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EL CINE DE LOS GRANDES ESTUDIOS DURANTE EL PERIODO DE ENTREGUERRAS
Durante los años de la Primera
Guerra Mundial, la producción
cinematográfica estadounidense
alcanzó su pleno desarrollo,
convirtiéndose en una de las
industrias más prósperas del país.
Cuando terminó la guerra, Estados
Unidos se encontraba a la cabeza del
mercado cinematográfico mundial.
Los presupuestos de las películas
aumentaron de manera considerable
y, con el fin de minimizar los riesgos,
se generalizó la aplicación de los
modelos organizativos desarrollados
por Adolph Zukor en la Paramount.
Buena parte del éxito de una
producción dependía de la popularidad
de los actores y actrices que participan
en ella y uno de los trabajos más
importantes fue su promoción. Se dice
que fue D.W. Griffith quien empezó a
firmar sus películas y a colocar a los
actores en los títulos de crédito.
Gracias a esa iniciativa, los actores
comenzaron a ser conocidos,
generándose una demanda por parte
del público. Así apareció el Star System.
Gloria Swanson, Louise
Brooks, Claudette Colbert y Greta
Garbo fueron estrellas de esta época,
junto a los grandes cómicos. Ya en los
años 20 aparecieron también el sistema
de estudios (studio system), siguiendo
el modelo de Irving Thalberg en la
Metro, y el cine de géneros
cinematográficos.
GLORIA SWANSON LOUISE BROOKS
CLAUDETTE COLBERT GRETA GARBO
En 1922, las principales empresas se
agruparon en torno a la Motion
Picture Producers & Distributors of
America Inc., organismo encargado de
establecer una normativa que
articulase el funcionamiento interno
de las empresas y sus relaciones. Su
presidente fue el exsenador
republicano Will H. Hays, que redactó
un célebre código moral, el Código
Hays, al que se vio sometida la
industria de Hollywood a partir de
1930.
BETTY BOOP ANTES Y DESPUÉS DEL CÓDIGO HAYS
En los años 20, la joven industria
estadounidense vivía su mejor momento, lo
que le permitió hacerse con algunos de los
más reputados profesionales europeos,
sobre todo alemanes, y comenzaron a
producirse películas espectaculares de alto
coste como El ladrón de Bagdad (1924)
o Ben Hur (1926). Cecil B. DeMille fue el
cineasta que desarrolló este género
grandilocuente, con la producción de una
serie de obras adaptadas de la Biblia. La
primera fue Los diez mandamientos (1923),
pieza que volvió a versionar con gran éxito
en 1956.
EL LADRÓN DE BAGDAD
BEN HUR
CECIL B. DEMILLE Y CHARLTON HESTON EN
EL REMAKE DE LOS DIEZ MANDAMIENTOS
EN 1956
Los años 20 también fueron los
años del western, género en el
que comenzó su carrera el
director John Ford, y, sobre
todo, de la escuela cómica, en
plena madurez, con figuras de
la talla de Buster
Keaton, Harold Lloyd o Stan
Laurel y Oliver Hardy
(conocidos como "El gordo y el
flaco") y el genial Charles
Chaplin.
JOHN FORD
Además surgió un cine que adoptó un
estilo directo, tomado de la crónica
periodística, como la obra de King Vidor,
entre la que destaca la película Y el mundo
marcha (1928), retrato de la realidad social
estadounidense del momento, en el que
un modesto empleado trata, inútilmente,
de ascender en la escala social.
El cine romántico también alcanzó
relevancia, sobre todo con Greta
Garbo que llegó a Hollywood procedente
de Suecia, junto con los más importantes
directores de aquella
cinematografía: Mauritz Stiller y Victor
Sjöström. Sjöström realizó su obra
maestra, El viento (1920). Pero muchos
otros cineastas llegados de Europa,
tuvieron dificultades para hacer
producciones de calidad en una industria
que priorizaba la rentabilidad económica
y que se regía por un sistema de
producción en cadena.
Otros europeos, como los alemanes Ernst
Lubitsch y F.W. Murnau y los austríacos Josef
von Sternberg y Erich von Stroheim, realizaron
algunas de las obras más importantes del cine
americano de estos años. A Lubitsch se debe el
comienzo de la alta comedia americana, que
basa su acción en ligeros enredos resueltos con
genialidad, el llamado "toque Lubitsch".
Lubitsch marcó un estilo propio de comedia
fina, humor discreto, sabia ironía y excelente
puesta en escena. El desfile del
amor (1929), Una hora contigo (1932) o La
viuda alegre (1934) son algunas de sus
comedias más populares de esta etapa.
Murnau, uno de los directores expresionistas
más destacados, realizó dos películas en
EEUU: Amanecer (1927) y Tabú (1930).
EL DESFILE DEL AMOR
El austríaco Josef Von Sternberg inauguró el
género de cine de gangsters con La ley del
hampa (1927) y Los muelles de Nueva York
(1928). Sternberg aporta al tratamiento de la
historia y de los personajes un preciso análisis
de tipos y del entorno social en el que se
mueven y una visión romántica de la rebeldía,
próxima al anarquismo, que no abandonaría a
lo largo de toda su filmografía.
En esta misma línea realista, destaca la obra
de Erich von Stroheim, que muestra, desde
una óptica personal, un universo decadente y
perverso y analiza los aspectos más bajos de la
condición humana en obras como Esposas
frívolas (1921), Avaricia (1923) y La reina
Kelly (1928), que no llegó a finalizar y que
supuso el fin de su carrera como realizador.
LA LEY DEL HAMPA
El nacimiento del cine sonoro se produjo
con El cantor de jazz (1927) el primer
largometraje con música y palabras del
actor Al Jolson, dirigido por Alan
Crosland. La incorporación del sonido al
cine coincidió con la crisis de 1929, que
hundió al país en una profunda
depresión económica.
Este contexto ideológico favoreció en cierto
grado una actitud autocrítica, con obras
como Tiempos modernos (1936), en la
que Chaplin criticaba la explotación del
hombre, La legión negra (1937) de Archie
Mayo, que denunciaba a una organización
secreta dedicada a atacar a inmigrantes, o Las
uvas de la ira (1940), en la que John
Ford partió de la novela de John Steinbeck para
exponer la grave situación de los campesinos
estadounidenses.
Durante la Gran Depresión, el cine fue un
mecanismo de evasión de la realidad y el
gobierno de Roosevelt le prestó mucha
atención dentro de su política de educación y
comunicación de masas. Desde el gobierno se
animó a las grandes productoras a hacer
"americanismo", es decir, fomentar valores
como el individualismo, el pragmatismo y la
iniciativa junto al orgullo nacional, mientras se
otorgaban grandes subvenciones a filmes
"destinados a la juventud y el ejército".
TIEMPOS MODERNOS
En el género de la comedia surgió una
nueva corriente encabezada por el
siciliano Frank Capra, que defendía los
valores positivos del sistema
democrático estadounidense. Sus
amables películas marcan un estilo de
“comedia de buenas intenciones"
como Sucedió una noche (1934), El
secreto de vivir (1936), Horizontes
perdidos (1937) y Vive como
quieras (1938). La obra de Capra
representa como pocas la lucha por
alcanzar el “sueño americano", aunque
en ella subyace una crítica al
individualismo.
SUCEDIÓ UNA NOCHE
La presión del gobierno
condujo a la adopción, por
parte de las productoras, del
Código Hays de
autocensura, que no sólo
abarcaba el terreno de la
moral sexual, sino también
la social, la política y la
racial. A través de este
reglamento de autocensura,
Hollywood asumió su
ideología y se convirtió en
vehículo de transmisión
del American way of life.
https://www.espinof.com/proyectos/el-codigo-hays-o-la-autocensura-de-hollywood
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La llegada del cine sonoro favoreció el desarrollo de un género nuevo, la comedia musical, en la
que destacan las películas que protagonizaron entre 1933 y 1939 la pareja de baile formada por
Fred Astaire y Ginger Rogers.
Algunos grandes cómicos del cine mudo
abandonaron el cine y otros se
adaptaron al sonoro, como Charles
Chaplin. También se incorporaron
los hermanos Marx, procedentes
del music-hall, que revolucionaron el
sentido del humor al basarlo en los
diálogos, logrando las primeras obras
maestras del género. Su mejor
película, Sopa de ganso (1933), fue
dirigida por Leo McCarey. Otras de sus
obras son Un día en las carreras y Una
noche en la ópera.
En el género de comedia ligera
despuntaron Ernst Lubitsch, con obras
como Ninotchka (1939), El bazar de las
sorpresas (1940), Ser o no ser (1942),
y Howard Hawks con La fiera de mi
niña (1938). Estas películas pertenecen a
un estilo de comedia fina, de sabia
ironía y con una excelente puesta en
escena.
UNA NOCHE EN LA ÓPERA
LA FIERA DE MI NIÑA, CON KATHARINE HEPBURN Y CARY GRANT
El cine de gangsters se convirtió en uno de
los géneros más representativos de la
cinematografía norteamericana. Con la
llegada del cine sonoro este género cobró
auge con El enemigo público (1931), de
William Wellman y protagonizada por
James Cagney. La película clave del género
fue Scarface, El terror del hampa (1932),
donde Howard Hawks retrata la figura del
gangster italoamericano Al Capone. En
1936, la película El bosque
petrificado de Archie Mayo reveló al actor
Humphrey Bogart, cuya personalidad dio
lugar a uno de los arquetipos románticos
más sólidos del cine clásico
americano. Raoul Walsh rodó de nuevo
con Cagney de protagonista la notable Los
violentos años veinte (1939).
Otro de los géneros más fecundos de
la década fue el género de terror, que
incorporó algunos hallazgos estilísticos
del expresionismo alemán, de la mano
de autores como:
- Tod Browning, dirigió películas
míticas como Drácula (1931) y
sobre todo La parada de los
monstruos (1932), película
transgresora de normas y
apariencias, inclasificable, maldita,
impactante y poética.
- El británico James Whale
dirigió Frankenstein, el autor del
monstruo (1931), El hombre
invisible (1933) y La novia de
Frankenstein (1935), según un
relato de H.G. Wells.
- El alemán Karl Freund, con La
Momia (1932).
- Schoedsack y Cooper
dirigieron en 1933 la
grandiosa King
Kong, espectacularmente
realizada y con efectos
deslumbrantes para la época.
El cine de aventuras presentó
una gran diversidad temática,
en la que destacan las
epopeyas colonialistas y los
dramas escenificados en el
mar y en el aire, como
Rebelión a bordo (1935), del
escocés Frank Lloyd. También
alcanzó gran popularidad la
serie de películas sobre el
personaje de Tarzán, según las
novelas de Edgar Rice
Burroughs, que, a partir de
1932, protagonizó el nadador
olímpico Johnny Weissmüller.
Entre los cineastas cuya obra no encaja en la
clasificación por género destacan:
- King Vidor, con obras de fuerte
compromiso social, que incluso servirán
de inspiración a los neorrealistas, como El
gran desfile (1925) o El pan nuestro de
cada día (1934). También
rodó ¡Aleluya! (1929), interpretada sólo
por afroamericanos y en la que el sonido
toma por primera vez relevancia artística
dentro del cine.
- John Ford recogió influencias de
Murnau y alguno de los hallazgos
del Kammerspielfilm, como la presión
de los ambientes y la concentración
dramática que se aprecia en El
delator (1935) y en La
diligencia (1939). Con esta obra,
punto de partida
del western moderno, Ford incorporó
la psicología como elemento
determinante del desarrollo
dramático del relato, saliéndose de la
ajustada fórmula impuesta por la
estructura del género. En Las uvas de
la ira (1940) Ford hace un retrato
preciso de la angustiosa situación de
una familia campesina
norteamericana, impregnando la
historia de un dramatismo pocas
veces alcanzado. La extrema
veracidad de esta obra debe mucho al
rodaje de buena parte de sus
secuencias en escenarios naturales.
LAS UVAS DE LA IRA
- El alsaciano William Wyler adaptó al cine
novelas y obras dramáticas en películas
como Jezabel (1938), según una novela
sureña de Owen Davis, Cumbres
borrascosas (1939), sobre la novela de
Emily Brönte, La carta (1940), una novela
de Somerset Maugham, y La loba (1941),
de Lillian Hellman. En su obra, Wyler hace
gala de precisión en el estudio psicológico
de los personajes, priorizando el trabajo
de los actores y actrices. Wyler recurre a
un montaje invisible y propone la
realización en profundidad, mostrando
varios planos dentro de una toma larga. En
sus películas la puesta en escena tiene
mucha importancia, así como el trabajo de
cámara y la continuidad espacial y
temporal.
LA LOBA
- Víctor Fleming fue un director
con amplia filmografía, con
notables películas como La isla
del tesoro (1934) y El mago de
Oz (1939), pero que es
recordado por acabar una
película mítica, Lo que el viento
se llevó (1939), una apuesta
personal del productor David
Selznick, que despidió a varios
directores durante la gestación
y el rodaje.
La década de los 40 estuvo marcada por la 2ª
Guerra Mundial. La industria del cine se vio
sometida a los imperativos derivados de la
guerra. La propaganda nacionalista tomó
buena parte de la producción en todos los
países implicados en el conflicto y muchos
grandes directores entraron en esta dinámica.
Antes de que EEUU entrase en guerra, en
1940 George Cukor realizó una de las comedias
más sublimes del cine, Historias de
Filadelfia, con Katherine Hepburn, Cary Grant y
James Stewart.
Pero el panorama cinematográfico cambió con
el ataque de la aviación japonesa a Pearl
Harbour en 1941, que determinó la entrada de
Estados Unidos en el conflicto. Hasta esa fecha
la Comisión Clark-Nye vigilaba las películas
excesivamente antifascistas, para salvaguardar
la neutralidad del país, lo que causó problemas
a El gran dictador de Chaplin en 1940.
HISTORIAS DE FILADELFIA
Con la entrada de EEUU en la guerra se creó
en 1942 la Office of War Information (OWI),
que produjo documentales y películas de
propaganda, amplió las restricciones del
Código Hays y llegó a supervisar los guiones
de Hollywood para orientar los argumentos,
evitando la crítica a los valores familiares o
militares. Los estudios de Hollywood también
se sumaron a la propaganda bélica y sus más
importantes creadores entraron a formar
parte de las fuerzas armadas. Muchos grandes
realizadores como John Ford, Frank
Capra, William Wyler, Billy Wilder o John
Huston participaron en films de propaganda,
explicando al país las razones de la lucha y los
métodos estratégicos que habrán de conducir
a la victoria.
https://elpais.com/cultura/2014/05/31/actualidad/1401539
584_375575.html
http://blogs.periodistadigital.com/hablandoenplata.php/20
18/01/14/five-came-back
Los estudios también entraron en esa dinámica y
la guerra, el espionaje y la resistencia fueron
utilizados como pretextos en películas de intriga
y aventuras. Es el caso de Casablanca (1942) o la
curiosa Misión en Moscú (1943), una cinta que
recalcaba el papel de aliados de los rusos, ambas
dirigidas por Michael Curtiz, o algunas de las
películas de la primera etapa americana
de Alfred Hitchcock como Sabotaje (1942). Ernst
Lubitsch aportó a la causa antinazi la magistral
comedia Ser o no ser (1942).
La mayoría de la producción de
Hollywood articuló la propaganda a
través de historias de ficción,
como La señora Miniver realizada
por William Wyler en 1942.
También, la creciente influencia de
la minoría católica cristalizó con la
aparición de películas consideradas
"edificantes" o de inspiración
religiosa, de las cuales la más
célebre es ¡Qué verde era mi
valle! (1941), de John Ford.
La invasión alemana de Francia
provocó la huida a América de un
importante grupo de artistas e
intelectuales franceses. Entre ellos
destacaban René Clair, Jean
Renoir y Julien Duvivier. René Clair
dirigió en 1942, Me casé con una
bruja, película que lanzó al estrellato
a Veronica Lake. Las obras de Jean
Renoir y Julien Duvivier en EEUU no
brillaron a la altura de sus trabajos
europeos.
ORSON WELLES (1915-1985)
Antes del estallido de la guerra era una
joven promesa procedente del teatro y de
la radio.
El 30 de octubre de 1938, Welles llevó a
cabo una interesante experiencia con la
adaptación radiofónica de La guerra de
los mundos de H. G. Wells. La emisión
provocó tal impacto que Welles fue
fichado por la RKO con un contrato sin
precedentes para un actor y director
teatral sin experiencia en cine.
A partir de ahí, Welles vio marcada su vida
por el éxito de sus obras y por la polémica
que suscitaban sus enfrentamientos con
la industria de Hollywood. Con sus
películas de hondo calado psicológico,
Welles contribuyó considerablemente a la
renovación y consolidación del lenguaje
cinematográfico.
En 1941, con tan sólo 25 años,
culminó su primera
película, Ciudadano
Kane, auténtico mito
cinematográfico por lo atrevido de
su argumento, pero sobre todo
por su lucidez narrativa y sus
formas revolucionarias desde el
punto de vista de la realización,
nunca vistas en Hollywood.
http://artigoo.com/ciudadano-kane-innovacion-tecnica
http://www.ite.educacion.es/formacion/materiales/24/cd/m4_2/anlisis_cinematogrfico_ciudadano_kane.html
El cine de EEUU en el periodo de entreguerras y la 2ª Guerra Mundial
En 1942 rodó El cuarto
mandamiento, retrato social de
una América con profundos
arraigos clasistas. Esta nueva
incursión en la polémica,
sumada a los proyectos
inacabados de It's All
True (1942) y Estambul (1942),
le enfrentó con la industria y le
obligó a abandonar Estados
Unidos, una decisión en la que
también influyó el clima de la
"caza de brujas", no sin antes
rodar La dama de Shangay
(1947) y Macbeth (1948).
LA DAMA DE SHANGAY
En Macbeth y luego
en Otelo (1951), explotó con
sabiduría las posibilidades de
la iluminación expresionista
puesta al servicio de las
inquietudes íntimas de los
personajes. Cerró su etapa
shakesperiana con
Campanadas a medianoche,
rodada en España en 1966.
MACBETH
OTELO
CAMPANADAS A MEDIANOCHE
Del mismo período destacan
películas como Mr.
Arkadin (1955), también
rodada en España, y Sed de
mal (1958), nuevo alarde de
dominio de la
cinematografía. Su arranque,
con un brillante plano-
secuencia, marca el tono de
calidad del resto del film.
Para algunos historiadores
este filme cierra el ciclo del
cine negro clásico abierto
por El halcón maltés.
Como actor, Welles trabajó
infatigablemente, interpretando
muchas varias películas por año.
Algunas de sus actuaciones, como la
de El tercer hombre (1949), son
memorables. Sus interpretaciones de
Otelo, Kane, Falstaff y otras muchas
en las que se dirigía a sí mismo,
demuestran que su talento como
actor es tan grande como el que
manifestó en otras muchas facetas.
Tras varios proyectos que no logó
acabar (The Deep, Don Quijote, Al
otro lado del viento), con una de sus
últimas creaciones, Fraude (1973),
Welles invitó al público a preguntarse
sobre la autenticidad de las
imágenes. Su fama creció después de
su muerte en 1985 y ahora es
considerado uno de los más grandes
directores de cine y teatro del siglo
XX.
https://www.lavanguardia.com/hemeroteca/20150506/54430976774/orson-
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El cine de EEUU en el periodo de entreguerras y la 2ª Guerra Mundial

  • 1. EL CINE DE LOS GRANDES ESTUDIOS DURANTE EL PERIODO DE ENTREGUERRAS
  • 2. Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica estadounidense alcanzó su pleno desarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país. Cuando terminó la guerra, Estados Unidos se encontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. Los presupuestos de las películas aumentaron de manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos desarrollados por Adolph Zukor en la Paramount.
  • 3. Buena parte del éxito de una producción dependía de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella y uno de los trabajos más importantes fue su promoción. Se dice que fue D.W. Griffith quien empezó a firmar sus películas y a colocar a los actores en los títulos de crédito. Gracias a esa iniciativa, los actores comenzaron a ser conocidos, generándose una demanda por parte del público. Así apareció el Star System. Gloria Swanson, Louise Brooks, Claudette Colbert y Greta Garbo fueron estrellas de esta época, junto a los grandes cómicos. Ya en los años 20 aparecieron también el sistema de estudios (studio system), siguiendo el modelo de Irving Thalberg en la Metro, y el cine de géneros cinematográficos. GLORIA SWANSON LOUISE BROOKS CLAUDETTE COLBERT GRETA GARBO
  • 4. En 1922, las principales empresas se agruparon en torno a la Motion Picture Producers & Distributors of America Inc., organismo encargado de establecer una normativa que articulase el funcionamiento interno de las empresas y sus relaciones. Su presidente fue el exsenador republicano Will H. Hays, que redactó un célebre código moral, el Código Hays, al que se vio sometida la industria de Hollywood a partir de 1930. BETTY BOOP ANTES Y DESPUÉS DEL CÓDIGO HAYS
  • 5. En los años 20, la joven industria estadounidense vivía su mejor momento, lo que le permitió hacerse con algunos de los más reputados profesionales europeos, sobre todo alemanes, y comenzaron a producirse películas espectaculares de alto coste como El ladrón de Bagdad (1924) o Ben Hur (1926). Cecil B. DeMille fue el cineasta que desarrolló este género grandilocuente, con la producción de una serie de obras adaptadas de la Biblia. La primera fue Los diez mandamientos (1923), pieza que volvió a versionar con gran éxito en 1956. EL LADRÓN DE BAGDAD BEN HUR CECIL B. DEMILLE Y CHARLTON HESTON EN EL REMAKE DE LOS DIEZ MANDAMIENTOS EN 1956
  • 6. Los años 20 también fueron los años del western, género en el que comenzó su carrera el director John Ford, y, sobre todo, de la escuela cómica, en plena madurez, con figuras de la talla de Buster Keaton, Harold Lloyd o Stan Laurel y Oliver Hardy (conocidos como "El gordo y el flaco") y el genial Charles Chaplin. JOHN FORD
  • 7. Además surgió un cine que adoptó un estilo directo, tomado de la crónica periodística, como la obra de King Vidor, entre la que destaca la película Y el mundo marcha (1928), retrato de la realidad social estadounidense del momento, en el que un modesto empleado trata, inútilmente, de ascender en la escala social. El cine romántico también alcanzó relevancia, sobre todo con Greta Garbo que llegó a Hollywood procedente de Suecia, junto con los más importantes directores de aquella cinematografía: Mauritz Stiller y Victor Sjöström. Sjöström realizó su obra maestra, El viento (1920). Pero muchos otros cineastas llegados de Europa, tuvieron dificultades para hacer producciones de calidad en una industria que priorizaba la rentabilidad económica y que se regía por un sistema de producción en cadena.
  • 8. Otros europeos, como los alemanes Ernst Lubitsch y F.W. Murnau y los austríacos Josef von Sternberg y Erich von Stroheim, realizaron algunas de las obras más importantes del cine americano de estos años. A Lubitsch se debe el comienzo de la alta comedia americana, que basa su acción en ligeros enredos resueltos con genialidad, el llamado "toque Lubitsch". Lubitsch marcó un estilo propio de comedia fina, humor discreto, sabia ironía y excelente puesta en escena. El desfile del amor (1929), Una hora contigo (1932) o La viuda alegre (1934) son algunas de sus comedias más populares de esta etapa. Murnau, uno de los directores expresionistas más destacados, realizó dos películas en EEUU: Amanecer (1927) y Tabú (1930). EL DESFILE DEL AMOR
  • 9. El austríaco Josef Von Sternberg inauguró el género de cine de gangsters con La ley del hampa (1927) y Los muelles de Nueva York (1928). Sternberg aporta al tratamiento de la historia y de los personajes un preciso análisis de tipos y del entorno social en el que se mueven y una visión romántica de la rebeldía, próxima al anarquismo, que no abandonaría a lo largo de toda su filmografía. En esta misma línea realista, destaca la obra de Erich von Stroheim, que muestra, desde una óptica personal, un universo decadente y perverso y analiza los aspectos más bajos de la condición humana en obras como Esposas frívolas (1921), Avaricia (1923) y La reina Kelly (1928), que no llegó a finalizar y que supuso el fin de su carrera como realizador. LA LEY DEL HAMPA
  • 10. El nacimiento del cine sonoro se produjo con El cantor de jazz (1927) el primer largometraje con música y palabras del actor Al Jolson, dirigido por Alan Crosland. La incorporación del sonido al cine coincidió con la crisis de 1929, que hundió al país en una profunda depresión económica.
  • 11. Este contexto ideológico favoreció en cierto grado una actitud autocrítica, con obras como Tiempos modernos (1936), en la que Chaplin criticaba la explotación del hombre, La legión negra (1937) de Archie Mayo, que denunciaba a una organización secreta dedicada a atacar a inmigrantes, o Las uvas de la ira (1940), en la que John Ford partió de la novela de John Steinbeck para exponer la grave situación de los campesinos estadounidenses. Durante la Gran Depresión, el cine fue un mecanismo de evasión de la realidad y el gobierno de Roosevelt le prestó mucha atención dentro de su política de educación y comunicación de masas. Desde el gobierno se animó a las grandes productoras a hacer "americanismo", es decir, fomentar valores como el individualismo, el pragmatismo y la iniciativa junto al orgullo nacional, mientras se otorgaban grandes subvenciones a filmes "destinados a la juventud y el ejército". TIEMPOS MODERNOS
  • 12. En el género de la comedia surgió una nueva corriente encabezada por el siciliano Frank Capra, que defendía los valores positivos del sistema democrático estadounidense. Sus amables películas marcan un estilo de “comedia de buenas intenciones" como Sucedió una noche (1934), El secreto de vivir (1936), Horizontes perdidos (1937) y Vive como quieras (1938). La obra de Capra representa como pocas la lucha por alcanzar el “sueño americano", aunque en ella subyace una crítica al individualismo. SUCEDIÓ UNA NOCHE
  • 13. La presión del gobierno condujo a la adopción, por parte de las productoras, del Código Hays de autocensura, que no sólo abarcaba el terreno de la moral sexual, sino también la social, la política y la racial. A través de este reglamento de autocensura, Hollywood asumió su ideología y se convirtió en vehículo de transmisión del American way of life. https://www.espinof.com/proyectos/el-codigo-hays-o-la-autocensura-de-hollywood https://enfilme.com/notas-del-dia/censura-el-codigo-del-buen-gusto
  • 14. La llegada del cine sonoro favoreció el desarrollo de un género nuevo, la comedia musical, en la que destacan las películas que protagonizaron entre 1933 y 1939 la pareja de baile formada por Fred Astaire y Ginger Rogers.
  • 15. Algunos grandes cómicos del cine mudo abandonaron el cine y otros se adaptaron al sonoro, como Charles Chaplin. También se incorporaron los hermanos Marx, procedentes del music-hall, que revolucionaron el sentido del humor al basarlo en los diálogos, logrando las primeras obras maestras del género. Su mejor película, Sopa de ganso (1933), fue dirigida por Leo McCarey. Otras de sus obras son Un día en las carreras y Una noche en la ópera. En el género de comedia ligera despuntaron Ernst Lubitsch, con obras como Ninotchka (1939), El bazar de las sorpresas (1940), Ser o no ser (1942), y Howard Hawks con La fiera de mi niña (1938). Estas películas pertenecen a un estilo de comedia fina, de sabia ironía y con una excelente puesta en escena. UNA NOCHE EN LA ÓPERA LA FIERA DE MI NIÑA, CON KATHARINE HEPBURN Y CARY GRANT
  • 16. El cine de gangsters se convirtió en uno de los géneros más representativos de la cinematografía norteamericana. Con la llegada del cine sonoro este género cobró auge con El enemigo público (1931), de William Wellman y protagonizada por James Cagney. La película clave del género fue Scarface, El terror del hampa (1932), donde Howard Hawks retrata la figura del gangster italoamericano Al Capone. En 1936, la película El bosque petrificado de Archie Mayo reveló al actor Humphrey Bogart, cuya personalidad dio lugar a uno de los arquetipos románticos más sólidos del cine clásico americano. Raoul Walsh rodó de nuevo con Cagney de protagonista la notable Los violentos años veinte (1939).
  • 17. Otro de los géneros más fecundos de la década fue el género de terror, que incorporó algunos hallazgos estilísticos del expresionismo alemán, de la mano de autores como: - Tod Browning, dirigió películas míticas como Drácula (1931) y sobre todo La parada de los monstruos (1932), película transgresora de normas y apariencias, inclasificable, maldita, impactante y poética. - El británico James Whale dirigió Frankenstein, el autor del monstruo (1931), El hombre invisible (1933) y La novia de Frankenstein (1935), según un relato de H.G. Wells.
  • 18. - El alemán Karl Freund, con La Momia (1932). - Schoedsack y Cooper dirigieron en 1933 la grandiosa King Kong, espectacularmente realizada y con efectos deslumbrantes para la época.
  • 19. El cine de aventuras presentó una gran diversidad temática, en la que destacan las epopeyas colonialistas y los dramas escenificados en el mar y en el aire, como Rebelión a bordo (1935), del escocés Frank Lloyd. También alcanzó gran popularidad la serie de películas sobre el personaje de Tarzán, según las novelas de Edgar Rice Burroughs, que, a partir de 1932, protagonizó el nadador olímpico Johnny Weissmüller.
  • 20. Entre los cineastas cuya obra no encaja en la clasificación por género destacan: - King Vidor, con obras de fuerte compromiso social, que incluso servirán de inspiración a los neorrealistas, como El gran desfile (1925) o El pan nuestro de cada día (1934). También rodó ¡Aleluya! (1929), interpretada sólo por afroamericanos y en la que el sonido toma por primera vez relevancia artística dentro del cine.
  • 21. - John Ford recogió influencias de Murnau y alguno de los hallazgos del Kammerspielfilm, como la presión de los ambientes y la concentración dramática que se aprecia en El delator (1935) y en La diligencia (1939). Con esta obra, punto de partida del western moderno, Ford incorporó la psicología como elemento determinante del desarrollo dramático del relato, saliéndose de la ajustada fórmula impuesta por la estructura del género. En Las uvas de la ira (1940) Ford hace un retrato preciso de la angustiosa situación de una familia campesina norteamericana, impregnando la historia de un dramatismo pocas veces alcanzado. La extrema veracidad de esta obra debe mucho al rodaje de buena parte de sus secuencias en escenarios naturales. LAS UVAS DE LA IRA
  • 22. - El alsaciano William Wyler adaptó al cine novelas y obras dramáticas en películas como Jezabel (1938), según una novela sureña de Owen Davis, Cumbres borrascosas (1939), sobre la novela de Emily Brönte, La carta (1940), una novela de Somerset Maugham, y La loba (1941), de Lillian Hellman. En su obra, Wyler hace gala de precisión en el estudio psicológico de los personajes, priorizando el trabajo de los actores y actrices. Wyler recurre a un montaje invisible y propone la realización en profundidad, mostrando varios planos dentro de una toma larga. En sus películas la puesta en escena tiene mucha importancia, así como el trabajo de cámara y la continuidad espacial y temporal. LA LOBA
  • 23. - Víctor Fleming fue un director con amplia filmografía, con notables películas como La isla del tesoro (1934) y El mago de Oz (1939), pero que es recordado por acabar una película mítica, Lo que el viento se llevó (1939), una apuesta personal del productor David Selznick, que despidió a varios directores durante la gestación y el rodaje.
  • 24. La década de los 40 estuvo marcada por la 2ª Guerra Mundial. La industria del cine se vio sometida a los imperativos derivados de la guerra. La propaganda nacionalista tomó buena parte de la producción en todos los países implicados en el conflicto y muchos grandes directores entraron en esta dinámica. Antes de que EEUU entrase en guerra, en 1940 George Cukor realizó una de las comedias más sublimes del cine, Historias de Filadelfia, con Katherine Hepburn, Cary Grant y James Stewart. Pero el panorama cinematográfico cambió con el ataque de la aviación japonesa a Pearl Harbour en 1941, que determinó la entrada de Estados Unidos en el conflicto. Hasta esa fecha la Comisión Clark-Nye vigilaba las películas excesivamente antifascistas, para salvaguardar la neutralidad del país, lo que causó problemas a El gran dictador de Chaplin en 1940. HISTORIAS DE FILADELFIA
  • 25. Con la entrada de EEUU en la guerra se creó en 1942 la Office of War Information (OWI), que produjo documentales y películas de propaganda, amplió las restricciones del Código Hays y llegó a supervisar los guiones de Hollywood para orientar los argumentos, evitando la crítica a los valores familiares o militares. Los estudios de Hollywood también se sumaron a la propaganda bélica y sus más importantes creadores entraron a formar parte de las fuerzas armadas. Muchos grandes realizadores como John Ford, Frank Capra, William Wyler, Billy Wilder o John Huston participaron en films de propaganda, explicando al país las razones de la lucha y los métodos estratégicos que habrán de conducir a la victoria. https://elpais.com/cultura/2014/05/31/actualidad/1401539 584_375575.html http://blogs.periodistadigital.com/hablandoenplata.php/20 18/01/14/five-came-back
  • 26. Los estudios también entraron en esa dinámica y la guerra, el espionaje y la resistencia fueron utilizados como pretextos en películas de intriga y aventuras. Es el caso de Casablanca (1942) o la curiosa Misión en Moscú (1943), una cinta que recalcaba el papel de aliados de los rusos, ambas dirigidas por Michael Curtiz, o algunas de las películas de la primera etapa americana de Alfred Hitchcock como Sabotaje (1942). Ernst Lubitsch aportó a la causa antinazi la magistral comedia Ser o no ser (1942).
  • 27. La mayoría de la producción de Hollywood articuló la propaganda a través de historias de ficción, como La señora Miniver realizada por William Wyler en 1942. También, la creciente influencia de la minoría católica cristalizó con la aparición de películas consideradas "edificantes" o de inspiración religiosa, de las cuales la más célebre es ¡Qué verde era mi valle! (1941), de John Ford.
  • 28. La invasión alemana de Francia provocó la huida a América de un importante grupo de artistas e intelectuales franceses. Entre ellos destacaban René Clair, Jean Renoir y Julien Duvivier. René Clair dirigió en 1942, Me casé con una bruja, película que lanzó al estrellato a Veronica Lake. Las obras de Jean Renoir y Julien Duvivier en EEUU no brillaron a la altura de sus trabajos europeos.
  • 29. ORSON WELLES (1915-1985) Antes del estallido de la guerra era una joven promesa procedente del teatro y de la radio. El 30 de octubre de 1938, Welles llevó a cabo una interesante experiencia con la adaptación radiofónica de La guerra de los mundos de H. G. Wells. La emisión provocó tal impacto que Welles fue fichado por la RKO con un contrato sin precedentes para un actor y director teatral sin experiencia en cine. A partir de ahí, Welles vio marcada su vida por el éxito de sus obras y por la polémica que suscitaban sus enfrentamientos con la industria de Hollywood. Con sus películas de hondo calado psicológico, Welles contribuyó considerablemente a la renovación y consolidación del lenguaje cinematográfico.
  • 30. En 1941, con tan sólo 25 años, culminó su primera película, Ciudadano Kane, auténtico mito cinematográfico por lo atrevido de su argumento, pero sobre todo por su lucidez narrativa y sus formas revolucionarias desde el punto de vista de la realización, nunca vistas en Hollywood. http://artigoo.com/ciudadano-kane-innovacion-tecnica http://www.ite.educacion.es/formacion/materiales/24/cd/m4_2/anlisis_cinematogrfico_ciudadano_kane.html
  • 32. En 1942 rodó El cuarto mandamiento, retrato social de una América con profundos arraigos clasistas. Esta nueva incursión en la polémica, sumada a los proyectos inacabados de It's All True (1942) y Estambul (1942), le enfrentó con la industria y le obligó a abandonar Estados Unidos, una decisión en la que también influyó el clima de la "caza de brujas", no sin antes rodar La dama de Shangay (1947) y Macbeth (1948).
  • 33. LA DAMA DE SHANGAY
  • 34. En Macbeth y luego en Otelo (1951), explotó con sabiduría las posibilidades de la iluminación expresionista puesta al servicio de las inquietudes íntimas de los personajes. Cerró su etapa shakesperiana con Campanadas a medianoche, rodada en España en 1966. MACBETH OTELO
  • 36. Del mismo período destacan películas como Mr. Arkadin (1955), también rodada en España, y Sed de mal (1958), nuevo alarde de dominio de la cinematografía. Su arranque, con un brillante plano- secuencia, marca el tono de calidad del resto del film. Para algunos historiadores este filme cierra el ciclo del cine negro clásico abierto por El halcón maltés.
  • 37. Como actor, Welles trabajó infatigablemente, interpretando muchas varias películas por año. Algunas de sus actuaciones, como la de El tercer hombre (1949), son memorables. Sus interpretaciones de Otelo, Kane, Falstaff y otras muchas en las que se dirigía a sí mismo, demuestran que su talento como actor es tan grande como el que manifestó en otras muchas facetas.
  • 38. Tras varios proyectos que no logó acabar (The Deep, Don Quijote, Al otro lado del viento), con una de sus últimas creaciones, Fraude (1973), Welles invitó al público a preguntarse sobre la autenticidad de las imágenes. Su fama creció después de su muerte en 1985 y ahora es considerado uno de los más grandes directores de cine y teatro del siglo XX. https://www.lavanguardia.com/hemeroteca/20150506/54430976774/orson- wells-cine-eeuu-directores-actores-guionistas-radio-la-guerra-de-los-mundos- ciudadano-kane.html