Kelly Wearstler es una reconocida diseñadora de interiores estadounidense cuyo trabajo se caracteriza por mezclar materiales y colores de manera aparentemente incoherente pero genuina. Su pasión por el arte se remonta a la infancia y ha sido influenciada por movimientos como el dadaísmo y el surrealismo. Considera que los objetos y obras de arte le dan alma a un espacio y trabaja los interiores como esculturas.

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DISEÑO
KELLY WEARSTLER,
EL OBJETO COMO
OBRA DE ARTE
Habitar o recorrer un espacio creado
por Kelly Wearstler es sumergirse
en una experiencia absolutamente
surreal; sus espacios disponen el
camino, en tercera dimensión, de
lo que bien podría ser un cuadro de
Dalí. La aparente incoherencia de
los materiales y los colores son la
expresión puramente genuina de una
mente que piensa y concibe todos
los espectros imaginables de colores,
estilo, tamaños, formas y materiales.
EXCLAMA entrevistó a la
reconocida diseñadora e
indagó sobre su constante
inquietud artística y
su dominio del diálogo
entre la crudeza y la
sofisticación.
Antes de convertirse en diseñadora de
interiores, ¿cuáles fueron sus primeras
manifestaciones creativas ó artísticas?
Siempre he tenido un apetito insaciable por el
arte; la Historia del Arte es una de mis grandes
pasiones. Constantemente estoy consumien-
do productos visuales. La verdad es que en
la escuela, la clase de arte siempre parecía
terminar más rápido que cualquier otra; desde
pequeña supe que quería trabajar en el mundo
del arte, del diseño. Cuando niña, siempre es-
taba dibujando en un cuaderno que mantenía
en mi maleta, hoy todavía cargo un cuaderno
de dibujo en mi bolso y dibujo constantemente.
¿Qué considera que marca la diferencia en-
tre el objeto/obra de arte y otros elementos
puramente decorativos?
El objeto/obra de arte personifica una libertad de
más para la expresión y la creatividad. Aunque
también existe la noción de que esto puede lle-
gar a ser una característica/elemento limitante,
la verdad es que en el existe una dimensión que
ha contemplado cada detalle con el propósito
de su creación.
Como diseñadora de interiores, ¿qué rol
considera que debe jugar el objeto/obra
de arte afuera de las galerías?
Adoro utilizar los objetos y obras de arte tanto
en espacios residenciales como en espacios
comerciales, el objeto de arte le provee el
alma a un espacio. Yo trabajo los espacios
interiores como esculturas: el arte le aporta
el fondo y la emoción.
¿Qué artistas o movimientos han sido de
gran inspiración para su proceso y para
su trabajo creativo?
Realmente me inspiran todas las épocas
y todos los movimientos que componen la
historia del arte, ¡es imposible escoger uno
preferido! Definitivamente el dadaísmo y el
surrealismo son infinitamente fascinantes. El
movimiento del Grupo Memphis (cuyo nom-
bre es producto de la canción Stuck Inside
of Mobile with the Memphis Blues Again de
Bob Dylan) es un punto sensacional para
entender plenamente usos muy particulares
del color y de siluetas arquitectónicas. Mi
artista preferido es Victor Vasarely, era un
verdadero genio.
Foto Grey Crawfort
Foto Nick Hudson
Foto Nick Hudson
Foto Grey Crawfort
Texto Susana Cheng

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¿Cómo llegó a un tema y a un nombre
como el de HEADTRIPS (Viajes Mentales)
que además, la llevó a crear una obra de
arte tan particular?
El nombre es un juego de palabras. Amo el
movimiento punk. La idea de tomar algo
refinado e inspirador y darle un vuelco total,
¡ponerlo todo de cabeza! Cada una de las
esculturas tiene una personalidad única.
Cada una viene empacada en un bolso de
cuero y pelaje hecha a mano y firmada por mí.
Colecciono piedras y minerales crudos que
recojo en todos los viajes que hago a diferentes
lugares del mundo. Cada una de las piezas
tiene algunas de estas piedras y minerales
únicas en su especie. La forma humana y la
escultura figurativa me parecen increíble-
mente sexies y se han vuelto un detalle que
hace parte inherente de mi marca. Los
Headtrips se enlazan perfectamente con
diferentes creaciones de Kelly Wearstler. Me
encanta combinar lo crudo con lo delicado;
considero que una cresta de cuarzo rosa le
da un giro inesperado y espectacular, de lo
más orgánico a la materialidad.
¿Le interesa llevar su trabajo a galerías
o espacios abiertos, por el simple hecho
de crear algo nuevo, sin ningún tipo de
restricción, más allá de lugares residen-
ciales y espacios comerciales?
Sí. Actualmente estamos creando una serie
limitada de objetos para exhibir en galerías;
estas piezas son una exploración de mi amor
por el color, la textura, los patrones y nue-
vamente, la dimensión más cruda de diferentes
materiales.
¿En qué tipo de hogares/contextos
aprecia más el trabajo que hace?
¡Tengo el privilegio de trabajar con el grupo
de clientes más extraordinario! Todos son
completamente diferentes entre sí y cada
uno es, además, increíblemente dinámico y
culto. Los mejores proyectos son aquellos
en los que mi cliente tiene una visión clara
de lo que quiere y está supremamente invo-
lucrado en el proceso. Mi estética es el
producto de las mezclas. Ver mi trabajo
traducido y sensibilizado través de diferentes
vocabularios es supremamente emocionante.
¿Cuál cree que es la clave de crear un
espacio que pueda sostener obras y
piezas de arte?
El arte pertenece en todos los lugares. Debe
haber una jerarquía: demasiados objetos
protagónicos en un solo espacio generan un
drama innecesario. He diseñado espacios
alrededor de un solo objeto o también me
he dado cuenta de que algunos objetos
encajan perfectamente en un espacio al final
de un proceso. La clave está en seleccionar
piezas que se complementen entre sí y que
tengan un diálogo cohesivo que permita que
los puntos importantes puedan resaltar.
¿Qué artista -independientemente de su
era o especialización- considera un genio
en términos de su trabajo y su relación
con el espacio?
James Turrel es fantástico. Su trabajo está
cargado de una pureza inigualable. Su sen-
tido de la visión, cuando se trata de la
relación entre la luz y el espacio, y cómo
ésta existe en relación al público me deja
sin aliento; es producto de su concepción
de la fuerza, la simplicidad y la belleza.
Si pudiera desarrollar cualquier proyecto
en Latinoamérica, ¿cómo sería?
Me encanta la idea de un proyecto guiado
por la cultura local, la historia y la arte-
sanía. Es ideal un proyecto en el que la
estética se origine orgánicamente de la
colaboración entre artistas locales y arte-
sanos para encontrar nuevos métodos de
explorar la materialidad y el espacio. Sería
un privilegio sumergirme en una cultura
indígena que no me sea familiar que sea
absolutamente inesperada.!