Este documento presenta información sobre varios artistas latinoamericanos, incluyendo Oswald Guayasamín de Ecuador, Wilfredo Lam y Roberto Fabelo de Cuba, y Ana Mendieta de Cuba y Estados Unidos. Describe sus obras de arte, que a menudo retratan temas de injusticia social, sufrimiento y lucha. También proporciona detalles sobre el Museo Guayasamín en Quito, Ecuador, que alberga muchas de las pinturas del artista ecuatoriano.

1. Arte latinoamericano 4
ECUADOR: Oswald Guayasamín
CUBA: Wilfredo Lam – Roberto Fabelo –
Ana Mendieta – Félix Gonzalez Torres

2. “Mi pintura es para herir, para arañar y golpear en el corazón de la gente”.
Oswaldo Guayasamín.
Pintor de la luz y la tragedia latinoamericana

3. Los Trabajadores, 1942
Óleo sobre tela
170 x 170 cm

4. Patio Interior
Una casa colonial construida
con paredes gruesas de adobe
y cubierta de madera,
ubicada en el centro de Quito,
cerca de la iglesia Basílica.
Allí Guayasamín vivió junto con sus padres
y hermanos hasta después de
su primer matrimonio.
Óleo sobre mazonite
101 x 74 cm

5. Madre y niño, 1848
Es un tema recurrente en sus pinturas, el
retrato de madres y niños juntos, que para él
era la representación más grande del amor.
Este cuadro en específico se puede considerar
un precursor de la colección que más tarde se
llamaría “Ternura”, dedicado a su madre y a
todas las madres del mundo.
Óleo sobre tela
105 x 66 cm

6. Este cuadro describe un hecho que marcó muchísimo la vida de Guayasamín. Cuando
tenía 13 años sucedió en Quito la llamada "Guerra de los Cuatro Días", donde su único
amigo, Manjarrés, se vio alcanzado por una bala perdida. Esta muerte sin sentido de su
entrañable amigo dejó una huella profunda sobre las consecuencias de la violencia del
hombre.
Óleo sobre tela / 98 x 138 cm
Los niños muertos

7. Huacayñán
Guayasamín viaja por América del Sur, visita Perú, Bolivia, Argentina, Uruguay, Brasil y
como resultado pinta la serie “Huacayñán” (palabra quichua que significa “Camino del
Llanto”), compuesta de 103 cuadros realizados de 1946 a 1952.
Es una visión de los pueblos mestizos, indios y negros, con sus culturas y expresiones de
alegría, tristeza, tradición, identidad, religión, sobre todo de los países andinos. “La
traducción de ‘huacayñán’ al español tiene varias interpretaciones. La más profunda, que
me han dado los indigenas, es "el camino por dónde camina la lágrima", el pliegue del
párpado inferior, antes de rodar por la mejilla. Otra interpretación dice que la palabra
expresa la separación de dos amigos, o de una mujer y un hombre, cuando se despiden
para no verse más y no hay lágrimas…
En quechua, no volver a verse jamás es huacayñán.
De modo que es ambas cosas a la vez: "los ojos que comienzan a humedecerse, antes de
que salga el llanto, y la imposibilidad de llorar, cuando todo el cuerpo se lava de lágrimas y
quedan los ojos secos.” (Guayasamín)

8. Retrata la terrible situación en que una familia debe enterrar a su hijo. Era costumbre en esas épocas que a
los niños se los enterraba en ataúdes de color blanco, simbolizando la pureza de sus cortas vidas. Así
mismo, estos ataúdes se decoraban con pan de oro. Sin embargo, las familias indígenas al no tener los
recursos para tal decoración, lo realizaban con el papel brillante de las cajetillas de cigarrillos. Con esta
pintura Guayasamín gana el Gran Premio de la III Bienal Hispano-Americanade Arte, celebrada en
Barcelona, España, en 1955.

9. Madre y niño, 1945-51
Encáustica sobre madera/ 80 x 70 cm

10. La Cosecha, 1939
Óleo sobre cañamo
216 x 149 cm

11. La vieja, 1941
Óleo sobre tela
91 x 50 cm

13. "...cuando lentamente me fijo en sus Retratos, ¿Cómo no percibir el estreñimiento de esa
fuerza artística que de pronto nos introduce en el cuadro y nos hace sentirnos como parte
del cuadro, como si cada desgarramiento de la desesperación fuera un desgarramiento
propio que nos esta urgiendo la carne adolorida?" HECTOR P. AGOSTI
Homenaje a Tania I, II y III

14. Niñas Llorando I, II y III, 1977

15. Lágrimas de Sangre
Este cuadro está dedicado a 3 personajes chilenos a
los cuales Guayasamín admiraba profundamente.
Estos eran Salvador Allende, Víctor Jara y Pablo
Neruda, el último gran amigo del Maestro.
El cuadro es reacción a los acontecimientos de lesa
humanidad sucedidos durante la dictadura militar de
Augusto Pinochet en Chile.
Óleo sobre tela 220 x 110 cm

16. Playa Girón está localizada en la Bahía de Cochinos, en Cuba, y fue el lugar donde en 1961
desembarcaron las tropas de exiliados cubanos patrocinados por el gobierno norteamericano con
intenciones de invadir la isla.
Estas fueron derrotadas en las siguientes 72 horas, pero las casualidades para el ejército cubano
fueron enormes. En este cuadro Guayasamín quiere mostrar el sufrimiento de las familias que
perdieron a sus hijos en esta batalla.
Playa Girón

17. Rios de Sangre I, II y III, 1986
c.u. 137 x 187 cm

18. Al final de la década de los sesentas Guayasamín
viajó a la India y quedó sorprendido por la enorme
miseria que se podía ver en todo el país. Miles de
personas mendigando en las calles, miles de niños
con hambre. La imagen que más le afectó, tomando
en cuenta el fuerte lazo emocional que tuvo con la
imagen materna, fue la de una madre famélica que
de todas maneras intentaba alimentar a su hijo con
leche de su pecho. Este cuadro lo pintó en reacción a
esta escena tan desesperanzada.
Madre de la India

19. La Ternura
"Mientras vivo siempre te recuerdo" o "La Ternura", ultima colección con más de
100 obras, que Guayasamin pintó desde 1988 hasta 1999.
Es un homenaje de amor a su madre, a las madres del mundo, como símbolo de
defensa de la viday de la Tierra, a los Derechos Humanos.

20. Madre y niño - Fondo Rojo

21. La Ternura - Rojo Cayena
Óleo sobre tela
140 x 70 cm

22. El Abrazo
Óleo sobre tela
100 x 100 cm

23. Maternidad, 1987

24. El fraile dominico brasileño Frei
Betto calificó a Guayasamín de
pintor de los oprimidos y los
excluidos de la Tierra.
"Pudo haber pintado para agradar
a los ricos y a los poderosos,
como hacen muchos, pero no, él
hizo de su pintura un retrato de la
exclusión, de la opresión, de la
injusticia", aseguró Betto.

25. Botero y Guayasmin
Bogotá, Colombia

26. La Historia de la Civilisation, 1957 Boceto Mural
Óleo sobre tela / 138 x 254,3 cm
Universidad Católica del Ecuador, Quito, Ecuador

27. 200 x 300 cm
Capilla del Hombre, Quito, Ecuador
El Toro y el Cóndor, 1998

28. Quito en naranja, 1995

29. Hojas blancas, 1989

31. Pájaro, 1974
Bronce Repujado
167 x 36 x 73,5 cm

35. Su construcción, se inició en 1996 y se inauguró el 29 de noviembre del 2002, luego de la desaparición
física del maestro Guayasamín, ocurrida el 10 de Marzo de 1999, Este edificio tiene 3.600 m2 de
construcción, en dos niveles.
En el primer nivel observaremos más de 3000 piezas arqueológicas de las culturas aborígenes,
Valdivia, Chorrera, Tolita, Guangala, Jama Coaque, Bahía y Panzaleo registradas en el inventario del
Patrimonio Cultural, escogidas por su belleza y originalidad, que siguen un criterio cronológico.
Junto al costado occidental de La Capilla del Hombre un conjunto de 14 tumbas pre-incásicas, las
mismas que fueran descubiertas en una excavación el mismo día que falleció este gran maestro, esta
tumbas han sido salvaguardadas y que se incorporarán al recorrido del complejo cultural, sin olvidar
los 2284 elementos cerámicos entre fragmentos y vasijas.
La loma de Guanguiltagua en donde se encuentra este sitio ha revelado los remanentes de una
ocupación humana asociada al Período de integración anterior a la llegada de los incas; Se
encontraron solamente dos tumbas asociadas con osamentas humanas.
Los materiales arqueológicos, en especial la cerámica ofrecen la oportunidad de ser comparados con
los materiales de otros sitios y contribuiría a la caracterización de uncomplejo cultural en la hoya de
Quito y, la elaboración de una cronología local adecuada.
En la segunda etapa veremos la exhibición de los cuadros más destacados del maestro, varios
específicamente creados para este propósito, otros pertenecientes a sus series más famosas como “La
Lucha del Indio”, “La Edad del Llanto”, “La Edad de la Ira” y “La Edad de la Ternura”.
La obra que llama la atención es “La Llama Eterna”: fuego ubicado en medio de un gran plato metálico
que simboliza la plegaria eterna por la paz y los derechos humanos.

39. «Creo que cumplió su compromiso con los
humildes de la Tierra, y su mensaje plástico sigue
presente en cada injusticia que vemos hoy, y por
eso siempre nos decía que dejáramos una luz
encendida porque él iba a volver».

43. Wilfredo Lam
El pintor cubano Wifredo Lam (1902-1982), de fama
internacional, es el iniciador de una pintura mestizada
que alía modernismo occidental y símbolos africanos o
caribeños. Frecuentó todos los movimientos vanguardistas
de su época – cubismo, surrealismo, CoBrA – que
incitaban a la libertad, favorecían el acceso al inconsciente
o exploraban lo maravilloso, a través del automatismo gráfico…
Pero Lam también se enfrenta a los problemas del mundo;
persigue en su obra el mismo combate que su amigo
Aimé Césaire: « pintar el drama de su país, la causa
y el espíritu de los negros ». Inventó así un lenguaje propio,
único y original, para « defender la dignidad de la vida »
y « saludar la Libertad ».

44. Nu
1926 Huile sur toile
65 x 80 cm (25 5/8 x 31 1/2 in.)

45. Composición, I
1930
Huile sur toile
80 x 75 cm

46. La Ventana, II
1935
Gouache sur papier
marouflé (carton)
99,6 x 86 cm

47. La Guerra civil [Guerre civile espagnole]1937 Gouache sur papier 211 x 236 cm

48. Mère et enfant, II
1939
Gouache sur papier
106,5 x 74,9 cm

49. [Visage cubiste]
1939
Huile sur toile
73 x 60 cm (28 3/4 x 23 5/8 in.

50. 'La jungla', (1943)

52. Wifredo Lam
The Sombre Malembo,
God of the Crossroads 1943
Private collection (The Rudman

53. Wifredo Lam
La Mañana Verde 1943

54. Wifredo Lam –
Wedding 1947
Art Experience:NYC

57. Roberto Fabelo (nacido en 1950, Camagüey,
Cuba) es un pintor, escultor, dibujante, e
ilustrador. Es conocido por su humor absurdo
que incorpora en sus acuarelas y
esculturas. Estudió en la Escuela Nacional de
Arte (1976) y en el Instituto Superior de Arte en
La Habana (1981). Es un miembro de “La
generación de la esperanza cierta” que comenzó
en los años ochenta.

58. La mujer que amaba a
los perros - Óleo sobre lienzo
- 228 cm x 200 cm - 2014

59. Delicatessen - Creyón sobre cartulina
- 110 cm x 75 cm - 2012

61. Fabelo-Chicharron

62. Ana Mendieta (La Habana, 18 de noviembre de
1948 – Nueva York, 8 de septiembre de 1985)
fue una artista conceptual, escultora, pintora y
videoartista cubana.
Es reconocida por sus obras de arte "earth-
body art".

63. “Mis obras son las venas de la irrigación de ese fluido universal. A través de
ellas asciende la savia ancestral, las creencias originales, la acumulación
primordial, los pensamientos inconscientes que animan el mundo.
No existe un pasado original que se deba redimir: existe el vacío, la orfandad,
la tierra sin bautizo de los inicios, el tiempo que nos observa desde el interior
de la tierra. Existe por encima de todo, la búsqueda del origen”.

64. Performance en la que la artista presiona
distintas zonas de su cuerpo contra un cristal
para mostrarlo violentamente deformado. En
palabras de María Ruido (2002, 16), Mendieta
utiliza un elemento transparente inapreciable
aparentemente para deformarse, como
símbolo del sistema ideológico generador de
las tecnologías de dominio corporal. Mendieta
no solo “enmascara” su rostro, sino que
desciende por sus centros femeninos, los
pechos, los glúteos y el pubis, en una abierta
actitud de rebeldía, que trasluce su interés, no
sólo de desmitificar la idea del cuerpo
femenino como receptáculo de sensualidad y
erotismo, sino de supervisar, desde la
gestualidad agresiva del acto mismo, la
represión del cuerpo femenino en conjunción
con la idea de recipiente erótico, como
símbolo de la opresión ontológica de la mujer.
Glass on body (1972)

69. Rape Scene (1973).
Obra marcada por la influencia en acción en la que Mendieta reacciona ante la
violación de una joven en el campus de la universidad en la que estudiaba. La artista
aparece semidesnuda y cubierta de sangre, con signos de violencia a su alrededor,
recreando en su propio apartamento la vulnerabilidad de la mujer ante el descontrol y la
atrocidad humana, denunciando contundentemente la utilización de la mujer como objeto
sexual. Una obra que detalla la crudeza de un instante.

72. Sin título, de la serie el árbol de la
vida (1977).
Obra de la serie Árbol de la vida
con la que Mendieta lleva a cabo una
de sus primeras acciones con límites
difusos entre el Body Art y el Land
Art. La artista refuerza su unión con
la naturaleza al recubrirse de lodo
para camuflarse en un tronco de
árbol y pasar a formar parte de él, al
tiempo que posiciona su cuerpo
formando la figura que convirtió en
estandarte de lo femenino. Esta obra
es un acto de identificación y
aproximación a la esencia del ser
humano.

73. Feathers on a Woman (1972).
Directamente conectada con en el
performance anterior, Mendieta
realiza “Feathers on a Woman”,
donde involucra un cuerpo
femenino y lo travestiza. Lo cubre
de plumas blanca y deja su sexo al
descubierto. Podríamos leer esta
actuación como una continuidad
de la anterior performance: para
poder realmente transitar,
después del sacrificio debemos
tomar la piel del otro. Es
incuestionable la trascendencia
del discurso de género. Al dejar al
descubierto el sexo, potencia la
marcada identificación social de
los roles, y al mismo tiempo
refuerza con el ritual, la feminidad
consciente de la mujer.

74. Flores en el cuerpo (1973).
Obra de Ana Mendieta en la
que su cuerpo aparece
semioculto entre las rocas, la
tierra y la vegetación, cubierto de
pequeñas flores. Con ello la
artista consigue que se cuerpo
vuelva a ser parte de la
naturaleza, produciendo una
fusión íntima. En gran parte de
sus obras exploró las relaciones
del cuerpo y la naturaleza de un
modo entre religioso y místico,
como ocurre en esta obra. Ana se
acerca a lo religioso, donde el
ciclo natural de la vida conlleva
una reencarnación, entendida
ésta como la transformación de
un cuerpo en otro, un ciclo eterno
de renovación de la vida.

75. Felix Gonzalez-Torres: "Untitled" (Perfect Lovers), 1991 Wall clocks and
paint on wall, Overall dimensions vary with installation Clocks

76. Felix Gonzalez-Torres, Perfect Lovers, 1994.

77. Felix Gonzales-Torres, ‘Untitled’, 1991,
Billboard, Dimensions vary with installation

79. Una de las obras que más ha conmovido de González-Torres es Untitled de 1991
(Cama vacía), surgida después de que falleciera la páreja de Félix. Es la fotografía
de una cama recién abandonada. una gran foto – sin textos ni mensajes – de una
cama doble destendida y vacía, con las almohadas algo ahuecadas por la reciente
presión de dos cabezas. Referencia a ese alguien que estuvo y ya no está.

81. Untitled (Death by Gun), 1990.. Hojas de papel con fotografías de los rostros de 464
estadounidenses que habían sido asesinados con armas de fuego en el lapso de una
semana. El espectador puede llevarlas consigo y colgarlas en alguna pared.

82. La obra Sin título (Jóvenes amantes – 1991), un montón de caramelos azules y blancos,
le adjudicó un peso ideal de 160 kilos (el peso de González-Torres combinado con el de
Laycock, su pareja durante muchos años que murió en 1991, a raíz de complicaciones
orgánicas producidas en cadena luego de que se le diagnosticó SIDA

83. La obra “sin titulo” o (para un hombre en uniforme) 1991, es una montana de chupetines
envueltos con papales de colores blancos, rojos y azules, aludiendo a la bandera de los
Estados Unidos, quizás haciendo referencia a un soldado estadounidense cuya vida se va
desintegrando; o también obra que es consumida por el publico, y luego se repone. Es un
ciclo como el de la sociedad capitalista: consumo y luego existo.

84. Untitled” (1989-1990) Félix González- Torres
“Formado por dos pilas de papel blanco, dispuestas una junto a la otra, que tienen
inscriptas las frases Somewhere better than this place (Algún lugar mejor que este
lugar) y Nowhere better than this place (Ningún lugar mejor que este lugar). Esa
oscilación entre ambas afirmaciones parece vacilar entre la promesa de un bienestar
ulterior y la actualidad de la vida tal cual se presenta

85. Untitled “Stranger bird” de 1993. Gigantografía del vuelo un pájaro
solitario en un cielo tormentoso. Representando soledad y dolor
pero continuando en el vuelo.