Este documento presenta las obras de la serie "Pinturas negras" de Francisco de Goya, destacando el uso de las sombras como elemento esencial para construir las imágenes. Analiza cómo Goya usa la penumbra para hacer aparecer formas de manera sutil, en lugar de depender de la luz o el color. También compara a Goya con otros artistas como Rembrandt y Delacroix que usaron contrastes de luz y sombra, y discute la influencia de Goya en el arte moderno a través de Josep Maria Sert.
Las Pinturas Negras de Francisco de Goya usan la penumbra como elemento esencial para construir las imágenes. La sombra otorga valor estético al permitir que las formas aparezcan de manera sutil y enigmática. Goya demuestra que la belleza puede residir no solo en lo luminoso sino también en las cualidades que aporta la penumbra a través de la yuxtaposición de luces y sombras.
Las Pinturas Negras de Francisco de Goya usan sombras como un elemento esencial para construir las imágenes. La penumbra hace aparecer detalles y les da profundidad y densidad en lugar de ocultarlos. El juego de luces y sombras crea un efecto dramático y otorga una dimensión temporal a las escenas, propio del estilo Romántico.
Las pinturas negras de Francisco de Goya usan la penumbra, en lugar de la luz, para construir las imágenes. La sombra otorga valor estético al revelar sutilmente las formas en lugar de ocultarlas. Las figuras se vinculan armoniosamente con su entorno a través del juego de sombras y luces, creando profundidad en la obra.
Las pinturas negras de Francisco de Goya utilizan la penumbra y las sombras como elementos esenciales para construir las imágenes en lugar de ocultarlas. Al igual que una llama se ve más bella en la oscuridad, las formas de Goya adquieren belleza a través de la condensación de la luz en las sombras, lo que otorga profundidad y una dimensión temporal a las obras.
En 3 oraciones o menos:
El documento analiza cómo Francisco de Goya utilizó la penumbra y las sombras en su serie de Pinturas Negras para construir las formas de manera sutil en lugar de ocultarlas. Las sombras otorgan profundidad y una cualidad temporal a las imágenes, revelando detalles de manera gradual en lugar de exponer todo de forma directa y nítida. El documento sugiere que la belleza en las obras de Goya reside en esta habilidad de hacer aparecer formas a través del juego entre luces y sombras
El documento describe las características principales de la pintura barroca, incluyendo su énfasis en el realismo, la composición asimétrica y el uso de la luz y el claroscuro. También resume las obras y estilos de importantes pintores barrocos italianos como Caravaggio, conocido por su tenebrismo, y de pintores españoles como Ribera, Zurbarán y Murillo. Finalmente, explica los temas religiosos y seculares más comunes en la pintura barroca.
El Neoclasicismo en pintura buscó someter el arte a reglas racionales inspiradas en los modelos clásicos griegos y romanos. Rechazó los excesos barrocos en favor de la nobleza, la simplicidad y la calma del arte clásico. Pintores como Mengs y David aplicaron estas ideas creando obras con figuras desnudas, temas mitológicos, y composiciones equilibradas basadas en la línea y el dibujo más que en el colorido.
Rodin fue un escultor francés vinculado al Impresionismo que liberó la escultura de las rígidas normas académicas creando obras originales. Algunas de sus obras más famosas incluyen Los burgueses de Calais, El beso y El pensador. Sorolla fue un pintor español que aunque su adscripción al Impresionismo ha sido discutida, capturó la luz al aire libre en obras como Niños a la orilla del mar y Paseo a la orilla del mar.
Las Pinturas Negras de Francisco de Goya usan la penumbra como elemento esencial para construir las imágenes. La sombra otorga valor estético al permitir que las formas aparezcan de manera sutil y enigmática. Goya demuestra que la belleza puede residir no solo en lo luminoso sino también en las cualidades que aporta la penumbra a través de la yuxtaposición de luces y sombras.
Las Pinturas Negras de Francisco de Goya usan sombras como un elemento esencial para construir las imágenes. La penumbra hace aparecer detalles y les da profundidad y densidad en lugar de ocultarlos. El juego de luces y sombras crea un efecto dramático y otorga una dimensión temporal a las escenas, propio del estilo Romántico.
Las pinturas negras de Francisco de Goya usan la penumbra, en lugar de la luz, para construir las imágenes. La sombra otorga valor estético al revelar sutilmente las formas en lugar de ocultarlas. Las figuras se vinculan armoniosamente con su entorno a través del juego de sombras y luces, creando profundidad en la obra.
Las pinturas negras de Francisco de Goya utilizan la penumbra y las sombras como elementos esenciales para construir las imágenes en lugar de ocultarlas. Al igual que una llama se ve más bella en la oscuridad, las formas de Goya adquieren belleza a través de la condensación de la luz en las sombras, lo que otorga profundidad y una dimensión temporal a las obras.
En 3 oraciones o menos:
El documento analiza cómo Francisco de Goya utilizó la penumbra y las sombras en su serie de Pinturas Negras para construir las formas de manera sutil en lugar de ocultarlas. Las sombras otorgan profundidad y una cualidad temporal a las imágenes, revelando detalles de manera gradual en lugar de exponer todo de forma directa y nítida. El documento sugiere que la belleza en las obras de Goya reside en esta habilidad de hacer aparecer formas a través del juego entre luces y sombras
El documento describe las características principales de la pintura barroca, incluyendo su énfasis en el realismo, la composición asimétrica y el uso de la luz y el claroscuro. También resume las obras y estilos de importantes pintores barrocos italianos como Caravaggio, conocido por su tenebrismo, y de pintores españoles como Ribera, Zurbarán y Murillo. Finalmente, explica los temas religiosos y seculares más comunes en la pintura barroca.
El Neoclasicismo en pintura buscó someter el arte a reglas racionales inspiradas en los modelos clásicos griegos y romanos. Rechazó los excesos barrocos en favor de la nobleza, la simplicidad y la calma del arte clásico. Pintores como Mengs y David aplicaron estas ideas creando obras con figuras desnudas, temas mitológicos, y composiciones equilibradas basadas en la línea y el dibujo más que en el colorido.
Rodin fue un escultor francés vinculado al Impresionismo que liberó la escultura de las rígidas normas académicas creando obras originales. Algunas de sus obras más famosas incluyen Los burgueses de Calais, El beso y El pensador. Sorolla fue un pintor español que aunque su adscripción al Impresionismo ha sido discutida, capturó la luz al aire libre en obras como Niños a la orilla del mar y Paseo a la orilla del mar.
El documento describe la pintura barroca europea y sus principales características y escuelas. Se enfoca en el artista italiano Caravaggio y su revolución del naturalismo y el tenebrismo, donde resaltaba figuras mediante efectos de luz. Caravaggio pintó obras religiosas que mostraban gente corriente y escenas cotidianas sin idealización, lo que catapultó su fama aunque dependía de encargos eclesiásticos.
Este documento resume La persistencia de la memoria, una pintura surrealista de 1931 de Salvador Dalí. La obra representa una bahía con cuatro relojes blandos y maleables que simbolizan la naturaleza efímera del tiempo y la memoria humana. El documento analiza los símbolos, temas, composición e interpretaciones de esta icónica pintura de Dalí.
Este documento describe diferentes movimientos artísticos vanguardistas como el Dadá, la pintura metafísica y el surrealismo. Explica que el Dadá se proponía destruir el arte establecido a través de obras que incorporaban basura y objetos cotidianos. La pintura metafísica de Chirico presentaba escenas irrealistas inspiradas en los sueños. El surrealismo, con figuras como Magritte, Dalí y Miró, buscaba representar el mundo onírico a través de imágenes inconexas y fantásticas que
El documento describe el movimiento impresionista en la pintura que surgió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Los artistas impresionistas plasmaban la luz y el instante captando impresiones fugaces en lugar de formas definidas. El término "impresionismo" fue acuñado de forma despectiva por la crítica al cuadro Impresión: amanecer de Monet. Figuras clave como Monet, Renoir, Pissarro y Degas desarrollaron un estilo que enfatizaba el color y la luz sobre
El documento describe la escultura de Auguste Rodin a finales del siglo XIX. Rodin se interesaba por la naturaleza y el ser humano, y mezclaba acabados perfectos con zonas sin pulir que creaban grandes contrastes y efectos pictóricos. Modelaba con los dedos para dar más rugosidad y sugerir vitalidad. Algunas de sus obras más famosas incluyen Las puertas del infierno, El pensador y El beso.
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX como el impresionismo, postimpresionismo y puntillismo. Describe las características del impresionismo como pintar al aire libre y capturar la luz y su influencia en pintores como Monet, Manet, Renoir y Degas. Luego explica cómo Seurat desarrolló el puntillismo y cómo Cézanne, Van Gogh y Gauguin anticiparon los movimientos modernos a través de su énfasis en la forma, color y expresión de ideas respectivamente.
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo. Sus principales características incluyen capturar la luz y lo efímero de la realidad pintando al aire libre, con pinceladas rápidas y colores puros. Artistas clave mencionados son Monet, cuyas series exploraron los efectos de la luz; Manet, conocido por obras polémicas como El almuerzo sobre la hierba; Pissarro, Sisley y Morisot, pioneros femeninos; y Renoir, que enfatizó las fig
Este documento resume varios movimientos artísticos de los siglos XIX y XX, incluyendo la grisalla, el romanticismo, los nazarenos, el impresionismo, el puntillismo/divisionismo, y el postimpresionismo. Define cada movimiento, describe sus características y técnicas, e identifica artistas representativos. El documento ofrece una visión general de estos movimientos y cómo evolucionaron las tendencias artísticas durante este período.
El Neoimpresionismo o Divisionismo nace en Francia en 1884 con artistas como Seurat, Signac y Pissarro. Se basa en la división de los colores en pequeñas pinceladas yuxtapuestas para lograr la mezcla óptica, dando mayor energía y frescura a las obras. La técnica requiere una visión desde cierta distancia. Se fundamenta en teorías científicas sobre el color y la luz. Seurat fue su principal representante y desarrolló la teoría de los contrastes.
El documento resume los principales movimientos artísticos de vanguardia históricos como el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo, dadaísmo y surrealismo. En particular, describe el fauvismo como una reacción al impresionismo enfocada en el color y el objeto. Matisse fue el líder del fauvismo, utilizando colores puros y planos. El cubismo rompió con la perspectiva tradicional para mostrar múltiples ángulos de visión de un objeto. Picasso y Braque fueron
Arte Siglo Xix Impresionismo, Rodin Y Postimpresneni
El documento describe a varios pintores impresionistas como Monet, Renoir, Degas y Van Gogh. Se analizan algunas de sus obras más importantes como Impresión, sol naciente de Monet, El columpio de Renoir y La noche estrellada de Van Gogh. También se mencionan escultores como Rodin y su obra Puertas del infierno. El documento proporciona información sobre las técnicas y características del impresionismo como el uso de colores puros, pinceladas sueltas y la representación de esc
Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, fue un pintor italiano del siglo XVI nacido en Caravaggio, Lombardía. Trabajó principalmente en Roma entre 1592 y 1606, donde se destacó por su realismo y uso del claroscuro. En 1606 tuvo que huir de Roma después de matar a un hombre y murió cuatro años más tarde. Caravaggio es conocido por introducir el tenebrismo y naturalismo en sus obras, enfatizando la luz y sombras para crear un dramatismo realista.
Este documento resume la obra Jugadores de cartas de Paul Cézanne. Explica que la pintura muestra a unos jugadores de cartas provenzales en el interior de una taberna. Analiza aspectos como el autor, la fecha, las técnicas empleadas, los antecedentes y la influencia de la obra, que anticipó el cubismo. Concluye que se trata de una de las obras más relevantes de Cézanne y que fue fundamental para el desarrollo de movimientos de vanguardia del siglo XX.
Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un pintor barroco italiano nacido en 1571 que pintó obras religiosas y de género que escandalizaron a sus clientes debido a su realismo y uso de la luz y las sombras. Algunas de sus obras más famosas incluyen La vocación de San Mateo, Baco y Narciso.
Este documento resume los principales movimientos artísticos vanguardistas entre 1905 y la Segunda Guerra Mundial. Se mencionan el fauvismo, el cubismo, el futurismo y el expresionismo, describiendo sus características estilísticas y los artistas más representativos de cada movimiento como Matisse, Picasso, Boccioni y Munch. También se hace referencia al dadaísmo como movimiento antiarte que surgió en 1916 en rechazo a la Primera Guerra Mundial.
Este documento resume las principales vanguardias artísticas del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial, incluyendo el fauvismo, cubismo y expresionismo. Describe el contexto histórico y las características generales de estas corrientes, como la ruptura con los modelos tradicionales y la experimentación con nuevos materiales y técnicas. Explica los orígenes y características distintivas de cada movimiento, con ejemplos representativos de artistas como Matisse, Picasso, Braque y Boccioni.
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, Cubismo, Futurismo y Expresionismo. El Fauvismo se caracterizó por el uso violento del color y formas planas. El Expresionismo enfatizó la subjetividad del artista y la deformación expresiva. Artistas como Matisse, Derain, Vlaminck, Kirchner y Munch fueron figuras clave de estas primeras vanguardias históricas.
Las pinturas negras de Francisco de Goya usan la penumbra como elemento esencial para construir las imágenes en lugar de ocultarlas. La sombra otorga valor estético al destacar sutilmente las formas y cualidades en el lienzo a través del juego entre luces y sombras, creando profundidad y densidad en las figuras en lugar de opacarlas.
El surrealismo es un movimiento que se desarrolla desde 1924 hasta 1945, y su denominación proviene de Apollinare, que en el año 1917 empleó por primera vez esta palabra para designar a un movimiento incipiente relacionado con los Dadá y que también fueron denominados con los nombres de suprarrealismo o sobrerrealismo. Se fundamentó principalmente en representar el mundo de los sueños y el subconsciente, se apoyó en el estudio de Sigmund Freud sobre el psicoanálisis.
En el siguiente trabajo expondremos: pintura, literatura y arquitectura surrealista.
El documento presenta información sobre cuadros famosos del Museo del Prado en Madrid, incluyendo obras de Roger Van der Weyden, Diego Velázquez, Pedro Pablo Rubens y Francisco de Goya. Proporciona detalles sobre el artista, fecha, técnica y descripción breve de cada obra.
El documento describe la pintura barroca europea y sus principales características y escuelas. Se enfoca en el artista italiano Caravaggio y su revolución del naturalismo y el tenebrismo, donde resaltaba figuras mediante efectos de luz. Caravaggio pintó obras religiosas que mostraban gente corriente y escenas cotidianas sin idealización, lo que catapultó su fama aunque dependía de encargos eclesiásticos.
Este documento resume La persistencia de la memoria, una pintura surrealista de 1931 de Salvador Dalí. La obra representa una bahía con cuatro relojes blandos y maleables que simbolizan la naturaleza efímera del tiempo y la memoria humana. El documento analiza los símbolos, temas, composición e interpretaciones de esta icónica pintura de Dalí.
Este documento describe diferentes movimientos artísticos vanguardistas como el Dadá, la pintura metafísica y el surrealismo. Explica que el Dadá se proponía destruir el arte establecido a través de obras que incorporaban basura y objetos cotidianos. La pintura metafísica de Chirico presentaba escenas irrealistas inspiradas en los sueños. El surrealismo, con figuras como Magritte, Dalí y Miró, buscaba representar el mundo onírico a través de imágenes inconexas y fantásticas que
El documento describe el movimiento impresionista en la pintura que surgió en la segunda mitad del siglo XIX en Francia. Los artistas impresionistas plasmaban la luz y el instante captando impresiones fugaces en lugar de formas definidas. El término "impresionismo" fue acuñado de forma despectiva por la crítica al cuadro Impresión: amanecer de Monet. Figuras clave como Monet, Renoir, Pissarro y Degas desarrollaron un estilo que enfatizaba el color y la luz sobre
El documento describe la escultura de Auguste Rodin a finales del siglo XIX. Rodin se interesaba por la naturaleza y el ser humano, y mezclaba acabados perfectos con zonas sin pulir que creaban grandes contrastes y efectos pictóricos. Modelaba con los dedos para dar más rugosidad y sugerir vitalidad. Algunas de sus obras más famosas incluyen Las puertas del infierno, El pensador y El beso.
Este documento resume los principales movimientos artísticos del siglo XIX como el impresionismo, postimpresionismo y puntillismo. Describe las características del impresionismo como pintar al aire libre y capturar la luz y su influencia en pintores como Monet, Manet, Renoir y Degas. Luego explica cómo Seurat desarrolló el puntillismo y cómo Cézanne, Van Gogh y Gauguin anticiparon los movimientos modernos a través de su énfasis en la forma, color y expresión de ideas respectivamente.
El documento describe el movimiento artístico del impresionismo. Sus principales características incluyen capturar la luz y lo efímero de la realidad pintando al aire libre, con pinceladas rápidas y colores puros. Artistas clave mencionados son Monet, cuyas series exploraron los efectos de la luz; Manet, conocido por obras polémicas como El almuerzo sobre la hierba; Pissarro, Sisley y Morisot, pioneros femeninos; y Renoir, que enfatizó las fig
Este documento resume varios movimientos artísticos de los siglos XIX y XX, incluyendo la grisalla, el romanticismo, los nazarenos, el impresionismo, el puntillismo/divisionismo, y el postimpresionismo. Define cada movimiento, describe sus características y técnicas, e identifica artistas representativos. El documento ofrece una visión general de estos movimientos y cómo evolucionaron las tendencias artísticas durante este período.
El Neoimpresionismo o Divisionismo nace en Francia en 1884 con artistas como Seurat, Signac y Pissarro. Se basa en la división de los colores en pequeñas pinceladas yuxtapuestas para lograr la mezcla óptica, dando mayor energía y frescura a las obras. La técnica requiere una visión desde cierta distancia. Se fundamenta en teorías científicas sobre el color y la luz. Seurat fue su principal representante y desarrolló la teoría de los contrastes.
El documento resume los principales movimientos artísticos de vanguardia históricos como el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo, dadaísmo y surrealismo. En particular, describe el fauvismo como una reacción al impresionismo enfocada en el color y el objeto. Matisse fue el líder del fauvismo, utilizando colores puros y planos. El cubismo rompió con la perspectiva tradicional para mostrar múltiples ángulos de visión de un objeto. Picasso y Braque fueron
Arte Siglo Xix Impresionismo, Rodin Y Postimpresneni
El documento describe a varios pintores impresionistas como Monet, Renoir, Degas y Van Gogh. Se analizan algunas de sus obras más importantes como Impresión, sol naciente de Monet, El columpio de Renoir y La noche estrellada de Van Gogh. También se mencionan escultores como Rodin y su obra Puertas del infierno. El documento proporciona información sobre las técnicas y características del impresionismo como el uso de colores puros, pinceladas sueltas y la representación de esc
Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, fue un pintor italiano del siglo XVI nacido en Caravaggio, Lombardía. Trabajó principalmente en Roma entre 1592 y 1606, donde se destacó por su realismo y uso del claroscuro. En 1606 tuvo que huir de Roma después de matar a un hombre y murió cuatro años más tarde. Caravaggio es conocido por introducir el tenebrismo y naturalismo en sus obras, enfatizando la luz y sombras para crear un dramatismo realista.
Este documento resume la obra Jugadores de cartas de Paul Cézanne. Explica que la pintura muestra a unos jugadores de cartas provenzales en el interior de una taberna. Analiza aspectos como el autor, la fecha, las técnicas empleadas, los antecedentes y la influencia de la obra, que anticipó el cubismo. Concluye que se trata de una de las obras más relevantes de Cézanne y que fue fundamental para el desarrollo de movimientos de vanguardia del siglo XX.
Michelangelo Merisi da Caravaggio fue un pintor barroco italiano nacido en 1571 que pintó obras religiosas y de género que escandalizaron a sus clientes debido a su realismo y uso de la luz y las sombras. Algunas de sus obras más famosas incluyen La vocación de San Mateo, Baco y Narciso.
Este documento resume los principales movimientos artísticos vanguardistas entre 1905 y la Segunda Guerra Mundial. Se mencionan el fauvismo, el cubismo, el futurismo y el expresionismo, describiendo sus características estilísticas y los artistas más representativos de cada movimiento como Matisse, Picasso, Boccioni y Munch. También se hace referencia al dadaísmo como movimiento antiarte que surgió en 1916 en rechazo a la Primera Guerra Mundial.
Este documento resume las principales vanguardias artísticas del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial, incluyendo el fauvismo, cubismo y expresionismo. Describe el contexto histórico y las características generales de estas corrientes, como la ruptura con los modelos tradicionales y la experimentación con nuevos materiales y técnicas. Explica los orígenes y características distintivas de cada movimiento, con ejemplos representativos de artistas como Matisse, Picasso, Braque y Boccioni.
El documento describe las principales vanguardias artísticas del siglo XX, incluyendo el Fauvismo, Cubismo, Futurismo y Expresionismo. El Fauvismo se caracterizó por el uso violento del color y formas planas. El Expresionismo enfatizó la subjetividad del artista y la deformación expresiva. Artistas como Matisse, Derain, Vlaminck, Kirchner y Munch fueron figuras clave de estas primeras vanguardias históricas.
Las pinturas negras de Francisco de Goya usan la penumbra como elemento esencial para construir las imágenes en lugar de ocultarlas. La sombra otorga valor estético al destacar sutilmente las formas y cualidades en el lienzo a través del juego entre luces y sombras, creando profundidad y densidad en las figuras en lugar de opacarlas.
El surrealismo es un movimiento que se desarrolla desde 1924 hasta 1945, y su denominación proviene de Apollinare, que en el año 1917 empleó por primera vez esta palabra para designar a un movimiento incipiente relacionado con los Dadá y que también fueron denominados con los nombres de suprarrealismo o sobrerrealismo. Se fundamentó principalmente en representar el mundo de los sueños y el subconsciente, se apoyó en el estudio de Sigmund Freud sobre el psicoanálisis.
En el siguiente trabajo expondremos: pintura, literatura y arquitectura surrealista.
El documento presenta información sobre cuadros famosos del Museo del Prado en Madrid, incluyendo obras de Roger Van der Weyden, Diego Velázquez, Pedro Pablo Rubens y Francisco de Goya. Proporciona detalles sobre el artista, fecha, técnica y descripción breve de cada obra.
El documento resume la vida y obra del pintor español Diego Velázquez. Comenzó su carrera en Sevilla en el siglo XVII, donde desarrolló un estilo realista influenciado por el tenebrismo. Más tarde se trasladó a la corte en Madrid, donde fue nombrado pintor de cámara y produjo retratos de la familia real y otras obras maestras. Realizó dos viajes a Italia que ampliaron su estilo con elementos del Renacimiento italiano. Sus obras más famosas incluyen Las Meninas y La
Este cuadro de Piet Mondrian de 1920 representa su estilo neoplástico mediante rectángulos de color rojo, amarillo, azul y negro separados por líneas verticales y horizontales negras. Mondrian redujo la pintura a sus elementos básicos de línea y color para expresar relaciones abstractas y universales.
El documento resume las etapas y evolución estilística del pintor español Diego Velázquez, dividiendo su carrera en tres periodos: una etapa de formación en Sevilla influenciada por el tenebrismo y el naturalismo, una etapa de madurez en la Corte madrileña donde alcanzó su apogeo como pintor real y una última etapa tras dos viajes a Italia donde perfeccionó su técnica. Las obras más representativas de Velázquez incluyen retratos reales, escenas mitológicas
Elaborada a partir de la presentación de Tomás Pérez Molina (www.slideshare.net/tomperez).
Las fuentes de los recursos utilizados figuran en la última diapositiva.
El documento presenta información sobre el arte neoclásico y el pintor español Francisco de Goya. Describe las características del neoclasicismo en arquitectura, escultura y pintura, con énfasis en la imitación de modelos clásicos y la búsqueda de la belleza ideal. Luego resume la obra de Goya, destacando sus dos etapas artísticas y su evolución hacia el expresionismo, con obras como Las pinturas negras que reflejan su pesimismo a través de símbolos y ausencia de color. Finalmente
Este documento presenta varias obras pictóricas de diferentes estilos y épocas, incluyendo retratos, paisajes y naturalezas muertas. Brevemente describe las técnicas y características de cada obra, como el uso del color y la luz, la precisión en los detalles, y la representación realista versus la abstracción de formas. El documento provee información sobre diferentes artistas y sus estilos pictóricos a través de los siglos.
Francisco de Goya y Lucientes fue un pintor español que vivió entre 1746 y 1828. Tuvo una larga carrera que abarcó desde el barroco hasta el romanticismo. Trabajó inicialmente en la corte realizando retratos y pinturas costumbristas, pero luego su estilo evolucionó hacia temas más oscuros influenciado por su enfermedad y la guerra de independencia española. Sus últimas obras como las Pinturas Negras muestran una visión muy pesimista del mundo.
Este documento resume la pintura barroca española durante el Siglo de Oro, destacando a los principales pintores Ribera, Zurbarán, Murillo y Velázquez. Describe el contexto político y social de la época, así como las características de la pintura española como el mecenazgo de la Iglesia y la Corte, el naturalismo en temas religiosos y cortesanos, y el desarrollo de géneros como el bodegón y el paisaje. Explica brevemente las obras y estilos de cada pintor
El documento resume las etapas y evolución estilística de Diego Velázquez, el pintor barroco español, dividiendo su carrera en tres periodos: la etapa de formación en Sevilla, la etapa de madurez en la Corte realizando retratos y cuadros históricos e influenciado por el viaje a Italia, y un segundo viaje a Italia donde perfecciona su técnica y pinta obras maestras como el retrato de Inocencio X y La Venus del Espejo.
Francisco Goya fue un pintor español que vivió entre 1746 y 1828 y representó la transición entre el Neoclásico y el Romanticismo. Aunque recibió una formación clásica, desarrolló un estilo personal único que exploró en una gran variedad de obras, incluidas series de grabados como Los Caprichos y Los Desastres de la Guerra. Sus Pinturas Negras de 1819-1823, pintadas directamente en las paredes de su casa, muestran temas oscuros y son consideradas precursores del Expresionismo. Goya
El documento describe la vida y obra del pintor español Francisco de Goya. Nació en 1746 en Aragón y fue un pintor muy influyente que introdujo el estilo romántico en España. Sus obras incluyen retratos, pinturas costumbristas y pinturas negras con temas sociales y políticos. También se menciona brevemente la vida y obra de otros pintores españoles importantes como El Greco y Velázquez.
Contenidos relacionados con el tema 15 de Historia del Arte de 2º de bachillerato en Castilla y León: La pintura barroca española: Ribera, Zurbarán, Murillo y Velázquez.
El documento presenta información sobre diferentes estilos y períodos artísticos. Incluye descripciones de obras de arte primitivo como máscaras, arte antiguo como el Torso del Belvedere, arte medieval como el Beato de Osma, arte moderno como Terrasse à Sainte-Adresse de Monet y La persistencia de la memoria de Dalí, y define el arte contemporáneo como cuestionando principios artísticos y reflejando cambios filosóficos, científicos y políticos.
La evolución del arte en el siglo XX estuvo marcada por la ruptura de las vanguardias con las convenciones clásicas. Los artistas abandonaron la imitación de la naturaleza y se centraron en la expresión subjetiva, lo que llevó a la abstracción total y al arte conceptual. Esto provocó que el espectador a menudo no entendiera las obras de arte contemporáneo sin una guía.
El documento proporciona información biográfica sobre dos pintores españoles, Francisco de Goya y Diego Velázquez. Describe que Goya fue un pintor del siglo XVIII conocido por inaugurar el estilo romántico en España a través de su obra que incluía pinturas, grabados y dibujos. Explica que Velázquez fue el pintor más importante del barroco español y destacó por su realismo naturalista y por retratar figuras religiosas de una manera cercana y cotidiana.
La pintura española de la Prehistoria al S.XIXLgsfde11
Este documento resume la historia de la pintura española desde la prehistoria hasta el siglo XIX. Comienza con la pintura rupestre de la prehistoria, como la de Altamira. Luego cubre la pintura íbera, romana, románica, gótica, del Renacimiento, Barroco y Neoclásico, con ejemplos como El Greco, Velázquez, Zurbarán y Goya. Finaliza con la pintura del siglo XIX, destacando a José de Madrazo y Joaquín Sorolla.
La pintura española de la prehistoria al siglo xixLgsfde11
Este documento resume la evolución de la pintura en España desde la prehistoria hasta la edad contemporánea. Incluye información sobre la pintura rupestre prehistórica, la pintura ibérica y romana de la antigüedad, la pintura mural románica como la de San Isidoro de León, la pintura gótica sobre tabla y de vidrieras, los principales pintores del Renacimiento, Barroco y Neoclasicismo como Velázquez, Zurbarán y Goya, y la pintura del siglo XIX con artistas como Madrazo y
Similar a Estética de la sombra, presentación final. (20)
Trazos poligonales para hallar las medidas de los angulos con las distancias establecidas realizadas con la cinta metrica. Empleando fórmulas como la ley de cosenos y senos, para determinar dichos ángulos.Lo que ayudará para la enseñanza estudiantil en el ámbito de la ingeniería.
Catalogo General Cosmic Amado Salvador distribuidor oficial ValenciaAMADO SALVADOR
El catálogo general de Cosmic, disponible en Amado Salvador, distribuidor oficial de Cosmic, presenta una amplia variedad de accesorios, complementos y mobiliario de baño que destacan por su calidad, estética y diseño. En este catálogo, se pueden encontrar modelos innovadores diseñados para satisfacer las necesidades de cualquier cuarto de baño, asegurando la elegancia y la durabilidad en cada pieza.
Amado Salvador, como distribuidor oficial de Cosmic, ofrece a sus clientes productos que redefinirán la estética y el confort de sus cuartos de baño. Los accesorios de baño de Cosmic están fabricadas con materiales de alta calidad que garantizan resistencia y un acabado impecable, ideal para cualquier proyecto de decoración o renovación. La colaboración entre Amado Salvador y Cosmic asegura que los clientes reciban productos de primera categoría.
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La distribución oficial de Cosmic por parte de Amado Salvador garantiza acceso a las últimas novedades y tendencias en complementos para baño. Cada producto ha sido seleccionado minuciosamente para ofrecer lo mejor en términos de diseño y funcionalidad. Descubre en este catálogo cómo Amado Salvador, distribuidor oficial de Cosmic, puede transformar el cuarto de baño de tu hogar brindando una funcionalidad excepcional para satisfacer tus necesidades diarias. Amado Salvador distribuidor oficial de Cosmic en Valencia.
1. ESTÉTICA DE LA SOMBRA
la penumbra como elemento esencial en la construcción de la imagen
Serie “Pinturas negras” de Francisco de Goya
Samira Bajbuj Repetto
Presentación al Diseño 2
Diseño Gráfico. Título III. 2014
2. 1 2 3 4 5
Introducción
¿Qué se presenta?
Francisco de Goya
Serie Pinturas Negras
¿Para qué se presenta?
Valoración estética
de la sombra
Contexto histórico
artístico
Línea de tiempo
Romanticismo: Goya
Barroco: Rembrandt
Romanticismo: Delacroix
Arte Moderno: Sert
Tipologías observadas
La penumbra como
posibilidad constructiva
Sombra/Forma
Sombra/Profundidad
Significación elementos
Condensación de luz
Dimensión temporal
Juego de capas
y profundidad
El acto de la sombra
Conclusión
Diagrama gráfico
Conclusión de lo
observado
Otros referentes
el elogio de la sombra
Junichiro Tanizaki
Citas y reflexiones
Goya. luces y sombras
Lucidez en la oscuridad,
Museo del Prado
Serie Disparates
Bibliografía
Palabras clave
3. “Lo mismo que una piedra fosforescente en la oscuridad pierde
toda su fascinante sensación de joya preciosa si se la expone a
plena luz, la belleza pierde toda su existencia si se suprimen los
efectos de la sombra”
Junichiro Tanizaki
4. ¿Qué se presenta?
Se presentan las obras de Francisco de Goya de la serie
“Pinturas negras”. A partir de la obra de Goya se busca
destacar el uso de las sombras como elemento esencial
para captar las formas o cualidades que aparecen en el
lienzo.
En la estética o visión habitual se piensa en la sombra
como una sustancia cuyos efectos suelen hacer
desaparecer la imagen o figura, y que se encuentra
mucho más relacionada con el acto de ocultar que con
el acto de hacer aparecer.
Sin embargo, al igual que sucede con una llama de
fuego que aparece en todo su esplendor y belleza
cuando está en la oscuridad, y que al ser expuesta a la
luz pierde su presencia y naturaleza refulgente.
Podemos observar cómo en las obras de Goya el
principal aliado de la forma es la sombra. Èsta otorga
un valor estético a la obra ya que favorece lo “sutil”, la
gracia de lo que no es obvio y que se presenta como un
enigma a resolver.
Hombres leyendo, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo al secco trasladado a lienzo, 126 cm x 66 cm
Museo del Prado, Madrid, España
5. Francisco de Goya
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) fue un pintor
y grabador español.
Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el
grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló
un estilo que inaugura el Romanticismo.
El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la
pintura contemporánea, y se considera precursor de las
vanguardias pictóricas del siglo XX.
La serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con
que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo),
las Pinturas negras, conforman la obra culminante
y, posiblemente, su obra cumbre, tanto por su
modernidad como por la fuerza de su expresión.
Retrato del pintor Francisco de Goya, 1826.
Vicente López.
6. 2. El quitasol, 1777
Francisco de Goya
Oleo sobre lienzo, 104 x 152 cms.
Museo del Prado, Madrid, España
3. Capricho 13 “Están calientes”, 1799
Francisco de Goya
Grabado Aguafuerte, 21,9 x 15,3 cms.
Museo del Prado, Madrid, España
4. Desastres de la guerra n°10: Tampoco, 1810
Francisco de Goya
Grabado Aguafuerte, 15,5 x 20,6 cms.
Museo del Prado, Madrid, España
5. El tres de Mayo, 1814
Francisco de Goya
Oleo sobre lienzo, 266 x 346 cms.
Museo del Prado, Madrid, España
7. Pinturas negras
Con el nombre de Pinturas negras se conoce la serie de
catorce obras murales que pinta Goya entre 1819 y 1823
con la técnica de óleo al secco sobre la superficie de
revoco de la pared de la Quinta del Sordo.
Los críticos proponen que el asunto de estas obras y su
particular cromatismo, los cuáles reflejan un estado de
debilidad, decadencia y cercanía a la muerte, se deben
a causas psicológicas y sociales del autor. Se sugiere
que la situación en que se encontraba el pintor durante
el período en que fueron pintadas; su decadencia
física consecuencia de una grave enfermedad, fueron
reflejadas en esta serie de obras.
Saturno devorando a un hijo, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre revoco trasladado a lienzo, 143 cm x 81 cm
Museo del Prado, Madrid, España
Átropos o Las Parcas, 1819
- 1823.
Francisco de Goya
Pintura mural trasladado a
lienzo, 123 cm x 266 cm
Museo del Prado, Madrid,
España
8. Atropos o Las Parcas, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Mural trasladado a lienzo
123 cm x 266 cm
Museo del Prado, Madrid, España
Duelo a garrotazos, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Oleo revoco trasladado a lienzo
123 cm x 266 cm
Museo del Prado, Madrid, España
9. ¿Para qué se presenta?
El reconocimiento del valor de la sombra, o mejor
dicho, el valor que ésta otorga a la imagen, nos permite
visualizar la posibilidad de fijar nuestra mirada en una
relación diferente de lo que resulta armonioso o “bello”
convencionalmente; es decir, la valoración estética que
habitualmente se le otorga a lo luminoso o detallado,
aquello que aparece clara y nítidamente.
En cambio, nos abrimos al campo del estudio de las
sombras y las cualidades que ésta nos trae consigo.
Esto nos permite establecer relaciones gráficas o
visuales, sobre cómo estos opuestos se vinculan
entre sí y configuran la imagen a través de la sutil
yuxtaposición que otorga la penumbra y el juego de las
sombras.
Peregrinación a la fuente de San Isidro, (detalle) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 127 cm x 263 cm
Museo del Prado, Madrid, España
10. Contexto histórico artístico
Realismo
Post-impresionismo
Art Noveau
Art Decó
Neoclasicismo
Clasicismo
Naturalismo
11. Romanticismo: principales cualidades
Movimiento artístico que tiene sus orígenes en
la primera mitad del siglo XIX, y que representó,
básicamente, una reacción contra la rigidez académica
y la afirmación de una libertad absoluta.
D I S O LUCIÓN D E LOS L Í M I T E S
A R T E COMO S U S T E N TO D E L A S EMOCIONES
R U P T U R A D E L E S C E N A R I O E S TA B L E
COMPOSICIONES P R E S E N TAN G E S TOS DRAMÁT I COS
V I O L E N TOS CONTRASTES DE LUCES Y SOMBRAS
12. Influencias del barroco: Rembrandt
Dentro del Barroco encontramos a Rembrandt, pintor y
grabador holandés en cuyas obras podemos reconocer
varias de las características observadas posteriormente
en la obra de Francisco de Goya, principalmente en la
construcción de la forma a través de la disolución de
los límites establecidos o usuales de la imagen, en una
yuxtaposición de luces y sombras para su composición.
D I S O LUCIÓN D E LOS L Í M I T E S
CONTRASTES D E LUCES Y SOMBRAS
CLAROSCURO
14. Contemporáneo a Goya: Delacroix
Contemporáneo a Francisco de Goya, ubicado
cronológicamente solo un poco posterior a éste, dentro
del Romanticismo podemos encontrar la obra de
Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia,
26 de abril de 1798 - París, 13 de agosto de 1863), pintor
francés en cuyas obras se destacan muchos rasgos
de los observados en la obra de Francisco de Goya,
guardando varias similitudes en la composición de la
imagen y al dramatismo otorgado a las escenas que (re)
crea en sus lienzos.
D I S O LUCIÓN D E LOS L Í M I T E S
R U P T U R A D E L E S C E N A R I O E S TA B L E
G E S TOS D R AMÁT I COS E N L A COMPOSICIÓN
V I O L E N TOS CONTRASTES DE LUCES Y SOMBRAS
15. Piedad, 1850.
Eugène Delacroix
Óleo sobre lienzo, 35 cm x 27 cm
Museo Nacional de Oslo, Noruega
16. La matanza de Quíos, 1824.
Eugène Delacroix
Óleo sobre lienzo, 417 cm x 354 cm
Museo del Louvre, París, Francia
(página siguiente)
la muerte de Sardanápalo, 1827.
Eugène Delacroix
Óleo sobre lienzo, 390 cm x 500 cm
Museo del Louvre, París, Francia
17.
18. Legado en el arte moderno: Josep Maria Sert
Josep Maria Sert i Badia (Barcelona, 21 de diciembre de
1874 – ibídem, 27 de noviembre de 1945) fue un pintor
español. Destacó principalmente como muralista,
recibiendo numerosos encargos de decoración tanto
de edificios públicos como privados, con un notable
éxito internacional.
Sert se encuentra ubicado en el movimiento Art Decó,
propio del Arte Moderno. Sin embargo, sus influencias
no tienen tanto que ver con el arte del momento, como
con su notable inspiración en el arte del romanticismo ,
principalmente en la obra de Goya.
Sus influencias se visibilizan principalmente en el uso
de cromáticas similares a la obra de Goya, en la que la
cromática se lmita a los tonos ocres y oscuros. Además,
como elemento más notable al vincularlo con la obra
de Goya y como es parte de este estudio, podemos
reconocer en la obra de Josep Maria Sert el uso de las
profundidades y capas a través del juego de sombras.
D I S O LUCIÓN D E LOS L Í M I T E S
CONTRASTES D E LUCES Y SOMBRAS
P ROFUNDIDAD Y CAPAS
19. Pinturas del Salón de las Crónicas del
Ayuntamiento de Barcelona, 1929.
Josep María Sert i Badía
Mural
20. San Pedro (sin fecha).
Josep María Sert i Badía
Óleo sobre tabla, 133 x 74 cms.
Museo Goya de Castres, Francia
21. Tipologías observadas
LA PENUMBRA COMO POSIBILIDAD CONSTRUCTIVA
Se habla que en las obras de “Pinturas negras” de
Goya, el objeto de arte no es la belleza, si no que es el
“pathos”.
Sin embargo es posible observar que si bien la belleza
no reside en el mensaje de su obra, ni en las emociones
que provoca o de las que surge, la belleza de estas
obras reside en la manera en que el autor hace
aparecer o expone las figuras y las formas a través
de la penumbra y no a través de la luz, el color o el
detalle. Entonces decimos que la manifestación de la
belleza o armonía se establece en relaciones que son
generadas por el juego de sombras que construye la
imagen.
Las imágenes en estas obras no están pensadas para
ser vistas con una sola mirada, sino para ser adivinadas
por el ojo en medio de la penumbra que las componen.
La romería de San Isidro, (detalle-detalle-completo) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 138,5 cm x 43,6 cm
Museo del Prado, Madrid, España
22. Dos viejos comiendo sopa, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 49,3 cm x 83,4 cm
Museo del Prado, Madrid, España
23. Los detalles en la imagen que el autor desea hacer
aparecer aparecen fulgurantes sobre el lienzo. Esta
cualidad sólo puede ser posible gracias a la penumbra
que los rodea, no podrían valerse de esta característica
si se ilumina su entorno.
Además, la imagen no tiene bordes concretos, al estar
construida a través del juego de sombras, sus bordes
se vinculan con su entorno, estableciendo una relación
entre forma - oscuridad cuyo vínculo es inalterable.
La forma armoniza con su entorno a través de la
sombra.
Relación sombra - forma
Judith y Holofernes, (completo - detalle) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 143,5 cm x 81,4 cm
Museo del Prado, Madrid, España
24. Las parcas, (detalle) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 123 cm x 266 cm
Museo del Prado, Madrid, España
25. Sombra y profundidad
Pareciera que la penumbra que rodea la imagen tiene
como fin, o mejor dicho, su existencia se justifica
para recoger la frágil luminosidad que se enfoca en la
camisa de uno de los personajes.
Además, pareciera que este espacio en oscuridad
hubiese sido creado como una dimensión de
profundidad, como cualidad estética de la obra.
Este vínculo que la penumbra establece con la forma
y la profundidad, genera una imagen en el que luces
y sombras se confunden, otorgando una consistencia
mayor a la figura. (como la consistencia que adquiere el
fuego al estar en un espacio completamente oscuro.)
Dos mujeres y un hombre, (detalle - completo) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 125 cm x 65,5 cm
Museo del Prado, Madrid, España
26. Dos viejos, (completo - detalle) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 144 cm x 66 cm
Museo del Prado, Madrid, España
27. Reproducciones
Reproducciones en tinta china y acuarela sobre canson.
La manera en que Goya construye las formas parece
que buscase hundir los gestos en la penumbra que los
rodea, ésto provocan que estas formas adquieran un
relieve en la profundidad que provocan las sombras.
El juego de sombras vuelve significantes elementos
que de lo contrario pasarían desapercibidos, entonces
¿Es la penumbra un elemento que hacer aparecer y
que destaca las formas, antes que un elemento que las
oculta?
El acto de la sombra: La significación de
los elementos
Reproducción
Hombres leyendo, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo al secco trasladado a lienzo, 126 cm x 66 cm
Museo del Prado, Madrid, España
28.
29. El acto de la sombra: la condensación de la luz.
Aparecen reflejos claros que dan la sensación de
percutir o rebotar sobre el fondo sombrío, esto genera
un juego vibrante entre luces y sombras que otorgan
valor estético por su particularidad a la obra de Goya.
La sombra otorga una cualidad a la forma al condensar
la luminosidad, le concede una densidad propia.
Reproducción
Dos mujeres y un hombre, (detalle - completo) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 125 cm x 65,5 cm
Museo del Prado, Madrid, España
30.
31. El acto de la sombra: la dimensión temporal.
La presencia que adquiere la penumbra sobre la
imagen se vuelve aún más potente al adquirir una
dimensión temporal.
La mente humana tiende a reconocer imágenes
completas sin la necesidad de que se nos muestren en
completitud, esto sucede debido a la teoría de Gestalt y
tiene que ve con la percepción del ojo.
Es por esto que cuando la sombra configura la imagen
en la obra de Goya, evadiendo los límites y la obviedad
de las formas, somos capaces de reconocer la forma
que se nos presenta. Sin embargo, la cualidad que
más se destaca de esta composición es la dimensión
temporal que este juego otorga a la escena; sabemos
que la imagen se compone también de algo que no
vemos,por lo tanto, sabemos que lo que aparece , y la
forma en que aparece, correponde a un instante único
en que sombra y luz se relacionan de aquella única
manera. Esto otorga un mayor dramatismo en la obra
de Goya, propia del Romanticismo.
Reproducción
Judith y Holofernes, (completo - detalle) 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 143,5 cm x 81,4 cm
Museo del Prado, Madrid, España
Reproducción (página siguiente)
Dos viejos comiendo sopa, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 49,3 cm x 83,4 cm
Museo del Prado, Madrid, España
32.
33. La forma que toma la imagen del rostro es única en
ese momento luminoso, si la figura se moviese o el la
luz cambiara la imagen se conformaría de otra forma
diferente.
34. Construir la experiencia del ojo: el juego de capas
El juego de sombras construye y crea un lenguaje
gráfico que nos habla de la priorización de elementos
e incluso de momentos o situaciones de tiempo en la
imagen.
Este conjunto de cualidades observadas en las
obras de Goya tienen directa relación con el proceso
constructivo. La presencia de la penumbra como objeto
del aparecer, la sombra que adquiere una función en el
lienzo nos ayudará a comprender cómo se construye la
experiencia del ojo frente a la imagen total: el lienzo.
Reproducción (detalle)
Perro semi hundido, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre revoco trasladado a lienzo, 131,5 cm x 79,3 cm
Museo del Prado, Madrid, España
36. Reproducción (detalle)
El aquelarre, 1819 - 1823.
Francisco de Goya
Óleo sobre muro trasladado a lienzo, 140 cm x 438 cm
Museo del Prado, Madrid, España
37. Otros referentes
EL ELOGIO DE LA SOMBRA
Junichiro Tanizaki (Tokio, 1886 - Yugawara, 1965), uno
de los principales exponentes de la literatura japonesa
del siglo XX.
En este esayo clásico titulado “El elogio de la sombra”
y escrito en 1933, Junichiro Tanizaki va desarrollando
con gran refinamiento esta idea medular del
pensamiento oriental, clave para entender el color
de las lacas, de la tinta, o de los trajes del teatro no;
para aprender a apreciar el aspecto antiguo del papel
o los reflejos velados en la pátina de los objetos para
prevenirnos contra todo lo que brilla; para captar
la belleza en la llama vacilante de una lámpara y
descubrir el alma de la arquitectura a través de los
grados de opacidad de los materiales y el silencio y la
penumbra del espacio vacío.
“En Occidente, el más poderoso aliado de la belleza ha sido siempre la luz. En
cambio, en la estética tradicional japonesa lo esencial es captar el enigma de la
sombra. Lo bello no es una sustancia en sí sino un juego de claroscuros producido
por la yuxtaposición de las diferentes sustancias que va formando el juego sutil de
las modulaciones de la sombra.”
“Como si fueran incapaces de hacer mella en las espesas tinieblas del toko no ma,
los reflejos blanquecinos del papel rebotan en cierta manera sobre esas tinieblas,
desvelando un universo ambiguo donde sombra y luz se confunden.”
38. Otros referentes
“GOYA. LUCES Y SOMBRAS”
Exposición en Museo Nacional del Prado.
La muestra, compuesta por 96 obras, entre las que se
incluyen 27 óleos, 44 dibujos, 23 estampas y 2 cartas,
se articula a través de quince ámbitos, secciones
autónomas que presentan pequeños relatos visuales
en los que se analizan buena parte de los principales
temas que desarrolló el artista a lo largo de su vida.
Sección: “Lucidez en la oscuridad”
Serie: Disparates
Los Disparates o los Proverbios es una serie (con toda
probabilidad incompleta) de veintidós grabados
realizados al aguatinta y aguafuerte, con retoques de
punta seca y bruñidor, realizada por Francisco de Goya
entre los años 1815 y 1823.
Lo cierto es que el grado de fantasía, la presentación
de escenas de pesadilla, el aspecto grotesco y
monstruoso de los personajes que habitan esta serie,
al lado de su falta de lógica, hacen que esta obra se
encuentre fuertemente relacionada sobre todo con
las Pinturas negras, además de que se cree fueron
pintadas en un período cercano.
Se presenta como referente ya que en esta serie
del mismo autor se pueden reconocer varias de las
cualidades levantadas en el presente estudio.
N°13
N°18
N°07
39. Conclusión
En este estudio se buscaba
comprender como Francisco
de Goya componía la imagen
en sus obras de la serie
“Pinturas negras” a través del
uso de la penumbra como
posibilidad constructiva.
A partir de esto se observa
cómo la penumbra adquiere
un valor esencial dentro del
lienzo actuando de diferentes
formas; construyendo
figuras, generando capas de
profundidad, destacando
elementos de la escena,
condensando y otorgando
sustancia a la luminosidad
y agregando una dimensión
temporal a la escena.
Estas acciones generarán
un resultado inequívoco y
valioso: el aparecer dramático
y eminente de la forma, tal
como sucede con la llama del
fuego en medio de la profunda
oscuridad.
PENUMBRA
COMPOSICIÓN DE LA
IMAGEN
CONSTRUYE
LA FORMA
OTORGA
PROFUNDIDAD
DESTACA ELEMENTOS
CONDENSA
LA LUZ
AGREGA
TEMPORALIDAD
APARECER
DRAMÁTICO DE LA
FORMA
40. Bibliografía
LIBROS Y REVISTAS
TANIZAKI, Junichiro. El elogio de la sombra. Editorial Siruela, Madrid, España. Traducido
al español por Julia Escobar. Edición n°32, año 2013. 96 págs.
HAGEN, Rainer & Rose-marie. Goya. Editorial Taschen, Colonia, Alemania. Año 2003. 96
págs.
SALVAT, Juan. Revista Historia del Arte. Editores Salvat, Barcelona, España. Año 1974.
Volumen VIII - Fascículo 11. 18 págs.
SITIOS WEB
http://www.museodelprado.es
Sitio del Museo Nacional del Prado, España.
http://www.cvc.cervantes.es/
Enciclopedia virtual. Centro Virtual Cervantes creado por el Instituto Cervantes de
España en 1997.
http://goya.unizar.es/
Catálogo y Exposición virtual de las obras de Francisco de Goya. Universidad de
Zaragoza y la Institución Fernando el Católico de la Excma.
http://es.wikipedia.org
Enciclopedia libre.
Goya, sombra, penumbra, Tanizaki, romanticismo, dramatismo, forma, pinturas negras, composición, imagen, luz,
luminosidad, oscuridad, aparecer, construcción, Delacroix, Rembrandt, museo del prado, fuego, observación, arte, Francisco
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