A-los fundamentos del arte.pptx

ÍNDICE
•Definición de arte a lo largo de la historia y perspectiva actual. Diferencia
entre arte y artesanía.
•Tecnología del arte, materiales, técnicas y procedimientos.
•Aspectos históricos, geográficos y sociales del arte.
•Teorías del arte: formalismo, expresionismo, simbolismo e
intelectualismo.
•Terminología específica del arte y la arquitectura.
•Análisis y crítica de la obra de arte.
•Representaciones y creaciones de mujeres.
•Pintoras: Sofonisba Anguisola, Artemisa Gentileschi, Judith Leyster,
Elisabeth Vigée Le Brun, Rosa Bonheur, Barbara Krafft, Mary Cassatt,
Frida Kahlo, Tamara de Lempicka, entre otras.
•Escultoras: Sabina von Steinbach, Properzia de Rossi, Luisa Roldán,
Camille Claudel, entre otras.
•Arquitectas: Matilde Ucelay, Charlotte Perriand, Lilly Reich, Lina Bo
Bardi, Zaha Hadid, Kazuyo Sejima, entre otras.
•Arte conceptual y arte objeto.
•El arte en la prehistoria y en las antiguas civilizaciones:
•Pintura rupestre.
•Arte mobiliar.
•Arquitectura megalítica.
•Expresiones artísticas en Mesopotamia, Persia y Egipto.
Puedes descarcarte los archivos en:
https://sites.google.com/site/artessanisidro/fundamentos-
Artemisia Gentileschi
autorretrato como alegoría
de la pintura 1638-39

LÍNEA DEL TIEMPO CONTENIDOS: LOS FUNDAMENTOS DEL ARTE
PREHISTORIA EDAD ANTIGUA EDAD MEDIA EDAD MODERNA EDAD CONTEMPORÁNEA
Albores de la humanidad
hasta 5000 a C
5000 a C hasta 400 d C 400 hasta 1400 1400 a 1800 1800 hasta la fecha
PALEOLÍTICO
NEOLÍTICO
EDAD DE BRONCE
EDAD DE HIERRO
MESOPOTAMIA
EGIPTO
GRECIA
ROMA
AMÉRICA
PRECOLOMBINA
CHINA
PRERROMÁNICO
BIZANTINO
ROMÁNICO
CISTERCIENSE
GÓTICO
RENACIMIENTO
MANIERISMO
BARROCO
ROCOCÓ
NEOCLASICISMO
ROMANTICISMO
SIMBOLISMO
REALISMO
ARTS AND CRAFS
IMPRESIONISMO
POSTIMPRESIONISMO
DADAISMO
ART NOVEAU
FUNCIONALISMO
MOVIMIENTO MODERNO
EXPRESIONISMO
PINTURA METAFÍSICA
SURREALISMO
NEOPLASTICISMO
COSTRUCTIVISMO
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
POP ART
ARTE CONCEPTUAL
HIPERREALISMO
POSMODERNIDAD
DECONSTRUCTIVISMO

Definición de la RAE :arte
Del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη téchnē.
1. m. o f. Capacidad, habilidad para hacer algo.
2. m. o f. Manifestación de la actividad humana
mediante la cual se interpreta lo real o se plasma lo
imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o
sonoros.
3. m. o f. Conjunto de preceptos y reglas necesarios
para hacer algo.
4. m. o f. Maña, astucia.
5. m. o f. Disposición personal de alguien. Buen, mal
arte.
6. m. o f. Instrumento que sirve para pescar. U. m. en
pl.
7. m. o f. rur. Man. noria (‖ máquina para subir agua).
Atributos de la pintura, la escultura y la arquitectura (1769),
de Anne Vallayer-Coster.
CABELLO/CARCELLER. "UNA VOZ PARA ERAUSO. EPÍLOGO
PARA UN TIEMPO TRANS".

A pesar de su amplio significado muchas veces ligado a la
buena práctica o la técnica la que nos interesa considerar
es el arte como cualquier actividad o producto realizado
con una finalidad estética y también comunicativa,
mediante la cual se expresan ideas, emociones y, en
general, una visión del mundo, a través de diversos
recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros,
corporales y mixtos.
El arte es un componente de la cultura, reflejando en su
concepción las bases económicas y sociales, y la
transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier
cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.
Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens
el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o
religiosa (arte paleolítico), pero esa función cambió con la
evolución del ser humano, adquiriendo un componente
estético y una función social, pedagógica, mercantil o
simplemente ornamental.

La definición de arte es abierta, subjetiva y discutible. No existe
un acuerdo unánime entre historiadores, filósofos o artistas. A lo
largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte,
entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás
de Aquino); «el arte es aquello que establece su propia regla»
(Schiller); «el arte es el estilo» (Max Dvořák); «el arte es
expresión de la sociedad» (John Ruskin); «el arte es la libertad del
genio» (Adolf Loos); «el arte es la idea» (Marcel Duchamp); «el
arte es la novedad» (Jean Dubuffet); «el arte es la acción, la vida»
(Joseph Beuys); «arte es todo aquello que los hombres llaman
arte» (Dino Formaggio); «el arte es la mentira que nos ayuda a
ver la verdad» (Pablo Picasso); «arte es vida, vida es arte» (Wolf
Vostell).
El concepto ha ido variando con el paso del tiempo: hasta el
Renacimiento, solo las artes liberales eran consideradas arte; la
arquitectura, la escultura y la pintura eran consideradas
“manualidades”.
Su función puede variar desde la más práctica hasta la más
ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente
estético, puede ser duradero o efímero. En el siglo XX se pierde
incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio
de expresión artística, destacando el aspecto vital, la acción. Así,
todo el mundo es capaz de ser artista.

Definición del arte a lo largo de la historia
En la antigüedad clásica grecorromana, una de las principales
cunas de la civilización occidental y primera cultura que
reflexionó sobre el arte, se consideraba el arte como una
habilidad del ser humano en cualquier terreno productivo, siendo
prácticamente un sinónimo de ‘destreza’: destreza para construir
un objeto, para comandar un ejército, para convencer al público
en un debate, o para efectuar mediciones agronómicas. En
definitiva, cualquier habilidad sujeta a reglas, a preceptos
específicos que la hacen objeto de aprendizaje y de evolución y
perfeccionamiento técnico. En cambio, la poesía, que venía de la
inspiración, no estaba catalogada como arte. Así, Aristóteles, por
ejemplo, definió el arte como aquella «permanente disposición a
producir cosas de un modo racional», y Quintiliano estableció
que era aquello «que está basado en un método y un orden» (via
et ordine) Platón, en el Protágoras, habló del arte, opinando que
es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a
través de un aprendizaje. Para Platón, el arte tiene un sentido
general, es la capacidad creadora del ser humano. Casiodoro
destacó en el arte su aspecto productivo, conforme a reglas,
señalando tres objetivos principales del arte: enseñar (doceat),
conmover (moveat) y complacer (delectet).

Durante la Edad Media
Las obras de arte medievales surgieron en un contexto en el que no
existía el concepto de arte como fin en sí mismo ni el de la belleza
como su objetivo, ni siquiera el concepto mismo de artista o de
bellas artes (sino el de artes mecánicas, diferenciadas de las
liberales). El objeto artístico medieval tenía, en el seno de la
sociedad en que era producido, un carácter básicamente funcional.
Para el medievalista francés Georges Duby, la obra de arte medieval
cumplía fundamentalmente tres cometidos:
Ser una ofrenda a Dios, a los santos y a los difuntos, con el fin de
obtener su gracia, su indulgencia. La riqueza de los adornos de las
iglesias era vista como una ofrenda necesaria a Dios, para la que
eran necesarios los mejores materiales y las mejores técnicas.
Ser intermediaria entre el mundo sobrenatural y el humano,
haciendo visible en este las realidades divinas. Se suele atribuir a las
imágenes medievales una función pedagógica: explicar los dogmas
de la fe cristiana y la historia sagrada a los iletrados.
Ser una afirmación de poder: por un lado, del poder de Dios y de la
Iglesia (el poder religioso); por otro, del poder político
(emperadores, reyes, y las mismas instituciones eclesiásticas).
Corona votiva de Recesvinto
Museo Arqueológico Nacional
Arte Visigodo
Detalle Beato de Gerona
La Monja Ende

Durante el Renacimiento se empezó a gestar un cambio de
mentalidad, separando los oficios y las ciencias de las artes, donde
se incluyó por primera vez a la poesía, considerada hasta
entonces un tipo de filosofía o incluso de profecía, para lo que fue
determinante la publicación en 1549 de la traducción italiana de la
Poética de Aristóteles. En este cambio intervino considerablemente
la progresiva mejora en la situación social del artista, debida al
interés que los nobles y ricos prohombres italianos empezaron a
mostrar por la belleza. Los productos del artista adquirieron un
nuevo estatus de objetos destinados al consumo estético y, por
ello, el arte se convirtió en un medio de promoción social,
incrementándose el mecenazgo artístico y fomentando el
coleccionismo.
Surgieron en ese contexto varios tratados teóricos acerca del arte,
como los de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439; De re
aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los Comentarios (1447)
de Lorenzo Ghiberti. Alberti recibió la influencia aristotélica,
pretendiendo aportar una base científica al arte. Habló de
decorum, el tratamiento del artista para adecuar los objetos y
temas artísticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti
fue el primero en dividir la historia del arte en períodos,
distinguiendo antigüedad clásica, periodo medieval y lo que llamó
“renacer de las artes”.
Leon Battista Alberti De Pictura,
1436-1439
Las Puertas del Paraíso obra del
escultor Lorenzo Ghiberti

Concepto del Arte en el manierismo, y el Barroco
Con el manierismo comenzó el arte moderno: las cosas ya no se
representan tal como son, sino tal como las ve el artista. La
belleza se relativiza, se pasa de la belleza única renacentista,
basada en la ciencia, a las múltiples bellezas del manierismo,
derivadas de la naturaleza. Apareció en el arte un nuevo
componente de imaginación, reflejando tanto lo fantástico como
lo grotesco, como se puede percibir en la obra de Brueghel o
Arcimboldo. Giordano Bruno fue uno de los primeros pensadores
que prefiguró las ideas modernas, hay tantos artes como artistas,
introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene
normas, no se aprende, sino que viene de la inspiración.
Siglo XVIII con la Ilustración, donde comenzó a producirse cierta
autonomía del hecho artístico: el arte se alejó de la religión y de
la representación del poder para ser fiel reflejo de la voluntad
del artista, centrándose más en las cualidades sensibles de la
obra que no en su significado. Jean-Baptiste Dubos, en
Reflexiones críticas sobre la poesía y la pintura (1719), abrió el
camino hacia la relatividad del gusto, razonando que la estética
no viene dada por la razón, sino por los sentimientos. Dubos hizo
posible la popularización del gusto, oponiéndose a la
reglamentación académica, e introdujo la figura del ‘genio’, como
atributo dado por la naturaleza, que está más allá de las reglas.
Jean-Baptiste Dubos, en Reflexiones
críticas sobre la poesía y la pintura
(1719),

Concepto del Arte en romanticismo
En el romanticismo, surgido en Alemania a finales del siglo XVIII
con el movimiento denominado Sturm und Drang, triunfó la idea
de un arte que surge espontáneamente del individuo,
desarrollando la noción de genio: el arte es la expresión de las
emociones del artista, que comienza a ser mitificado. Surgieron
las primeras manifestaciones de la autonomía del arte, ligado a la
naturaleza. Para ellos, en la obra de arte se encuentran el interior
del artista y su propio lenguaje natural.
Arthur Schopenhauer dedicó el tercer libro de El mundo como
voluntad y representación a la teoría del arte: el arte es una vía
para escapar del estado de infelicidad propio del hombre
Socialismo y Arts and Crafts: John Ruskin y William Morris
aportó una visión funcionalista del arte, en El arte del pueblo
(1879) pidió cambios radicales en la economía y la sociedad,
reclamando un arte “hecho por el pueblo y para el pueblo”. Por
su parte, Morris, fundador del movimiento Arts and Crafts,
defendió un arte funcional, práctico, que satisfaga necesidades
materiales y no solo espirituales. En Escritos estéticos (1882-
1884) y Los fines del arte (1887) planteó un concepto de arte
utilitario pero alejado de sistemas de producción excesivamente
tecnificados, próximo a un concepto del socialismo cercano al
corporativismo medieval.
Caminante sobre mar de nubes Caspar
David Friedrich 1818
William Morris Papel de empapelar

Definición Actual
El siglo XX supuso una radical transformación del concepto de arte: la
superación de las ideas racionalistas de la Ilustración y el paso a
conceptos más subjetivos e individuales. Las nuevas tecnologías hacen
que el arte cambie de función, debido a que la fotografía y el cine ya
se encargan de plasmar la realidad. Todos estos factores producen la
génesis del arte abstracto, el artista ya no intenta reflejar la realidad,
sino su mundo interior, expresar sus sentimientos
las viejas fórmulas que basaban el arte en la creación de belleza o en
la imitación de la naturaleza han quedado obsoletas, y hoy día el arte
es una cualidad dinámica, en constante transformación, inmersa
además en los medios de comunicación de masas, en los canales de
consumo, con un aspecto muchas veces efímero, de percepción
instantánea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su
génesis conceptual y en su realización material.
Morris Weitz, representante de la estética analítica, opinaba en El
papel de la teoría en la estética (1957) que «es imposible establecer
cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y suficientes;
por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica”.
Según Weitz, una cualidad intrínseca de la creatividad artística es que
siempre produce nuevas formas y objetos, por lo que «las condiciones
del arte no pueden establecerse nunca de antemano».
El arte es un concepto abierto.
Marcel Duchamp Fuente 1917
.
Object (Le Déjeuner en fourrure)
Meret Oppenheim 1936

Diferencias entre Arte y Artesanía
La clasificación del arte, o de las distintas facetas o categorías que
pueden considerarse artísticas, ha tenido una evolución paralela al
concepto mismo de arte: como se ha visto anteriormente, durante la
antigüedad clásica se consideraba arte todo tipo de habilidad manual
y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas; así, entraban en esa
denominación tanto las actuales bellas artes como la artesanía y las
ciencias, mientras que quedaban excluidas la música y la poesía.
Una de las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes fue la
de los filósofos sofistas presocráticos, que distinguieron entre “artes
útiles” y “artes placenteras”, es decir, entre las que producen objetos
de cierta utilidad y las que sirven para el entretenimiento.
Plutarco introdujo, junto a estas dos, las “artes perfectas”, que serían
lo que hoy consideramos ciencias.
Platón, por su parte, estableció la diferencia entre “artes productivas”
y “artes imitativas”, según si producían objetos nuevos o imitaban a
otros.
Las diferencias entre arte y artesanía fueron subrayándose a finales
de la Edad Media y se consolidaron con el Renacimiento, dignificando
la actividad y función social del arte con el artista, y subordinando la
artesanía junto con el artesano dentro de la visión occidental
Calabaza grabada hecha a mano en
Ibarra, Ecuador.
.
Custodia de la Mezquita-catedral de
Córdoba, realizada por Enrique de Arfe
entre 1514 y 1518 en estilo gótico.

Diferencias
arte y
artesanía
Arte
¿Son tan claros estos límites
Piensa en ejemplos que los desmientan?
Artesanía
Definición Producto que ha sido realizado con una
finalidad estética y comunicativa que
busca expresar ideas, emociones o una
visión diferente del mundo a través de
recursos plásticos, lingüísticos, sonoros,
mixtos y corporales.
Producto que tiene una utilidad funcional y
uso cotidiano elaborado sin el apoyo de
medios industriales, los acabados y la calidad
suelen ser superiores, permite la creación de
objetos especiales e irrepetibles.
Finalidad El arte tiene finalidad estética y
comunicativa no tienen utilidad concreta.
La artesanía tiene una funcionalidad
concreta.
Mercado Utiliza los canales del mercado artístico El propio artesano comercializa su producto
Contenidos
que
comunica
Transmite ideas y valores inherentes a las
culturas humanas a lo largo del espacio y
del tiempo.
Transmite la identidad cultural de una
comunidad. Los materiales y formas varían
en función de cada región
Público al que
se dirige
Es un producto único generalmente
dirigido a una élite
Es un producto útil destinado a ser utilizado
por una comunidad
Originalidad Presenta como valor creatividad
innovación y ruptura es producto de la
individualidad del artista.
Sigue unas pautas que se ajustan a una
técnica concreta.
Se basa en unos saberes transmitidos por
una comunidad.

Si intentamos clasificar las formas artísticas en función de la técnica que emplean nos
encontramos ante una tarea ardua y compleja. Si vemos la evolución de las artes a través del
tiempo vemos cómo estas diferencias han ido cambiando: Las diferencias entre lo público y
privado, lo laico y religioso, el activismo político y la dominación cultural.
El desarrollo tecnológico también ha ido aportando nuevas clasificaciones:
Al final del siglo XX, la siguiente lista de clasificación de las artes al igual que el número de musas
antiguas:
1-Arquitectura
2-Escultura
3-Artes visuales, que incluyen la pintura, el dibujo y el grabado
4-Música
5-Literatura, que incluye la poesía
6-Artes escénicas, que incluyen el teatro, la danza, el mimo y el circo
7-Cinematografía
8-Fotografía
9-Historieta
Ciertos críticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronomía, la
perfumería, la televisión, la moda, la publicidad, la animación y los videojuegos. En la actualidad
existe aún cierta discrepancia sobre cuál sería el “décimo arte”.

Las instituciones , los museos juegan un importante papel en la definición de
forma y la información técnica con la que un objeto artístico es presentado.
También los grandes coleccionistas contribuyen de alguna manera a estas
definiciones. Hoy en día en función de la tecnología, los materiales, técnicas y
procedimientos nos encontramos con:
Artes visuales:
Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios. Denominada a
veces como el “arte del espacio”, la arquitectura es un proceso técnico y de
diseño que procura mediante diversos materiales la construcción de
estructuras que organizan el espacio para su utilización por el ser humano.
Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Incluye
actividades como el maquillaje, el vestuario, la peluquería, el tatuaje, el
piercing, etc.
Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el vídeo o la
informática, vinculado a menudo a las instalaciones, o que utiliza diversos
soportes, como Internet, un ejemplo son los videojuegos.
Arte efímero: es el que tiene una duración determinada en el tiempo, ya que
en la génesis de su concepción estriba ya el hecho de que sea perecedero.
Incluye diversas formas de arte conceptual y de acción, como el happening y
la performance. También engloba diversas actividades como la gastronomía,
la perfumería, la pirotecnia, etc. Un punto esencial de este tipo de actividades
es la participación del público.
Artes decorativas o aplicadas: término aplicado preferentemente a las artes
industriales, así como a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el
de generar una obra única y diferenciada, sino que buscan una finalidad
decorativa y ornamental.
Zaha Hadid Centro Heydar Aliyev en
Bakú, Azerbaiyán 2007
Marina Abramovich, Perfomance Rest
Energy 1980

Artes gráficas: son las que se realizan por medio de un proceso de
impresión; así, son artes gráficas tanto el grabado como la fotografía, el
cartelismo o el cómic, o cualquier actividad artística que utilice un medio
impreso.
Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboración industrial o
artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética, sobre todo en la
elaboración de determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios,
así como diversos elementos de decoración. Muchas artes decorativas son
también industriales.
Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener
un carácter artesanal o industrial. Engloba diversas actividades como la
cerámica, la ebanistería, la forja, la jardinería, la joyería, el mosaico, la
orfebrería, la tapicería, la vidriería, etc.
Cinematografía: técnica basada en la reproducción de imágenes en
movimiento, el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad, siendo
bautizado como el séptimo arte, término propuesto por Ricciotto Canudo
en 1911.
Dibujo: representación gráfica realizada por medio de líneas, trazos y
sombras, elaborados mediante lápiz, pluma u objetos similares. El dibujo
está en la base de casi cualquier obra artística, pues la mayoría de obras
pictóricas se realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo, sobre el que
posteriormente se pinta; igualmente, muchas esculturas son diseñadas
primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados.
Aparte de esto, el dibujo tiene una indudable autonomía artística, siendo
innumerables los dibujos realizados por la mayoría de grandes artistas a lo
largo de la Historia. Isabel Coixet, película Mi vida sin mi
2003
Ana Juan (1961) es una de las ilustradoras
españolas más reconocidas fuera de
nuestras fronteras. Fue Premio Nacional de
Ilustración en 2010.

Diseño: es la traza o delineación de cualquier elemento relacionado con el
ser humano, sea un edificio, un vestido, un peinado… El diseño se define
como el proceso previo de configuración mental de una obra, mediante
esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El
diseño tiene un componente funcional y otro estético, ha de satisfacer
necesidades y a la vez puede agradar a los sentidos.
Escultura: es el arte de modelar figuras en volumen, mediante diversos
materiales como el barro, la piedra, la madera, el metal, etc. Es un arte
espacial, donde el autor se expresa mediante volúmenes y formas
dimensionales. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel,
junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería.
Puede ser en talla exenta o en relieve sobre diversas superficies.
Fotografía: es una técnica que permite obtener imágenes del mundo
sensible y fijarlas en un soporte material. Se basa en el principio de la
cámara oscura. Pese a tomar sus imágenes de la realidad, la fotografía fue
enseguida considerada un arte, pues se reconoce que la visión aportada
por el fotógrafo a la hora de elegir una toma o encuadre es un proceso
artístico, realizado con una voluntad estética.
Grabado: el grabado es una técnica de elaboración de estampas artísticas
mediante una plancha de madera o metal trabajada según diversos
procedimientos: aguafuerte, aguatinta, calcografía, grabado al buril,
grabado a media tinta, grabado a punta seca, linograbado, litografía,
serigrafía, xilografía, etc.
Barbara Hepworth
Winged Figure (Figura alada), 1963,
Cristina Garcia Rodero
Las eras 1988

Historieta: la historieta o cómic es una representación gráfica
mediante la cual se narra una historia a través de una sucesión de
viñetas, en las que mediante dibujos y textos enmarcados en unos
recuadros llamados “bocadillos” se va presentando la acción
narrada, en un sentido lineal. Derivada de la caricatura, la
historieta se desarrolló a partir del siglo XIX sobre todo en medios
periodísticos, en tiras insertadas generalmente en las secciones
de entretenimiento de los periódicos, aunque pronto adquirieron
autonomía propia y empezaron a ser editadas en forma de
álbumes. Aunque comenzó dentro del género humorístico,
posteriormente aparecieron historietas de todos los géneros,
alcanzando gran éxito a nivel popular durante el siglo XX.
Pintura: es el arte y técnica de crear imágenes a través de la
aplicación de pigmentos de color sobre una superficie, sea papel,
tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco,
temple) o de caballete (temple, óleo, pastel), e igualmente puede
clasificarse según su género (retrato, paisaje, bodegón, etc.). La
pintura ha sido durante siglos el principal medio para documentar
la realidad, el mundo circundante, reflejando en sus imágenes el
devenir histórico de las distintas culturas que han sucedido a lo
largo del tiempo, así como sus costumbres y condiciones
materiales.
Marjane Satrapi., Novela Gráfica
autobiográfica 2007
Nancy Spero, Goddess and Dancing
Figures (1985)

Artes escénicas
Danza: la danza es una forma de expresión del cuerpo
humano, que consiste en una serie de movimientos
rítmicos al compás de una música Entre sus
modalidades figura el ballet o danza clásica, aunque
existen innumerables tipos de danzas rituales y
folclóricas entre las diversas culturas y sociedades
humanas, así como infinitud de bailes populares. Las
técnicas de danza requieren una gran concentración
para dominar todo el cuerpo, con especial hincapié en
la flexibilidad, la coordinación y el ritmo.
Teatro: es un arte escénico que tiene por objetivo la
representación de un drama literario, a través de unos
actores que representan unos papeles establecidos,
combinado con una serie de factores como son la
escenografía, la música, el espectáculo, los efectos
especiales, el maquillaje, el vestuario, los objetos de
atrezzo, etc. Se realiza sobre un escenario, siendo
parte esencial de la obra el dirigirse a un público. El
teatro puede incluir, en exclusiva o de forma
combinada, diversos tipos de modalidades escénicas,
como la ópera, el ballet y la pantomima.
Isadora Duncan y sus bailarinas durante una actuación en el
Teatro Booth en Nueva York (1917)
Lola Herrera, Cinco horas con Mario 2020

Artes musicales
Canto coral: es el realizado por un grupo de voces, bien masculinas o femeninas, o mixtas, que interpretan
una canción o melodía de forma conjunta, aunando sus voces para ofrecer una sola voz musical. Entre las
diversas formas de canto coral figura el canto gregoriano.
Música sinfónica: la música es el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de
sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo. En su
vertiente sinfónica, se considera que es la música instrumental interpretada por una orquesta formada por
los principales instrumentos de viento (madera y metal), cuerda y percusión.
Ópera: es un arte donde se combina la música con el canto, sobre la base de un guión (libreto) interpretado
según los principios de las artes escénicas. La interpretación es realizada por cantantes de diversos registros
vocales: bajo, barítono, tenor, contralto, mezzosoprano y soprano.
Eva Ugalde compositora piezas de Canto Coral.
Las componentes de la coral madrileña VokalArs,
Fanny Mendelsson escribió más de 460 piezas de
música, la mayoría para piano, publicó muy poca música
ya que tanto su padre como su hermano creían que una
mujer no debía publicar música.
María Rodrigo fue la autora de «Becqueriana», con
libreto de los hermanos Álvarez Quintero, que vio la luz
en el Teatro de la Zarzuela en 1915

Artes literarias
Narrativa: es el arte de escribir en prosa, recreando en palabras
sucesos reales o ficticios, que el escritor dispone de forma
adecuada para su correcta comprensión por el lector, con
finalidades informativas o recreativas, expresadas con un
lenguaje que puede variar desde un aspecto descriptivo hasta
otro imaginario o de diversa índole. Entre las diversas formas de
narrativa se encuentran la novela y el cuento.
Poesía: es una composición literaria basada en la métrica y el
ritmo, dispuesta a través de una estructura de versos y estrofas
que pueden tener diversas formas de rima, aunque también
pueden ser de verso libre. Su contenido puede ser igualmente
realista o ficticio, aunque por lo general la poesía siempre suele
tener un aspecto evocador e intimista, siendo el principal
vehículo de expresión del componente más emotivo del ser
humano.
Drama: es una forma de escritura basada en el diálogo de
diversos personajes, que van contando una historia a través de
la sucesión cronológica y argumental de diversas escenas donde
se va desarrollando la acción. Aunque tiene un carácter literario
autónomo, generalmente está concebido para ser representado
de forma teatral, por lo que el drama está íntimamente ligado a
las artes escénicas.
Isabel Allende algunas de sus obras han
sido llevadas al teatro (su primera novela
tiene 10 versiones dramáticas): “El
embajador”, estrenada 1971, “La balada
del medio pelo” (1973), “Yo soy la Tránsito
Soto” (1973) y “Los siete espejos” (1975).

La disciplina académica cuyo objeto son las obras de arte en su
desarrollo histórico y contexto estilístico (género, diseño,
formato y apariencia),y los artistas en su contexto geográfico,
cultural y social es la Historia del Arte.
Mediante diversos métodos de estudio, analiza
fundamentalmente las artes visuales (pintura, escultura y
arquitectura), y menos frecuentemente también otras bellas
artes (música, danza, literatura), artes industriales y oficios
artísticos (orfebrería, mobiliario, historia del vestido, etc.)
La Historia del Arte es una disciplina académica relativamente
nueva, que comienza en el siglo XIX .
Historiadores del arte se basan en el análisis de conceptos
formales, la iconología, la semiótica (estructuralismo, post
estructuralismo y deconstrucción), el psicoanálisis y la
iconografía; así como fuentes primarias y fuentes secundarias
(las reproducciones artísticas) como motivos de discusión y
estudio.
Los avances en la reproducción fotográfica y en las técnicas de
impresión tras la Segunda Guerra Mundial incrementaron la
capacidad de hacer reproducciones fidedignas de obras de arte.
Sin embargo, la apreciación y estudio de las artes visuales ha
sido un área de investigación para muchos autores a finales de
siglo XX. La definición de la historia del arte refleja la dicotomía
que existe en la misma definición de arte: arte como historia en
un contexto antropológico, o arte como estudio de la forma.
Los estudios anteriores eran compendios
de estilos sin atender a los aspectos
sociales y geográficos ni al contexto
cultural de los fenómenos artísticos.

Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) fue el primero en
distinguir entre los periodos de arte antiguo y en conectar la
historia del estilo con la historia del mundo.
Heinrich Wölfflin (1864-1945), Introdujo una aproximación
científica a la disciplina, centrándola en tres conceptos. En
primer lugar, intentaba estudiar el arte usando la psicología,
Argumentaba, entre otras cosas, que arte y arquitectura son
buenos si se asemejan al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas
son adecuadas si sus fachadas parecen rostros. En segundo
lugar, introdujo la idea de estudiar el arte con método
comparativo. Comparando cada pintura con las demás, era
capaz de realizar distinciones de estilo. Su obra Renacimiento y
Barroco desarrollaba esta idea, y fue la primera en mostrar
estos periodos estilísticos diferenciados uno de otro.
Por último, estudió el arte basado en la idea de la nacionalidad,
las escuelas y los estilos nacionales. Estaba particularmente
interesado en dilucidar qué había de inherentemente italiano o
alemán en la cultura italiana o alemana.
Arnold Hauser (1892-1978) Historia social de la literatura y el
arte en el que intenta mostrar cómo la conciencia de clase se
refleja en cada periodo artístico. Su obra suscitó una fuerte
controversia en los años 1950, sobre todo debido a sus
generalizaciones aplicadas a eras enteras.

GENEALOGÍAS DEL ARTE
la exposición Cubism and
Abstract Art que en al año 1936
se presentó en el Museo of
Modern Art (MoMA), y el dibujo
de Alfred Hamilton Barr, Jr. (1902-
1981), fundador de este museo
muestra por primera vez la
historia del arte como un
esquema visual y un ejercicio de
reconstrucción de las influencias
que reciben estos movimientos
de el arte inmediatamente
anterior.
Este planteamiento de
Genealogías de ideas artísticas
será el que desarrollaremos en
esta materia

LAS PRINCIPALES TEORÍAS ESTÉTICAS
La estética (del griego αισθητικός, aisthetikós, «susceptible
a ser percibido por los sentidos» y este de αισθάνεσθαι,
aisthánesthai, «percibir») es la rama de la filosofía que
estudia la esencia y la percepción de la belleza y el arte.
Sean del género que sean, las obras de arte se realizan y
enjuician principalmente desde cuatro concepciones
estéticas.
Una teoría estética es un conjunto de respuestas a las
preguntas que los humanos nos hacemos sobre qué es y
cuándo es algo bello o feo y sobre los objetivos que debe
perseguir un artista, así como sobre los criterios que
permiten diferenciar los grados de belleza y/o fealdad de
una obra. Las teorías más significativas, que no deben
tomarse ni como únicas ni como excluyentes, son las cuatro
siguientes. (Algunos autores señalan también la Mímesis)
1. EL FORMALISMO
2. EL EXPRESIONISMO y
3. EL SIMBOLISMO
4. EL INTELECTUALISMO
Brevemente, estas son las características de cada postura:

2. EL FORMALISMO
Sostiene que el valor estético de una obra proviene de sus cualidades formales. Considera irrelevantes la
expresión de sentimientos, ideas o valores. El valor estético no radica en elementos subjetivos o
accidentales.
• La excelencia artística de la obra de arte está definida por la forma, por la razón. El contenido, si lo hay,
no importa tanto como la forma de mostrarlo, contarlo, exponerlo.
• El arte es autónomo respecto de la realidad, no está necesariamente sujeto a representar lo que vemos.
• El creador debe atender a la combinación de colores, líneas y planos o sonidos y palabras para buscar
armonía, la proporción, el equilibrio.
• La belleza resulta del aspecto formal de la composición.
• Lo feo o mal hecho es lo caótico, lo deforme, desordenado, desequilibrado, irracional.
Aquí tienes varios ejemplos de arte formalista: en pintura, cuadros de Vasily Kandinski y de Piet Mondrian

2. EL EXPRESIONISMO
• El arte es un vehículo para comunicar sentimientos y estados del alma. El artista y su capacidad de
creación es más importante que la realidad representada.
• La finalidad del arte no se puede separar de esta intención comunicativa.
• La belleza consiste en conseguir expresar de forma subjetiva la naturaleza del ser humano.
• La primacía de las emociones provoca una deformación de los objetos, que no reflejan la realidad
objetiva sino su trasfondo emocional.

3. EL SIMBOLISMO La obra de arte muestra una realidad propia que hay que conocer, el arte es una
continua recreación de mundos posibles.
• El arte comunica contenidos (ideas) a través de símbolos que es preciso conocer y analizar
• La obra bella es la que consigue transmitir eficazmente mucho significado que es entendido por
aquellos a los que va dirigido.
• Feo es lo que no transmite ningún significado o lo que no lo transmite bien, de modo que se entienda.
• La obra de arte es un sistema de símbolos.

4. EL INTELECTUALISMO Valora en la obra artística la verdad más que la belleza, antes que el estilo o la
estructura formal de la obra.
-Como una forma peculiar de estructurar la realidad
-La obra de arte es una interpretación conceptual de la realidad.
-El objeto del arte no es crear belleza sino el conocimiento de la verdad.
-El arte es la mas alta realización del espíritu, es la principal forma de conocimiento subjetivo en tanto
que la ciencia es la principal forma de conocimiento objetivo.

ÁBACO: Pieza a modo de tablilla que remata el capitel.
ABOCINADO. el arco mas levantado por uno de sus frentes para
formar un declive en forma de bocina en una puerta o ventana.
ÁBSIDE: parte de la iglesia que se sitúa a la cabecera de la misma,
generalmente de planta semicircular.
ABSTRACCIÓN: movimiento artístico contemporáneo que funda su
efecto estético en el color puro, la forma pura y la calidad pura, sin
ningún propósito figurativo o imitativo de la realidad.
ACUARELA. pintura en la que el pigmento se mezcla con un
aglutinante soluble en agua, generalmente goma arábiga.
ALFÍZ: elemento decorativo consistente en un dintel sostenido por
dos jambas que enmarcan un arco.
ADONIS. divinidad fenicia cuyo culto estaba ligado al de Astarté. Se le
representa como un joven cazador muerto por un jabalí. Astarté, diosa
de la fecundidad, descendió a los infiernos para arrancarlo de la
muerte. El tema de los amores de Venus (trasunto clásico de Astarté) y
Adonis se representó con frecuencia por los pintores y escultores de la
antigüedad.

ALMINAR: torre de las mezquitas, rodeada por una galería, desde la
cual convoca el almuédano a los fieles a la oración.
ALTORRELIEVE: relieve que sobresale mas de la mitad del bulto sobre
el plano del fondo.
ANUNCIACION: escena de la vida de la Virgen en que el ángel San
Gabriel la anuncia su futura maternidad. Es una de las mas repetidas
en la pintura y la escultura cristianas.
APAREJO ALMOHADILLADO: muro realizado en piedra de sillería con
las junturas entre los bloques rectangulares rehundidas.
APAREJO DE MAMPOSTERÍA: muro realizado en piedra tosca cuyas
hiladas no tienen que ser forzosamente iguales entre sí.
APOCALIPSIS: libro que tiene por objeto la revelación de los destinos
de la humanidad. En el cristianismo es el último libro del Nuevo
Testamento que tiene por autor al apóstol S. Juan. En el se presentan
las visiones que convergen en dos puntos capitales: la victoria de
Cristo y las persecuciones y el triunfo de la Iglesia. Tiene un
elevado carácter simbólico (la Bestia, los Cuatro Jinetes: hambre,
peste, muerte y guerra, La Mujer, los Ancianos, el cordero).

ARBOTANTE: arco exterior que descarga sobre un contrafuerte el
empuje de las bóvedas.
ARCO APUNTADO: característico del estilo gótico, consta de dos
porciones de arco que forman curva en la clave.
ARCO CONOPIAL: arco apuntado cada uno de cuyos brazos lo forma
una doble curva con la parte superior convexa y la inferior cóncava.
ARCO DE HERRADURA: arco que se prolonga un tercio o la mitad del
radio, siendo por tanto, mayor que una semicircunferencia.
ARCO DE MEDIO PUNTO: arco semicircular.
ARCO FAJÓN: arco que sostiene las bóvedas de cañón, de las naves de
las iglesias románicas y góticas.
ARCO FORMERO: arco que separa una nave longitudinal de otra.
ARCO LOBULADO: llamado también ANGRELADO, es el formado por
una serie de segmentos de circunferencia o subarcos, por lo que su
intradós tiene in perfil anguloso y de ondulaciones cóncavas.

ARCO MIXTILINEO: una de las variedades del anterior, en el que alternan
segmentos curvos y rectos o en ángulo.
ARCO PERALTADO: arco que se prolonga en forma de dos líneas paralelas rectas
mas abajo del diámetro de la semicircunferencia o de la línea de las impostas.
ARCO REBAJADO: arco cuya línea superior es inferior al trazado que
naturalmente debiera tener.
ARQUITRABE: dintel, parte baja del entablamento que apoya directamente
sobre las columnas
ARQUIVOLTA: parte frontal de un arco cuando está decorado. En plural,
conjunto de arcos abocinados que forman una portada.
ARTESONADO: techo de madera decorado con casetones, de origen árabe.
ATENEA: una de las principales divinidades de las antiguas Grecia y Roma que
encarna una fuerza benévola y civilizadora .En la mitología griega es hija de
Júpiter/Zeus y nació de su cabeza completamente armada. Es patrona de las
instituciones del saber y de las artes junto con Apolo. En su escudo figura la
cabeza de la Medusa por haber ayudado a Perseo a matar al monstruo.

ATLANTE: escultura de una figura masculina utilizada en lugar de una columna o
de otro soporte arquitectónico cualquiera. En la mitología griega era ATLAS o
TITÁN, condenado a soportar sobre su cabeza y sus manos el peso de los cielos por
haberse rebelado contra Zeus.
BACO: dios grecorromano del vino y de la fertilidad. Se lo suele representar como
un joven semidesnudo coronado por hojas de vid y pámpanos. Su culto se
acompañaba de frenéticos rituales de danza, especialmente populares entre las
mujeres. Las que participaban en ellos, representadas con una actitud de
enajenamiento y abandono, reciben el nombre de BACANTES.
BAJORRELIEVE: relieve que sobresale del fondo menos de la mitad del bulto.
BALAUSTRADA: guarda cuerpo que se coloca a lo largo de una galería, balcón,
tribuna, terraza, escalera, etc., por razones de seguridad y estéticas. Está formada
por la sucesión de pequeños pilares unidos por un pasamanos.
BALDAQUINO: dosel que cubre una tumba o altar. El tipo más común descansa
sobre cuatro columnas.
BAPTISTERIO: edificio exento, generalmente de planta central, destinado al
bautismo y generalmente próximo a un templo.

BASA: parte inferior de la columna donde reposa el fuste.
BODEGON: cuadro, por lo general de pequeño tamaño, donde se representan
sólo cosas u objetos inanimados: piezas de caza, cestos con frutas, flores,
vasijas, panes y hortalizas, etc
BOVEDA DE ARISTA: la originada por el cruce perpendicular de dos bóvedas
de cañón.
BÓVEDA DE CAÑON: la originada por el desplazamiento de un arco de medio
punto a lo largo de un eje longitudinal.
BOVEDA DE CRUCERIA: la que refuerza sus aristas con nervios de piedra.
BOVEDA VAÍDA: las juntas de las dovelas se trazan perpendicularmente al
intradós y al plano principal de la bóveda para evitar ejercer empujes en el vacío.
BUEN PASTOR: representación de Cristo como pastor del rebaño o grey de los
fieles cristianos. Hay dos tipos: como pastor joven y sin barba, sentado en medio de
su rebaño y portando un bastón o tocando una lira (trasunto de Orfeo clásico que
encantaba a los animales con su música) o bien portando un cordero sobre los
hombros. Muy frecuente en los primeros siglos del arte cristiano desaparece
prácticamente a partir de la Edad Media.

BUSTO : representación pintada o esculpida de la cabeza y la parte superior del tórax.
CABECERA: parte principal de la planta de la iglesia, donde se sitúa el ábside y ,en su
caso, la girola; llamada también TESTERO.
CANECILLO: modillones o repisas en los que se apoyan los salientes de una
cornisa o tejado.
CANON: norma de las proporciones humanas, conforme al tipo ideal.
CAPITEL: elemento colocado sobre el fuste de una columna que sostiene directamente
el arquitrabe, el arco, etc.
CARIATIDE estatua de figura femenina, con túnica, que sirve de columna. Utilizada
por primera vez en la arquitectura griega.
CASETONES: compartimientos cuadrados o poligonales rodeados de molduras
y generalmente adornados con motivos escultóricos en el centro que se utiliza en
la decoración de los techos, bóvedas y arcos por su parte interior.
CIMBORRIO: construcción elevada sobre el crucero de las iglesias que tiene
forma de torre cuadrada o poligonal.

CLAROSCURO: término con el que se hace referencia a los efectos de luz y
sombra en una obra artística, particularmente cuando están muy
contrastados.
CLAUSTRO : galería que cerca el patio principal de un monasterio o templo y
que sirve para comunicar entre sí las diversas dependencias.
CLAVE DE UN ARCO: dovela que se sitúa en el centro del arco.
COLOR LOCAL: color sin tono, muy definido en una zona concreta.
COLOR PRIMARIO: son los tres simples o fundamentales: rojo, amarillo y azul.
COLOR COMPLEMENTARIO: son los que resultan de la mezcla de colores
primarios y secundarios.
COLUMNA SALOMÓNICA: la que presenta en el fuste un desarrollo helicoidal.
CONTRAFUERTE: obra maciza a modo de pilastra, adosada al muro y que sirve
para reforzarlo en los puntos en que recibe mayores empujes. También
llamado ESTRIBO.
CONTRAPOSTO: también llamado diartrosis, es la contraposición armónica de
las diversas partes del cuerpo y humano, cuando alguna de ellas se halla en
movimiento o tensión mientras las simétricas están en reposo.

CORNISA: parte sobresaliente superior de un entablamento.
CORO: parte de la iglesia donde se sitúan los monjes o sacerdotes para cantar el
oficio divino. a lo largo de la historia de la arquitectura su ubicación dentro del
templo ha sufrido diversas variaciones, si se sitúa en la nave central se aísla
mediante un cerramiento.
CRESTERÍA: adorno continuo calado, de piedra, metal o cerámica, que se
utilizó en la Edad Media y en el Renacimiento para rematar las partes altas de
los edificios.
CRISMON: monograma de Cristo compuesto por las letras X y P entrelazadas, o por
P acompañada de las letras griegas alfa ( ) y omega ( ), y cruzadas en su trazo
vertical por una barra horizontal. Son las dos primeras letras del vocablo griego .
CUADRO DE HISTORIA: aquel que representa alguna escena o episodio histórico
sobresaliente o protagonizado por algún personaje de relevancia histórica.
CUADRO DE GENERO: aquel que cultiva una temática determinada, relacionada con
escenas de la vida cotidiana, costumbristas, etc., y protagonizada por tipos
populares..

CÚPULA: cubierta semiesférica que puede ir asentada sobre diversos
soportes (trompas, pechinas o directamente sobre un tambor cilíndrico)
CURVA PRAXITELIANA: se dice de la inclinación que presentan las esculturas
realizadas al estilo de Praxíteles.
DANAE: en la mitología griega, hija del rey de Argos con quien Júpiter tuvo
relaciones visitándola en forma de lluvia de oro. De ellas nació Perseo, quien
mataría accidentalmente a su abuelo con un disco, tal como estaba
anunciado.
DEESIS: en el arte bizantino y románico, representación de Cristo en
majestad,
sentado en su trono, flanqueado por la Virgen y S. Juan.
DIFUMINADO/SFUMATTO: trazo de lápiz que rebaja los contornos
suavizando los perfiles.
DINTEL: elemento de madera, piedra o hierro que cierra la parte superior de
una abertura y soporta la carga de la fábrica o muro que queda encima del
vano.
DOVELA: pieza en forma de cuña que forma parte del intradós de un arco.

ENTABLAMENTO: conjunto de arquitrabe, friso y cornisa en los órdenes clásicos.
ÉNTASIS: engrosamiento de una columna hacia el centro, de modo que por
efecto de la perspectiva parezca recta en lugar de cóncava.
EPIFANÍA: representación del tema de la Adoración de los Reyes Magos, que
simboliza la manifestación y aparición por primera vez de Cristo ante el mundo.
EQUINO: moldura saliente, bajo el ábaco, que forma el cuerpo principal del
capitel dórico.
ESCORZO: posición o representación de una figura especialmente humana,
cuando una parte de ella está vuelta con un giro con respecto al resto.
ESCULTURA DE BULTO REDONDO: aquella que está trabajada por todas sus
partes.
ESCULTURA EXENTA : la que no toca a ningún elemento arquitectónico. Se
puede identificar con el concepto anterior.
ESTATUA ECUESTRE: la que aparece compuesta por un jinete y un caballo.
ESTATUA-COLUMNA: la que sustituye e una columna y hace la misma función
Sustentante.

ESTILO: carácter propio que da a sus obras el artista en virtud de sus
facultades. Los artistas que son coetáneos y desarrollan sus obras en
circunstancias similares, dentro de una misma cultura, tienden a compartir la
mayoría de las características o rasgos que definen sus obras, al margen del
carácter personal de cada uno. A este conjunto de características compartidas
se las denomina estilo artístico.
ESTÍPITE: elemento en forma de tronco o pirámide invertida que puede tener
función de soporte.
ESTOFADO: técnica que consiste en revestir una superficie con pan de oro y
pintar encima. A continuación se rasca la pintura de determinadas partes
permitiendo que asome el oro que hay debajo.
FIGURATIVO: se dice de las artes que representan figuras, componiendo
temas
realistas, simbólicos, etc.,perfectamente identificables.
FRESCO: técnica pictórica que utiliza pigmentos disueltos en agua que se
aplican sobre el muro previamente cubierto de una capa de enfoscado de cal
y arena en fresco. Seca muy rápido y apenas permite hacer rectificaciones. El
área de trabajo se denomina jornada, puesto que debe realizarse en un día.

FRISO: Parte situada entre el arquitrabe y la cornisa, en los órdenes clásicos, en
forma de banda que puede ir decorada con diversos elementos escultóricos.
FUSTE: tallo de una columna, entre el capitel y la basa.
GABLETE: remate Sobre las arcadas en forma de dos líneas que se juntan
formando un ángulo. Es propio del gótico.
GÁRGOLA: conducto de desagüe de un tejado esculpido normalmente en forma
de figura humana o animal. Comienzan a usarse a partir del s. XII y son típicas
de la arquitectura gótica.
GIROLA: pasillo que rodea el altar mayor, llamado también DEAMBULATORIO, y
que limita el espacio del PRESBITERIO. Es característico de las iglesias de
peregrinación y a él se abren las capillas adosadas a la cabecera o ábside de la
iglesia.
ICONOGRAFÍA: Conjunto de imágenes relacionadas con un personaje o un tema
y que responden a una concepción o a una tradición. "la iconografía de san
Sebastián suele representarlo desnudo y con el cuerpo cubierto de
flechas”.Estudio que describe y analiza las características de las imágenes
relacionadas con un personaje o un tema.

ICONOLOGÍA: Interpretación de los símbolos, atributos, alegorías y emblemas con
que los artistas han representado personajes mitológicos, religiosos o artísticos, o
ideas abstractas. También se usa para referirse al repertorio de tales símbolos.
ICONOSTASIO: Mampara o cancel con tres puertas tras la cual, en los ritos
orientales, se oculta el sacerdote durante la celebración de la liturgia. En las
iglesias hispano visigodas y mozárabes también lo había y era de piedra o
mármol labrado.
JAMBA: elemento vertical, que no es una columna y que sostiene el dintel de una
ventana o puerta.
LÍNEA SERPENTINATA: propia de muchas figuras humanas del período
manierista que se caracteriza por el movimiento giratorio de las caderas, los
hombros y la cabeza que se contrabalancean.
LINTERNA: torre o torrecilla con aberturas que corona una cúpula, protege la parte
alta de una escalera o se pone como remate en algunas construcciones.
LUZ DE ARCO: vano que está delimitado por el arco.
MANDORLA: voz italiana que designa el espacio sagrado en forma de
almendra que rodea las figuras de Cristo o la Virgen.

MARCHANTE: persona que tiene como profesión comprar y vender obras de arte.
En el arte contemporáneo ha ido asumiendo fundones cada vez mas complejas: la
mayoría de los artistas consagrados se relacionan con el mercado a través de un
marchante que tiene la exclusiva de la venta de su obra, la da a conocer, organiza
exposiciones.
MECENAS: persona que protege las letras y las artes mediante la subvención y el
amparo económico que dispensa a los autores y artistas
MÉNSULA: elemento saledizo en una pared que sirve para sostener alguna cosa (un
busto o una figura) y que generalmente está ornamentado.
MERCURIO: dios romano del comercio, mensajero de los dioses e hijo de Júpiter.
En la época clásica se le identificaba con el HERMES griego. Se le representaba a
menudo con sombrero provisto de dos alas, caduceo en la mano y alitas en los pies.
METOPA: espacio que media entre dos TRIGLIFOS en el FRISO clásico.
Puede ir decorada.
MEZQUITA: edificio donde los musulmanes practican las ceremonias propias
de su culto.
MITOLOGÍA: conjunto de mitos propio de un pueblo o de una cultura
determinada. Por antonomasia, la de Grecia y Roma o clásica.

MODELADO: ejecución en barro o cera de aquello que se propone el artista
ejecutar en material consistente. En pintura, todo lo que contribuye a dar a ésta el
aspecto de bulto redondo o relieve.
MODILLÓN: pieza salediza de piedra, hierro o madera, destinada a soportar una
cornisa, el arranque de un arco o el vuelo de una galería.
MONASTERIO: casa o convento donde vive una comunidad religiosa o
monástica.
NÁRTEX: parte del atrio de las basílicas paleocristianas porticadas.
NATURALISMO: en Bellas Artes se dice del estilo que cultiva la imitación de
la Naturaleza por oposición a los que tienden al idealismo y al simbolismo.
NECRÓPOLIS cementerio
NEREIDAS: ninfas del mar, hijas de Nereo y Doris. Eran cincuenta, algunas de
ellas muy conocidas como Galatea, Tetis o Anfítrite.
NIMBO: en la antigüedad, círculo luminoso que se colocaba en torno a la
cabeza de los dioses y de los emperadores deificados. De ahí pasó al
cristianismo para indicar la divinidad o la santidad del personaje representado.

ÓCULO: ventana pequeña de forma circular.
ÓLEO: procedimiento pictórico que utiliza un medio graso, generalmente aceite de
linaza, para aglutinar los pigmentos. Pintura ejecutada con éste procedimiento.
ORDEN CORINTIO: organización de los elementos constructivos clásicos
caracterizado por un capitel en forma de campana invertida, revestido de dos filas
de hojas de acanto superpuestas y en los ángulos superiores cuatro volutas. El resto
de los elementos son como los del orden jónico.
ORDEN DÓRICO: su parte inferior está compuesta por uno o dos escalones
(estereobato) sobre los que arranca directamente el fuste sin basa que suele ser
mas ancho abajo que arriba. Tiene éntasis. El fuste es acanalado.
ORDEN JÓNICO: la columna tiene basa circular compuesta por dos toros y una
escocia. El fuste aparece acanalado pero la arista entre las acanaladuras es plana
(arista muerta).El capitel es rectangular y va envuelto en volutas, rematando en un
ábaco también rectangular. En el entablamento el arquitrabe consta de tres bandas
en saledizo unas sobre otras. El friso es corrido, sin triglifos, pudiendo estar o no
decorado.
ORDEN TOSCANO: también llamado dórico romano. El fuste de la columna es liso y
el arquitrabe puede ir dividido en dos o tres bandas.

PAISAJE: pintura, grabado o dibujo en el que el tema principal es la
representación de un lugar natural o urbano. También dicha representación
puede formar el fondo contra el que se representan las figuras del primer
plano.
PANTOCRÁTOR: calificativo griego dado a Zeus y luego atribuido al Dios de
los cristianos (todopoderoso).En el arte bizantino y románico designa las
representaciones de Jesucristo de media figura en los ábsides y cúpulas de
las iglesias.
PARAMENTO: muro, pared.
PARTELUZ: elemento vertical que divide la luz de una ventana o puerta.
PECHINA: cada uno de los cuatro triángulos curvilíneos sobre los que se
sustenta la
cúpula. Sirven para hacer la transición de la planta cuadrada a la circular.
PENTECOSTES: escena religiosa cristiana que representa a los apóstoles
recibiendo la inspiración del Espíritu Santo. La versión iconográfica mas
frecuente muestra también a la Virgen en medio de ellos y al Espíritu Santo
en forma de paloma que sobrevuela sus cabezas sobre las que bailan
lenguas de fuego, símbolo de la inspiración divina.

PERSPECTIVA : Manera de representar uno o varios objetos en una
superficie plana, que da idea de la posición, volumen y situación
que ocupan en el espacio con respecto al ojo del observador. "la
perspectiva supone la contemplación del mundo desde un solo
punto de vista, desde un ojo único que abarca todo el panorama”.
La formulación teórica de las reglas de la perspectiva científica y su
utilización por el arte figurativo como único método válido de
representación racional del espacio surgió en Florencia a principios
del s. XV (Brunelleschi, Donatello, Masaccio) y constituye uno de los
rasgos fundamentales del Renacimiento.
PERSPECTIVA AEREA: la que consigue dar mayor impresión de
realidad que la lineal, valorando la luminosidad y el aire ambiental
que envuelve a los seres en un momento y en un lugar dados.
PERSPECTIVA A VISTA DE PAJARO: representación de un objeto visto
desde lo alto y en la que todas las líneas siguen los principios
generales de la perspectiva cónica.
PERSPECTIVA AXONOMÉTRICA: proyección ortogonal del objeto que
se tiene que representar sobre un plano desigualmente inclinado
respecto a los tres ejes de referencia.

PERSPECTIVA CÓNICA es un sistema de representación gráfico basado en
la proyección de un cuerpo tridimensional sobre un plano, mediante
rectas proyectantes que pasan por un punto; lugar desde el cual se
supone que mira el observador. El resultado final es una representación
en el plano de la visión realista obtenida cuando el ojo está en dicho
punto, lugar desde el cual aumenta la sensación de estar dentro de la
imagen representada. Puede ser FRONTAL u OBLÏCUA
PERSPECTIVA CABALLERA: proyección oblicua del objeto que se tiene
que representar sobre un plano.
PERSPECTIVA CENTRAL: proyección central del objeto que se debe
representar a partir del ojo del observador, sobre el cuadro o plano de
representación.
PERSPECTIVA ISOMÉTRICA: perspectiva axonométrica en la cual el plano
de representación está igualmente inclinado sobre los tres ejes
coordenados de referencia.
PERSPECTIVA JERÁRQUICA: aquella en que las figuras son representadas
mediante una convención que hace variarse tamaño en función de su
importancia, independientemente del realismo de la representación.

PIEDAD: representación de la Virgen con el cuerpo inerte de Cristo colocado en su
regazo.
PIGMENTO: sustancia finamente pulverizada, componente de la pintura que se
agrega al soporte (acuoso, oleoso, acrílico, etc.) para conferirle su color o hacerlo
opaco.
PILAR: apoyo vertical, normalmente de sección poligonal.
PILASTRA: pilar adosado, con basa y capitel, no excesivamente grueso.
PLAN CENTRAL: iglesia que se organiza arquitectónicamente alrededor de una
cúpula.
PLANTA BASILICAL: iglesia que se desarrolla longitudinalmente, en
contraposición a la de plan central.
PLANTA DE CRUZ GRIEGA: tipo de iglesia caracterizada por presentar las
naves longitudinales y transversal de la misma dimensión y estar inscrita,
generalmente, en un cuadrado.
PLANTA DE CRUZ LATINA: tipo de iglesia cuya planta presenta las naves
longitudinales mas largas que la transversal.
PLASTICO: perteneciente o relativo a la plástica.

POLICROMÍA: dícese de la variedad de colores que presenta un
cuadro.
POLÍPTICO: pintura compuesta por varias tablas que pueden plegarse
sobre sí mismas.
PRESBITERIO: espacio que circunda al altar mayor y que está separado
de la nave por gradas o un cancel.
PROMOTOR: equivale a mecenas.
REFECTORIO: comedor común en un convento situado en la galería
del claustro opuesta a la iglesia. Solía ir provisto de un púlpito para el
lector.
RELIEVE: realce de una figura o de un ornamento sobre un fondo
plano. Puede ser muy bajo o “stiacciato” (propio del Quattrocentto),
bajo y alto.
ROSETON: vano circular calado en la arquitectura medieval,
generalmente situado en las fachadas de las catedrales..

TAMBOR: elemento arquitectónico cilíndrico que sostiene la cúpula o
semiesfera propiamente dicha.
TÉCNICA DE PAÑOS MOJADOS: en escultura la que pega los pliegues de las
vestiduras al cuerpo permitiendo entrever la anatomía que hay debajo.
TENEBRISMO: tendencia pictórica que acentúa el contraste entre las zonas
iluminadas y las oscuras.
TERMAS: edificio romano destinado a baños. Podían ser públicas o
privadas y comprendían salas de vapor , piscinas, palestra de juegos,
gimnasio y biblioteca.
TESTERO: dícese de la cabecera de una iglesia.
TESELA: pieza en forma de pequeño cubo de mármol, piedras de color o
barro vidriado que se emplea en la confección de los mosaicos.
TETRAMORFOS: conjunto de los símbolos que representan a los cuatro
evangelistas: hombre (S.Mateo) buey (S.Lucas), león (S.Marcos) y águila
(S.Juan).

TÍMPANO: frontón .Espacio delimitado por el dintel y las arquivoltas en las
portadas de las iglesias.
TONO: grado de intensidad de un color.
TORSO: tronco del cuerpo humano, con o sin cabeza.
TRÉPANO: instrumento que sirve para horadar. En escultura se emplea para
hacer
profundas incisiones que producen un acusado efecto de claroscuro.
TRIBUNA: galería sobre la nave lateral de un templo donde pueden alojarse los
fieles.
TRIFORIO: serie de ventanas ornamentales situadas por encima de las arcadas
que dan a las naves laterales. Generalmente lleva un estrecho pasadizo de
circulación mucho Mas estrecho que la galería propiamente dicha.
TRIGLIFO: en el orden dórico griego decora el friso, alternándose con las
metopas. Son pequeños pilares espaciados regularmente cuyo frente ofrece dos
acanaladuras..

TRÍPTICO: obra compuesta por tres tablas pintadas de modo que las laterales se
doblan sobre la central.
TROMPA : bovedilla semicónica con el vértice en el ángulo de dos muros y la parte
ancha en saledizo. Sirve para transformar una planta cuadrada en octogonal sobre
la cual edificar una cúpula, tambor o cimborrio.
VACIADO: procedimiento para la reproducción de esculturas o relieves. Se consigue
aplicando al modelo yeso líquido y esperando a que se endurezca. Se separa
después de él y se trabaja con este molde así obtenido vertiendo en su interior
tantas coladas de material como se desee.
VANO: hueco o ventana.
VELADURA: tinta transparente que se da para suavizar el tono de lo pintado o para
conseguir una mayor fusión tonal. Otorga a las obras un brillo exquisito.
VENUS: diosa del amor.
VISITACIÓN: escena que representa la visita de la Virgen María a su prima Santa.
Isabel.
VOLUTAS: rollo en espiral que adorna los capiteles jónicos.
VULCANO: dios del infierno y del fuego.
ZEUS: el padre de los dioses en el Olimpo griego..

Una crítica de arte es un análisis y una evaluación detallados de una obra de arte, dos personas
no experimentarán la misma reacción ante una obra de arte ni la interpretarán de la misma
manera, hay algunas pautas básicas que puedes seguir para lograr una crítica detallada y
reflexiva.
Los elementos básicos de una crítica de arte son: la descripción, el análisis, la interpretación y el
juicio.
1-Descripción:
Reúne la información básica acerca de la obra.
Este es el tipo de cosas que encontrarás en la cartela de un museo o de una galería, o en la
leyenda de un libro de arte. Saber el trasfondo de una pieza puede hacer una gran diferencia en
la manera en que la interpretas y la entiendes. Empieza la crítica proveyendo la siguiente
información:
Título de la obra
Nombre del artista
La fecha en que se realizó la pieza
En dónde se realizó
Los medios que se usaron para crear la obra
(por ejemplo, óleo en lienzo)
el tamaño exacto de la obra

-Describe lo que ves. Descripción iconográfica, usando términos
neutrales, describe la obra de arte. La descripción debe incluir cosas
como la forma y la escala de la obra. Si el arte retrata figuras u objetos en
vez de formas abstractas, describe qué es lo que está representado.
Trata de describir las características del estilo a que pertenece que están
presentes en la obra.
Descripción iconológica: si estos elementos tienen algún significado
alegórico.
2- Análisis: Comenta todos sus aspectos formales:
a) Arquitectura: Elementos constructivos: soportes, fachada, planta,
cubierta, elementos decorativos.
b) Escultura: movimiento , expresión, grado de realismo, cromatismo.
c) Pintura: Luz, perspectiva, composición, color, línea grado de
realismo.
d) Cine: Descripción de la escena, tipo de plano, angulación,
iluminación, montaje…
e) Fotografía: circunstancias de la toma, luz, color, distancia focal,
profundidad de campo…
f) Moda: descripción del tipo de vestimenta, tejidos, estampados, color,
forma, relación con el cuerpo, abotonaduras y cierres, complementos
g) Diseño: función de la pieza, estructura de uso de los elementos de la
pieza, relación forma función.
-Describe los avances que introduce el autor o autora en esos elementos
formales e interés de la obra

3- Interpretar la obra
a)Trata de identificar el propósito de la obra. En otras palabras, ¿qué crees que el artista trata de decir con
la obra? ¿Por qué la creó? Trata de resumir el significado general de la obra, según tu opinión.
b) Describe tu propia reacción a la obra. Ahora es momento de ser un poco más subjetivo. Piensa acerca de
cómo te sientes al mirar la obra. ¿Cuál crees que sea la atmósfera general de la obra? ¿Te recuerda a algo
(ideas, experiencias, otras obras de arte)?
Usa un lenguaje expresivo para hablar de tu reacción a la obra. Por ejemplo, ¿la atmósfera de la obra es
triste, optimista o pacífica?
c) Refuerza tu interpretación con ejemplos. Usa ejemplos de la descripción y del análisis de la obra para
explicar por qué piensas y sientes de la manera en que lo haces con respecto a la pieza.
4-Juzgar la obra
Determina si crees que la obra es exitosa o no, enfócate en aclarar si crees que la obra es “exitosa”. Por
ejemplo, hazte las siguientes preguntas:
¿Crees que la obra expresa lo que el artista quiso expresar?
¿El artista usó bien las herramientas y las técnicas?
¿El arte es original o imita a otras obras?
Resume por qué crees que la obra cumple con su objetivo. En pocas oraciones, explica tu opinión de la
obra. Da razones específicas para tu opinión usando la interpretación y el análisis de la obra que hiciste.
Si es una obra de arte conocida puedes comentar sus sontribuciones a la historia del arte

Aunque las mujeres han participado en la creación del
arte a lo largo de la historia, su obra, en comparación con
la de sus homólogos masculinos, ha sido a menudo
oscurecida, pasada por alto e infravalorada.
• El canon occidental históricamente ha valorado más
las obras de hombres que las de mujeres.
• Muchas de sus obras han sido atribuidas
erróneamente a hombres.
• El reconocimiento del trabajo de las mujeres artistas
continua expandiéndose al continuar produciendo obras
que complican y desafían los conocimientos de la gente.
• Los estereotipos predominantes sobre los sexos han
hecho que ciertas disciplinas, como el arte textil, se
asocien principalmente con la mujer, a pesar de que en el
pasado eran categorías, como la cerámica, en las que
participaban tanto hombres como mujeres.
• A menudo han encontrado dificultades para
formarse, propagar y comercializar su trabajo, así como
para obtener reconocimiento.
A finales de los años 60 y 70, artistas feministas e
historiadoras del arte crearon un movimiento artístico
feminista que aborda abiertamente el papel la mujer,
especialmente en el mundo del arte occidental. Cómo se
percibe, evalúa o se considera el arte en el mundo en
función del género. Además, explora el papel de las
mujeres tanto en la historia del arte como en la sociedad.
¿Por qué no ha habido grandes
mujeres artistas? Ensayo de Linda
Nochlin

Sofonisba Anguissola
(Cremona, c. 1535-Palermo, 1625) fue una
pintora italiana, considerada la primera mujer
pintora de éxito del Renacimiento.
Cultivó el retrato y el autorretrato,
estableciendo nuevas reglas en el ámbito del
retrato femenino.
A los 27 años se estableció en España, en la
corte del rey Felipe II. Se le adjudica un
importante papel como eslabón entre el
retrato italiano y el español en el siglo XVI,
además de notable influencia en el desarrollo
posterior de este género en Italia.
Su trayectoria resultó un precedente para
varias mujeres artistas que habían sido
excluidas de la enseñanza académica, de
gremios y talleres y del mecenazgo papal,
pero que sí encontraron respaldo en las cortes
europeas entre los siglos XVI y XVIII.
Retrato de Felipe II, tradicionalmente
atribuido a Alonso Sánchez Coello y que
actualmente se asigna a Sofonisba. Museo
del Prado, Madrid.

Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593-
Nápoles, hacia 1656)12 fue una pintora barroca italiana.
Su formación artística comenzó en el taller de su padre, el
pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639), uno de los
grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio, con
quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas
violentas que a menudo representan sus pinturas.
En sus cuadros desarrolló temas históricos y religiosos. Fueron
célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia,
Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que se han leído rasgos
feministas.
En mayo de 1611, cuando tenía 18 años, el pintor Agostino
Tassi, maestro suyo y amigo de su padre, la violó. Suceso que
se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su
pintura.
Fue la primera mujer en hacerse miembro de la Accademia
delle arti del disegno de Florencia y tuvo una clientela
internacional. Trabajó bajo los auspicios de Cosme II de
Médici. En 1621 trabajó en Génova, luego se trasladó a
Venecia, donde conoció a Anton Van Dyck y Sofonisba
Anguissola; más tarde regresó a Roma, y entre 1626 y 1630 se
mudó a Nápoles. En el período napolitano, la artista recibió
por primera vez un pedido para la pintura al fresco de la
iglesia, en la ciudad de Pozzuoli, cerca de Nápoles. Durante el
período 1638-1641, vivió y trabajó en Londres con su padre
bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra. Luego regresó a
Nápoles, donde vivió hasta su muerte.
Judit decapitando a Holofernes (1614-20).
Óleo sobre lienzo, 199 × 162 cm Galleria
degli Uffizi, Florencia..

Judith Jans Leyster (también
Leijster) (Haarlem, 28 de julio de
1609–Heemstede, 10 de febrero de
1660)1 fue una pintora del Siglo de
Oro neerlandés. Trabajó con
formatos de dimensiones variadas.
Cultivó la pintura de género, los
retratos y los bodegones. Toda su
obra fue atribuida a Frans Hals o a
su marido, Jan Miense Molenaer,
hasta 1893 cuando Cornelis
Hofstede de Groot le atribuyó siete
pinturas, seis de las cuales están
firmadas con su distintivo
monograma 'JL *’.
La atribución errónea de sus obras
a Molenaer puede haberse debido
a que después de su muerte
muchas de sus pinturas fueron
inventariadas como "la esposa de
Molenaer", no como Judith Leyster. Joven flautista..

Elisabeth Vigée Le Brun
París, 1755-1842). Pintora francesa en la época Rococó.
Fue nombrada miembro de la Academia de San Lucas en 1774.
Dos años después se casaría con el marchante de arte Jean-
Baptiste Le Brun.
Ese mismo año pintó al hermano del rey y se introdujo en los
círculos cortesanos. En 1779 pudo realizar del natural el retrato de
la reina María Antonieta con traje de satén y una rosa en la mano.
Hacia 1782 llevó a cabo un viaje por los Países Bajos, siendo
requerida a su regreso por la reina como pintora favorita. En 1783,
bajo la influencia de la reina, fue nombrada miembro de la Real
Academia y se convirtió en la retratista favorita de la sociedad
aristocrática del París prerrevolucionario. Tras el estallido de la
Revolución, abandonó Francia, el 5 de octubre de 1789, con
destino a Italia.
Tras realizar numerosos retratos de importantes personajes de ese
país, decidió marchar a Viena, donde se estableció durante 1793 y
1794. Continuó su periplo europeo, pasando por las cortes de
Praga, Dresde y Berlín, para recalar finalmente en San
Petersburgo, donde permaneció seis años. Su regreso a París se
produjo en enero de 1802 y después abandonó una vez más la
ciudad por Londres, donde residió durante tres años y donde
retrató a la nobleza británica, incluyendo al príncipe de Gales.

Marie-Rosalie Bonheur, más conocida como Rosa Bonheur (Burdeos, 16 de marzo de 1822-Thomery, 25 de
mayo de 1899),1 fue una artista francesa, fundamentalmente pintora que se especializó en la representación
de animales y también escultora, de estilo realista.
Fue ampliamente considerada una de las artistas mujeres más famosas del siglo XIX.
Una de sus obras más famosas es Arando en el Nivernais. Se formó con su padre y en el taller de Léon
Cogniet. Sus hermanos se dedicaron también a prácticas artísticas. Pasó varios años en el campo, cerca de
Burdeos, donde se ganó la reputación de marimacha («Yo era el más muchacho de todos»), reputación que
la siguió toda su vida y que no buscó desmentir, ya que llevaba el cabello corto y fumaba habanos. Comenzó
a ir al Louvre para copiar al óleo los animales de artistas como Nicholas Poussin, Rubens o Theodore
Gericault. Visitó los mataderos para estudiar las disecciones y hacer bocetos a lápiz de la anatomía de los
animales. También asistió como oyente a clases universitarias de anatomía y osteología veterinaria. Obtuvo
medallas en la Exposición de Rouen. Expuso por primera vez en el Salón de 1843. Obtuvo una medalla de
tercera clase en el Salón de 1845 y una medalla de oro en el de 1848.
En 1857 obtuvo de la policía la autorización para aparecer en público vestida con pantalones para no ser
molestada mientras trabajaba ya que frecuentaba las ferias de ganado donde tomaba apuntes del natural.
Cada seis meses, alegando motivos de salud, acudía a la Prefectura de Policía de París para solicitar el
Permission de Travestissement, firmado por un médico.
Rosa Bonheur 1845 “Arando en Nivernais», Museo de Orsay, encargo
estatal.
Rosa Bonheur 1879 “El Cid»,
Museo del Prado.

Barbara Krafft, nacida Steiner (1 de abril de 1764, Jihlava - 28
de septiembre de 1825, Bamberg) fue una pintora austríaca,
recordada hoy por su retrato póstumo de Wolgang Amadeus
Mozart, ampliamente reproducido.Eera hija del pintor de la
corte austríaca, Johann Nepomuk Steiner, el cual le enseñó la
disciplina artística. La familia se mudó a Viena, donde Barbara
expuso una obra suya por primera vez en 1786. Barbara llegó a
ser miembro de la Academia de Bellas Artes de Viena.
Contrajo matrimonio con el químico Joseph Krafft en 1789, con
el que tuvo un hijo nacido en 1792 y que ella enseñó, Johann
August Krafft, futuro pintor y litógrafo radicado en Múnich. En
Jihlava, Salzburgo y Praga, logró un creciente éxito
principalmente como retratista, aunque también pintó obras
religiosas y de género.
Destacó principalmente como retratista de estilo clasicista. En
vida fue una de las artistas más populares de su país, contando
con 165 encargos solo en sus últimos cuatro años de vida,
cuando fue nombrada pintora oficial de la ciudad de Bamberg.
Hoy en día es especialmente reconocida como autora de un
famoso retrato de Wolfgang Amadeus Mozart, concluido en
1819, 28 años después de la muerte del compositor, a partir de
la descripción de Maria Anna, la hermana del músico.
Barbara Krafft 1818 retrato
póstumo de Mozart

Mary Stevenson Cassatt 1844 - 1926) fue una
pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida
en Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en
Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se
incorporó al movimiento impresionista. Cassatt
pintó, principalmente, imágenes representando la
vida social y privada de las mujeres, con especial
énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.
Cassatt y Degas colaboraron durante mucho tiempo.
Sus estudios estaban bastante cercanos.Degas
adquirió el hábito de visitar el estudio de Cassatt,
ofreciéndole sus consejos y ayudándole a conseguir
modelos.
Tenían mucho en común: gustos similares en
cuestiones de arte y literatura, ambos provenían de
familias ricas, habían hecho estudios de pintura en
Italia, y eran independientes y solteros. El grado de
intimidad entre ellos no se puede evaluar.
Degas enseñó a Cassatt la pintura al pastel y el
grabado, técnicas que Cassatt dominó rápidamente;
por su parte, Cassatt ayudó a Degas a vender sus
pinturas y a promocionar su figura en Estados
Unidos. Ambos se consideraban a sí mismos como
pintores de la figura humana.

Berthe Morisot. (1841-1895) fue una pintora impresionista
francesa.
Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes
a fines del siglo XIX.A la edad de 20 años, Berthe Morisot
conoció a Camille Corot, quien la admitió como su discípula y la
introdujo en los círculos artísticos. Morisot decidió ser una
artista adoptando una postura muy radical que la vincularía al
grupo de artistas impresionistas, adquirió la técnica
impresionista de pintar al aire libre, donde creaba pequeños
cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el
estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en
1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en
el Salón hasta 1874. En 1868, conoció a Édouard Manet y en
1874 se casó con Eugène Manet. Ella fue la que convenció al
maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores
que sería posteriormente los impresionistas. Manet sin
embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de
acuerdo con exhibir junto al grupo. Asimismo, Berthe fue la
modelo de Manet tanto en diversos e importantes retratos
como en su obra de gran formato El Balcón, donde el pintor
francés da cuenta de su admiración por la obra de Goya
Al igual que Mary Cassatt, Berthe Morisot fue relegada a la
categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida
cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas). Sin embargo,
como mandaba la doctrina impresionista ella pintaba el mundo
que la rodeaba.
La cuna (1872); Museo de Orsay
(París)

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, Ciudad de
México, 6 de julio de 1907-13 de julio de 1954), conocida como
Frida Kahlo, fue una pintora mexicana. Su obra gira temáticamente
en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de 150
obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus
dificultades por sobrevivir. También es considerada como un icono
pop de la cultura de México.
Su vida estuvo marcada por el infortunio de sufrir un grave
accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante
largos periodos, llegando a someterse a hasta 32 operaciones
quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional. La obra de Frida y la
de su marido, el pintor Diego Rivera, se influyeron mutuamente.
Ambos compartieron el gusto por el arte popular mexicano de
raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo
posrevolucionario.
En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de
André Breton, quien intentó convencerla de que eran
«surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no
correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su
propia vida. Una de las obras de esta exposición se convirtió en el
primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del
Louvre. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e
intelectuales de su época como Picasso, Kandinski, André Breton,
Marcel Duchamp, su obra alcanzó reconocimiento internacional
Las dos Fridas. (1939) unidas por una
misma arteria. De un lado tenemos a una
Frida con un estilo tehuano por parte de
su madre y Frida con un estilo europeo
por herencia de su padre alemán, con
una mirada más fría y con unas tijeras
que han cortado el lazo que las une.

Tamara de Lempicka
Tamara fue "la primera artista mujer en ser una estrella del glamour".
Influenciada por el Cubismo, Lempicka fue una de las mayores
representantes del estilo Art Decó en dos continentes, fue la artista
favorita de muchas estrellas de Hollywood y llamada "la baronesa con
pincel".
Fue la retratista más reconocida de su generación entre la "alta
burguesía" y la aristocracia, pintando duquesas, grandes duques y las
altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de
exponer sus pinturas en los salones de mayor élite del momento.
Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de
ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba
mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una
impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados
contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos, junto con los
desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato
manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto.
Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos
antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten
ropajes y peinados de última moda.
Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos, también
retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la
burguesía artística de París y Nueva York. También realizó cuadros de
flores.
“El hombre incompleto” (1932)

““Adán y Eva” (1931)
“Tamara en Bugatti verde” (1929))

Judy Chicago
Judith Sylvia Cohen, conocida como Judy Chicago
(Chicago, 20 de julio de 1939) es una pintora,
escultora, educadora, escritora y pionera del arte
feminista estadounidense. Se la reconoce por sus
grandes piezas de instalación de arte colaborativo
sobre imágenes de nacimiento y creación, que
examinan el papel de las mujeres en la historia y
cultura. En los 70 fundó el primer programa de arte
feminista en los Estados Unidos. Su trabajo incorpora
una variedad de habilidades artísticas, como la
costura, contrarrestada con habilidades que
requieren mucha mano de obra, como soldadura y
pirotecnia. Su obra más conocida es The Dinner
Party, que se instaló permanentemente en el
Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art en el
Museo Brooklyn. The Dinner Party celebra los logros
de las mujeres a lo largo de la historia y es
ampliamente considerada como la primera obra de
arte épica feminista. Otros proyectos notables de
arte incluyen International Honor Quilt, The Birth
Project,1 Powerplay,2 y The Holocaust Project.3
“The Dinner Party” (1979)

Gerrilla girls
Guerrilla Girls es un colectivo artístico anónimo de
artistas feministas y antirracistas.
El grupo nació en Nueva York en 1985 y se
denominó así por usar en su activismo tácticas de
guerrilla entendida como guerrilla de comunicación
para denunciar la discriminación de las mujeres en el
arte.
Su primera actividad fue colocar carteles y hacer
apariciones públicas en museos y galerías de Nueva
York, para denunciar que algunos grupos de personas
eran discriminados por motivos de género y raza
principalmente.
Todo esto lo hicieron de forma anónima, de hecho,
en todas y cada una de estas apariciones, cubrieron
sus rostros con máscaras de gorila (esto se debía a
que la pronunciación inglesa de gorila es muy
parecida a la de guerrilla) y, además de eso,
utilizaban como sobrenombre el nombre de artistas
mujeres ya fallecidas. Según ellas mismas, era más
importante el objetivo de sus actividades que su
propia subjetividad: «Queremos poner el foco en
nuestros objetivos, no en nuestra identidad o en las
obras de cada una de nosotras»
Obras del grupo 'Guerrilla Girls'
en exposición en el Museum of
Modern Art (MoMA), Manhattan,
Nueva York.

Barbara Kruger
Barbara Kruger (Newark, 26 de enero de 1945) es
una artista conceptual estadounidense. Gran parte
de su trabajo consiste en fotografías en blanco y
negro cubiertas de un pie de foto declarativo, de
letras blancas sobre rojo con tipografía Futura gruesa
oblicua. Las frases en sus obras a menudo incluyen el
uso de pronombres en inglés como "you", "your", "I",
"we", y "they".
Barbara Kruger trabajó como diseñadora gráfica,
directora artística y como editora de imágenes en el
departamento de arte de las revistas House and
Garden y Aperture entre otras. El trabajo artístico
que hoy conocemos de Barbara Kruger se vio muy
influenciado por sus experiencias creativas en el
campo del diseño. La artista interpreta y trabaja
sobre documentos fotográficos ya existentes con
textos sucintos y agresivos que envuelven al
espectador en la lucha de valores cotidianos
predeterminados por el ámbito socio-cultural.
Barbara Kruger en su obra propone preguntas sobre
algunos temas de nuestro entorno socio-cultural
como los estereotipos, algunas situaciones que se
crean en la sociedad, realidades políticas, y cuestiona
el poder, la sexualidad y la representación.
“Mean You” (2022 MOMA)

Jenny Holzer
Jenny Holzer (nacida el 29 de julio de 1950 en Gallipolis, Ohio) es una
artista conceptual estadounidense. Holzer fue originalmente artista
abstracta, pero después de trasladarse a Nueva York, comenzó a
trabajar con textos. Estos han aparecido en camisetas, carteles, bancos
de mármol incluso en envolturas de condones, sus palabras han sido
proyectadas en edificios de gobiernos y corporativos de todo el mundo.
Utilizando la retórica de los sistemas de información con el fin de hacer
frente a las Injusticias.
Desde hace más de treinta años, Jenny Holzer ha presentado sus ideas,
argumentos y penas en lugares públicos y exposiciones internacionales
como el 7 World Trade Center, el Reichstag, la Bienal de Venecia, el
Museo Guggenheim de Nueva York y Bilbao o el Whitney Museum of
American Art. Vive y trabaja en Nueva York desde que se mudó allí en la
década de los 70.
Installation for Museo
Guggenheim Bilbao.
“Installation” (2007
Smithsonian American Art
Museum.)
Banco de piedra
en el Parque de
las Esculturas,
Pontevedra..

Sabina de Steinbach fue una maestra escultora del siglo XIII a la que
se atribuyen un grupo de estatuas de la puerta sur de la catedral de
Estrasburgo, algunas de las de la catedral de Magdeburgo y de la
catedral de Notre Dame de París.
la primera mención escrita acerca de su persona se remonta a 1617;
fue realizada por Schadeus al describir la catedral de Estrasburgo,
cuya construcción había finalizado en 1275. La torre se comenzó en
1277 por el arquitecto y maestro constructor Erwin de Steinbach,
que contó con la ayuda de su hija, Sabina, que era una hábil
escultora.
Las mujeres estaban admitidas en la mayoría de los gremios de
oficios durante la Edad Media, pero la adhesión a un gremio no
daba automáticamente el derecho de ser aprendiz. No obstante,
ello implicaba que las mujeres pudieran compartir todas las
ventajas religiosas y financieras de los adheridos a los gremios. Si un
maestro-artesano fallecía, su cargo pasaba a su esposa que podía
retomar el oficio. Esto se realizaba fácilmente con la ayuda de otro
artesano que, a menudo, adquiría el cargo casándose con la viuda.
Los tallistas en piedra viajaban a menudo lejos, los trabajos de
construcción podían durar décadas, y naturalmente llevaban con
ellos a su familia. Sabina fue la autora de las estatuas que
personifican a la Iglesia y la Sinagoga (las dos del siglo XIII), que
están ubicadas en las puertas sur de la catedral.
Sabina, hija de Erwin de Steinbach, sería
la autora de estas estatuas en la
catedral de Notre-Dame de Estrasburgo.

Properzia de’ Rossi (1490 - 1530) fue música y escultora italiana del
renacimiento. Era hija de un notario y estudió con el maestro
grabador boloñés Marcantonio Raimondi.
Muy pronto en su carrera, Properzia adquirió fama por sus
complejas y pequeñas esculturas hechas en huesos de fruta, como
albaricoques, melocotones y cerezas. Los temas de estas pequeñas
esculturas eran a menudo religiosos, una de las más famosas fue
una crucifixión hecha en un hueso de melocotón.
Próxima a cumplir la treintena, Rossi comenzó a trabajar a gran
escala. Sus retratos en busto de mármol de este periodo le
proporcionaron reconocimiento y numerosos encargos, incluyendo
un programa decorativo para el altar de Santa María del Baraccano
en Bolonia. Aunque obtuvo numerosos encargos durante su vida,
murió antes de cumplir cuarenta años, en la miseria y sin parientes
ni amigos.
Fue una de las aproximadamente treinta mujeres artistas,
principalmente pintoras, del renacimiento italiano. Las mujeres
escultoras eran una rara avis. Giorgio Vasari incluyó la biografía de
Properzia en su famosa obra sobre biografías de artistas Le Vite. Sin
embargo, sus comentarios sobre Properzia a veces son peyorativos.
Vasari empleó el bajorrelieve de Properzia como ejemplo de cómo
las mujeres, incluso las mejores dotadas, no eran capaces de huir de
su «naturaleza femenina». Properzia de Rossi, Hércules luchando
con Amazonas
Properzia de Rossi, José y la mujer de
Putifar (1520)

Luisa Roldán Luisa Ignacia Roldán Villavicencio (Sevilla 1652
Madrid, 1706), conocida popularmente como La Roldana, fue la
primera escultora española registrada. Es una de las principales
figuras de la escultura del Barroco en la Andalucía de finales del
siglo XVII y principios del XVIII. Su fama alcanza mayor relieve
desde que Antonio Palomino la reconoció como una escultora
tan importante como su padre Pedro Roldán.
Se formó influida principalmente por su padre, en cuyo taller
de Sevilla trabajó hasta su matrimonio en 1671. Su escultura
fue de temática religiosa, siguiendo las directrices del Concilio
de Trento de humanizar el arte de las imágenes, para poner la
religión más cercana al pueblo. Realizó esculturas de tamaño
natural para procesionar, en madera o de barro cocido con
policromía y muchas de ellas de las llamadas «de candelero» o
para vestir, así como también otras de pequeños grupos de
devoción para particulares y conventos, con gran movimiento y
expresividad con plenas características del arte barroco.
Ejecutó numerosos belenes en terracota de estilo italiano,
inclinándose más por los que formaban una escena de la
Natividad como grupo escultórico unido.
Después de dos años de estancia en esa capital andaluza viajó a
Madrid, donde trabajó como escultora de cámara para los
monarcas Carlos II y Felipe V hasta su fallecimiento.
Luisa Roldán, Ecce Homo, 1684, Catedral
de Cádiz.
Luisa Roldán, Desposorios místicos de
Santa Catalina 1690, Hispanic Society

Camille Claudel.
Llega a París en 1883 con el fin de perfeccionar su técnica e ingresar en la
Academia Colarussi. Ese mismo año se encuentra por primera vez con
Auguste Rodin, mientras el célebre escultor sustituía una clase de su
amigo Alfred Boucher. Al año siguiente empieza a trabajar en su taller,
posa para él y colabora en la realización de las figuras de La puerta del
Infierno.
Además de ser una de las principales colaboradoras del escultor, fue
también su compañera durante algunos años, se convirtió en su modelo y
su musa, inspirando obras como La Danaïde o Fugit Amor.
La edad madura
La pareja frecuentaba los ambientes artísticos y culturales más
importantes del París de la época y pasaron juntos largos períodos fuera
de la ciudad, sin embargo a Rodin se le relacionó sentimentalmente con
Rose Beuret, esta situación sería la inspiración de una de las obras más
importantes de Camille: La edad madura. En esta escultura vemos
representada la escena de Camille arrodillada y suplicante, dirigiendo sus
manos hacia Rodin, quien le da la espalda mientras una mujer mitad ángel
mitad bruja, que representa a Rose Beuret, se lo lleva.
Mientras sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia
artículos sobre ella en las revistas de arte, en medio de una crisis
emocional, Camille se encierra en su taller, se aleja del mundo y en
diciembre de 1905 realiza su última gran exposición.
Camille colaboraría con Rodin en la ejecución de dos de las obras más
célebres del escultor: “Los Burgueses de Calais” y, sobre todo, “Las
Puertas del Infierno”, una de las obras magnas de su autor, de más de seis
metros de altura y con más de 200 figuras en su composición, considerada
una de las más extraordinarias muestras del impresionismo escultórico de
todos los tiempos. Durante todo aquel tiempo, Camillle trabajó
arduamente como ayudante y modelo de Rodin, la mayoría de las veces a
expensas de su propio trabajo; y es que la alumna se había enamorado
irremediablemente del maestro.

Barbara Hepworth nació en Yorkshire (Inglaterra) en 1903.
A muy temprana edad descubrió que quería ser escultora y
para su formación realiza estudios en el Royal College of
Art de Londres y largas estancias en Carrara, Florencia y
Roma. A principios de los años Veinte comienza a producir
sus primeras obras, trabajando el mármol y la piedra con
motivos figurativos, modelos clásicos en transición hacia
las formas abstractas.
Prefería la talla directa a modelar, porque al vencer la
resistencia del material conseguía la forma deseada. A su
vez, afirmaba que la obra debía guardar armonía con el
aspecto arbitrario del material original para poder
devolverla a su entorno.
Hepworth trabajaba sin esbozos previos y el resultado son
obras redondeadas, de superficies lisas y pulidas, donde
los materiales (piedra, madera) adquieren una gran
armonía y belleza, hasta el punto de parecer ser el
resultado de una larga exposición a la intemperie, más que
del arduo trabajo del cincel. De esa época, década de los
años Treinta, datan esculturas como “Reclining Figure”, de
formas biomórficas redondeadas y “Three Forms”,
testimonio de su pasión por las formas múltiples (alegoría
del nacimiento de sus trillizos habidos con el pintor Ben
Nicholson). La familia del hombre (1970)
Oval Form’ (Trezion) (1961-63)

Louise Joséphine Bourgeois (1911 – 31 de mayo de 2010) fue una
artista y escultora francesa nacionalizada estadounidense.
Conocida por sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de
"Mujer Araña", es una de las artistas más importantes del arte
contemporáneo.
Su escultura arácnida más grande se titula Maman y ha sido
exhibida en numerosos lugares del mundo, con una altura de más
de 9,27 metros.
Reconocida como fundadora del Arte Confesional, sus trabajos
hacen referencia a la figura humana, y sus fragmentos, expresando
temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Su trabajo era
puramente autobiográfico y estaba inspirado en su trauma de la
infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre
y su niñera.
La sexualidad es, sin duda alguna, uno de los temas más
importantes en el trabajo de Louise Bourgeois. El vínculo entre la
sexualidad y la fragilidad es muy poderoso, se dice que esto derivó
de las memorias de su niñez y el amorío de su padre. Spiral
Woman (1952) combina el enfoque de Louise en la sexualidad con
la tortura. La pierna flexionada y los músculos del brazo indican
que la mujer sigue por encima a pesar de que está colgada y
sofocada. Su trabajo de 1995, In and Out utiliza materiales de
metal frío para ligar a la sexualidad con enojo y cautiverio.
Arco de Histeria (1993)
Mamá (1999)
Spiral Woman (1952)

Matilde Ucelay (Madrid, 1912- 2008) fue la primera
arquitecta titulada española y Premio Nacional de
Arquitectura de España en su edición de 2004, concedido
en 2006 Una vez finalizada la Guerra Civil Española y como
consecuencia de su participación en la Junta de Gobierno
del Colegio de Arquitectos de Madrid en 1936, fue juzgada
varias veces en consejo de guerra y depurada
profesionalmente.
En 1998 la Asociación La Mujer Construye hizo un
reconocimiento público de su figura En 2004, obtuvo el
Premio Nacional de Arquitectura.
A lo largo de una extensa vida profesional de cuatro
décadas realizó alrededor de 120 proyectos entre los años
1940 y 1981. Los que realizó antes de 1945 no llevan su
firma, sino las de amigos como Aurelio Botella, que firmó
sus proyectos mientras ella estuvo inhabilitada. Sus
principales clientes fueron personas de la alta burguesía
madrileña, muchos de ellos extranjeros, y muchos de ellos
mujeres. La casa Oswald, de 1953, le abrió las puertas de la
alta sociedad. Se especializó en la arquitectura residencial
de calidad, dirigida a una clientela de alto poder
adquisitivo, grandes mansiones situadas muchas de ellas
en las mejores zonas de la capital. Sus casas destacan por
el cuidado en el detalle, la atención a la vida de las
personas en ellas, y el prurito por dar la mejor respuesta
arquitectónica a las necesidades del cliente.
El edificio de viviendas Castaño en Madrid la
confluencia de la diagonal de la calle Alcalá con la
trama ortogonal del ensanche de la calles Goya y
Conde de Peñalver.)

Charlotte Perriand (París, 1903 1999) fue una arquitecta y
diseñadora francesa. Desarrolló el diseño de los muebles
de la casa moderna que dejan de entenderse como objetos
autónomos y artísticos para pasar a ser artefactos
funcionales vinculados a la estructura doméstica y fue una
de las impulsoras de la arquitectura interior moderna.
Trabajó en el estudio de Le Corbusier como responsable de
mobiliario e interiores.
Se incorporó al estudio de Pierre Jeanneret y Le Corbusier,
decidió romper con el academicismo arquitectónico para
adoptar teorías que tuvieran en cuenta los materiales, la
funcionalidad y los placeres del bienestar. Se interesó por
la vivienda social.
Su inquietud también se reflejó en su compromiso político
y social en aras de una arquitectura y un interiorismo que
tuvieran en cuenta las necesidades de las clases populares.
Esta militancia la llevó a trabajar para el gobierno del
Frente Popular francés surgido de las elecciones de 1936.
La colaboración con Cassina, única firma autorizada a
editar sus diseños, se remonta a 1964, cuando comenzó a
producir las primeras cuatro piezas de LC Collection.
Charlotte Perriand continuó trabajando estrechamente
como diseñadora para la empresa italiana hasta su muerte
en 1999.
Prototipo de doble chaise-longue que Perriand
creó en 1952 y que formó parte de la instalación
"La Proposition d'une Synthèse des Arts" en la
exposición de Tokio en 1955.

Lilly Reich (Berlín, 1885 - 1947) fue una diseñadora moderna
alemana. Estuvo asociada con Ludwig Mies Van der Rohe durante
más de diez años. Fue una de las pocas mujeres profesoras de la
Bauhaus.
Fue la segunda mujer en dirigir un taller en la Bauhaus, la más
estrecha colaboradora (en más de un sentido) de Mies van der Rohe
durante una década y la diseñadora a la que se atribuye, si no la
autoría, al menos la colaboración en muchos de los grandes
proyectos del arquitecto. El Pabellón Alemán para la Exposición
Universal de Barcelona de 1929, el interior de la Casa Tugendhat en
la República Checa (1928-1932) y dos de los iconos que surgieron en
ambas obras, la butaca Barcelona y la Brno Chair , llevan también,
aunque sea en parte, su sello.
"No hay pruebas de que Lilly diseñara esas dos sillas, pero sí es cierto
que cuando conoció a Van der Rohe en 1926, ella era una reputada
diseñadora, experta en organizar exposiciones, Pero Reich no era
arquitecta. Él se "aprovechó" de su conocimiento sobre textiles,
color, mobiliario... Pero la parte técnica fue siempre de Mies.
Además de su extensa carrera profesional, Reich fue la que salvó casi
3.000 dibujos de Van der Rohe de los bombardeos de la Segunda
Guerra Mundial, entregándoselos a un amigo que conservó, junto al
legado del Maestro, 900 de los diseños de ella, casi todo su trabajo,
que por suerte constatan su enorme contribución al diseño y la
arquitectura alemana de principios del XX.
La silla 'B42' (1927) de Lilly
Reich y Mies van der Rohe,
en 'Tecta'.
Los interiores de la
'Tugendhat House' (1928–
30) en Brno son de Reich

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