El documento describe la evolución de la escenografía a través de la historia, desde sus orígenes en el teatro griego hasta la actualidad. Comenzó como una forma de adornar el teatro con elementos pictóricos y fue desarrollándose con el uso de bastidores, decorados móviles y nuevos materiales. Hoy en día, la escenografía define el espacio teatral y crea mundos mágicos a través de la imaginación de sus creadores.

1. La escenografía. Realizado por Soraya Viñal, Elena Hidalgo y Daniela Linares.

2. Escenografía Es el conjunto de elementos pictóricos, técnicos, plásticos y teóricos que permiten la creación de una imagen, de una construcción bi- o tridimensional, o la apuesta en el espacio de una acción notablemente espectacular. La escenografía o pintura de escena tiene sus raíces en el teatro griego. Para los griegos, la escenografía era el arte de adornar el teatro. Los griego usaron el periacto, artificio especial que empleaban en sus teatros para cambiar las decoraciones. Consistía en un aparato prismático con un paisaje diferente pintado en cada una de sus tres caras. Había un periacto en cada lado del escenario, y al girar quedaba cambiada la decoración.El periacto es el origen de los bastidores, usados por primera vez en 1620, en el teatro Farnesio de Parma. El bastidor es un armazón de listones sobre el cual se aplica un lienzo o papel y se utiliza pintándolo sobre las dos caras: cada una corresponde al paisaje o arquitectura que debe representar el escenario.

3. La decoración circular de las carretas-escenas del medioevo, sobre la cual se presentaban ante los espectadores los más pintorescos lugares propios de los diversos episodios de los misterios o los juegos escénicos de la época. Ese particular hallazgo es precursor de los escenarios giratorios modernos. Otra de las características de la misma época era la escena simultánea , en donde se sucedían los lugares de acción del espectáculo;Una de las innovaciones mejor logradas en los escenarios actuales consiste en las magníficas sugerencias conseguidas con elementos plásticos sintéticos y con simples fondos de cortinas negras o de colores neutros. Pues bien, si se hurga en el pasado se comprueba su origen en primitivas representaciones, particularmente en Inglaterra, en las que un simple cartel indicaba el lugar o una voz despertaba la imaginación de los espectadores explicando las excelencias de un decorado que no existía.

4. En el renacimiento, se convirtió en una técnica para dibujar y pintar un telón de fondo en perspectiva. El renacimiento nos da por primera vez un teatro (el Olímpico de Vicenza, 1585, obra del arquitecto Andrea Palladio) un escenario de madera, síntesis grandiosa de la estética arquitectural de la escenografía de la época, y que consistía en que la decoración estuviera dispuesta se- gún los cánones artísticos de la perspectiva lineal. Columnas corintias, bajorrelieves, estatuas, y cornisamientos adornan la fachada escénica. En medio se abre la puerta mayor, o puerta real porque solo los actores principales aparecían por ella. A través del vano se ven palacios de relieve aplanado, reducidos en perspectiva, formando una calle. La ilusión óptica de la extensión de la calle es completa. Paulatinamente fue transformándose la decoración fija en móvil, y la escena tuvo una época majestuosa y brillante tanto en Italia como en Francia. Cada género tenía su propia escenografía: las tragedias se representaban en casas de grandes personajes, las farsas se situaban en sitios públicos y, por último, las sátiras o pastorales requirían espacios naturales.

5. Hoy en día, es la ciencia de la utilización del espacio teatral. a escenografía ha dejado de ser un complemento para definir el ámbito de la puesta en escena y ha pasado a ser identificada con el teatro mismo. No cabe duda que las cada vez mayores posibilidades técnicas y la aparición de nuevos materiales unidos al talento y poderosa imaginación de los creadores han contribuido a su creciente protagonismo. Las nuevas escenografías crean espacios casi mágicos que obnubilan a quienes las contemplan. Eso lo saben sus autores, hasta el punto de que parece que algunos convierten el escenario en una sala de exposiciones en la que mostrar su arte, olvidando que su trabajo es el resultado de una intensa meditación sobre lo que ha de pasar a lo largo de la representación. EL MUNDO DEL ESCENÓGRAFO -Elementos de la escenografía: trastos o bastidores techos practicables carros escaleras rampas columnas tules -Materiales: telgopor madera fibrofácil telas policarbonatos hierro aluminio - Arquitectura teatral: capilla piso cámara puentes parrila

6. Ópera La ópera se difundió muy rapidamente por todas partes, procede de la ópera primitiva que se componia por una parte tecnica, hacer resucitar el arte dreamatico de la antigüa grecia La ópera participó en el desarrollo, pues era un género que reclamaba gran presentación y apoyo económico. Pero para que esas nuevas conquistas cobraran importancia era necesario que el arquitecto, que era a su vez constructor y pintor, fuera dejando paso a los escenógrafos, es decir, a los especializados en el arte de crear climas escénicos. Porque en una escenografía de Galli Bibiena Los Galli Bibiena (1659-1743) hicieron el hallazgo de conseguir y lanzar la nueva perspectiva pictórica, de forma que la arquitectura no sólo se viera de frente, sino que nos ofreciera aspectos desde diferentes ángulos. De esta manera nació un tipo nuevo de escenógrafo pintor.

7. El Teatro. Podríamos definir el teatro de varias maneras, una sería el edificio destinado a la representación de obras dramáticas o a otros espectáculos propios de la escena, también es el arte de componer o representar obras dramáticas. El teatro representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. El teatro nace en el siglo I más o menos, en Grecia. Los griegos crearon dramas y comedias y las repre- sentaban. Este arte tiene muchísima historia, asi que dividiremos en varias partes; Antiguo Egipto , Grecia y Roma, Teatro romano, Edad Media, Renacimiento, Barroco y neoclasicismo, Teatro moderno, Actualidad.

8. - Etapas del teatro : *El teatro en la antigüedad: Comenzaron las primeras representaciones ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un actor y un coro. El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vidas. Durante la edad clásica de Grecia , se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia. Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro que cantaba y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras, todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras. Los teatros romanos heredaron los rasgos fundamentales de los griegos, introdujeron ciertos elementos distintivos. A diferencia de sus modelos helénicos, se levantaban sobre el suelo plano y poseían varias plantas erigidas en mampostería. Con objeto de mejorar la acústica, los arquitectos romanos redujeron la orquestra a un semicírculo, y los espectáculos se presentaban sobre una plataforma. La frons scaenae era una fachada monumental de varios pisos, que servía de fondo de escenario. El graderío se divide en 3 partes, la primera en la zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase dirigente; en la superior las mujeres y los esclavos y en la media el pueblo llano.

9. * Teatro de la Edad Media: Tras siglos de olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el clero , que lo empleó con fines didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual la representación en las iglesias de misterios y moralidades , cuyo objeto era presentar de forma sencilla la doctrina cristiana a los fieles. A fin de facilitar la comprensión, el latín cedió paso paulatinamente a las lenguas vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las piezas religiosas como las florecientes farsas profanas comenzaron a representarse. * Teatro del Renacimiento: El Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del teatro, pues, al surgir una producción dramática de carácter culto, inspirada en los modelos clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se generalizó en el transcurso del siglo XVI la construcción de salas cubiertas y dotadas de mayores comodidades. Teatro en Italia : Los teatros modernos constituían una version de los modelos romanos y presentaaban una persperctiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo clásico del teatro italiano incluía el escenario, enmarcado por un arco proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de herradura rodeada por varios pisos de galerías. Durante este tiempo se desarrolló una forma de teatro popular, la comedia del arte, que con su énfasis en la libertad de improvisación del actor dio un gran avance a la técnica interpretativa. I nglaterra: el teatro isabelino: Los teatros en Inglaterra durante el reinado de Isabel I de Inglaterra , destacó el londinense William Shakespeare . Carentes de techo y construidos de madera, su rasgo más característico era el escenario elevado rectangular, el público rodeaba a los actores por tres lados.

10. *El teatro Moderno: Durante la mayor parte del siglo XIX las ideas arquitectónicas y escenográficas se mantuvieron inalterables, las exigencias de libertad creativa iniciadas por los autores románticos condujeron a un replanteamiento general del arte dramático en sus diversos aspectos. La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el diseño arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de escenarios dotados de mayor plasticidady liberaron al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica del arco del proscenio. *El teatro Contemporáneo: Como en el resto de la literatura romántica , destaca por el sentimentalismo, el dramatismo, la predilección por temas oscuros y escabrosos, la exaltación de la naturaleza y del folklore popular. Surgió un nuevo género, el melodrama, y se popularizaron los espectáculos de variedades Con el teatro realista nació el teatro moderno, pues sentó las bases del que sería el teatro del siglo XX. Se puso énfasis en el naturalismo, la descripción minuciosa de la realidad, no sólo en la temática y el lenguaje, sino también en decorados,vestuario,atrezzo, etc. La interpretación era más veraz, sin grandes gesticulaciones ni dicción grandilocuente, como en la «representación antiteatral» –actuar como en la vida real, como si no se estuviese en un teatro. El teatro simbolista recibió la influencia del espectáculo total wagneriano, destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafisico y trascendente, buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación, con preferencia por los temas míticos y las leyendas, de influjo esotérico y teosófico.

11. * El teatro actual: En este nuevo teatro la forma de expresarte es libre, se puede seguir alguna corriente como la de Constantin Stanislavsky que prohíbe darle al publico la espalda, así como también taparte la cara cuando en una escena se tiene que llorar. En este tipo de teatro actual no es necesario tener un coro o hacer rituales simplemente es natural y en escena esta lo que pasa en la vida real a revolucionado totalmente a lo que antes era. Si se parece en algo al teatro griego en que lo mas importante es exaltar las diferentes culturas, en enseñar moralidad y en proporcionar ala ciudadanía su sentido de identidad es decir que el publico se identifique. El Teatro ha ido evolucionando de acuerdo a cada siglo según el estilo en el que se esta viviendo, atrayendo alas personas, utilizando temas actuales.

12. El Ballet El ballet o danza clásica es el nombre específico dado a una forma concreta de danza y su técnica. Según las épocas, los países o las corrientes y el espectáculo coreográfico puede incluir: danza , mímica y teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria. El Ballet está considerado como una de las Artes Escénicas. La técnica de esta danza tiene una dificultad importante, ya que requiere una concentración para dominar todo el cuerpo, añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad muscular , coordinación muscular y ritmo musical. Lo habitual, aunque no obligatorio, es que se aprenda con una edad temprana, para interiorizar y automatizar movimientos y pasos técnicos. Es ideal una formación paralela en solfeo , aunque tampoco imprescindible. Para el calentamiento se utiliza una zapatilla de tela (o piel) con suela partida o completa, muy blanda y fácilmente adaptable. Cuando la experiencia, la condición física y la fuerza del bailarín ya lo requieren, se comienza el entrenamiento con las puntas de ballet. El vestuario debe ser cómodo y, sobre todo, debe dejar marcado el cuerpo para poder ver y corregir los movimientos del mismo, prestando especial atención a brazos y piernas. Hay siete movimientos básicos del ballet: Saltar ( Sauter ), Estirar ( Etendre ), Doblar ( Plier ), Elevar ( Relevé ), Girar ( Tourne r ), Deslizar ( Glisser ) y Lanzar o Precipitar ( Elancé ). Como pueden ver, el Ballet sirve además para aprender francés. Historia La vocablo Ballet viene del francés antiguo y significa bailar. Las raíces del Ballet se sitúan en el siglo XVII donde se bailaba, se cantaba y se recitaba para entretener a los nobles de las cortes francesas e italianas. La primer obra donde se combina baile, mímica y música fue "The Comic Ballet of the Queen" presentada en 1581 en Francia. Louis XIV de Francia crea la primer escuela en 1661, la Real Academia de Baile. El baile se construyó a partir de las cinco posiciones del maestro Beauchamps, bailes italianos, elizabethinos y de los circos de la época. Antes de 1681, estaba prohibido que las mujeres bailaran, así que los hombres ejecutaban los roles femeninos. Después, las mujeres bailaron pero con ropas gruesas que impedian el movimiento. En 1720, la rebelde Marie Camargo se subió la falda arriba de la rodilla y creó desmayos. El ballet fue desarrollado en Rusia y en Italia donde los coreógrafos Carlo Blasis y Enrico Cecchetti de Milano escribieron la primer codificación de Ballet "Traite élémentaire, théorique et pratique de l'art de la danse" en 1820. Actualmente se utilizan las notación labiana que creó el húngaro Rudolf Von Laban en 1928 y la notación Beneshiana de Joan y Rudolph Benesh que es más sencilla. Importancia del ballet en el renacimiento y barroco El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo, las artes y la danza. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de los antiguos griegos, combinando la música, el sonido y la danza.

13. María de Médici Fue reina de Francia de 1600 a 1610 . Reina madre hasta su fallecimiento .Después del asesinato de Enrique IV de Francia, entre 1610 y 1617 tuvo lugar otra regencia femenina italiana, María de Médicis. La corte de versalles El ballet cortesano es un género de ballet cuyo nacimiento se sitúa a finales del siglo XVI en la corte de Francia y que comprende poesía, música vocal e instrumental, coreografía y escenografía . Bailado por los miembros de la familia real, los cortesanos, y algunos bailarines profesionales, el ballet cortesano está constituido por una serie de intermedios en el curso de los cuales los intérpretes van bailando por turno. La última «entrée» es interpretada por todo el conjunto de los bailarines. El Ballet des Polonais , fue uno de los primeros ballet, hecho representar por Catalina de Médici en el Louvre, para recibir a los embajadores polacos llegados a anunciar a su hijo el duque de Anjou (futuro Enrique III) su elección al trono de Polonia. Otro de los primeros y más célebres ballets fue el Ballet comique de la Reine ( 1582 ) al que siguió una abundante producción de ballets durante el reinado de Luis XIII . Olvidado hasta después de la Fronda , el ballet volvió a renacer llegando a su apogeo durante el reinado de Luis XIV que, poco a poco, lo convirtió en objeto de propaganda política con la ayuda de Richelieu , poniendo de relieve el poderío de Francia y de su monarquía. Isaac de Benserade sería, por entonces, el poeta principal. Cuando en 1670 , Luis XIV decidió no subvencionar más ballets, éste recibió un golpe mortal, pero dio paso al nacimiento de dos géneros nuevos protagonizados principalmente por Lully : la ópera-ballet y la comedia-ballet .

14. Artes escénicas del siglo XX: