1º Bacharelato, IES Pedro Floriani, Redondela. Proxecto de bibloteca 2016-17 O corpo humano.

1. Cánon de belleza.
Edad media, Renacimiento y Barroco
Pedro Veiga Alberto David María

2. Índice
Diapositiva 1:................................................................ Título y Autoría
Diapositiva 2: ………………………………………...Índice
Diapositiva 3 y 4: …………………………………….Canón de belleza Edad Media
Diapositivas 5 y 6: ……………………………………Renacimiento
Diapositivas 7-10: …………………………………….Autores y obras Renacimiento
Diapositivas 11 y 12: …………………………………Escuela veneciana
Diapositivas 13-15: …………………………………...Barroco
Diapositivas 16 y 17: ………………………………….Prerrafaelitas.

3. Cánon Belleza Edad Media
Las vestimentas femeninas durante la Edad Media son extremadamente recatadas. El cuerpo, sólo y en el exclusivo caso de la mujer
(porque en el caso del hombre es prácticamente todo lo contrario), se convierte en un instrumento de provocación y de pecado, y aunque
las vírgenes sean adoradas, las mujeres de carne y hueso tenían que vivir dominadas por unos extremos códigos de vestimenta que estaban
enlazados con la tradición judeo-cristiana del pecado, del pudor y de las creencias religiosas que son la base de estas, creando una gran
identidad moral que tenía que ser respetada bajo toda regla, porque si no llevaba al castigo y a la conden

4. Belleza Física
En la Edad Media además se tenía el pensamiento que la belleza física era una cualidad.El canon de la belleza de la época tenía una clara
inspiración bárbara.Las mujeres,en sus representaciones artísticas,se nos presentaban como mujeres rubias,pálidas y de extremidades largas y
delgadas.Con caras ovaladas,pechos pequeños y caderas estrechas,ojos y nariz pequeños y labios carnosos y rosados.

5. El renacimento
El Renacimiento tiene un canon de belleza semejante al del mundo clásico, que se basa sobre
todo en la armonía y en la proporción. En esta época Italia pasa a ser el referente artístico de
todo el continente, ya que todas las artes reflejaron este canon de belleza del mismo
modo.Dentro de las producciones artísticas, han quedado como emblemáticas en la historia el
David de Miguel Ángel como canon de belleza masculina (aún hoy referente publicitario) y El
nacimiento de Venus de Sandro Botticelli en cuanto al femenino.
Las características femeninas son: piel blanca, sonrosada en las mejillas, cabello rubio y largo,
frente despejada, ojos grandes y claros; hombros estrechos, como la cintura; caderas y
estómagos redondeados; manos delgadas y pequeñas, en señal de elegancia y delicadeza; los
pies delgados y proporcionados; dedos largos y finos; cuello largo y delgado; cadera levemente
marcada; senos pequeños, firmes y torneados; labios y mejillas rojos o sonrosados. En la época
tan solo usaban maquillaje como el colorete y el carmín para esos tonos rosas de la cara. Aunque
donde si encontramos diferencias con épocas anteriores es en el vestido ya que es bastante
ostentoso. A pesar de eso a los renacentistas, en su afán por mostrar la perfección corporal, les
gustaba mostrar la desnudez de los cuerpos en muchas de sus obras.

6. El renacimiento II
En cuanto al ideal de belleza
masculino podemos
centrarnos en la fabulosa
escultura del David de Miguel
Ángel, tan sólo se le podría
añadir como otras
características los cabellos
largos y relucientes, las cejas
pobladas y marcadas, una
mandíbula fuerte y unos
pectorales anchos.

7. Sandro Botticelli
Dedicó casi toda su vida a los retratos, entre los que destacan: Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476,
Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.) y La adoración de los Magos (1476- 1477, Galería de los
Uffizi, Florencia) que contiene personajes con rasgos muy parecidos a los de la familia de los Medici. Estuvo
influenciado por el neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas, esto
se observa en El nacimiento de Venus , creadas para una de las villas de la familia Medici. Dentro de este
ámbito también destaca la serie de cuatro cuadros Nastapio degli Honesti (Museo del Prado, Madrid),
donde recrea una de las historias del Decamerón, de Boccaccio.
En 1481 fue llamado a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó
los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo. En la década de
1490, tras la expulsión de los Medici de Florencia, y cuando el monje dominico Girolamo Savonarola
predicaba la austeridad y la reforma, sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad.
Fue acusado anónimamente, en 1502, ante la Uffiziali di Notte, institución donde los ciudadanos denunciaban
crímenes reales o imaginarios, por un acto de sodomía con uno de sus ayudantes.Sandro Botticelli falleció en
Florencia el 17 de mayo

8. Ejemplos de obras

9. Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci fue un polímata florentino del Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista,
arquitecto, paleontólogo, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor,
músico, poeta y urbanista. Murió acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos,
diseños y pinturas. Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros
trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. I.
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda
y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de
Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, únicamente se
conocen alrededor de 20 obras suyas, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos)
experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.l.

10. El hombre de vitruvio
El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del
cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas
anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1490
en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en
dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una
circunferencia y un cuadrado ('Ad quadratum'). Se trata de un
estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de
los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma,
del cual el dibujo toma su nombre.
Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta
que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada
en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la
Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde
1822 , aunque se exhibe al público tan sólo una vez cada diez años
por motivos de conservación.

11. ESCUELA VENECIANA
La escuela veneciana fue un conjunto de movimientos artísticos, de corte esencialmente pictórico, que se desarrollaron en la región de la República
de Venecia, expandiéndose luego al resto de Europa. Sus principales representantes son Vittore Carpaccio, los hermanos Antonio y Bartolomeo
Vivarini, Gentile
Esta escuela se desarrolló con relativa independencia respecto a las tendencias dominantes en otros lugares. Las características de Venecia,
cosmopolita, acaudalada y volcada al intercambio fue un factor determinante. Sus particularidades urbanas y su belleza arquitectónica fueron
asimismo parámetros centrales de los intereses estéticos de la escuela, que pintaron y evocaron sus espacios en varias de sus obras.
Fue asimismo determinante la relativa tranquilidad de la ciudad, pues la Serenísima República no padeció confrontaciones como las luchas internas
de Florencia, y gozó de una sólida independencia hasta los tiempos napoleónicos.
En un principio, el aislamiento marcó cierto retraso en el desarrollo de una escuela original y de vanguardia. El arte bizantino caracterizó en efecto los
trabajos de los primeros exponentes de la escuela veneciana, como Paolo Veneziano, Lorenzo Veneziano o Semitecolo

12. .El retrato fue uno de sus géneros predilectos y casi obligados. Al perfil tipo Bellini y Pisanello seguirían la
pose tres cuartos de perfil de Antonello y la frontalidad del periodo del esplendor, que comienza con la
devoción a la belleza de Giorgione y Vincenzo Catena. Si en determinadas composiciones religiosas de
uno y otro las diferencias de inspiración son mínimas, Giorgione discurre temas de no siempre claro
simbolismo, como La tempestad o Los tres filósofos, prolongado en obras como Venus dormida o
Concierto campestre el paganismo y orientalismo veneciano, antes sólo latente.

13. Barroco
El barraco fué la edad de la apariencia y la coquetería. Destaca el uso y abuso de perfumes, carmines,
lunares, corsés, encajes, ropas suntuosas y zapatos de tacón entre otras muchas cosas. Los barrocos,
pues, heredan por un lado el ideal femenino del Renacimiento, pero, por otro, lo complican y lo
teatralizan.

14. Rubens
Fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la
sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y de la
pintura renacentista, en especial de Leonardo da Vinci, de Miguel Ángel, del que admiraba su representación
de la anatomía, y sobre todo de Tiziano, al que siempre consideró su maestro.
Trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza,
paisajes, retratos; así como dibujos, ilustraciones para libros y diseños para tapices.
Se conservan aproximadamente mil quinientos cuadros suyos. Una producción tan elevada fue posible a la
extensión de su taller, tanto de integrantes como de proporción, donde al parecer trabajaban en cadena.
Fue el pintor favorito del rey Felipe IV de España, su principal cliente, que le encargó decenas de obras para
decorar sus palacios y fue el mayor comprador en la almoneda de los bienes del artista que se realizó tras su
fallecimiento. Como consecuencia de esto, la mayor colección de obras de Rubens se conserva hoy en el
Museo del Prado, con unos noventa cuadros la gran mayoría procedentes de la Colección Real.

15. Rasgos definitorios de sus obras: Las pinturas de Rubens se caracterizan por la viveza de su colorido,
tomado de la escuela veneciana, en especial de Tiziano. También por el movimiento y vitalidad de la composición y
por el uso de figuras de gran carnalidad, musculosas las masculinas y sensuales las femeninas, representadas
mediante una pincelada suelta y frecuentemente en escorzo.
Trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza,
paisajes, retratos; así como dibujos, ilustraciones para libros y diseños para tapices.

16. Prerrafaelitas. Femme Fatale
El movimiento artístico de la Hermandad Prerrafaelita surge en Inglaterra a mediados del siglo XIX y está constituido por Millais, Hunt y Rossetti, fundadores de la
Hermandad en 1848. Tiene como objetivos luchar contra el academicismo, los males de la sociedad industrial y el convencionalismo de la época victoriana.
Intentan recuperar un arte más espontáneo, buscando la inspiración en la naturaleza y en los maestros antiguos del Renacimiento, anteriores a Rafael (de donde
procede el nombre). Hay que destacar es que los prerrafaelitas estableciéndose conscientemente como grupo artístico se estaban adelantando varios años a los
grupos artísticos del siglo XX.
Su temática favorita varía entre el intimismo burgués, asuntos de la vida moderna, episodios inspirados en la literatura y escenas religiosas. Manifiestan cierta
influencia de los nazarenos alemanes por su búsqueda del plano mítico y espiritual para llegar a la pureza de los sentimientos, inspirándose también en ocasiones en
la temática medieval. Buena parte de sus obras están envueltas de poesía, anticipando movimientos de vanguardia, especialmente el modernismo y el simbolismo.
La Hermandad prerrafaelita es un grupo muy heterogéneo que se caracteriza porque reclamaron un tipo de vinculación con los pintores del Quattrocento rechazando
las tradiciones clásica y barroca. Trataron de afianzar su condición de herederos contemporáneos de lo que fue bueno en el pasado mediante una lista de “héroes”
entre los que se incluían nombres desde Jesucristo hasta Chaucer, Shakespeare, Dante, Homero, Goethe y Keats. Y es básicamente en estos personajes y en sus
obras en los que basan sus pinturas.

17. La caracterización del género femenino que hicieron los prerrafaelistas en sus obras estuvo basada en el culto a la
belleza. Una belleza sensual y melancólica que representa a una mujer virginal y frágil que se oponía a la imagen
de “femme fatale”. Sus cuerpos esbeltos, alargados y de apariencia algo andrógena se alejan de las redondeces y de
la voluptuosidad de las representaciones del bello sexo como origen del mal.

18. FIN