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Corrientes de las artes visuales en el
Chile del siglo XX
NM4 (4º medio)
Artes Visuales
Corrientes de las artes visuales en Chile contemporáneo

Corrientes de las artes visuales en Chile NM4 (4º medio) Artes Visuales
Generación del 13
La Generación del 13, llamada
también del Centenario, se
caracteriza por el resurgimiento de
una nueva problemática. Aparecen
dos corrientes: una neo-realista y la
otra subjetivista.
Con esta generación, la pintura
chilena comienza a reflejar el
interior del ser humano, las
costumbres del pueblo, la bohemia
y la vida marginal. Así, la evolución
de la pintura en su búsqueda de
identidad, va navegando por el
expresionismo, deformando los
rostros y la realidad.
Son pintores destacados de esta
generación:
•Arturo Gordon (1886 – 1944)
•Enrique Bertrix (1895 – 1915)
•Exequiel Plaza (1892 – 1944)
•Pedro Luna (1896 – 1956)
•Fernando Álvarez Sotomayor
(1865 – 1960)
•Carlos Alegría (1882 – 1954)
•Laureano Guevara (1889 –
1968)
•José Backhause (1884 – 1922)
•entre otros.

Arturo Gordon (1883 – 1944)
Arturo Gordon es uno de los
pintores más destacados de la
Generación del 13.
Esencialmente temático, captó
la fuerza expresiva de hombres
y mujeres de extrema pobreza y
el reflejo en ellos de las
costumbres chilenas.
Influenciado por el
impresionismo, fragmentó el
color y pobló sus pinturas de
variedad de matices, producto
de una paleta rica que imprimió
a su obra una dimensionalidad
y atmósfera peculiares.
Al abordar la temática popular, Gordon deja de lado la picardía y el provincialismo del
siglo XIX, convirtiéndose en un antecedente importante de la pintura social de los 60. La
Zamacueca, es una obra que pertenece al mundo campesino, donde el artista logra la
penetración en la representación con vigorosas pinceladas empastadas.
Título: Zamacueca; Autor: Arturo Gordon; Técnica: óleo sobre

Enrique Bertrix (1895 – 1915)
Enrique Bertrix, hijo de franceses, encontró la
muerte a los 20 años en un campo de combate
de la 1ª Guerra Mundial. Realizó alrededor de
20 cuadros durante los seis años que estudió
en la Escuela de Bellas Artes en Chile.
Sus obras no denotan un academicismo puro,
sino más bien una original interpretación donde
los betunes intensos corren por las telas con
gran fluidez, obteniendo una luz fantasmal que
toca sendas distintas a las de sus compañeros
de la Generación del 13. En su trabajos
destacan los retratos que, bajo un halo
introspectivo, desprenden siempre un aire de
indecible nostalgia y emociones que radican en
aquella luz de tono fantasmal que se ubica en
los centros de los cuadros. Un mismo fulgor
evanescente se hace presente en casi todos
sus lienzos.
Título: Retrato de Luis Mori;
Autor: Enrique Bertrix;
Técnica: óleo sobre tela

Exequiel Plaza (1892 – 1944)
Los fundamentos de la obra de Exequiel Plaza
se encuentran en el realismo académico. Su
temática se inspira en reproducciones de la
naturaleza de manera robusta y recia; es
considerado el pintor de la bohemia, que une
la pintura chilena a la plástica europea. El
dibujo es firme y seguro y, pese a su falta de
disciplina, logra efectos acertados en el
paisaje.
A diferencia de sus compañeros de
generación, Plaza tenía una descarnada visión
de la realidad, lo que demostró con un
naturalismo áspero, influenciado sin duda por
los franceses del siglo XIX, sobre todo por la
etapa mundana de Delacroix. El pintor bohemio
es considerado un símbolo generacional de
común acuerdo con pintores que frecuentaban
las tabernas a principios del siglo XX, y nos
sitúa en una época que generó por primera vez
artistas lejanos a las clases altas.
Título: El pintor bohemio
Autor: Exequiel Plaza
Técnica: óleo sobre tela.

Pedro Luna (1896 - 1956)
Después de la histórica muestra de 1913
en los salones de El Mercurio, Pedro Luna
rápidamente ganó figuración, premios en
los Salones Oficiales y la consagración de
la crítica. En muchas ocasiones se ha
comparado la figura de Luna con la del
célebre Van Gogh, por su pasión y
temperamento. Fue un verdadero
vanguardista en la pintura chilena y para
muchos, un hito singular dentro del
panorama plástico del siglo XX.
En El baile de las enanas o cabaret de
Magallanes, Luna se apega a la
representación que había logrado después
de un trabajo sostenido. La aplicación libre
del color es el resultado desencadenado
de la experimentación con la materia, en
este caso la pintura. El pintor es más libre
de acuerdo a los avances en materia
técnica y con la espontaneidad adquirida
en la utilización del color.
Título: El baile de las enanas o Cabaret de
Magallanes; Técnica: óleo sobre tela.

Grupo Montparnasse
El grupo como tal surge del viaje a Europa que realizaron
sus miembros con motivo del Salón de Otoño, en el que
conocieron a Juan Gris y las vanguardias de esa época,
como el cubismo, el fauvismo y el expresionismo. Tomando
la estética del postimpresionismo, y a Cézanne como
bandera de lucha, el grupo Montparnasse realizó su primera
exposición en la sala "Rivas y Calvo" de Santiago, en el año
1923. A este grupo se uniría el escritor Juan Emar (Álvaro
Yáñez), quien publicaba en el diario La Nación artículos
sobre el grupo y artistas internacionales, como Picasso y
Braque, generando polémica con sus comentarios de arte,
demasiado modernos para el ambiente chileno.
Este grupo se conformó en 1922 y toma el nombre de
un barrio parisino que en esos años era considerado
el “centro del mundo”, donde artistas de todas las
nacionalidades experimentaban con las nuevas
formas de expresión, como símbolo de rebeldía y
renovación. Casi todos sus integrantes vivieron en
París y a su regreso a Santiago lanzaron manifiestos y
se revelaron contra el academismo existente.
En un esquema
formado por Emar,
podemos ver cuáles
son los postulados
estéticos del grupo:
•Antiacademicismo,
antinaturalismo y
antirrealismo.
•Ausencia de un
estricto estilo plástico.
•Arte vigoroso.
Libertad y espíritu
lírico para crear.
•Leyes propias de
espacio y tiempo en el
arte.
•No repetir ni copiar a
los maestros.

Camilo Mori (1896 – 1973)
Camilo Mori participó de la
formación del Grupo
Montparnasse en 1923 junto a
Luis Vargas Rosas, José
Perotti, Enriqueta Petit y Julio
Ortiz de Zárate, quienes
renovaron el medio cultural
chileno, difundiendo la
autonomía de los medios
plásticos y una pintura más
vanguardista, cercana a los
postimpresionistas y fauvistas.
En su larga vida artística, Mori evolucionó de la tendencia realista de Fernando Álvarez
de Sotomayor a telas no objetivas y al "pop", que realizó en los años sesenta. Recibió
destacados premios durante su vida y ha sido merecedor de varios homenajes después
de su muerte. Dentro de los estilos cultivados por Mori, el expresionismo figurativo pasa
por ser el más persistente en su obra. Las formas son artificiosas y la iluminación
dramatiza la escena. Mujer en azul es un retrato al que se puede aplicar lo anterior,
junto al dominio maduro de la composición que le permitía el retrato a cuerpo completo.
La iluminación en claroscuro y el halo misterioso de la pose acentúan el ya mencionado
expresionismo.
“Mujer en azul” óleo sobre tela.

Isaías Cabezón (1891 - 1963)
En la obra Retrato se juntan las
escuelas a las que el artista adhirió:
primero un profundo estudio del
natural con el dibujo y luego la
simplificación pictórica
contemporánea a su tiempo.
Isaías Cabezón fraternizó tanto con
los artistas de la Generación del 13
como con los del Grupo
Montparnasse y se destacó, dentro
de las tendencias
postimpresionistas que cultivaba el
grupo, por su vigor constructivo, por
la alegre vitalidad del color y la
simplificación de la formas a la
manera del Fauvismo.
Título: Retrato; Técnica: óleo sobre tela

La obra de Vargas Rosas se centró
principalmente en naturalezas
muertas, bodegones y algunos
paisajes. Fue el alma y líder del
Grupo Montparnasse, mantuvo el
espíritu de lucha e hizo crecer el
número de artistas amantes de la
renovación, especialmente con el
Salón de Junio de 1925 que reunió
un conjunto considerable de
pintores.
Luis Vargas Rosas (1897 – 1977)
Huesos pertenece a una etapa posterior dentro de la obra de Vargas Rosas, donde
los referentes naturales se pierden dentro de formas sugerentes en las que el color
va tomando el protagonismo. Sin embargo, aún se puede apreciar una división en el
plano que se asemeja a una línea horizonte. Vargas Rosas deriva del cubismo que
caracterizó su primer periodo hacia una tendencia abstraccionista
Título: Huesos; Técnica: óleo sobre tela

Inés Puyó (1906 – 1996)
Los temas preferidos de la artista
fueron retratos, naturalezas muertas,
flores, interiores, imágenes religiosas y
marinas de Puerto Montt. Su paleta
estuvo presidida por una fina gama de
azulinos, grises plateados y de
personales colores neutros. Ganó
importantes certámenes.
En un principio la obra de Inés Puyó
estaba dominada por un lirismo y
armonías tonales suaves. La evolución
posterior muestra un cambio en la
manera de ejecutar la pintura, cercana
al informalismo y sin salirse de las
armonías cromáticas, pero
definitivamente usando otro patrón
estético. Parque Forestal está en la
segunda etapa creativa de la artista,
donde traspasa los límites de la pintura
académica y decorativa, con altos
grados de expresividad en las
pinceladas. Título: Parque Forestal; Técnica: óleo sobre tela.

Henriette Petit (1894 – 1983)
Los temas preferidos de Enriqueta Petit
fueron la figura humana, especialmente
desnudos y retratos, aunque también
realizó naturalezas muertas. La artista se
transformó en una de las figuras femeninas
más importantes de la vanguardia artística
local durante su desarrollo artístico en el
Grupo Montparnasse, e integró una
promoción de destacadas pintoras, en su
mayoría alumnas de Juan Francisco
González.
Resignación muestra la influencia de
pintores como Rembrandt , por la utilización
de altas luces con tonos terrosos en un
particular claroscuro. También por el
empastamiento en casi toda la obra. Petit
muestra además una sorprendente
sensibilidad para captar temáticas de
género, así como las emociones y angustias
humanas.
Título: Resignación; Técnica: óleo sobre tela

Los pintores de la Generación
del 28 alentaron la modernidad
desde las escuelas artísticas,
haciendo que los jóvenes se
formaran respetando los valores
de la investigación pictórica,
asumiendo una total libertad de
expresión. Coherentes con la
misma línea, decidieron
incorporar las artes aplicadas,
como el esmalte, a sus trabajos.
Generación del 28
Denominación que abarca a los
artistas que expusieron en el Salón
Oficial de 1928, que contó con la
curaduría de Camilo Mori, y obras de
Tótila Albert, Isaías Cabezón, Luis
Vargas Rosas, Inés Puyó, Augusto
Eguiluz y Humeres.
Influenciados por el grupo
Montparnasse, los miembros de esta
generación se interesaron en
postular la autonomía de la pintura.
Se dieron a la tarea de analizar el
significado del cuadro,
reconstruyeron su concepto y, desde
ahí, establecieron relaciones
formales al interior de la obra para
posicionar la pintura como un tema
en sí mismo.

Ana Cortés (1895 – 1998)
Ana Cortés formó parte de la
Generación del 28, cuyos integrantes,
inspirados en maestros europeos,
afianzaron la independencia del
quehacer pictórico introducido por el
Grupo Montparnasse. La artista
consagró su vida al arte y a difundir la
experiencia de sus tempranas vivencias
en el medio artístico y cultural francés.
Andamios de ensueño da cuenta del
periodo histórico en que se desarrolla la
vida de la pintora Ana Cortés, donde
existió una apertura de la plástica
nacional acompañada de cambios en todo
orden. Las pinceladas armónicas de los
comienzos se vuelven agresivas atacando
el modelo hasta hacerlo imperceptible. La
obra de Cortés fue un importante
antecedente de las vanguardias que
vendrían en los 60. Título: Andamios de ensueño; Técnica: óleo sobre tela

Gregorio de la Fuente (1910 – 1999)
Gregorio de la Fuente mostró la versatilidad como pintor en la ejecución de varios
frescos como el del mural de la Estación de Ferrocarriles de Concepción, ciudad
donde se concentran los murales de mayor relevancia, producto de las visitas de
muralistas mexicanos a mediados de siglo. Sensible a estas influencias, De la
Fuente hace una pausa en su desarrollo como pintor de caballete para ejecutar las
monumentales vistas que envuelven un espacio. Se narran parceladamente historias
de la vida de los trabajadores donde es resaltada la fraternidad y el trabajo. El
realismo social fue una escuela que empezó en la Unión Soviética y que influyó por
largo tiempo al continente americano.
Título: Mural Estación de F.F.C.C. de Concepción; Técnica: Pintura mural (fresco)

Augusto Eguiluz (1894 – 1967)
Augusto Eguiluz, pintor de una
profunda sinceridad profesional,
confesó su admiración por Cézzane y
su postura estética contraria al
impresionismo, al que opone la
solidez como carácter esencial. El
tratamiento de los elementos en su
obra está dado por su concepción de
estructura, privilegiándola por sobre
la visión o percepción.
En La lectura, las masas pictóricas
se organizan en ensamble. Esto
quiere decir que el manejo de la
luminosidad y las sombras funciona
de acuerdo a las posiciones de los
objetos y no del observador o puntos
de vista.
Título: La lectura; Técnica: óleo sobre tela.

Generación del 40
Parte de la Generación del 40 se formará con
un compromiso favorable a los cambios
políticos contingentes (derivados del triunfo
del Frente Popular en las elecciones
presidenciales en 1938, que llevaba como
candidato a Pedro Aguirre Cerda), la
sensibilización social de la época y a la
Facultad de Bellas Artes. Compartieron la
aproximación subjetiva y afectiva a la realidad,
con la que van a rescatar la fuerza íntima del
paisaje chileno, los interiores y los objetos
cotidianos a la vez que proclaman su libertad
e independencia pictórica.
El Salón Oficial de 1941, llamado entonces Latinoamericano, hace resaltar
a profesores, maestros (Grupo Montparnasse) y discípulos (Generación del
40). Es un momento culminante donde se mide la calidad y profesionalismo
de la generación del 40, en la cual sobresalen artistas como: Israel Roa,
Fernando Morales, Carlos Pedraza, Manuel Quevedo, Alfredo Aliaga, Raúl
Santelices, Aída Poblete, Ximena Cristi, entre otros.
pablo burchard es el líder y
maestro de esta generación quien,
junto a camilo mori y luis oyarzún,
entregaron sus postulados
pedagógicos y principios
artísticos y estéticos a los jóvenes
pintores emergentes.

Marta Colvin (1917 – 1995)
Marta Colvin, escultora,
manejaba con gran destreza
las técnicas de la talla en
piedra, el vaciado en bronce y
el desbaste en madera,
siendo esta última una
característica en su
producción. Se le otorgó el
Premio Nacional de Arte
(1970) por el "carácter
americanista de su obra".
En un principio sus obras fueron representaciones de figura humana, luego, salvo
algunas excepciones de semifiguración (como Pachamama o Monumento a los
templarios) el lenguaje escultórico será la abstracción. Muy pronto abandonó la
representación figurativa y las formas se inclinan hacia el simbolismo, con el que
pretendió expresar lo grandioso de América superando lo anecdótico. Su interés
principal fue expresar “profundidad espiritual” mediante formas abstractas. Para
ello consideró necesario encontrar siempre lo expresivo del material que trabajó
-por lo general la piedra- la que dispuesta en bruto era para la artista como una
tela en blanco, y al trabajarla lograba mezclar la vida propia con el material,
obteniendo luego la escultura deseada.
Horizonte Andino, 1986, piedra, 21 cm. de alto

Ximena Cristi (1920)
El repertorio plástico de la artista está
formado por interiores, rincones del
jardín, trozos de paisaje, naturalezas
muertas y figuras humanas. Especial
atracción siente por asuntos modestos y
temas humildes.
La obra de Cristi está dominada por un
apasionamiento hacia la pintura. Siendo
muy precoz en abordar una pintura
completamente personal, se le asocia a
la generación que tuvo por maestro a
Augusto Eguiluz en la Escuela de Bellas
Artes, entre otros. El temprano
conocimiento de las transformaciones
sufridas por la pintura dio paso a una
postura temprana marcada por una
paleta violenta, que abarcó temas de
mujer. Interior es un testimonio de las
influencias de su maestro.
Título: Interior; Técnica: óleo sobre tela

Lily Garafulic, en sus comienzos estuvo
apegada a la representación natural del
modelo trabajando en terracota, piedra,
mármol y bronce. Luego empieza a
explorar nuevas formas de
representación para encontrar en los
orígenes de los pueblos americanos la
referencia que ella combinaría con la de
las nacientes vanguardias. Luego de un
proceso de depuración, la artista llega a
formas abstractas que buscan más lo
estructural que la anécdota de la
temática. Se puede decir que Lily
Garafulic trabaja paralelamente una
línea de ensamblaje, con la superficie en
bruto de maderas con metal y otra, a la
cual pertenece la presente obra, en
donde, en un trabajo más académico,
trabaja superficies pulidas y formas
depuradas.
Lily Garafulic (1914)
Título: Signo I; Técnica: escultura en bronce

Israel Roa (1909 - 2002)
Pintor de fiestas populares,
paisajes, naturalezas
muertas y retratos, Roa ha
sido considerado como
expresionista por su fuerte
exaltación cromática y
formal. Roa ha sido
considerado como uno de los
principales exponentes de la
acuarela en Chile, junto a
Hardy Wistuba, Ricardo
Anwandter y Fernando
Morales Jordán. Fue
galardonado en numerosos
certámenes nacionales y
extranjeros.
Roa no fue un artista preocupado de los detalles de la representación tradicional,
más bien en su obra se encuentra una síntesis de las formas, especialmente de las
figuras. Su tránsito por la acuarela, donde fue uno de los más valorados, es
significativo para un desarrollo sintético de su pintura. En la obra La pampilla de
Coquimbo las figuras se encuentran en la síntesis antes expresada junto al motivo
predilecto del pintor: la representación de la escena popular.

Nuevas tendencias
Esta generación tiene un despertar tardío debido a la guerra de
1939. Este despertar puede fijarse alrededor de 1948. Es un
movimiento que marcha al unísono con las tendencias
surrealistas abstractas de Europa. El pintor más destacado de
estas nuevas tendencias es Roberto Matta.
Pertenecen a esta corriente:
• Carlos Faz (1931 - 1953)
• José Venturelli (1924)
• Pedro Lobos (1918)
• Nemesio Antúnez (1918 - 1993)
• Carmen Silva (1930)
• Ivan Lambert (1930),
• José de Rokha (1927),
• Pablo Burchard, hijo (1919),
• Ernesto Barreda (1927),
• Fernando Marco (1926)
• Julio Escámez (1926)
Una corriente que se
desprende de estas nuevas
tendencias, destaca por su
abstraccionismo y su visión
anímica de la configuración
plástica. Entre sus
representantes se encuentran:
•Enrique Zañartu (1921)
•Rodolfo Opazo (1935)
•Paz Subercaseaux.

Roberto Matta (1911 – 2002)
La obra de este connotado artista se extiende desde los años treinta. Fue partícipe y renovador
del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los
años 40.
En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas, la
importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron
evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso
y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento
estuvieron presentes en estos inicios. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes
plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas más importantes del
Movimiento Surrealista.
Título: Con la guerrilla interior unámonos para ser un hombre nuevo; Técnica: óleo sobre tela

Nemesio Antúnez
Nemesio Antúnez participó del desarrollo artístico nacional trascendiendo a su labor como pintor.
La dirección del Museo Nacional de Bellas Artes y su incursión en el campo de las comunicaciones
son aportes significativos al momento de destacar su tarea plástica. Su obra desarrolla un
imaginario que estuvo en directa relación con las influencias presentes en su creación. La
experiencia de Roberto Matta fue determinante a la hora de enfrentar los cambios estéticos que se
hacían presentes en el terreno internacional. Antúnez realizó una pintura relacionada con el interior
y la sensibilidad humana, con los sueños y fracasos del individuo y su colectivización, de paisajes
oníricos y de una fantasía desbordante. Una pintura que se acerca por el uso del color y la
simpleza de las temáticas al arte naif. Cordillera Adentro tiene además una atmósfera muy
surrealista, que se combina con una fuerte presencia del paisaje chileno, uno de los elementos del
pintor.
Título: Cordillera adentro
Técnica: óleo sobre tela

Rodolfo Opazo (1935)
La pintura de Rodolfo Opazo ha estado
siempre muy ligada a su experiencia
personal, a las cosas que le ocurrieron
en su infancia y a la reflexión en torno a
ciertos temas como la muerte y el
hombre: su maravilla y su miseria.
Ha conseguido implantar un estilo dentro
de la figuración. Son figuras delineadas,
especies de fantasmas que eluden la
identificación o la identidad con referente
inmediatamente real. Cercano al
surrealismo el mundo de Opazo es
onírico y despierta asociaciones
imprevistas. Usando tonos suaves y
difuminados rompe los límites entre las
figuras y su entorno, a la vez que como
elemento que articula el mensaje coloca,
como en este caso, volcanes en
erupción. Título: La llegada de los dioses; Técnica: óleo
sobre tela

Últimos decenios (1950 – 1980)
Dos grupos se destacan en este
período de la pintura chilena: el
grupo Forma y Espacio, formado
de la mano de Ramón Vergara
Grez en 1953, misma agrupación
que en 1961 toma el nombre de
grupo Rectángulo, y que se
caracteriza por enfatizar la forma y
el color, expresando una realidad
óptica, alejada de cualquier
representatividad objetiva del
mundo. En este constructivismo de
primacía intelectual destacan
artistas como:
• Elsa Bolívar (1930)
• Carlos Alarcón (1900)
• Kurt Herdan (1923)
• Carmen Piemonte (1932)
• Matilde Pérez (1920)
• Robinson Mora (1947)
• Ernesto Muñoz (1945)
Como el estilo de Rectángulo había derivado en
un naturalismo geométrico, Forma y Espacio se
propuso encarar con más fuerza la creación
artística, para lograr un universo propio
independiente de la realidad, y alcanzar así la
esencia de "la realidad como idea". En el
catálogo de una exposición realizada en 1971, se
explican los nuevos objetivos:
1.- Realizar un arte eminentemente conceptual
como reacción a la actitud emotiva y sentimental
constante en las artes de nuestro país.
2.- Profundizar la imagen de la realidad chilena a
través de medios visuales directos (líneas, planos,
colores) no para representar sino para simbolizar la
imagen del humano y la imagen de Chile.
3.- Una sociedad en que a los programas de
promoción social se integren al arte. Pintura,
escultura, arquitectura y urbanismo convertidos en
un todo funcional. Nueva realidad ambiental para
un hombre nuevo.

Como fundador de los grupos
"Rectángulo" y "Forma y
espacio", Vergara Grez fue el
más activo defensor del
Neoplasticismo en Chile,
corriente que buscaba un arte
rigurosamente racional, ajeno a
toda intervención del sentimiento
y lo figurativo. Alejado de la
tradición pictórica que lo
rodeaba, comenzó a sentir
interés por un arte de mayor
reflexión intelectual, de estudio
de las formas y del orden del
universo que se manifestó en
creaciones de gran fuerza
testimonial y simbólica de sus
raíces.
Ramón Vergara Grez (1923)
Geometría Andina, emplazada en la estación de metro Los leones, es una de las
importantes contribuciones de Grez a la plástica nacional. El artista hace de la obra una
intervención del espacio público, saliéndose del formato habitual del cuadro; exige al
extremo sus condiciones al encontrarse con superficies curvas y de elevado tamaño. La
solución de Grez es parcelar las formas tal como lo hacían los estructuralistas.
Título: Geometría Andina; Técnica: Mural (placas de
cerámica esmaltadas)

Matilde Pérez (1920)
Pintora y escultora, Matilde Pérez ha sido
la principal exponente del arte cinético en
Chile. Si bien comenzó como pintora
figurativa, el impacto que le produjo
conocer la obra de Vasarely en Francia,
modificó fuertemente su pintura, que
pasó a centrarse en los efectos visuales
de las formas abstractas coloreadas.
Esta destacada artista ha sido
merecedora de numerosos premios y
distinciones.
En Vertical II Matilde Pérez trabaja
dentro de su temática, pero rozando el
arte óptico. El op art tiende a crear
perturbaciones visuales por sus juegos
con líneas y figuras geométricas. Sin
aplicar completamente estas
características, la obra aborda
tangencialmente juegos ópticos pero sin
perder la estructura interna. Título: Vertical II; Técnica: óleo sobre tela

La década de los '80 estuvo
marcada por la simultaneidad y el
antagonismo de discursos y
propuestas visuales. Por un lado,
aparece el denominado Arte
Conceptual, que da cuenta de un
quiebre de las posturas
tradicionales imperantes en la
década del 60, para dar paso a la
supremacía de las ideas y a la
experimentación. Por otra parte,
se configura una escena de
artistas que, a través de distintas
estrategias plásticas, persistió en
la reivindicación del autor como
ser humano expresivo, poético y
creador.
Generación del 80
Los representantes de la
Generación del 80 son:
•Carlos Maturana “Bororo”,
(1953)
•Ismael Frigerio, (1955)
•Samy Benmayor, (1956)
•Matías Pinto D’Aguiar, (1956)
•Omar Gatica, (1956)
•Jorge Tacla, (1958)
•entre otros
Todos ellos intentaron
recuperar la pintura, el lenguaje y
oficio propio de esta, elementos
que se habían perdido con la
tendencia conceptual de las
décadas precedentes.

Carlos Maturana, “Bororo”, (1953)
Bororo pertenece a la llamada Escena
de Avanzada o Generación de los 80.
Ellos se han caracterizado por su
intención de recuperar la pintura, el
gesto y el carácter lúdico del arte,
perdido en años anteriores.
Carlos Maturana realiza una obra que
con el tiempo crece en formato,
aumentan los tipos de perspectiva y se
complejizan las temáticas. Las
referencias íntimas se vuelven cada vez
más importantes y son traducidas a la
tela en color y visualidad. La
comunicación que Bororo establece con
el espectador es fruto de la
sensorialidad, de hacer coincidir
experiencias por medio de pequeños
recursos visuales como la presencia de
la cordillera o un automóvil en medio de
la mancha. Bororo apela al conocimiento
previo o sensitivo por sobre el intelectual.
Título: El farol; técnica: óleo sobre tela

Samy Benmayor (1956)
Benmayor y sus
compañeros de
generación
intentaron recuperar
la pintura, el
lenguaje y oficio
propio de su
ejercicio, en
definitiva, todo
cuanto se había
perdido o por lo
menos extraviado
con la tendencia
conceptual anterior.
La obra de Samy Benmayor representó en un momento crítico de la pintura chilena, la
revaloración de la pintura tradicional, esto quiere decir el regreso a la evolución natural
del pintor y su oficio. Pese al informalismo presente en casi toda la obra de Benmayor,
la esencia de esta se mantuvo en las vías del cuadro y el caballete. “Aparato digestivo
de la vaca" es una obra donde está presente el mundo del pintor: la infancia, el color,
la ingenuidad y la libertad.
Aparato digestivo de la vaca; Técnica: óleo y acrílico sobre tela

Ismael Frigerio (1955)
El trabajo de Ismael Frigerio siempre ha estado ligado a América y sus ancestros, a la
cultura, historia y ecología del continente americano.
Es un hecho recurrente la incursión de artistas que practican pintura tradicional en los
nuevos medios tecnológicos, como una extensión de su obra pictórica. Es así como se
emplea para hacer especies de pintura en movimiento. Una solución interesante es la de
realizar obras colaborativas y en el caso de Ismael Frigerio y Felipe Zabala, es un hecho.
La obra multimedia presenta una serie de cambios en la relación con el espectador y en la
propia obra como su exhibición. En el caso de "Anatomía Monumental" el medio
tecnológico se hace presente en una función representativa.
Título: Anatomía monumental
Técnica: multimedia, Ismael Frigerio (director) – Felipe Zabala (productor).

Generación emergente de los 90
Los artistas emergentes de los
’90, nacidos entre 1960 y 1975,
se caracterizan por usar
elementos constitutivos de lo
cotidiano: sus obras están
cargadas de recuerdos y de
objetos comunes. Es el grupo
que comprende a los artistas
contemporáneos más jóvenes,
quienes interpretan el sentir
colectivo, incluyéndose ellos
mismos dentro de lo cotidiano.
Así, se presentan como
creadores visuales muy
atractivos, cercanos al
espectador, con obras abiertas
que permiten diversidad de
interpretaciones.
Con un reconocimiento que varía
entre uno y otro, algunos de los
nuevos artistas visuales son:
• Bruna Truffa (1963)
• Pablo Langlois (1964)
• Ciro Beltrán (1965)
• Natalia Babarovic (1966)
• Consuelo Lewin (1970)
• Voluspa Jarpa (1971)
• María Paz García (1972)
• Judith Jorquera (1974)

Voluspa Jarpa (1971)
Con el óleo sobre tela y ocupando
parte de los academicismos, Voluspa
pinta en grandes formatos, de tres,
seis o más metros, con el fin de que su
obra sea de lenta asimilación y no se
ajuste al mero marco que sitúa la
pintura como objeto decorativo.
En las obras de Voluspa Jarpa están
presentes el procedimiento académico
de hacer pintura, que se presenta bajo
sistemas figurativos de representación
y una analítica de las formas y visiones
de los modelos y tópicos. Esta
analítica no excluye otras formas
pictóricas como es el caso de la obra
Sin título, donde el informalismo,
presente en una mancha, agrega
connotaciones que serían imprevistas
en la pintura tradicional.
Sin título

En esta pintura, Judith
Jorquera trabaja con la
condición arruinada de las
citas históricas. Su trabajo
es una cita-réplica de la
Balsa de la Medusa
(1818-19),pintura francesa
del Romanticismo, en la
que Théodore Géricault
quiso representar un
escandaloso
acontecimiento político de
la época: el naufragio de
colonos franceses en las
costas africanas que, por
negligencia de su marina
nacional, estuvieron a la
deriva durante 15
agonizantes días, luego
de los cuales unos pocos
sobrevivientes lograron
salvar sus vidas a bordo
de una improvisada balsa.
Judith Jorquera (1974)
La artista chilena, llevando al extremo de la literalidad el tema
de la obra original, sumerge por 4 días su reproducción en las
costas de Valparaíso, para luego exhibir este espacio museal
atacado por la ruina y el propio naufragio de la pintura a través
de las marcas de su corrosión y sobrevivencia.
La balsa de la medusa naufraga en costas chilenas;
óleo sobre tela.

Pablo Langlois (1964)
Pablo Langlois participa dentro de la llamada Generación Emergente de la pintura
nacional. En su obra se ve claramente una oposición de visiones pictóricas (dialéctica). En
El campo y la Ciudad no sólo entran en escena dos mundos en aparente contradicción,
sino que conviven también diferentes modos de hacer pintura. Son superposiciones de
telas que van cosidas manifestando la dificultad de la convivencia y de la síntesis entre el
motivo bucólico y el mundo actual. En una observación aguda, Langlois se adentra en la
vida que existe alrededor de las obras, capturando impresiones disímiles, pero que actúan
poderosamente en conjunto.
El Campo y la Ciudad; óleo y costura sobre tela

Fuentes utilizadas en esta presentación
• http://www.portaldearte.cl/
• http://www.mavi.cl/MAVI/biografias/colvin.htm
• http://www.mac.uchile.cl/exposiciones/cambiodeaceite/museografias.html
• http://sunsite.dcc.uchile.cl/arte/murales/Historia.htm

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