británico. Influenciado en sus inicios por el pictoricismo característico de la fotografía de arte, se convirtió con posterioridad en el artista de la aristocracia británica. Se dedicó también a la escenografía y a la creación de vestuario.

AUTORES LIBRES STEVEN SPIELBERG MARTIN SCORSESE ALFRED HITHCOCK WOODY ALLEN WALT DISNEY QUINO

STEVEN SPIELBERG Steven nació en Cincinnati, Ohio el 18 de diciembre de 1946. Es un director, guionista y productor estadounidense de cine. Steven Spielberg está casado con la actriz Kate Capshaw, a quien conoció durante las audiciones para la película Indiana Jones and the Temple of Doom Es uno de los directores más reconocidos en la industria del cine mundial. Ha sido condecorado con la Orden del Imperio Británico y la Medalla Nacional de Humanidades. Spielberg ha producido Poltergeist, Transformers, transformers: Revenge of the Fallen, Los Picapiedra, Casper, Men in Black, Impacto profundo, Jurassic Park y La Máscara del Zorro, entre otras.

E.T EL EXTRATERRSTRE Realizada en 1982, película de ciencia ficción que cuenta la historia de una amistad muy especial que se desarrolla entre Elliott, un chico joven y solitario que reside en un barrio a las afueras de una ciudad californiana, y un visitante sabio y de gran corazón procedente de otro planeta que se pierde en la Tierra. Mientras Elliott intenta ayudar a su compañero extraterrestre a contactar con su planeta natal para que le rescaten, deben escapar de científicos y agentes del gobierno que desean apresar al alienígena.

JURASSIC PARK “Parque Jurasico”. Realizada1993, película de aventuras, ciencia ficción y fantasía. Su argumento trata de un multimillonario, John Hammond, el cual consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público invita a una pareja de eminentes científicos y un matemático a que lo visiten para comprobar la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad diseñadas para el parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana.

TIBURÓN Realizada en 1975, es una película de terror, basada en el best-seller homónimo de Peter Beckley. Cuyo argumento es que en una población turística de Amity Island, los ataques de un tiburón blanco está causando el pánico entre sus residentes y visitantes. El jefe de policía local Brody requerirá la ayuda del ictiólogo Hoguer y de un veterinario marino llamado Quint para acabar con el temible animal.

MARTIN SCORSESE Martin Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942. Es un director, guionista, actor y productor estadounidense. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida ítalo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música. Scorsese es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación

Obras: BRINGING OUT THE DEAD “Al límite”,2000, película cuyo género es el drama. El argumento de la película va de un ATS conductor nocturno de ambulancias de Nueva York, Frank Pierce, quien estaba cansado por el estrés y la dureza de sus condiciones de trabajo, ya que se pasa las noches recogiendo a todo tipo de enfermos. Frank Pierce comienza a sufrir alucinaciones en las que se aparecen personas que no pudo salvar, por lo que se obsesiona con la necesidad de salvar vidas.

CASINO 1995, la película es un drama. La sinopsis de esta película trata de un profesional de las apuestas en carreras de caballos que es elegido por un grupo de mafiosos como director de un casino. Su misión es controlar el funcionamiento del negocio y asegurar que la corriente de dinero que va a parar a manos de sus jefes siga fluyendo. Las Vegas es el lugar donde se encuentra el casino, lugar ideal para millonarios y políticos pero también lugar de paso para jugadores de bajos fondos, prestamistas, traficantes de drogas y matones.

THE COLOR OF MONEY “El color del dinero”, 1986, película de drama e inspirada en un novela de 1984 del escritor Walter Tevis cuyo argumento trata de un antiguo campeón de billar, Eddie Felson, retirado de todo ese mundo se dedica a sus negocios de licores. Un día, en una sala de juego conoce a Vincent, un joven también jugador de billar, que aún no ha encontrado todavía oponente y que siempre va acompañado de su novia, encargada de las apuestas que se hacen sobre él.

ALFRED HITCHCOCK Alfred Hitchcock nació en Londres el 13 de agosto de 1899 y murió en Los Ángeles el 29 de abril de 1980. Fue un director de cine británico nacionalizado estadounidense. Figura del cine de intriga y misterio.Fue quien modificando las normas del cine de terror, renovó el género y supo crear un estilo propio

Obras: VERTIGO 1958, película de intriga cuyo argumento trata de un detective de la policía de San Francisco, Scottie Fergusson, que siente miedo a las alturas y se ve obligado a retirarse cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un viejo amigo del colegio, Gavin Elster, contrata a Scottie para vigilar a su esposa Madeleine, una bella mujer que está obsesionada con su pasado.

CON LA MUERTE EN LOS TALONES 1959, película de intriga, cuyo argumento trata de un ejecutivo del mundo de la publicidad es confundido con un agente de gobierno por una organización de espionaje. El ejecutivo es secuestrado por tres individuos y llevado a una mansión en la que es interrogado pero consigue huir antes de que lo maten. Al día siguiente vuelve a la mansión acompañado de la policía no hay ni rastro de las personas que había descrito el ejecutivo.

LA TRAMA 1976, película de intriga, que, trata de una falsa espiritista, Blanche Tyler, que hace pequeños trabajos para ganarse la vida haciéndose pasar por vidente, conoce la existencia de Arthur Adamson, hijo ilegítimo de una rica anciana que desea nombrarle su heredero. Adamson se ha convertido en un estafador con la complicidad de su amante Fran.

WALT DISNEY Walter Elias Disney nació en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901 y falleció en Los Ángeles, California, el 15 de diciembre de 1966. Fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Fue el fundador, junto con su hermano Roy O. Disney, de The Walt Disney Company.

Obras: Mickey Mouse Disney creó un nuevo personaje. El ratón iba a llamarse en un principio "Mortimer", pero más tarde fue bautizado como "Mickey Mouse“.La primera aparición cinematográfica de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en PlaneCrazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha.El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947. Disney obtuvo una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad“.

LA CENICIENTA Película animada de 1950 basada en el cuento popular de Charles Perrault. La película fue producida por Walt Disney. Galardonada con el Premio especial del Festival Internacional de Cine de Venecia 1951. El premio Oso de Oro y el premio Grand Bronze Plate del Festival Internacional de Cine de Berlín 1951; y El Premio Young Artist Awards 1999. Cenicienta es una bella joven que, después de la muerte de su padre se ve obligada a ser la sirvienta de su madrastra. Un día llega una invitación para una gran fiesta que ofrecerá el Príncipe. Cenicienta con la ayuda se su hada madrina consigue asistir a la fiesta y casarse con el príncipe.

PATO DONALS Es un personaje de Disney, caracterizado como un pato antropomórfico de color blanco y con el pico, las piernas y las patas anaranjadas. Generalmente viste una camisa de estilo marinero y un sombrero, sin pantalones, excepto cuando va a nadar. Donald ha protagonizado multitud de dibujos animados e historietas. La primera aparición de Donald fue en la animación Sinfonías tontas y La gallinita sabia, el 9 de junio de 1934.

QUINO Joaquín Salvador Lavado nació Guaymallén, Provincia de Mendoza, Argentina, el 17 de julio de 1932. Conocido como Quino, es un pensador, humorista gráfico y creador de historietas de nacionalidad argentina e hijo de inmigrantes españoles. Su obra más famosa es la tira cómica Mafalda. Los protagonistas suelen ser gente normal haciendo su vida, aunque Quino no renuncia a escenas surrealistas o alegóricas y a las reacciones caricaturescas. El humor de Quino es típicamente ácido e incluso cínico. Este enfoque pesimista de la realidad no impide que sus historias estén llenas de ternura y muestren una honda simpatía por las inocentes víctimas de la vida (empleados, niños, amas de casa, pensionistas, oscuros artistas...), sin ocultar sus fallos y limitaciones

Obras: MAFALDA Realizada de 1964 a 1973, la cual está protagonizada por la niña homónima, "espejo de la clase media latinoamericana y de la juventud progresista" que se muestra preocupada por la humanidad y la paz mundial, y se rebela contra el mundo legado por sus mayores. Su género es cómico.

DEJENME INVENTAR Déjenme inventar es un cómic totalmente imaginativo, donde hasta los dioses rinden cuentas con hacienda, donde desfilan astronautas, agencias de viajes interestelares, nuevas culturas buscadas por personajes aventureros. Un cómic que consigue arrancar una sonrisa complice al lector.

LA AVENTURA DE COMER Con el humor, la lucidez y la ternura que caracterizan sus famosísimas tiras cómicas, el creador de Mafalda nos muestra que incluso el acto de comer puede ser toda una aventura. Esta nueva colección de historietas no dejará indiferente a nadie. Visita de Quino a Barcelona durante el salón del cómic , donde será el invitado especial. No te pierdas el humor de Quino. Comilones glotones, camareros torpes, clientes exigentes, chefs afrancesados, moscas ensopadas... De la mano de Quino, comer puede ser una aventura muy divertida.

40 principales.Lucia.

Recomendados

Recomendados

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

La actualidad más candente (20)

Destacado

Destacado (20)

Similar a 40 principales.Lucia.

Similar a 40 principales.Lucia. (20)

40 principales.Lucia.