Billy Wilder era un director de cine austriaco considerado uno de los mejores directores de comedia. Dirigió películas que mezclaban su sensibilidad europea con la moralidad poco ortodoxa de Estados Unidos. Algunos de sus temas recurrentes incluyeron las relaciones entre personas de diferentes edades y clases sociales, la codicia y la crítica a sistemas totalitarios. Debido a su herencia judía, huyó de Alemania nazi y tuvo éxito en Hollywood, donde dirigió clásicos como The Apartment.

1. Billy Wilder
Raquel Sánchez Amorós
Universidad Complutense de Madrid

2. Billy
Wilder
es
considerado
uno
de
los
mejores
directores
de
comedia
hasta
el
momento.
Aunque
no
fue
el
único
género
que
hizo,
ya
que
probó
con
todo,
menos
con
películas
el
oeste.
En
su
momento
sus
películas
eran
atípicas
con
las
de
sus
contemporáneos.
Se
mezcla
su
sensibilidad
europea
con
la
moralidad
poco
ortodoxa
de
los
estadounidenses
inconformistas.
Stephen
Farber
sumó
“la
principal
aportación
de
Wilder
al
cine
americano
es
la
inteligencia”.
Sus
films
se
basan
en
la
seducción
y
en
la
mentira.
Con
ritmos
despiadadamente
impetuosos.
Los
personajes
acaban
encontrando
su
momento
de
verdad,
con
diálogos
picantes,
enlaces
de
diferentes
situaciones,
líneas
argumentales
claras,
con
mezclas
de
compasión
y
falta
de
pretensión.
Desvela
todos
los
tabús,
muestra
las
cosas
tal
y
como
son.
Porque
como
él
dice,
a
la
sociedad
no
le
gusta
confrontar
las
cosas
que
son
verdad
y
que
duelen.
Para
Wilder
los
aspectos
masculinos
han
sido
representados
en
sus
films
con
tres
actores
diferentes:
atractivo
y
simpático
como
Lemmon.
Sale
en
El
Apartamento,
Irma
la
dulce,
Primera
plana,
En
Bandeja
de
plata
y
¿Qué
ocurrió
entre
mi
padre
y
mi
madre?.
El
aspecto
de
americano,
hombre
de
negocios
y
poderoso
con
William
Holden
con
Crepúsculo
de
los
dioses.
Y
el
gracioso
y
retorcido
con
Walter
Matthau
en
Primera
plana,
Aquí,
un
amigo
y
En
Bandeja
de
plata.
A
nivel
de
temas,
tiende
a
repetir
ciertas
temáticas:
como
mujer
mayor
millonaria
que
conoce
a
hombre
joven
y
arruinado.
Ella
se
enamora,
pero
él
está
con
ella
por
su
dinero.
Los
celos
y
la
venganza
son
consumidos
por
la
muerte
de
un
ser
amado.
El
amor
como
escalón
que
se
pensaba
que
nunca
se
alcanzaría.
La
codicia
y
el
deseo
de
poder.
Crítica
a
la
prensa
por
sensacionalista.
Y
crítica
a
los
estados
totalitarios
(Nazismo
y
a
la
URSS)
y
al
sistema
capitalista
y
consumista.
Austriaco
residente
en
EE.UU.
Sus
películas
tratan
sobre
Europa:
Berlín
ciudad
de
conflictos
y
París
paraíso
del
amor
y
el
deseo.
Billy
Wilder
nació
en
1906
en
un
pueblo
cercano
a
Viena.
Vivió
en
su
infancia
la
I
Guerra
Mundial.
Empezó
a
trabajar
como
periodista
en
deportes
y
en
la
sección
de
sucesos.
Se
fue
a
Berlín
en
1920,
con
un
banda
de
jazz,
siguiendo
trabajando
como
periodista
y
escribía
guiones
para
la
UFA.
Ahí
se
influenció
por
un
movimiento
italiano
que
nació
en
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX:
el
verismo.
Se
basaba
en
el
naturalismo
y
realismo
en
el
ámbito
social.
Describir
lo
grotesco,
lo
burlesco
y
lo
pintoresco
de
la
naturaleza
humana.
Wilder
lo
traspasa,
de
ser
una
corriente
en
la
poesía
y
en
la
pintura;
al
cine.
Desde
su
visión
se
traduce
con
temas
como:
las
drogas,
los
travestidos,
las
prostitutas,
la
corrupción
y
los
gigolós.
Pero
cuando
Adolf
Hitler
subió
al
poder
y
fue
canciller
en
el
año
1933,
como
judío
que
era,
tuvo
que
exiliar
y
se
fue
a
París;
donde
estuvo
un
año,
para
acabar
finalmente
en
EE.UU.
Una
vez
ahí
se
interesó
por
el
deporte,
la
cultura
popular
y
la
radio.
Como
no
sabía
inglés
fue
a
clases
nocturnas
y
seguía
escribiendo
guiones
en
alemán,
mientras
que
una
vez
acabados
los
pasaba
al
inglés.
Una
vez
aprendido
el
idioma,
fue
empleado
de
la
Paramount:
una
majors
que
tenía
un
estilo
europeo
y
realizaban
films
con
una
complejidad
visual
elevada.
Además
otorgaba
una
mayor

3. libertad
en
cuanto
al
estilo
propio
de
los
directores.
Ahí
trabajaban
Cecil
B.
Demille,
Ernst
Lubitsch
y
los
Hermanos
Marx,
entre
otros.
Wilder
quería
empezar
a
dirigir
sus
propios
guiones,
porque
así
tenía
un
mayor
control
sobre
su
película,
ya
que
los
directores
borraban
escenas
enteras
que
para
Wilder
eran
fundamentales
en
la
película,
y
porque
le
parecía
una
tarea
más
divertida.
Pero
el
sistema
era
estricto,
hasta
que
no
tenían
un
nombre
no
podían
dirigir.
Hasta
que
un
día
Paramount
se
arriesgó
y
ya
que
hacían
alrededor
de
cuarenta
o
cuarenta
y
cinco
películas
anuales
dijeron:
“nos
gusta
el
equipo
Brackett
Wilder.
No
queremos
perderlos,
pero
si
ese
bobo
quiere
romperse
el
cuello,
no
sabemos
que
puede
dar
de
sí”.
Así
que
le
dejaron
rodar
lo
que
sería
su
primera
película.
Lo
hizo
a
“prueba
de
idiotas”
con
una
película
muy
comercial
y
que
obtuvo
mucho
éxito:
El
mayor
y
la
menor,
en
1942.
Narraba
la
historia
de
una
mujer
que
no
tenía
suficiente
dinero
para
pagarse
el
tren,
pero
sí
para
pagar
el
de
niño
que
costaba
la
mitad.
Una
vez
en
el
tren,
el
revisor
se
siente
inusualmente
y
sorprendentemente
atraído
por
ella.
Según
su
director
es
una
versión
“blanda
y
casta”
de
Lolita
(Kubrick,
1962).
Estaba
hecha
bajo
el
Código
Hays.
El
cual
es
un
código
que
duró
desde
1934
hasta
1967,
al
finalizar
dio
lugar
al
código
de
clasificación
por
edades
de
la
MPAA.
El
Código
Hays
es
una
censura
cinematográfica
formada
por
las
propias
majors.
Se
inició
por
las
demandas
de
censura
de
ciertos
sectores
de
la
sociedad,
que
pedían
limitar
los
contenidos
de
las
películas.
Por
lo
que,
Hollywood
se
autorreguló,
marcando
que
se
podía
y
no
hacer.
Llamado
homónimamente
a
uno
de
los
líderes
del
partido
republicano
y
máximo
representante
del
código:
Will
H.
Hays.
Los
principales
temas
eran:
el
mal
está
castigado,
no
se
puede
rebajar
el
nivel
moral
de
los
espectadores.
No
se
puede
tener
una
posición
en
contra
del
orden
establecido,
si
en
algún
personaje
sucede,
este
será
castigado.
Estaban
regulados
también
los
desnudos
y
el
sexo,
ya
que
tenía
que
aparecer
en
guión
y
no
de
forma
gratuita.
Había
restricciones
a
su
vez
sobre
los
crímenes,
la
vulgaridad,
el
alcohol,
la
religión,
el
vestuario,
decorados,
los
bailes…
Esto
hacía
que
los
directores
fuesen
más
creativos
para
burlar
las
normas
de
forma
sutil.
Pero
también
es
cierto,
que
hacía
el
final,
hubo
menos
restricciones
sobre
los
temas
y
la
forma
de
representarlos.
Su
siguiente
película,
Cinco
tumbas
al
Cairo
de
1943.
Como
género
de
ficción
propagandístico
sobre
la
II
Guerra
Mundial,
con
melodrama
de
espionaje.
Advierte
de
los
peligros
del
nazismo,
resaltando
la
naturaleza
de
los
enemigos
y
la
de
los
aliados.
Narra
la
historia
de
la
caída
de
la
fortaleza
de
Tobruk
bajo
el
poder
de
Alemania.
El
único
superviviente
se
refugia
en
un
hotel.
Aparentemente
un
lugar
seguro,
pero
los
alemanes
marcan
ahí
su
cuartel
general
antes
de
avanzar
por
Egipto.
El
soldado
asume
la
misión
de
vigilar
a
los
alemanes
para
descubrir
donde
guardan
los
depósitos
de
suministros
para
atacar
a
Egipto.
Presentado
como
comedia,
acaba
convirtiéndose
como
una
película
de
espionaje.
Rodada
en
el
desierto
de
Arizona
y
en
los
estudios
de
Paramount,
gastó
un
millón
de
dólares
y
obtuvo
tres
nominaciones
a
los
Oscar:
montaje,
dirección
artística
b/n
y
fotografía
b/n.
El
cine
estadounidense
mostraba
la
imagen
ideal
del
país
durante
la
II
Guerra
Mundial,
pero
la
realidad,
sobre
todo
en
la
postguerra
no
era
así.
Se
creó
un

4. contraste
con
la
situación
real:
divorcios,
discriminación
racial,
diferencias
sociales
por
parte
de
los
soldados
que
no
habían
acabado
sus
estudios
y
tenían
secuelas
psicológicas
por
la
guerra,
por
lo
que
nadie
quería
contratarles.
Por
lo
que,
en
1946
aparece
el
cine
negro,
es
un
cine
basado
en
las
novelas
francesas
de
detectives:
novelas
negras.
Wilder
se
adelanta
un
par
de
años
y
hace
Perdición
(Double
indemnity),
de
1944.
Con
atmósfera
oscura,
basándose
en
claro
oscuros,
con
una
clara
influencia
del
expresionismo
alemán.
Enseñando
la
hipocresía
de
la
sociedad
americana.
MacMurray
es
un
vendedor
de
seguros
que
tras
enamorarse
de
la
mujer
de
un
cliente,
planean
juntos
el
asesinato
del
esposo
de
ella,
para
quedarse
con
el
dinero
de
la
póliza.
Todo
sale
como
lo
esperado,
pero
ella
tenía
otro
plan,
que
era
deshacerse
de
su
amante
e
involucrar
al
novio
de
su
hija
postiza,
para
que
quede
libre
de
cargos.
Finalmente,
en
una
disputa
entre
amantes,
ambos
son
disparados
y
muertos.
Está
narrado
con
voz
en
off
que
es
MacMurray
y
que
pertenece
a
la
grabación
que
realiza
antes
de
su
muerte
a
su
jefe,
explicando
todo
el
caso.
Es
un
melodrama
y
cine
policiaco,
ya
que
se
basa
en
la
lucha
de
la
justicia
por
saber
la
verdad
sobre
la
muerte
del
esposo.
Basado
en
la
depravación
y
en
la
codicia
humana.
Los
personajes
son
antihéroes:
a
él
le
pudo
la
ambición
del
dinero
y
las
mujeres
siendo
la
realidad
que
se
quedó
sin
ninguna
de
las
dos
cosas.
Decepcionado
por
la
realidad
en
la
que
vive,
decide
apoyar
a
una
prácticamente
desconocida
timando
a
su
propia
empresa,
arriesgando
su
trabajo
y
su
vida.
Ella
es
una
femme
fatale,
incapaz
de
enamorarse
de
los
hombres,
pero
gracias
a
su
belleza
y
seducción
con
mucha
facilidad
para
que
ellos
se
enamoren
de
ella;
y
poder
así
manejarlos
a
su
antojo.
Le
mueve
el
dinero
y
el
poder.
En
la
secuencia
donde
están
los
dos
amantes
en
el
coche
y
matan
al
marido,
se
resuelve
con
un
plano
fijo
de
la
cara
de
ella,
y
ahí,
sin
palabra,
ni
gestos,
confirma
que
le
ha
matado
y
que
ha
salido
como
lo
paneado.
Como
él
mismo
cita
“Al
público
no
hay
que
dárselo
todo
masticado,
como
si
fuera
tonto.
A
diferencia
de
otros
directores
que
dicen
que
dos
y
dos
son
cuatro,
Lubitsch
dice
dos
y
dos...
y
eso
es
todo.
El
público
saca
sus
propias
conclusiones.”
Sucede
lo
mismo
en
la
muerte
de
Berlín
Occidente,
donde
la
linterna
cae
al
suelo
durante
la
discusión,
pero
se
entiende
que
es
lo
sucedido.
Ver
anexo
fotograma
1.
Cumple
con
todas
las
características
del
cine
negro,
tanto
de
temática,
personajes,
como
tratamiento
técnico.
Tuvo
siete
nominaciones
a
los
Oscars.
En
el
cine
negro,
como
reflejo
de
la
sociedad
del
momento,
los
personajes
están
en
la
ciudad.
Por
la
emigración
del
campo
a
la
ciudad.
Adquiriendo
la
ciudad
un
significado
de
pecado,
donde
el
ser
humano
se
pervierte
y
deja
de
ser
inocente.
En
la
postguerra
Hollywood
tiene
el
dominio
internacional
del
cine,
ya
que
Europa
está
destruida.
En
el
propio
país,
tiene
grandes
audiencias,
por
lo
que
mueve
a
mucha
gente,
pero
surgen
los
problemas.
Las
causas
fueron
que
en
la
industria
del
cine
hubo
cierre
de
productoras
independientes,
lo
que
llevó
al
paro
del
25%
del
sector
audiovisual
y
eso
desembocó
en
huelga
de
los
estudios.
Hubo
un
juicio
contra
el
monopolio
de
las
majors,
con
lo
que
obligaba
a
desprenderse
de
una
de
las
actividades
y
lo
hicieron
de
la
exhibición.
Aumentó
el
precio
de
Eastman
y
Dupont,
por
lo
que
encareció
el
cine.
En
1946
se
crearon
aranceles
para
la

5. importación
de
películas
a
parte
de
Europa.
Todo
esto
creo
una
inflación,
siendo
la
producción
de
películas
algo
más
caro
y
costoso.
Las
consecuencias
de
la
guerra
fueron
un
aumento
en
la
calidad
de
los
guiones,
se
dedicó
menos
dinero
a
las
producciones,
se
dejaron
de
hacer
películas
espectaculares
y
se
planificaban
las
escenas
minuciosamente
para
no
tener
que
perder
tiempo
en
volver
a
rodarlas
y
sobre
todo,
dinero:
preplanificación.
Como
la
sociedad
cambia,
el
cine
lo
hace
con
ella;
y
los
temas
se
vuelven
más
humanos.
Sobre
problemas
sociales,
realismo
social
y
psicológico
y
corrupción
moral.
Nacen
nuevos
géneros
como
el
cine
social.
Wilder
realiza
en
1945
Días
sin
huella
(The
lost
weekend).
Película
de
este
género
sobre
el
alcoholismo
y
como
puede
destrozar
las
vidas
de
las
personas.
La
última
película
mencionada
se
basa
en
personajes
cotidianos,
americanos
corrientes
que
podrían
ser
nuestros
vecinos,
no
siendo
héroes
de
guerra,
sino
más
bien
todo
lo
contrario.
Esto
es
un
detalle
también
nuevo
del
momento,
la
realidad
llega
a
los
personajes,
la
seducción
por
las
fuerzas
del
mal
porque
el
ser
humano
es
pecador.
En
Días
sin
huella
el
protagonista,
treintañero
sin
trabajo,
mantenido
por
su
hermano
es
un
bebedor
incansable,
con
el
apoyo
de
tres
mujeres
que
le
aman
y
de
su
hermano
para
que
deje
la
bebida.
Pero
todo
parece
en
vano.
Hasta
el
momento,
sobre
este
tema
únicamente
se
habían
hecho
comedias
ligeras.
Ganadora
de
cuatro
Oscars:
mejor
película,
director,
actor
y
guión
adaptado.
Con
tres
nominaciones
más.
Mantiene
la
estética
del
cine
negro.
Sus
películas
de
cine
negro
tienen
la
influencia
de
Orson
Welles
en
la
voz
en
off
y
en
los
flashbacks.
Perdición
y
Días
sin
huella
son
relatos
de
una
confesión,
que
los
protagonistas
lo
hacen
con
la
voz
en
off.
Hay
un
principio
de
alucinación
de
la
realidad
médica,
por
la
falta
de
alcohol.
El
citado
en
el
film
Delírium
trémens.
En
la
película
se
crea
esa
sensación:
primero
en
un
teatro,
donde
los
personajes
desaparecen
y
aparecen
únicamente
sus
abrigos
bailando,
y
después
con
una
sobreimpresión
de
una
botella
dentro
de
uno
de
un
bolsillo
de
los
abrigos.
Anexo
2.
Entra
al
espectador
en
el
mundo
de
la
bebida:
la
sensación
que
siente
el
personaje
al
beber.
Lo
hace
con
un
zoom
que
acaba
con
fundido
a
negro.
Como
en
el
anexo
3.
También
la
desesperación
del
protagonista,
cuando
con
toda
la
angustia
se
acuesta,
sudando
y
con
la
corbata
desabrochada,
ve
en
la
pared
el
reflejo
de
la
botella
y
su
salvación.
Anexo
4.
Berlín
occidente
(A
Foreign
affair)
de
1948.
Wilder
mostró
su
opinión
sobre
la
traición
de
los
nazis
a
Europa.
Al
finalizar
la
guerra
participó
en
el
ministerio
de
defensa
y
posteriormente
hizo
esta
película.
Quería
concienciar
al
mundo
de
lo
sucedido
en
los
campos
de
concentración,
del
horror
que
había
sucedido
y
el
trato
que
se
hizo
a
los
judíos.
Además
toda
su
familia
murió
en
los
campos
de
exterminio
nazi.
Como
las
heridas
de
la
guerra
estaban
muy
abiertas
a
Alemania
no
gustó.
En
el
preestreno
que
se
realizó
allí
quedaron
75
de
500
personas
que
estaban
en
la
sala
y
como
queja
nadie
rellenó
el
cuestionario.
Lo
que
quería
decir
con
todo
ello,
es
que
EE.UU.
nunca
había
vivido
una
guerra
mundial
en
su
propia
tierra,
lo
máximo
ataques
por
el
atlántico
o
el
pacífico
en
Pearl
Harbor.
Pero
Europa
sí,
había
sido
destrozada
y
quería
enseñar
eso.
Otra
vez
más,
se
adelantó
a
su
época
y
eso
es
lo
que
hizo
en
forma
de
documental
Alain
Resnais
en
Noche
y
niebla,
1955
y
el

6. Nuevo
Cine
Alemán
entre
los
60
y
los
80.
Como
forma
de
cerrar
la
guerra,
el
sufrimiento
y
los
miedos.
Dos
años
más
tarde,
dirige
El
Crepúsculo
de
los
dioses
(Sunset
Boluevard).
Se
basa
en
el
género
de
romance
gótico
con
la
atmósfera
del
cine
negro
y
siendo
un
metacine.
El
principal
director
de
este
estilo
es
Alfred
Hitchcock.
Se
basa
en
un
guionista
sin
trabajo
que
huye
de
la
aseguradora
de
su
coche,
de
repente
se
encuentra
en
una
mansión;
siendo
de
una
antigua
estrella
del
cine
mudo.
Ella
le
dice
que
reescriba
su
guión
que
significa
su
regreso
a
la
gran
pantalla
y
mantienen
una
relación
de
jefa
y
empleado,
hasta
que
la
relación
se
estremece.
Él
aburrido
de
la
vida
en
la
mansión,
se
va
por
las
noches
a
escribir
un
guión
con
una
empleada
de
la
Paramount.
La
joven
se
acaba
enamorando
de
él,
pero
él
tiene
que
decidir
entre
la
vida
de
lujo
o
la
de
un
pobre
guionista.
Elige
la
primera,
pero
en
un
arrebato
de
sinceridad
con
la
actriz,
ella
como
no
quiere
saber
la
verdad,
le
mata.
Es
una
película
oscura.
En
vez
de
la
ciudad,
el
mundo
está
en
la
casa,
pero
una
casa
llena
de
fantasmas,
de
historias
pasadas,
del
cine
mudo,
de
ego
y
de
caviar.
Guarda
similitudes
con
Luz
que
agoniza
(George
Cukor,
1944),
ya
que
en
esta,
el
marido
de
Paula
intenta
crear
un
submundo
sobre
ella,
llevándola
a
la
locura
y
asumiendo
que
está
enferma,
cuando
todo
es
un
complot.
Pero
en
El
Crepúsculo
de
los
dioses,
la
actriz
se
recrea
en
su
submundo,
en
sus
experiencias
vividas,
en
su
mansión
y
cuando
el
guionista
le
intenta
parar
los
pies
y
decirle
la
verdad,
le
asesina.
Porque
ella
no
quiere
la
verdad,
quiere
seguir
pensando
que
es
una
actriz
de
Hollywood,
como
las
de
antes.
Película
que
según
Wilder
rozaba
lo
cómico
en
algunas
situaciones.
Narra
con
voz
en
off
y
narrador
omnisciente,
que
es
el
protagonista
siendo
un
flashback.
Empieza
donde
acaba,
con
su
muerte
en
la
piscina.
Es
un
fotograma
muy
representativo
porque
Wilder
quería
que
se
viese
el
muerto
en
el
agua,
pero
que
el
agua
reflejase
a
los
policías
y
fotógrafos,
por
lo
que
lo
consiguió
vaciando
la
piscina,
poniendo
un
espejo
en
el
fondo
(ya
que
lo
azules
no
reflejaban
lo
suficiente)
y
volviendo
a
llenar
la
piscina.
Resultado
en
el
fotograma
5
del
anexo.
Fue
galardonada
por
tres
Oscars:
guión,
dirección
artística
b/n
y
bso.
En
total
tuvo
once
nominaciones.
Al
final
de
la
guerra,
fue
uno
de
los
primeros
directores
de
Hollywood
que
decidió
rodar
en
decorados
naturales.
Como
sucede
en
Días
sin
huella,
Perdición
y
El
Crepúsculo
de
los
dioses.
En
Días
sin
huella,
sobre
todo,
lo
hacía
para
captar
la
atmósfera
de
Nueva
York,
con
sus
rascacielos
y
sus
calles.
Pero
más
tarde
confesó
que
no
le
gustaba
grabar
en
exteriores
por
la
inestabilidad
climática
y
meteorológica
y
por
el
acoso
de
los
fans
y
los
curiosos.
Desde
finales
de
los
cuarenta
se
crea
cambios
sociológicos
importantes
en
EE.UU.:
se
eleva
el
nivel
medio
de
vida,
ya
se
ha
pasado
la
resaca
de
la
II
Guerra
Mundial
y
por
lo
tanto
se
estabiliza
la
economía.
Se
toma
más
atención
a
la
vida
privada
de
los
ciudadanos,
estalla
el
Baby
Boom.
Por
eso
se
crean
los
barrios
residenciales
a
las
afueras
de
las
ciudades,
fomentando
el
ocio
y
el
prototipo
de
mujer
ama
de
casa,
preocupada
por
la
limpieza
y
la
cocina.
Nace
la
conciencia
y
el
gusto
por
la
cultura.
Y
la
sociedad
se
introduce
bajo
el
terror
de
la
conspiración
comunista.
Por
lo
tanto,

7. la
década
de
los
cincuenta
entra
con
la
tensión
comunista
(que
será
explicada
más
adelante)
y
la
aparición
de
la
televisión.
La
televisión
aparece
en
1949
como
competidora
del
cine,
ya
que
tiene
en
sus
inicios
un
millón
de
espectadores
y
la
taquilla
de
los
cines
baja
veinte
millones
de
espectadores.
Por
lo
que
Hollywood
se
cierra
a
la
televisión
no
vendiendo
sus
productos
hasta
1956.
Además,
como
competencia,
impidió
que
los
actores
estrellas
de
Hollywood
saliesen
en
televisión.
Ya
que
parte
del
reclamo
del
público
en
el
cine
podía
ser
dado
por
los
actores,
y
si
estos
salían
en
la
televisión,
el
cine
perdería
más
audiencia.
El
golpe
fue
tan
fuerte
que
se
crea
una
crisis
en
Hollywood
con
la
consecuencia
de
cierre
de
salas,
se
reducen
los
salarios
y
se
anulan
contractos
millonarios
con
las
estrellas.
Para
enfrentarse
a
ello,
Hollywood
lo
solventa
creando
sistemas
técnicos,
para
que
así
el
espectador
vaya
al
cine
por
la
novedad.
De
aquí
nace
la
llegada
al
color,
los
géneros
espectaculares,
la
pantalla
panorámica.
Marcando
el
fin
del
cine
clásico
y
de
los
años
dorados
de
Hollywood.
Wilder
lo
analizó
de
forma
cómica
diciendo
“La
televisión
es
lo
más
maravilloso
que
podía
habernos
sucedido.
Siempre
hemos
sido
lo
más
bajo
de
lo
bajo,
pero
ahora
han
inventado
algo
a
lo
que
podemos
mirar
desde
arriba.”
En
1951
saca
su
siguiente
película:
El
Gran
carnaval.
Explora
los
métodos
de
la
prensa
amarilla,
como
crítica
hacía
ella.
Tanto,
que
el
protagonista
deja
morir
a
un
hombre
en
una
cueva
por
tener
la
exclusiva.
Y
remontar
así
su
carrera,
que
había
sido
destruida
por
la
adicción
a
la
bebida.
Pero
como
si
de
una
película
de
Fellini
se
tratase:
el
personaje
es
perdonado
al
final,
de
forma
espiritual,
saboreando
un
final
agridulce.
La
aportación
de
Wilder,
es
que
bajo
las
creencias
cristianas,
él
se
atormenta
por
lo
sucedido
y
asume
la
culpabilidad
de
la
muerte.
Wilder
no
satisfecho
con
hacer
el
guión
y
dirigir,
queriendo
un
mayor
control
de
la
situación,
produce
esta
película.
Produciendo
finalmente,
la
mayoría
de
su
filmografía.
La
caza
de
brujas
encaminada
por
el
Tribunal
McCarthy.
Que
se
tomaba
a
la
URSS
como
el
máximo
enemigo,
por
lo
tanto
se
vigiló
de
cerca
a
las
principales
influencias
de
la
opinión
pública:
los
profesores,
los
escritores
y
los
directores
de
cine.
Con
ellos
se
llevó
a
cabo
una
busca
y
captura
de
cualquier
persona
que
tuviese
relaciones
con
partidos
comunistas
o
cualquier
mínima
relación
con
ellos.
Tanto
es
así,
que
los
directores
que
fueron
obligados
por
el
estado,
ha
simpatizar
con
la
URSS
como
ayuda
de
los
aliados
extranjeros
en
la
IIGM
con
el
componente
común
de
la
lucha
contra
el
nazismo;
fueron
severamente
castigados
y
perseguidos.
Cuando
una
persona
era
considerada
simpatizante
del
comunismo,
se
le
incluía
en
las
“listas
negras”
y
no
podía
volver
a
trabajar.
Se
llevan
a
cabo
alrededor
de
324
despidos.
Los
estudios
deben
colaborar
por
temor
a
que
se
cree
una
censura
estatal,
pero
provocando
un
malestar
e
inseguridad
a
las
productoras.
De
ahora
en
adelante
se
persigue
el
género
social
y
los
programas
semidocumentales
por
asociarlos
con
el
comunismo.
Se
mantienen
los
géneros
espectaculares,
por
ser
neutros
y
a
la
vez
por
competir
contra
la
televisión.
Llenando
la
pantalla
de
lo
más
espectacular,
colorido
y
grande.
Entonces
Wilder
hace
Traidor
en
el
infierno
(Stalag
17)
en
1953,
como
simpatía
al
Tribunal
McCarthy,
ya
que
los
hechos
están
situados
en
la
II
Guerra
Mundial,
en
un
campo
de
prisioneros
alemán.
Ahí
cientos
de
alemanes
viven
en
un
barracón.
El
día
de
Nochebuena,
dos
querían
huir
pero
son
descubiertos
por
los
alemanes
y

8. ejecutados.
El
resto
de
la
cuadrilla,
sospecha
que
hay
un
soplón
entre
ellos,
siendo
el
sargento
Sefton:
que
sobrevivía
a
base
de
provisiones
que
los
alemanes
le
otorgaban
a
cambio
del
chivatazo.
Sigue
las
características
del
director
como
burlarse
de
los
prototipos
y
sobre
todo
ridiculizarlos.
Por
ejemplo,
el
comandante
alemán
recibe
al
enviado
de
la
convención
de
Ginebra
sin
botas,
el
sargento
Schultz
que
se
encarga
de
los
prisioneros,
tiene
una
relación
agradable
con
ellos
y
bromean
juntos.
Los
alemanes
disfrutan
jugando
a
vóley.
Chimpancé
es
el
desvergonzado,
pero
eso
no
quita
que
sea
el
más
sensible.
Sigue
siendo
un
drama,
pero
con
ciertos
toques
de
humor
y
el
protagonista
es
la
voz
en
off,
que
sitúa
y
orienta
al
espectador.
Paramount
propuso
cambiar
la
nacionalidad
de
algunos
villanos
alemanes
por
polacos.
Para
que
así
no
ofendiese
a
los
espectadores
del
mercado
lucrativo
alemán.
Se
llevó
el
Oscar
a
mejor
actor
por
William
Holden.
Se
crean
películas
más
light,
sin
tanta
crítica
política.
En
la
comedia
nacen
diferentes
tipos:
el
humor
picante
y
agudo,
el
humor
absurdo
y
chico
contra
chica
o
llamado
de
almohada,
cuando
son
matrimonios
enfrentados.
Wilder
se
centra
durante
una
temporada
en
el
primer
tipo
de
comedía.
Como
en
Sabrina,
La
tentación
vive
arriba,
Ariane,
Con
faldas
y
a
lo
loco
y
El
apartamento.
De
ahí
nace
Sabrina
en
1954.
Con
Bogart
y
Hepburn.
Ella
adopta
su
papel
por
excelencia,
Como
en
Desayuno
con
diamantes:
joven,
soñadora,
sensible,
pueril,
encantadora,
seductora,
adorable,
amable,
inocente
y
alocada.
En
cambio
Bogart
es
retratado
como
un
hombre
de
negocios,
mayor,
cuadriculado,
con
impotencia
de
expresar
sus
sentimientos,
hermético
y
adusto.
La
historia
narrada
otra
vez
en
voz
en
off
por
la
protagonista,
explica
el
amor
platónico
de
Sabrina,
la
hija
del
chofer
por
el
hijo
menor
de
una
familia
acomodada.
Para
olvidarle,
se
va
dos
años
a
París
a
aprender
a
cocinar.
Sabrina
vuelve
tan
cambiada
y
madura,
que
David
se
desvive
por
ella,
pero
a
su
hermano
mayor,
Linus
también
se
siente
atraído
por
ella.
Un
triangulo
amoroso
entre
hermanos,
que
al
final,
triunfa
el
amor
y
no
el
convenio
social
o
de
clases.
Donde
Sabrina
y
Linus
acaban
juntos,
otra
vez,
en
París.
A
pesar
de
ser
una
comedia
romántica,
tiene
ciertos
toques
políticos.
Como
en
la
conversación
entre
Sabrina
y
su
padre
en
el
coche;
cuando
él
le
dice
“la
democracia
suele
ser
injusta
en
sus
apreciaciones
Sabrina,
los
demócratas
no
consideran
como
tal
al
pobre
que
se
casa
con
un
rico”.
Aunque
Wilder
se
consideraba
“no
un
hombre
de
mensajes”
y
no
intentaba
llenar
sus
películas
de
propaganda.
Sabrina
se
basa
en
la
lucha
de
clases,
alcanzar
una
posición
elevada
es
imposible.
Ya
que
antes
de
irse
a
París
su
padre
le
repite
“no
pretendas
alcanzar
la
luna”
y
a
su
regreso,
ella
le
contesta
“la
luna
intenta
alcanzarme
a
mí”.
Aunque
parezca
un
guión
muy
elaborado
y
premeditado,
la
verdad
es
que
no
es
cierto.
Wilder
escribía
por
la
noche
y
esas
mismas
escenas
se
rodaban
al
día
siguiente.
La
única
en
saberlo
era
Hepburn,
que
a
veces
alargabas
las
escenas
para
que
no
diese
tiempo
a
acabar
y
así
tener
un
poco
más
de
tiempo.
Se
creó
una
gran
relación
entre
los
dos,
tanto
que
volvieron
a
repetir
en
Ariane.
Pero
no
sucedió
lo
mismo
con
Bogart
el
cual
se
sentía
un
poco
desplazado.
Oscar
a
vestuario
b/n.

9. Aquí
se
le
acabó
el
contrato
con
Paramount
y
se
fue
tras
18
años
de
éxitos
cinematográficos.
La
tentación
vive
arriba
es
de
Twentieth
Century
Fox
Film
Corporation
de
1955.
Un
cabeza
de
familia
tiene
que
trabajar
en
verano
mientras
su
familia
está
de
vacaciones
en
la
playa.
En
su
estancia
de
Rodríguez
aparece
su
vecina,
la
seductora
Marilyn
Monroe,
que
le
llevará
más
de
un
quebradero
de
cabeza.
Con
voz
en
off
del
protagonista.
Wilder
experimenta
con
la
Fox
nuevas
cosas.
En
primer
lugar,
es
un
su
primer
film
en
color;
ya
que
era
lo
que
se
estaba
poniendo
de
moda
en
ese
momento.
Se
usó
el
sistema
de
Kodak:
Eastmancolor.
Se
basa
en
la
creación
de
un
negativo
que
es
sensible
a
los
tres
colores.
Creando
una
mejor
impresión,
más
sensible,
y
mejor
definición
que
el
Technicolor.
Consistía
pues
de
un
revelado
normal
y
las
cámaras
eran
más
ligeras,
por
las
que
podían
tener
un
mayor
movimiento.
El
laboratorio
donde
se
hacía
era
en
el
De
Luxe.
El
sonido
es
en
stereo,
lo
que
permite
una
mayor
mezcla
de
sonidos.
Siendo
en
el
mono
3
pistas
de
sonido,
en
el
stereo
permite
7
pistas
distintas.
Usa
también
cinemascope,
que
se
comercializa
para
competir
contra
el
3D.
Se
basa
en
el
sistema
anamórfico:
se
filman
imágenes
amplias,
comprimidas
en
el
negativo
de
35
mm.
Por
lo
que
tienen
un
espacio
de
visión
mayor,
captando
más
espacio
en
el
mismo
lugar.
Luego
se
descomprimen
en
la
proyección.
La
fama
de
esta
película
fue
por
la
aparición
de
Monroe
y
su
famosa
escena
cuando
el
aire
del
metro
levanta
su
vestido,
donde
se
le
ven
las
bragas.
Anexo
6.
Dos
años
más
tarde
viene
Ariane,
con
la
productora
United
Artists.
Comedia
romántica
menos
conocida.
Sitúa
a
Hepburn
de
nuevo
en
París,
mientras
su
padre
es
un
detective
privado.
Ella
observa
las
anotaciones
de
su
padre
y
se
ve
envuelta
en
su
caso:
con
un
seductor
millonario.
Empieza
un
juego
de
seducción
y
deseo,
que
acaba
en
amor.
Rodada
en
blanco
y
negro
y
en
sonido
mono.
Ese
mismo
año
hace
un
drama
judicial
que
tiene
toques
de
humor,
pero
es
un
paréntesis
en
su
temporada
de
comedias
románticas
y
picantes.
Deslumbra
con
una
de
sus
mayores
películas:
Testigo
de
cargo.
Basado
en
una
novela
de
Agatha
Christie.
Wilder
tenía
una
idea
clara,
que
era
“quiero
hacer
una
película
de
Alfred
Hitchcock”.
Explica
el
juicio
sobre
la
sospecha
de
asesinato
de
un
hombre
que
simpatizaba
con
una
mujer
mayor
solitaria
y
rica.
El
protagonista
es
el
abogado
que
lucha
para
que
su
cliente
se
libre
de
la
acusación.
Y
así
acaba
siendo,
pero
todo
es
un
complot
entre
el
acusado
y
su
esposa,
ya
que
ella
testifica
por
la
parte
del
fiscal
y
no
de
la
defensa.
A
pesar
de
ello,
el
marido
tenía
otro
plan
con
su
amante,
que
excluía
a
su
mujer.
Quién
dolorida
por
el
sufrimiento,
mata
a
su
marido.
Esta
película
tiene
muchos
componentes
de
anteriores
películas
de
Wilder.
Como
por
ejemplo,
los
personajes
de
femme
fatale,
llevado
a
cabo
aquí
por
la
esposa
Christine.
Como
sucedió
en
Perdición.
Mujeres
fuertes,
seguras
de
sí
mismas,
con
ansias
de
poder
y
que
a
las
dos
les
movía
el
dinero.
Pero
a
Christine
también
su
amor
hacía
su
marido.
Los
celos,
el
amor,
la
impotencia
de
las
femme
fatales
lleva
a
matar
de
forma
irracional
a
sus
amantes.
Irracional
porque
están
enamoradas,
pero
les
puede
la
venganza
y
la
ira.
Prevaleciendo
los
impulsos
y
los
sentimientos,
que
la
lógica.

10. Por
otro
lado,
está
la
relación
entre
un
pobre,
joven
y
atractivo
hombre
que
se
relaciona,
al
principio
de
forma
amistosa,
con
una
mujer
mayor
y
millonaria.
Sucede
a
su
vez
en
El
Crepúsculo
de
los
dioses.
Ambas
mujeres,
aparentemente
se
sienten
atraídas
por
el
joven,
ya
que
en
Testigo
de
cargo
pone
su
testamento
a
nombre
del
varón
y
en
Crepúsculo
de
los
dioses
mantienen
una
relación
amorosa
y
formal.
En
definitiva,
personajes
tan
complejos
y
contradictorios,
como
lo
es
su
trama
judicial,
que
cuando
el
espectador
piensa
saberlo
todo,
se
da
cuenta
de
que
lo
único
que
sabe:
es
que
no
sabe
nada.
Un
extraordinario
guión,
que
hace
mantener
la
tensión
hasta
el
último
momento.
Técnicamente,
una
escena
que
se
puede
resaltar
es
por
el
uso
del
anteojo
que
usa
el
abogado
para
así
intimidar
a
sus
entrevistados.
Se
basa
en
un
foco,
que
hace
perder
toda
la
atención
en
él.
Ver
anexo
7.
Como
el
código
Hays
cita
que
no
puede
haber
sangre,
cuando
se
mata
al
personaje
no
aparece
ni
una
gota
de
sangre
a
pesar
de
haber
sido
disparado
con
un
arma
de
fuego.
Sucede
lo
mismo
en
Perdición.
En
Con
faldas
y
a
lo
loco
de
1959.
Bajo
las
productoras
United
Artists,
Ashton
Productions
y
The
Mirisch
Corporation.
Rodada
en
blanco
y
negro
y
en
sonido
mono.
Dos
músicos
presencias
un
tiroteo
entre
dos
bandas
rivales
de
la
mafia.
Como
son
perseguidos,
huyen
en
un
tren
dirección
a
Florida
y
para
disimular
se
disfrazan
de
mujeres,
para
así
tocar
en
una
orquesta
femenina.
Uno
de
ellos
es
cortejado
por
un
millonario
que
quiere
casarse
con
él
y
él
otro
quiere
conquistar
(de
hombre)
a
la
cantante
de
la
orquesta.
Con
uno
de
los
mejores
finales,
que
sitúan
a
Wilder
en
la
cabeza
de
los
mejores
directores
de
comedia
con
un
simple:
“bueno,
nadie
es
perfecto”.
Sigue
teniendo
tintes
políticos
y
se
cambia
en
este
momento
la
visión
de
los
gánsters,
no
es
la
misma
de
la
que
se
tenía
en
el
cine
negro.
Ahora
se
consideran
medio
comunistas,
medio
simpatizantes.
Ya
que
sus
fórmulas
son
las
mismas:
redes
de
contacto
por
toda
la
ciudad
y
hacen
actos
vandálicos.
Como
metáfora
este
último,
a
las
matanzas
y
guerras
de
los
soviéticos.
De
Monroe
resaltó
que
tenía
una
actitud
contradictoria,
bipolar:
a
veces
se
sabía
ocho
páginas
de
guión
y
otras
no
se
acordaba
de
su
frase.
Pero
resalta
“Marilyn
era
un
absoluto
genio
como
actriz
cómica,
con
un
sentido
extraordinario
para
los
diálogos
cómicos.
Tenía
ese
don.
Nunca
después
he
vuelto
a
encontrar
una
actriz
así.”
Para
mostrar
esa
seducción
y
belleza
de
Monroe,
al
aparecer
en
escena,
en
la
estación
el
tren
le
silba.
Anexo
8.
También
se
muestra
cuando
besa
al
hombre,
él
levanta
el
pie
como
metáfora
a
su
excitación
sexual,
con
su
sexo
masculino.
Era
una
forma
de
burlarse
y
salir
de
paso
ante
la
censura.
Anexo
9.
Monroe
quería
que
la
película
fuese
en
color.
Ya
que
tenía
un
contrato
con
20th
Century
Fox,
en
el
que
todas
sus
películas
debían
de
ser
en
color,
pero
esta
era
de
United
Artist.
Aun
así
insistió
a
Wilder
de
que
fuese
en
color.
Él
lo
odiaba
y
dijo
al
respecto
“incluso
el
diálogo
suena
a
falso,
cuando
el
film
es
en
color”.
Pensaba
que
Con
Faldas
y
a
lo
loco
iba
a
ser
una
farsa
de
humor
grueso,
ya
que
quedarían
indefenso
antes
acusaciones
de
travestismo:
si
tenía
poco
maquillaje
quedaría
como
insuficiente.
Sin
en
cambio
si
fuese
demasiado
sería
vulgar.
Por
lo
que
el
blanco
y
negro
suavizaba
los
tonos
de
la
piel,
sin
dar
demasiado
detalle
del
maquillaje
y
otros
detalles
sobre
los
invertidos.
Wilder
intentó
la
misma
táctica
En
Irma
la
dulce,
pero
el
papel
de
Lemmon
era
muy
distinto.

11. El
gánster
principal
se
apoda
“botines”,
los
cuales
el
espectador
no
ve,
hasta
que
un
borracho
le
tira
un
café
en
los
pies.
Con
un
plano
detalle
los
introduce
en
la
acción.
Anexo
10.
Después
de
esta
presentación,
aparecen
en
diversas
ocasiones
posteriores.
Se
llevó
el
Oscar
a
mejor
vestuario
y
el
Globo
de
Oro
a
mejor
película.
Al
año
siguiente,
otorga
con
uno
de
sus
mayores
éxitos:
El
apartamento.
Con
United
Artists
y
The
Mirisch
Corporation.
Rodada
en
blanco
y
negro
y
en
sonido
mono.
Empieza
con
una
magnifica
intro.
Situando
al
espectador
de
forma
macro
hasta
lo
más
micro,
es
decir
hablando
de
Nueva
York,
su
empresa,
hasta
su
vida
más
privada.
Baxter
es
un
soltero
empleado
de
una
gran
empresa.
Ocasionalmente
presta
su
modesto
apartamento
a
los
directivos
de
su
empresa.
Hasta
que
se
enamora
de
la
ascensorista,
que
es
la
amante
de
uno
de
los
habituales
en
el
préstamo
del
apartamento.
El
apartamento
muestra
la
depravación
del
sistema
capitalista
y
como
un
hombre
puede
hacer
carrera
mediante
trucos
sucios.
Con
una
increíble
puesta
en
escena.
Donde
se
crea
un
punto
de
fuga
en
la
oficina,
con
cientos
de
planos
y
cada
actor
tiene
su
propia
tarea
y
trabajo.
A
Fellini
y
como
a
imitación
a
Berlanga,
se
les
consideran
directores
especialistas
en
esto:
crear
muchos
planos,
cada
uno
con
una
historia,
pero
que
sean
un
conjunto
en
sí
mismos.
Llamado
fresco
social.
Anexo
11.
Usa
el
espejo,
de
forma
más
expresiva,
ya
que
el
espejo
está
roto,
como
metáfora
del
corazón
del
protagonista.
Acompañado
con
el
guión
de:
“-­‐El
espejo…
se
ha
roto.
-­‐
Ya
lo
sé,
me
gusta
así.
Así
me
veo
tal
y
como
me
siento”.
Anexo
12.
Tiene
5
Oscars:
película,
guión
original,
director,
dirección
artística
y
montaje.
Y
Globo
de
Oro
a
mejor
película.
Se
han
creado
desde
esta
última
década
problemas
en
los
estudios.
Como
la
enorme
competencia
de
la
televisión,
pérdida
por
otra
parte
del
público
que
se
va
a
la
tv,
aumento
de
las
producciones
independientes,
la
inflación
en
aumento
y
la
pérdida
de
las
majors
de
las
salas
de
exhibición.
Las
consecuencias
de
esto
se
traduce
en:
se
producen
menos
películas,
el
cierre
de
la
productora
RKO
comprada
por
Universal.
La
mitad
de
de
las
producciones
se
ruedan
fuera
de
los
estudios
de
Los
Ángeles,
ya
que
es
más
económico
grabar
en
Italia,
España
o
Yugoslavia.
Sobre
todo
en
los
blockbuster,
que
tienen
una
duración
de
tres
horas.
Desde
1948
en
las
salas
se
proyecta
cine
europeo,
que
empieza
por
las
diferentes
corrientes
de
nuevos
cines:
francés,
italiano,
inglés
y
alemán.
Por
lo
tanto
no
tienen
la
censura
del
código
Hays,
porque
esta
es
únicamente
para
las
majors.
Y
adquiere
éxito
el
cine
europeo
y
el
cine
estadounidense
independiente
y
acaba
por
derrumbar
el
código
Hays,
que
será
eliminado
en
1968.
Imponiéndose
el
código
por
edades.
Pero
estaba
en
crisis
desde
1955,
porque
empezaban
a
aparecer
temas
como
el
erotismo,
la
homosexualidad,
la
delincuencia
juvenil,
las
drogas
y
se
humanizaba
al
criminal.
Se
acaba
el
star
system
y
los
contratos
de
participación
de
beneficios.
Los
actores
crean
sus
propias
productoras
independientes,
convirtiéndose
en
freelance.

12. Estrena
en
1961:
Uno,
dos,
tres.
Comedia
satírica
entre
el
comunismo
y
el
capitalismo.
El
representante
de
Coca-­‐Cola
en
Berlín
occidente,
quiere
ampliar
su
negocio
a
Berlín
oriental,
pero
su
superior,
le
encarga
cuidar
a
su
hija
en
Berlín
durante
unas
semanas.
Ella
se
enamora
y
se
casa
con
un
comunista
revolucionario.
Lo
que
acaba
convirtiéndose
en
un
quebradero
de
cabeza
para
el
protagonista.
Como
hizo
su
amigo
Ernst
Lubitsch
con
Ninotchka;
rompiendo
los
tabús
políticos
sobre
las
“purgas
en
Rusia”.
En
Uno,
dos,
tres
anticipa
las
relaciones
comerciales
entre
EE.UU.
y
Rusia,
mostrándolo
de
forma
micro
con
los
esfuerzos
del
colonialismo
de
Coca-­‐Cola.
La
crítica
fue
dura
con
Wilder
y
no
tuvo
éxito
comercial,
se
justificaba
que
no
se
podía
jugar
con
algo
que
había
hecho
sufrir
a
tanta
gente.
Bromas
contadas
de
forma
muy
rápida,
con
un
montaje
acelerado
y
donde
más
se
mueve
la
cámara
de
todas
las
películas
de
Wilder.
Otra
vez
vuelve
con
los
estereotipos:
desde
el
joven
revolucionario
comunista
que
ni
si
quiera
sabe
comer
con
tenedor,
vestirse
bien
(no
lleva
calzoncillos)
y
el
capitalista
es
agresivo
y
egoísta.
La
puesta
en
escena
es
similar
a
la
de
El
apartamento,
con
mucho
aire
en
el
fondo
y
con
planos
de
la
oficina
largos,
donde
todos
los
empleados
permanecen
sentados
y
trabajando.
En
un
bar
ruso
suceden
muchas
cosas
interesantes
de
analizar.
Primero,
se
le
lanza
al
director
de
orquesta
una
llama
que
es
recibida
de
forma
que
llegue
por
la
parte
apropiada.
Se
ha
hecho
marcando
el
camino
con
un
hilo.
Anexo
13.
Las
mujeres
bailan
con
uniforme
militar,
parejas
lésbicas.
Símbolos
transgresores,
que
muy
seguramente
había
visto
Wilder
en
el
Berlín
de
los
20.
Anexo
14.
Y
la
broma
de
que
con
los
golpes
que
se
dan,
se
cae
el
cuadro
con
el
retrato
de
Nikita
Jrushchov,
dirigente
de
la
URSS
en
la
Guerra
Fría,
por
el
de
Stalin.
Anexo
15.
En
1963
sigue
con
las
comedias
románticas,
con
Irma
la
dulce.
Envuelto
en
el
mundo
de
la
prostitución
y
una
relación
amorosa,
donde
los
celos
como
en
El
crepúsculo
de
los
dioses
y
en
Testigo
de
cargo,
hacen
que
él
cree
una
doble
personalidad.
Inventándose
un
cliente
que
le
paga
500
francos
por
sesión.
Ella
contenta
de
que
no
tendrá
que
trabajar
más,
hasta
que
se
enamora
de
su
cliente
“ficticio”.
El
novio
hace
como
que
le
mata
por
amor.
Igual
que
películas
citadas
de
Wilder.
Al
final,
la
pareja
acaba
casándose
y
teniendo
un
hijo.
Utiliza
el
espejo,
que
será
una
de
las
obsesiones
de
Fassbinder.
Junto
con
las
prostitutas.
Se
crea
como
enfrentamiento
de
los
personajes
a
su
realidad
y
al
mismo
tiempo
lo
separan.
También
significa
la
doble
cara
o
personalidad.
En
este
caso,
ella
deja
subir
a
un
chico
a
su
casa,
deja
su
faceta
de
prostituta
para
mantener
una
relación.
Y
el
espejo
hace
esa
función,
mostrándose
a
través
de
él,
simboliza
su
“yo”
más
íntimo.
Anexo
16.
Que
los
personajes
de
Wilder
se
disfracen
o
adopten
otro
rol,
ha
salido
en
numerosas
películas.
Hecha
en
color
con
Technicolor
y
en
sonido
mono.
El
Technicolor
es
un
sistema
que
se
basa
en
juntad
dos
negativos,
cada
uno
de
un
color,
a
suberponerlos
se
crea
un
tercer
positivo.
Llamado
interpositivo.
Al
año
siguiente,
con
Bésame,
tonto.
Una
comedia
basada
en
el
amor
y
la
santidad
del
matrimonio.
En
1966
estrena
En
Bandeja
de
plata.
Película
que
no
tuvo
éxito
en
taquilla,
pero
que
se
llevó
el
Oscar
a
mejor
actor
secundario
y
tres
nominaciones
más.
Basada
en
el
intento
de
fraude
por
parte
de
un
periodista
cuando
en
un

13. partido
de
fútbol
es
lesionado
por
un
jugador.
Por
lo
tanto,
intenta
creer
que
la
farsa
sobre
su
ruptura
vertebral
y
su
parálisis,
es
cierta.
Hasta
que
al
final,
en
un
momento
de
angustia
y
de
discriminación
contra
los
negros,
el
protagonista
se
revela
y
se
ve
que
está
en
plena
forma,
por
lo
que
no
es
indemnizando.
Tiene
algunas
innovaciones
técnicas
como
en
una
llamada
telefónica,
muestran
la
relación
entre
el
protagonista
y
su
mujer.
Él
locamente
enamorado
de
ella,
y
ella
mantiene
otra
relación,
ya
que
están
divorciados.
Para
mostrar
que
la
mujer
está
con
alguien,
se
hace
a
través
del
reflejo
de
su
silueta
sobre
la
cortina
de
la
ducha.
Anexo
17.
En
el
anexo
18
se
muestra
de
forma
sutil,
la
cámara
que
les
espía.
Ello
se
consigue
otra
vez,
a
través
del
espejo.
Usa
el
espejo
como
forma
de
mostrar
la
realidad.
En
1969
la
sociedad
estadounidense
empieza
a
cambiar.
Llamándose
a
esto
la
contracultura.
El
contexto
social
en
el
que
se
embargan
para
que
suceda
es
que
son
los
jóvenes
que
han
vivido
la
postguerra,
ahora
tienen
un
aumento
del
la
capacidad
adquisitiva.
Las
clases
medias
están
acomodadas,
tienen
estudios
superiores
no
como
sus
padres,
han
vivido
bajo
la
cultura
popular
de
la
televisión
y
el
anti-­‐
establishment.
Basado
en
movimientos
de
desobediencia
civil
y
pacifismo.
Porque
empieza
la
Guerra
de
Vietnam,
donde
Vietnam
del
sur
pide
ayuda
a
EE.UU.
Donde
este
país
empieza
un
reclutamiento
obligatorio
para
ir
a
luchar.
Los
soldados
elegidos
son
la
sociedad
sin
estudios,
que
en
su
mayor
mayoría
eran
negros.
La
contracultura
se
rebela
contra
ello,
contra
una
guerra
que
no
tiene
nada
que
ver
con
el
país,
con
el
único
objetivo
marcado
es
matar
al
enemigo,
pero
sin
alabar
una
bandera,
arroparse
bajo
una
moral
o
defender
sus
propias
tierras.
Por
lo
que
surge
una
mentalidad
crítica
ante
lo
establecido,
ante
las
instituciones
como
la
administración,
el
gobierno,
la
policía…
y
ante
los
propios
principios
nacionales.
En
los
cines
se
involucra
porque
la
corriente
independiente
adquiere
fuerza.
Siendo
el
fin
de
la
era
de
los
estudios.
Dando
mayor
libertad
artística.
Viene
dado
a
su
vez,
por
la
inflación
de
los
grandes
espectáculos
con
su
elevado
coste
de
producción.
Siendo
ahora
lo
demandado
cine
de
autor,
como
influencia
del
cine
italiano.
Los
antecedentes
más
sonados
son
la
serie
B,
los
realizadores
de
televisión
y
las
productoras
independientes,
sin
restricciones
temáticas,
ni
expresivas;
ya
que
no
estaban
amparadas
bajo
ningún
código
de
censura.
Ya
que
los
jóvenes
se
refugian
en
el
cine,
en
el
autocine,
mientras
la
generación
anterior
ve
la
televisión.
El
cine
del
new
Hollywood
se
convierte
en
un
arma
de
reflexión
ideológica,
cambiando
su
temática
no
siendo
causal
los
acontecimientos
y
sí
casual.
Los
personajes
están
perdidos,
sin
un
rumbo
definido,
dudosos
e
inseguros.
Se
representa
gráficamente
la
violencia,
y
no
se
tienen
restricciones
estilísticas,
ni
temáticas.
Los
finales
son
ambiguos
y
abiertos,
no
se
trata
la
moral
convencional,
hay
sexo
de
forma
explícita.
Se
rompe
con
la
lógica
del
montaje
y
la
cámara
invisible.
El
primero
por
influencia
de
la
escuela
de
Moscú
y
el
segundo
por
influencia
de
la
televisión,
ya
que
ahí
la
cámara
tiende
a
ser
a
hombro
y
es
más
dinámica.
Creando
así
nuevos
encuadres.
Hay
dos
olas
de
directores
para
este
movimiento:
la
primera
formada
por
cine
independiente
hecho
por
directores
en
televisión.
Y
la
segunda
por
universitarios
formados
específicamente
en
cine,
como
Coppola
y
Spielberg.
Que
llevará
al
High
Concept.

14.
Billy
Wilder
empezó
a
cansarse
del
cine
que
se
hacía,
por
lo
que
su
trayectoria
cinematográfica
descendió
considerablemente.
Como
también
lo
hizo
su
éxito
en
taquilla.
En
1972
estrena
¿Qué
ocurrió
entre
mi
padre
y
tu
madre?
Comedia
romántica
de
un
hombre
que
tiene
que
ir
a
Italia
a
recoger
el
cuerpo
de
su
padre
muerto
en
un
accidente
de
coche.
Una
vez
allí
descubre
que
murió
con
su
amante,
y
su
hija
también
fue
a
Italia
para
hacer
la
misma
misión.
Hecha
a
color
fue
un
fracaso
en
taquilla.
Dos
años
después
en
Primera
plana,
critica
a
la
prensa,
por
su
falta
de
veracidad
y
de
objetivad
y
la
sitúa
como
si
su
único
objetivo
fuese
el
sensacionalismo
y
la
búsqueda
de
la
exclusiva.
Como
en
El
Gran
Carnaval
y
en
Crepúsculos
de
los
dioses.
Primera
plana
trata
sobre
un
periodista
que
quiere
dejar
su
trabajo
e
irse
a
Filadelfia
con
su
futura
mujer
y
dedicarse
a
la
publicidad.
Su
jefe
hace
lo
posible
para
que
se
quede
y
cubra
la
noticia
de
un
condenado
a
muerte
por
matar
a
un
policía.
El
condenado
consigue
escapar
en
un
examen
médico
y
se
topa
con
el
periodista.
Este
le
ayuda
a
cambio
de
una
entrevista
en
exclusiva.
Misma
temática
que
con
Perdición
y
El
Gran
carnaval,
la
codicia
del
hombre
por
encima
de
la
ética.
A
Wilder
el
new
Hollywood
le
influyó
de
forma
indirecta,
ya
que
el
tema
de
menospreciar
los
medios
de
comunicación,
era
algo
común
en
la
contracultura,
pero
Wilder
ya
lo
llevaba
haciendo.
Posiblemente
porque
conocía
mejor
que
nadie
ese
mundo,
ya
que
sus
inicios
en
el
mundo
laboral
fueron
como
periodista
en
el
Berlín
de
los
años
veinte.
Retrata
como
parodia
el
Temor
Rojo
y
la
corrupción
política
y
policial:
siendo
el
sheriff
un
incompetente
y
el
alcalde
avaricioso.
Pero
aun
así
la
influencia
fue
poca
porque
en
esa
misma
época
fue
el
deterioro
del
director,
siendo
sus
años
dorados
en
el
cine
negro
con
Perdición
y
El
crepúsculo
de
los
dioses,
y
en
la
comedia
con
Con
faldas
y
a
lo
loco,
El
apartamento,
La
tentación
vive
arriba
y
Sabrina.
Su
última
película
fue
Aquí,
un
amigo
en
1981.
Un
asesino
a
sueldo
antes
de
retirarse
debe
matar
a
los
testigos
de
un
juicio
contra
un
mafioso.
En
el
hotel
donde
se
aloja,
se
encuentra
con
un
hombre
que
se
quiere
suicidar
por
el
abandono
de
su
mujer.
Sus
vidas
se
entrecruzan
y
se
hacen
amigos.
Bibliografía:
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Volker;
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Billy
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Billy
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Prisa
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2007

15. Anexo:
Fotograma 1: Perdición. 49:21.
Fotograma 2: Días sin huella. 32:33
Fotograma 3: Días sin huella. 22:31
Fotograma 4: Días sin huella. 1:00:47
Fotograma 5: Crepúsculo de los dioses. 1:39:17

16. Fotograma 6: La Tentación vive arriba.
Fotograma 7: Testigo de cargo. 23:26
.
Fotograma 8: Con faldas y a lo loco
Fotograma 9: Con faldas y a lo loco
Fotograma 10: Con faldas y a lo loco

17. Fotograma 11: Apartamento. Aprox. 00:55
Fotograma 12: Apartamento
Fotograma 13: Uno, dos tres. 57:21
Fotograma 14: Uno, dos tres. 57:21
Fotograma 15: Uno, dos tres. 58:37

18. Fotograma 16: Irma la dulce. 41:37
Fotograma 17: En Bandeja de plata. 53:42
Fotograma 18: En Bandeja de plata. 1:04:13