UNIDAD DIDÁCTICA nº 5 de la asignatura FUNDAMENTOS DEL ARTE (II). Departamento de Dibujo. IES Aguilar y Eslava, Cabra (Córdoba)

1. UD. 5:
El Surrealismo
y otras Vanguardias

2. • EL DADAÍSMO: CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Marcel Duchamp y Hans Arp.
• EL SURREALISMO: CARACTERÍSTICAS GENERALES:
El psicoanálisis de Sigmund Freud y su relación con
las creaciones surrealistas.
• PINTURA SURREALISTA:
La pintura metafísica de Giorgio de Chirico y su influencia.
Joan Miró.
Salvador Dalí.
Contenidos

3. • CARACTERÍSTICAS DEL NEOPLASTICISMO:
Piet Mondrian.
• EL CINE EN LA ÉPOCA DE LAS VANGUARDIAS:
Claves del surrealismo cinematográfico. Luis
Buñuel.
Claves del expresionismo cinematográfico alemán.
El gabinete del doctor Caligari.
Claves del cines soviético: Eisenstein y El
acorazado Potemkim.
• EL BALLET RUSO: Serguéi Diághilev y Nijinski.

4. EL DADAÍSMO:
CARACTERÍSTICAS GENERALES:
MARCEL DUCHAMP Y HANS ARP.

5. El Dadaísmo fue un movimiento cultural surgido
primero en Europa y posteriormente en Estados
Unidos.
Fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich
(Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como
fundador, cuando una serie de artistas de distintas
nacionalidades se encontraron como refugiados en
esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial.

6. Posteriormente, fue
adoptado por Tristan
Tzara, quien se
convertiría en la
figura más
representativa del
Dadaísmo
Retrato de Tristan Tzara
de Robert Delaunay.

7. Dicen que Tristan
Tzara abrió un
diccionario, buscó la
palabra más rara y
desconocida, y
encontró dadà, que
significa ‘caballo de
madera’ en francés.
Para el propio Tzara,
dadá, no significa nada
es solo un juego de
letras y otros piensan
que se refiere al
balbuceo infantil…
Eclipse de sol (1926) George Grosz

8. El Dadaísmo surgió del
desencanto que
sentían esos artistas al
vivir en la Europa del
periodo tardío de la
Primera Guerra
Mundial y,
posteriormente, de la
actitud de rebelión
hacia la abulia y
desinterés social
característico de los
artistas del periodo de
entreguerras.

9. Postulados:
 El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza eterna,
contra la eternidad de los principios, contra las leyes de
la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra
la pureza de los conceptos abstractos y contra lo
universal en general.
 Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del
individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y
aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la
contradicción.

10.  Defiende el caos contra el orden y la imperfección
contra la perfección.
 Por tanto, en su rigor negativo, también está contra
el modernismo, y las demás vanguardias: el
expresionismo, el cubismo, el futurismo y la
abstracción, acusándolos de ser sucedáneos de
cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo.
 La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la
construcción del consciente. Sus formas
expresivas son el gesto, el escándalo, la
provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en
la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser
abolidas

11. Gran parte de lo que
el arte actual tiene de
provocación (como la
mezcla de géneros y
el collage) viene del
Dadaísmo.
El pintor y escritor
alemán Kurt
Schwitters destacó
por sus collages
realizados con papel
usado y otros
materiales similares.

12. Con el fin de expresar el rechazo de todos los
valores sociales y estéticos del momento, y todo
tipo de codificación, los dadaístas recurrían con
frecuencia a la utilización de métodos artísticos
y literarios deliberadamente incomprensibles,
que se apoyaban en lo absurdo e irracional.
Para ello utilizaban materiales de desecho
encontrados en la calle, y nuevos métodos,
como la inclusión del azar para determinar los
elementos de las obras.

13. "Cadeau“ (Regalo), una plancha de cuya base salen clavos, obra
del estadounidense Man Ray (1921).

14. MARCEL DUCHAMP

15. Marcel Duchamp
(1887- 1968) ajedrecista
y artista francés, expuso
como obras de arte
productos comerciales
como un secador de
botellas y un urinario, a
los que denominó
ready-mades…

16. Estudio de Marcel Duchamp (1917)

17. Duchamp es uno
de los principales
valedores de la
creación artística
como resultado de
un puro ejercicio
de la voluntad,
sin necesidad
estricta de
formación,
preparación o
talento…

18. Se puede
considerar el
primer ready-
made a Rueda de
bicicleta sobre un
taburete, aunque
en su momento
Duchamp no lo
interpretó como
tal, como tampoco
hizo
con Portabotellas.

20. Pero su
ready-made
más famoso sin
duda es
La Fuente
de 1917.

21. HANS ARP

22. Hans (Jean) Arp
(1887-1966) fue
miembro fundador
del movimiento
Dadá en Zúrich en
1916.
En 1920, junto a
Max Ernst y el
activista social
Alfred Grünwald,
estableció el grupo
DADÁ de Colonia…

23. Sin embargo, en
1925 su obra
apareció
también en la
primera
exposición del
grupo
surrealista en
París.
De este mismo
año es su libro
«Los ismos en el
arte»
Pechera y tenedor (1922) J. Arp.

24. Arp combina las
técnicas de
automatismo y las
oníricas desarrollando
una iconografía de
formas orgánicas que
se ha dado en llamar
escultura biomórfica,
en la que se trata de
representar lo
orgánico como
principio formativo de
la realidad.

26. En 1931, rompe
con el movimiento
surrealista y funda
la Abstracción-
creación,
trabajando con el
grupo parisino
Abstracción-
creación y
editando en la
revista Transition.

28. EL SURREALISMO:
CARACTERÍSTICAS GENERALES:
EL PSICOANÁLISIS DE SIGMUND
FREUD Y SU RELACIÓN CON LAS
CREACIONES SURREALISTAS.

29. El Surrealismo comienza en 1924 en París con
la publicación del "Manifiesto Surrealista" de
André Breton, quien estimaba que la situación
histórica de posguerra exigía un arte nuevo que
indagara en lo más profundo del ser humano
para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de las teorías y estudios de
Sigmund Freud pensó en la posibilidad que
ofrecía el psicoanálisis como método de
creación artística.

30. Para los surrealistas la
obra nace del
automatismo de la
mente sin ningún tipo de
control.
Intentan plasmar por
medio de formas
abstractas o
figurativas simbólicas
las imágenes de la
realidad más profunda
del ser humano, el
subconsciente y el
mundo de los sueños.

31. El Surrealismo se extenderá desde 1924
hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.
Utilizando recursos como la animación de lo
inanimado, aislamiento de fragmentos
anatómicos, elementos incongruentes,
metamorfosis, máquinas fantásticas,
relaciones entre desnudos y maquinaria,
evocación del caos, representación de
autómatas, de perspectivas vacías….

33. El pensamiento oculto y prohibido será
una fuente de inspiración, en el erotismo
y el sexo descubren realidades oníricas.
Se interesaron además por el arte de los
pueblos primitivos, el arte de los niños
y de los dementes. Y preferirán los
títulos largos, equívocos, misteriosos.

34. Napoleón en el
desierto (1941)
Marx Ernst

35. El método paranoico-crítico es una
propuesta elaborada por el pintor surrealista
Salvador Dalí (1904-1989).
El aspecto que Dalí encontraba interesante en
la paranoia era la habilidad que transmite al
cerebro para percibir enlaces entre objetos
que racional o aparentemente no se hallan
conectados.

37. El poeta surrealista André Bretón (1896-
1966) aplaudió la técnica, afirmando que la
misma constituía «un instrumento de
primera importancia» y que «se había
mostrado perfectamente aplicable lo
mismo a la pintura que a la poesía, el cine,
la elaboración de objetos surrealistas, la
moda, la escultura, la historia del arte…»

38. Precedentes del Surrealismo.
Los caprichos de Goya, El Bosco y Valdés
Leal, aunque los más inmediatos deben
buscarse en el movimiento Dadá y en
Giorgio de Chirico, creador de la pintura
metafísica.

40. GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978) es el
verdadero precursor de los surrealistas, en su
obra presenta escenas llenas de simbolismo y
poesía.
Personajes solitarios que se encuentran en
espacios abiertos y desolados son algunos de
los temas presentes en una obra cargada de
lirismo poético, crea un mundo enigmático que
es reflejo de la desolación provocada por la
guerra, que se percibe inquietante y desolador.

41. Héctor y Andrómaca
(1917) De Chirico.
En Héctor y
Andrómaca,
introduce
maniquíes, únicos
seres capaces de
habitar sus plazas
desiertas y calles
que se sumergen
en el infinito.

42. CARACTERÍSTICAS DEL MOVIMIENTO SURREALISTA:
• El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y
en el pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo,
ilógico, donde la razón no puede dominar al
subconsciente.
• Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la
rebeldía, pero rechazó su carácter negativo y
destructivo.
• Buscó inspiración en el inconsciente, la imaginación, el
método de la escritura automática y el estudio de las
teorías del psicoanálisis de Freud.

43. • El surrealismo fue el movimiento literario y
artístico más importante de entreguerras, pero
sus intenciones no se limitaron al arte. Su
finalidad era transformar la vida a través de la
liberación de la mente del hombre.
• El surrealismo adoptó formas muy diversas; en
un primer momento fue la causa un proyecto
esencialmente literario, sin embargo en la
segunda mitad de los años veinte se fue
adaptando rápidamente a las artes visuales (la
pintura, la escultura, la fotografía, el cine).

45. Técnicas y métodos surrealistas:
• La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos
(tomadas del Dadaísmo).
• El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes
(también heredadas del Dadaísmo y de Marcel Duchamp).
• Frottage (dibujos logrados por el roce de superficies
rugosas contra el papel o el lienzo).
• Técnica del “Cadáver Exquisito” o pintura automática
(varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura
o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando
imágenes ilógicas).
• Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la
mente no ejerza ningún tipo de control).

46. • Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido,
en el erotismo descubren realidades oníricas, y el
sexo será tratado de forma impúdica.
• Se interesaron además por el arte de los pueblos
primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
• Preferencia por títulos largos, equívocos, misteriosos.
• Decalcomanía, técnica pictórica que consiste en
aplicar gouache negro, sobre un papel, se coloca
encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera
presión, y se despegan antes de que se sequen.
• Grattage. Desprendimiento de pintura mediante
desgarrones (por lo general una vez seca), creando
texturas con efecto de relieve.

47. Joan Miró
Collage (1928)

48. PINTURA SURREALISTA.

49. En la pintura surrealista observamos dos tendencias:
- El surrealismo abstracto, donde artistas como
Masson, Miró o Klee crean universos figurativos
personales a partir del automatismo más puro.
- Y el surrealismo figurativo en los que Ernst, Tanguy,
Magritte o Dalí se interesan más por una vía onírica,
en las que exhiben un realismo a veces
fotográfico,pero totalmente alejado de la pintura
tradicional. Con la utilización del grattage y
la decalcomania.

50. André Masson (1896-1987)
Analiza la estructura del objeto para
convertirlo en una elucubración
intelectual. El color, conjugado de modo
personal y con una valoración casi
abstracta es lo que más le importa. Su
modo es más vital, sin la opresión
angustiosa de la mayoría de los
surrealistas.

51. Les fumeurs (Los
fumadores)
(1923) André
Masson.

52. Paul Klee (1879 - 1940)
Su estilo varía entre el surrealismo,
el expresionismo y la abstracción. Llegó
a manipular el color con una enorme
precisión y pasión, hasta tal punto que
terminó enseñando teoría del color en
la Escuela de la Bauhaus.

53. Senecio, (1922)
Paul Klee.

54. Marx Ernst (1891-1979)
Principal exponente del Surrealismo.
Pionero del movimiento dadaísta y también
del surrealista, inventor de lo que por los
comienzos del siglo XX fueron técnicas tan
sofisticadas como el collage, el frottage, el
grattage y la decalcomania.

55. Europa después de la lluvia (1940) Max Ernst.

56. Ives Tanguy (1900-1985)
Representa sueños desligados a toda
referencia a la realidad. Los horizontes, la
sensación de infinito, la presencia de objetos
misteriosos y sin correspondencia con la
realidad objetiva y las alusiones a signos
sexuales caracterizan su obra consiguiendo
provocar angustia y misterio.

57. Días de lentitud, (1924)
Ives Tanguy.

58. René Magritte (1898-1976)
Ofrece cierta similitud con De Chirico, es uno
de los surrealistas más claramente simbolistas.
Provoca el choque emotivo de color aplicado a
formas realistas puestas en lugares y
momentos inverosímiles. Realiza absurdas
combinaciones de paisajes, arquitecturas,
esculturas, ambientes externos e internos.
Magritte no buscaba dar expresión al
subconsciente, sino romper con los
convencionalismos para representar la realidad.

59. El tiempo detenido, (1939)
René Magritte

60. JOAN MIRÓ

61. JOAN MIRÓ (1893-1983)
Pintor, escultor, grabador y ceramista español, está
considerado uno de los máximos representantes
del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el
subconsciente, en lo "infantil" y por su tierra natal.
De influencias fauvistas, cubistas y expresionistas,
pasó a una pintura plana con cierto aire naïf, como
se ve en su cuadro La Masía de 1920.

63. A partir de su
estancia
en París, su obra
se vuelve
más onírica,
coincidiendo con
los puntos del
surrealismo e
incorporándose a
este movimiento.

64. Pero obra clave en su evolución será El
carnaval del arlequín (1924), con el que llegó a
crear un mundo propio que poco a poco se abrió
paso a la abstracción.
Imágenes simples, rechaza la perspectiva, el
modelado, el claroscuro y el acabado minucioso.
Traza signos abstractos, simples, que no tratan
de expresar una idea, sino que desean bastarse
a sí mismos y son extraídos de lo irracional
(Personajes de noche, El bello pájaro descifra
lo desconocido a una pareja de enamorados,
Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres
y pájaros en claro de luna).

65. El carnaval del arlequín (1924) Joan Miró

66. Personajes de noche (1924) Joan Miró

67. 'El Bello Pájaro descifrando lo
desconocido a una pareja de
enamorados‘ (1941) Miró.

68. Naturaleza Muerta del Zapato Viejo (1937) Miró

69. Mujeres y pájaros en
claro de luna (1949)
Miró

70. Los años de la guerra civil española y mundial
lo alejaron de la aventura surrealista. Una de
las últimas obras fue el revestimiento cerámico
del edificio de la UNESCO en París, titulado
Noche y día.

71. Su último gran proyecto
fue la creación en 1975,
de la Fundación Joan
Miró en Barcelona,
centro cultural y artístico
para difundir las nuevas
tendencias del arte
contemporáneo, que se
constituyó con un gran
fondo de obras donadas
por el autor.

73. SALVADOR DALÍ

74. SALVADOR DALÍ (1904-1989)
Es conocido por sus impactantes y oníricas
imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas
se suelen atribuir a la influencia y admiración por el
arte renacentista.
Fue un experto dibujante y sus recursos plásticos
le llevaron también al cine, la escultura y
la fotografía, lo cual le condujo a numerosas
colaboraciones con otros artistas audiovisuales.

76. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo
genuinamente personal y palpable al primer
contacto, que en realidad era muy ecléctico y
que «succionó» de innovaciones ajenas.
Dalí es más escandaloso y extravagante de
todo el grupo. Sus cuadros presentan figuras
imposibles fruto de su imaginación.

77. La persistencia de la memoria (1931) Dalí.

78. Le caracteriza la provocación y su método
"paranoico-crítico".
Su primera etapa surrealista es furiosa y
ácida, las formas se alargan, se
descomponen o resultan de apariencia
equívoca. Utilizará alusiones al sexo y la
paranoia.

79. La miel es más dulce que la sangre (1926) Dalí.

80. El Ángelus
arquitectónico de
Millet, (1933) Dalí.

81. Premonición
de la Guerra
Civil, (1936)
Dalí.

82. También son
característicos
sus relojes
blandos, sus altas
y destacadas
figuras sobre un
lejano horizonte y
las vistas de
Cadaqués…

84. Más adelante su
estilo se hará más
barroco en Leda
atómica y en El
Cristo de San Juan
de la Cruz, donde el
sentido de la
composición y del
espacio es más
clásico, pero
siempre inquietante.
Leda atómica (1949) Dalí.

85. El Cristo de San
Juan de la Cruz
(1951) Dalí.

86. La Madonna de Port
Lligat (1951) Dalí.

87. Su pintura resulta excepcional en sus
calidades plásticas por la corrección en
el dibujo y por la presencia de la luz,
transparente y limpia.
Como artista extremadamente
imaginativo, manifestó una notable
tendencia al narcisismo y
la megalomanía, cuyo objeto era atraer la
atención pública.

90. CARACTERÍSTICAS DEL
NEOPLASTICISMO:
PIET MONDRIAN

91. En la misma época en que Tzara escribía el
Manifiesto Dadá, Mondrián junto a Van
Doesburg publicaban el Manifiesto De Stijl,
opuesto en absolutamente todo al primero.
Si los dadaístas querían destruir el arte y de
características destructivas e irracionales, De
Stijl pretendía su renovación total de
manera racionalista, ordenada y simple.

93. Con el nombre de "De Stijl" (El estilo) se
conoce al grupo de artistas y revista
fundados en 1917 por Mondrian y Van
Doesburg en la ciudad de Leiden en
Holanda, con el objetivo de difundir los
principios del neoplasticismo.
Doesburg, sintetizó el espíritu y la esencia
del grupo con esta frase: "Desnudemos a la
naturaleza de todas sus formas y sólo
quedará el estilo.”

94. Architectuuranalyse (1923) Theo van Doesburg

95. En 1921, se abrió al Dadaísmo y en 1922 y
1923 Arp y Schwitters se encargaron de la
edición de un suplemento Dadá llamado
"Mecano".
En 1925, Mondrian se separó del grupo por
desavenencias teóricas con Doesburg. Este
último quería que la línea inclinada formara
parte del lenguaje neoplasticista, pero Mondrian
la sentía como un elemento desestabilizador.

96. Victory Boogie Woogie,
(1944) Mondrian

97. Características del Neoplasticismo.
• Búsqueda de la renovación estética y de la
configuración de un nuevo orden armónico de
valor universal, eliminando todo lo superfluo
hasta que prevalece sólo lo elemental.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus
componentes fundamentales: líneas, planos y
cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.

98. • Estructuración a base de una armonía de
líneas y masas coloreadas rectangulares
de diversa proporción, siempre verticales,
horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con
gran sentido del equilibrio, logrado por la
compensación de las formas y los colores.
Nunca se recurre a la simetría.
• Colores planos, de carácter saturado
(primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco,
negro y grises).
• Empleo de fondos claros.

100. Destacan como diseñadores industriales
y gráficos, arquitectos y decoradores.
En la arquitectura se basó en el
desarrollo de la técnica, la limpieza, la
economía y lógica elemental y pura.

101. Casa Schröder (1924) Rietveld

102. PIET MONDRIAN

103. Piet Mondrian
(1872-1944)
Pintor vanguardista
neerlandés, miembro de
De Stijl y fundador del
neoplasticismo, junto
con Theo van Doesburg.
Evolucionó desde el
naturalismo y el
simbolismo hasta la
abstracción.
Autorretrato (1918) Mondrian

104. Mondrian, busca encontrar la estructura
básica del universo, la supuesta “retícula
cósmica” que intenta representar con el
no-color blanco (presencia de todos los
colores) atravesado por una trama de líneas
de no-color negro (ausencia de todos los
colores) y, en tal trama, planos
geométricos (frecuentemente
rectangulares) de colores primarios,
considerados por él, como los colores
elementales del universo.

105. Composición
en rojo,
amarillo, azul y
negro (1921)
Mondrian.

106. Mondrian expresó que el arte no debe
ser figurativo, sino que debe ser una
especie de indagación de lo absoluto
subyacente que hay tras toda la
realidad fenoménica.
Busca, en suma, un "arte puro",
despojado de lo particular.

108. EL CINE EN LA ÉPOCA DE
LAS VANGUARDIAS:
• El surrealismo cinematográfico. Luis Buñuel.
• El expresionismo cinematográfico alemán. El
gabinete del doctor Caligari.
• El cine soviético: Eisenstein y El acorazado
Potemkim.

109. CLAVES DEL SURREALISMO
CINEMATOGRÁFICO.
LUIS BUÑUEL.

110. Proveniente de la poesía y de las artes plásticas, el
cine surrealista mantiene muchos de sus grandes
motivos:
• Confusión espacio-temporal
• Un humor un tanto negro, e incluso cruel
• Cobra importancia el erotismo
• La imagen cobra un nuevo cariz, siendo
evaluada como un todo más que como un parte
• Importancia del fundido y el montaje, muchas
veces arbitrario
• Muestra un universo onírico
• Ideado al margen de toda estética y moral
• Utilizado para criticar y escandalizar.

111. Los precedentes del cine surrealista se
encuentran en el cine de vanguardia cubista y
dadaísta, que comenzó a desarrollarse hacia
1925.
Ejemplos de esta tendencia son Ballet
mécanique, de Fernand Léger (pintor cubista) o
el filme dadaísta Entreacto de René Clair y
Francis Picabia, caracterizado por la creación de
metáforas visuales.

112. Ballet Mécanique (1924) Fernand Léger

113. En 1929, aparecerá
la primera y más
representativa
película surrealista,
Un perro andaluz
de Luis Buñuel, que
continuaría su
trayectoria
cinematográfica con
un surrealismo más
combativo en
La edad de oro
(1930).

114. Un perro andaluz (1929)
Es un Manifiesto del cine surrealista.
Una colección de sueños y locuras salidas
de las inquietas mentes de Dalí y Buñuel.
El título, es una posible referencia sarcástica
al tercer vértice del triángulo de genios,
Federico García Lorca.

116. Luis Buñuel
(1900 – 1983)
Director de cine
español.
Su influencia e
importancia dentro de
la historia del cine
está a la altura de los
más grandes
directores de todos
los tiempos.
Retrato de Buñuel, (1924) Dalí

117. La gran mayoría de
su obra fue realizada
o coproducida en
México y Francia,
debido a sus
convicciones
políticas y a las
dificultades
impuestas por la
censura franquista
para filmar en
España…

118. Otras películas de Buñuel:
La Edad De Oro (1930), una sátira surrealista recibida con
entusiasmo por la crítica del momento, lo que le supuso una oferta
de la Metro Goldwyn Mayer.
Las Hurdes (Tierra sin pan) (1933), documental de denuncia sobre
la miseria social española.
Los olvidados (1950), obra maestra de su etapa mexicana, que
conjuga surrealismo y realidad social.
Viridiana (1961), realizada a su vuelta a España, no se pudo ver
hasta después de la muerte de Franco. Se considera cima de su
trayectoria.
El ángel exterminador (1962), una de sus obras más conocidas,
en la que una serie de burgueses es incapaz de abandonar una
habitación.

120. Belle de Jour (1967), la mujer entre virgen y prostituta, es
objeto de deseo, llevando una doble vida.
El discreto encanto de la burguesía (1972), una de las
películas más surrealistas de su última etapa, con una escena
de un sueño dentro de un sueño, es otra acertada crítica de la
burguesía y de a la iglesia.
Tristana (1970), Una joven hermosa se convierte en la
obsesión de un anciano, que a fuerza de tiempo y de
paciencia consigue sus favores. Sin embargo, cuando ella
conoce a un joven pintor que la enamora, decide cambiar
radicalmente el rumbo de su vida. "Buñuel usa imágenes
freudianas, un humor escandaloso y un estilo de cámara
tranquilo y lírico para crear una de sus obras más complejas y
completas.

121. Tristana (1970), Luis Buñuel

122. CLAVES DEL EXPRESIONISMO
CINEMATOGRÁFICO ALEMÁN.
EL GABINETE DEL DOCTOR
CALIGARI.

123. Expresionismo es la corriente artística que
tiene como fin buscar la expresión de los
sentimientos y las emociones del autor
más que la representación de la realidad
objetiva.
Trata de representar la experiencia
emocional en su forma más completa, sin
preocuparse de la realidad externa.

124. En pintura se caracteriza por colores
agresivos, formas disgregadas, líneas
fracturadas, contorsionadas y
ondulantes, como "El grito" del
noruego Edvard Munch paradigma de la
soledad y de la incomunicación y
considerado uno de los puntos de
arranque del Expresionismo.

125. Todas las versiones
de “El grito”
muestran una figura
andrógina en primer
plano, que
simboliza al hombre
moderno en un
momento de
profunda angustia y
desesperación
existencial…
El grito (1893 )
Edvard Munch

126. El cine expresionista surge como reflejo de la
derrota alemana tras la Primera Guerra Mundial.
Muestra una temática muy diferente que va desde
el pasado medieval a lo más futuro.
Su técnica se caracteriza por el uso de ángulos
extravagantes, decorados irreales y cercanos a
la pesadilla.
Tiene como fin que el espectador tenga la
sensación de estar en ambientes grotescos donde
se distorsiona con claroscuros violentos.

127. El Expresionismo
cinematográfico
más importante
será el que se
realice en Alemania
y los principales
exponentes del
cine expresionista
alemán serán:
Fritz Lang,
Murnau y
Robert Wiene…

128. Características técnicas del cine expresionista:
• Escenografía: Utilización de decorados pintados,
como calles y perspectivas en un telón de fondo
que representa la prolongación de las calles
mediante líneas inclinadas dando la sensación de
un movimiento y vértigo.
• Iluminación: Los directores expresionistas se
caracterizaron por dar un toque muy particular a la
elaboración del claroscuro acentuando el contraste
entre luces y sombras y destacando el exceso de
relieve deformado y el contorno de un objeto.

129. • Personajes: Misteriosos o siniestros que ocupan un
lugar especial en las películas pudiendo ser
inofensivos o malvados.
• Vestuario: Sus personajes se caracterizan por vestir
capas y sombreros de copas. Además, sus manos
son extremadamente salientes o crispadas.
• Interpretación: Movimientos abruptos y duros
componen el rasgo habitual de los personajes.
Además, se produce una deformación de los gestos
por medio de movimientos intensos que superan la
realidad.

130. Las tres luces (1921) Fritz Lang

131. Metrópolis (1927) Fritz Lang

132. Nosferatu (1922) F.W. Murnau

133. El gabinete del doctor Caligari (1920)
Dirigida por Robert Wiene, es la película
más influyente de este movimiento.
Con esta película surgirá la edad de oro
del cine alemán, que junto a "Metrópolis“
de Fritz Lang y "Nosferatu“ de Murnau,
que serán las tres películas más conocidas
del expresionismo alemán.

134. “El gabinete del
doctor Caligari”
juega con la magia y
la adivinación a
través del destino
que un director de
un psiquiátrico, un
loco vidente, le
pronostica a un
joven…

136. En las escenas de esta película se ven
muchas de las característica del cine
expresionista como el juego entre las luces y
las sombras, que da una visión sobrehumana
y gigantesca cuando la propia sombra del
doctor se refleja en una pared o el contraste
de movimientos con continuas líneas
deformadas lo que provoca una auténtica
angustia.

139. CLAVES DEL CINE SOVIÉTICO:
EISENSTEIN Y
EL ACORAZADO POTEMKIM.

140. El acorazado Potemkin (1925) reproduce el
motín ocurrido en el acorazado Potemkin en
1905, cuando la tripulación se rebeló contra
los oficiales de la armada zarista.
No es solamente la película más importante
de Eisenstein y la más representativa de
todo el cine revolucionario soviético, sino
que, sin duda, se erige como una de las
más notables e influyentes de la historia
del cine.

142. El rodaje duró poco más de una semana y
durante el mismo, Eisenstein y su
operador Eduard Tissé experimentaron con
objetivos, focos, plataformas para mover las
cámaras, planos desenfocados...
La película tuvo un gran éxito en el
extranjero, siendo prohibida en algunos
países acusada de revolucionaria.

143. Se trata de una metáfora de la Revolución
Rusa con la representación de las clases
sociales que sostienen el zarismo y
representadas en el barco (los militares
aristocráticos, el clero, los intelectuales, los
indiferentes y los cobardes) y los
revolucionarios (el pueblo representado por los
marineros) y sus aliados (la pequeña burguesía
en el puerto, las mujeres, los oprimidos...).

145. Los rasgos más destacados de esta película son:
 La ausencia de protagonistas individuales y la
exaltación de los movimientos colectivos. Hay
personajes reconocibles pero no articulan toda la
narración.
 El uso de rótulos que, más que reflejar diálogos,
exponen frases y mensajes que acentúan el sentido de
la narración.
 La inserción de metáforas visuales, (extendido en el
cine mudo) pero que Eisenstein dota de una fuerza
especial en su montaje: el plato con el Padrenuestro,
los marineros colgados del palo, las sombras de los
soldados sobre la madre, el león de piedra que se
despierta,...

150.  La abundancia de planos detalle, que dan
verdadero valor simbólico a los objetos (el
piano, la cruz, las gafas, los gusanos en la
carne) o acentúan el dramatismo de la acción
(la mano pisada del niño, los ojos de las
mujeres, la mano del pope,...). Hay una enorme
cantidad (más de 1.000) y variedad de planos
(picados, contrapicados…), algo inaudito en su
época.
 Predominio de líneas de
composición oblicuas y triangulares que
plasman la tensión de los acontecimientos
expuestos.

153.  Una fotografía variada, casi pictórica en las
escenas de la bahía con los barcos y los reflejos
del sol, fuertemente expresiva en los primeros
planos de algunos rostros y con numerosos
efectos (desenfoques, claroscuro, sombras...).
 Un montaje, como modelo de planificación a base
de fragmentos y que, a diferencia del cine
americano, no tiene en cuenta factores como el
eje de relación, la continuidad o el salto progresivo
entre planos primando el ritmo y el choque para
acentuar la noción de conflicto.
 En suma se busca unir fondo y forma , es decir,
el mensaje revolucionario con una estética que
provoque esa misma sacudida en los
espectadores.

156. La escalera de Odessa, en la que los
cosacos masacran a la multitud
desarmada, es seguramente la
secuencia más analizada, elogiada e
imitada de la historia del cine…

163. EL BALLET RUSO:
SERGUÉI DIÁGHILEV Y NIJINSKI.

164. Los Ballets
Rusos fue una
célebre compañía de
ballet creada
en 1907 por el
empresario
ruso Serguéi
Diáguilev con los
mejores integrantes
del Ballet Imperial
del Teatro
Mariinsky de San
Petesburgo.

165. Desde 1909, la
compañía comienza
sus giras
internacionales y
en 1911 se
independiza de los
Ballets Imperiales.
Se convierte en una
compañía
independiente
residente en París,
luego en Montecarlo,
París de nuevo y
luego Londres.

166. Sergei Diaghilev será una
de las personalidades más
importantes en la historia del
ballet. Empresario que
fundó Los Ballets Rusos y
causó sensación en Europa
Occidental gracias a la
vitalidad de la escuela rusa
comparada con la danza
que se hacía en Francia en
aquella época. De esta
forma convirtió su
compañía de ballet en la
más influyente del siglo
XX.

167. Desde el primer
momento, los Ballets
Rusos fueron un
centro de
experimentación
artística.
Y trabajarían con
compositores
como Claude
Debussy,
Maurice Ravel e
Igor Stravinsky.

168. En 1909, se
incorporaría a la
compañía Vaslav
Nijinski en los que
interpretó papeles
que desde entonces
han alimentado su
leyenda: Perushka,
El Espectro de la
Rosa, Las Sílfides,
Dafnis y Cloe…

169. A partir de 1912,
Nijinski se dedicaría a la
coreografía.
Creando ballets muy
reconocidos como La
Consagración de la
Primavera de Stravinsky,
y Preludio a la siesta de
un fauno de Debussy.

170. La expresividad y
la elegancia de su
cuerpo, ligero y al
mismo tiempo
fuerte, unidos a la
increíble altura de
sus saltos y al
dramatismo de la
interpretación
deslumbraron al
público de su
época.

171. Las opiniones de los expertos
fueron controvertidas;
algunos lanzaron contra él
furibundos ataques, en los que
ponía en duda la calidad
moral y artística de sus
actuaciones, mientras que
otros como el
escultor Auguste Rodin,
impresionado de su baile, se
erigió en defensor de Nijinsky
y le haría una estatua.
Auguste Rodin, Nijinsky como fauno (1912)

172. Nijinsky se convertirá
en prototipo de
bailarín moderno.
Dejando de ser un
mero apoyo de la
bailarina y
convirtiéndose en
protagonista de la
danza.

173. Artistas de vanguardia
de la talla de Matisse,
Picasso, Braque o
Chanel participaron
en el diseño de
vestuarios y
escenografías de los
Ballets Rusos.
Picasso, aceptó el encargo
de crear vestuarios y
decorados de vaias obras
para los Ballets Rusos.

174. Y el encanto
exótico de los
Ballets
Rusos tuvo
efecto en
los pintores
fauvistas y el
recién nacido
estilo art déco.