Historia del dibujo

Programa ESPECIALIZACIÓN EN DIDÁCTICA DEL ARTE

FUNDACIÓN UNIVERSITARIA LOS LIBERTADORES

Grupo MEDELLÍN 03

Nombre ACTIVIDAD VIRTUAL DIBUJO: Historia del dibujo

Asignatura TALLER DIDÁCTICA I - DIBUJO

Profesor N ÉSTOR PEÑA GUARÍN

Presentado por MIGUEL ANGEL CAÑAS RESTREPO

Fecha Octubre 9 de 2011

Algunas reflexiones

En unión del gesto y de la voz, el dibujo es un lenguaje antiquísimo y universal, mediante el cual se expresan y describen para su comunicación imágenes del mundo circundante, o bien inventadas en
sus formas o en su asociación.

El dibujo es una de las formas más fundamentales de la expresión artística. Los dibujos fascinantes de las cuevas de Lascaux y otros lugares de Europa son algunas de las mejores pruebas de la
compulsión intemporal para tomar imágenes con el esquema, sin embargo, más allá de las pinturas rupestres , es mucho más difícil de evocar en los casos en los ojos a cabo de la mente de dibujo antes
de el período conocido como el Renacimiento italiano . En ese momento, por supuesto, el dibujo parece tomar un nuevo significado. El artista del siglo XVI y el historiador Giorgio Vasari se articula en
varios volúmenes en su Vidas de los pintores más eminentes, escultores y arquitectos una noción que se da por sentado: que el dibujo, mejor que cualquier otra técnica, ofrece acceso a los procesos de
pensamiento del artista. De hecho, nos sentimos al ver los bocetos maravillosos de Leonardo da Vinci que tener una visión privilegiada en la mente de este genio intrigante. Vasari describe la forma en
que los dibujos eran manifestaciones valiosas y de colección de la habilidad del artista. Mientras que el "Viejo Maestro", los dibujos han llegado hasta nosotros en la abundancia, el trabajo de los
dibujantes de las épocas anteriores sigue siendo difícil de encontrar y en gran parte desconocida.

Este ejercicio expresivo, que puede llegar a dominarse tras un período de aprendizaje y práctica, educa la inteligencia hasta el punto de que el artista que ha disciplinado su personalidad dibujando,
afronta con esa misma disciplina y orden actividades en apariencia tan distantes como la expresión abstracta. Sin olvidar nunca que al artista joven se le deben dar lecciones y no recetas.

Si, en opinión de Hegel, la forma artística es la manifestación sensible de la idea, el dibujo es el lenguaje básico que posibilita esa manifestación, ya sea en las artes visuales o del espacio.

En el dibujo de buena calidad, válido por sincero, el alma del artista se expresa no mediante formas, sino en las formas. La de dibujante es, por consiguiente, una profesión que se convierte en arte
cuando desborda lo que es mera aptitud manual, lo que se llama oficio, para transformarse en vehículo de sentimientos, ideas y percepciones.

El dibujo artístico, desde el registrado en yacimientos prehistóricos, más o menos perfeccionado, coloreado o no, es el estilo lineal que luego habían de practicar el Beato de Liébana, Ingres o el mismo
Hergé, que capta los apelativos táctiles de contornos y superficies, representando expresamente los límites de los objetos. El dibujo que apura en calidades y texturas, que profundiza en la realidad con
un mejor conocimiento de la misma, nos lleva al hiperrealismo. En el otro extremo de la exactitud representativa están los bocetos, ensayos de dibujos que Jusepe Martínez denomina "dibujos de idea"
en su libro "Discursos practicables".

El dibujo geométrico alcanza su cima última en el op-art. Mientras Mondrian recoge en sus dibujos rectangulares el orden subyacente en la Naturaleza, Vassarely consigue impresiones visuales nuevas
con la repetición de módulos en sus dibujos. El dibujo constructivista procede, asimismo, a la peculiar ordenación de líneas y planos.

Afín al geométrico es el dibujo industrial, que utiliza un sistema convencional de representación objetual, basado principalmente en las perspectivas cónica y oblicua y en proyecciones ortogonales. El
dibujo como proyecto representa la abstracción de los elementos cuantitativos de una máquina, un objeto o un edificio en términos puramente geometrizados. En la esfera comercial hay que incluir
logotipos y carteles. El logotipo es una forma de comunicación visual utilizada en lugar de descripciones escritas; en él hay contenidos unos signos gráficos y un mensaje. El cartel representa la función
del dibujo en el arte del siglo XX; funciona como medio de comunicación vehiculador de un mensaje que va desde un emisor a un receptor y se caracteriza por su gran tamaño y por el gran número de
ejemplares que reproducen la imagen dibujada.

EL DIBUJO ARTÍSITICO A TRAVÉS DEL TIEMPO
PERIODO CARACTERÍSTICAS ARTISTAS OBRAS TÉCNICAS

En las paredes de las grutas,
con los dedos, pinceles de
Formas de
Pintura rupestre

plumas o de madera astillada.
animales
Los colores consistían en
observados
tonos negros, rojos, amarillos
(bisonte, caballo,
y pardos, obtenidos mediante
venado) logrando
la pulverización de arcillas
representar sus
rojas, de trozos de ocre
movimientos, la
Anónimo amarillo y rojo mezclados con
masa y la forma de
grasas o con jugos vegetales.
los cuerpos con Bisonte de la cueva de Altamira (Esp) Figuras humanas en ZImbaue y Namibia Hacia finales del Paleolítico, la
fines mágicos;
característica esencial de las
motivo
pinturas es la
ornamental,
esquematización de las
incluso no
formas, adquiriendo así
figurativo.
mayor movimiento y
dinamismo

El caballo chino en Lascaux (Fr) Policromía en Piauí (Br) Pictografía en Soacha (Col)
Ambiente cargado de Anónimo
religiosidad, pureza de la línea,
Cubrían la madera
armonía de las formas,
o piedra con una
equilibrio compositivo y una
capa de estuco,
gran gama de colores que la
luego realizaban
hacen atractiva, mágica,
el dibujo con
Antiguo Egipto

natural y contemplativa.
color rojo, para
Representación de la figura
después trazar el
humana -Ley de Torsión o
contorno de la
Frontalidad-: cabeza, brazos y
figura con negro;
piernas de perfil; hombros,
esta preparación
ojos, vientre y pies de frente.
permitía que al
Se destaca la silueta de la
contacto de los
figura. Es detallista. Utiliza
óxidos de la
trazo seguro y firme.
materia colorante
Superposición de figuras y gran
con el soporte, se
colorido, logrando diversos
operara una
tipos de armonías.
reacción química,
Representación de escenas de
dando como
la vida real. Carácter
resultado la
decorativo en atención a que
Mural en cámara funeraria s XV ac Nefertiti Tumba de Sennedjem s XIII ac fijación de los
ella es empleada en las
pigmentos.
paredes de templos, tumbas y
palacios.

Idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los
elementos, interés por reflejar la expresividad genuina
en la figura humana (humanismo); por ello,
desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El
atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los Polignoto,
artistas sus mejores modelos. La sencillez, el ritmo, la Apolodoro
Grecia
claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas. de Atenas, Murales cuyas copias pueden ser algunas decoraciones
La forma por encima del color. Agatarco de las grandes ánforas de lujo.
Lo que ha quedado son copias y fragmentos de ánforas y de Samos, Emplearon los procedimientos al fresco, al encausto, al
de otras elegantes vasijas salvo algunos mosaicos de Zeuxis, temple y quizás al óleo.
pavimento y placas de arcilla pintadas y sin contar las
Parrasio y
obras de pintura romana en que intervino mano griega.
Apeles.
Los asuntos representados fueron escenas de la vida
humana y tradiciones o leyendas mitológicas y heroicas.

Pinturas sobre cerámica S VI ac

El dibujo y la pintura
están al servicio de la
arquitectura, Manchas de color
predominando los al temple,
Roma

murales. Los temas eran aplicadas con
brochazos sueltos,
asuntos bélicos, eróticos,
sin detallar, a la
leyendas heroicas, manera
paisajes, marinas, impresionista y con
naturaleza muerta y el efectistas toques
retrato. Sus obras de sombra y luz.
artísticas llevan siempre
un sello utilitario.

Mosaico con gladiadores Polifemo y Galatea, mural S I ac Mujer tocando la cítara, mural S I ac
Paleocristiano
ss I-VI

Mosaicos de gran colorido, muchos de ellos realizados
Simbolismo en las catacumbas. Temas litúrgicos, figuras
con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos,
de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. sobre un fondo dorado.

El buen pastor, catacumba 300 dc Panes y pez, fresco catacumba San Calixto s III dc San Calixto


Los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y
despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos
Bizantino
y estructuras pertenecen más al mundo asiático que al
grecolatino, se reflejan en su arte. Presenta dos modalidades:
 La mural, destinada a la decoración del interior del
Representación de acontecimientos bíblicos en las
templo en bóvedas y cúpulas; y
cuales se observa que las figuras poseen un hieratismo
 La de caballete: pequeñas piezas sobre tablas de
bastante acentuado que siempre están colocadas de madera.
frente. Se pintaba al óleo o al temple.
Se representaban escenas alegóricas en las que
entraban la Virgen o el Cristo: la Resurrección, el Juicio
Final, la Gloria, etc.

Relicario de la Vera Cruz s IX Libro de las horas s XIV cúpula Iglesia de los Santos Joaquín y Ana, Serbia s XIV

Origen en el arte de Roma. Decoración Hasta el siglo XV, las pinturas de
pictórica en vastas extensiones de tamaño grande se ejecutaban al
Románico

pared lisa sobre ábsides y bóvedas en temple: con pigmentos molidos y
las iglesias - pintura subordinada a la mezclados con algún aglutinante -
yema de huevo-, adelgazada con
construcción-. Falta de perspectiva,
agua hasta donde fuera necesario;
colores planos y fulgentes, composición
se pintaba sobre estuco blanco,
simétrica, rigidez de las figuras e aplicado previamente en una capa
inexpresividad de los rostros que muy delgada a la tabla o lienzo.
muestran siempre su mirada También pintura sobre madera
asombrada. Temas: figuras de ángeles, (frontales) y muchas ilustraciones
santos, apóstoles, corderos, etc., Beato Morgan (s X):La bestia encadenada - Cristo con los resucitados Computus Thorney Diagrama con la crucificción (s XIV) de biblias y evangelios.

Expresión y realismo. El paisaje se introduce como La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el
modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se gótico. Pierde su lugar natural, el muro. Por eso, debido
Jean al escaso desarrollo de éste, la pintura gótica tiene su
Ss XII-XV

presentan estilizadas y poco modeladas. En las
Fouquet, primera ubicación en las vidrieras y en las miniaturas de
Gótico

catedrales, debido a los grandes vitrales, está reducida a
miniaturas de libros, tapices y retablos. Juan Van los códices. Pintura sobre tabla, consistente en
Eyck, pequeños altares portátiles y retablos, formados por
Temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura
Rogerio uno o varios paneles. También pan de oro con tinta
humana, pero sin profundidad. Los pintores se esfuerzan Van Der sobre pergamino.
por lograr la naturalidad y reproducen gestos y Weyden,
ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo Giotto La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que
dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el da un mayor colorido y permite un acabado más
colorido, que brilla con intensidad de esmalte. minucioso.

Casulla S XIV Manual de derecho s XIII


Juan Van Eyck: Virgen del canciller Rolin - Giotto ―Beso de Judas” Rogerio Van Der Weyden
Ghiberti (1378-1455): "no se puede ser buen pintor ni
escultor sin dominar la teoría -el razonamiento- del
dibujo"… "el dibujo es la base y la teoría".
Vasari (1511-1574) enumera ya cuáles son las "artes del
dibujo": pintura, escultura y arquitectura, artes
consideradas principales y unidas por el estudio de las
El fresco se aplicó para pintar el interior de las paredes
formas. Las demás son "artes mecánicas".
y muros. La sutil gradación de la luz y la sombra en La
Masaccio y Mantegna (s XV) hacen del dibujo
Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer
instrumento descriptivo de unos personajes de recia
bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera
presencia, con formas que "pesan".
logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados
Para Dolce (1508-1568), el dibujo es, en unión del
se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la
Renacimiento

colorido y la invención, una de las tres partes
consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de
fundamentales de la pintura, con el matiz añadido del Masaccio: “Tríptico de San Juvenal” “La expulsión de Adán y Eva” linaza y aguarrás.
claro-oscuro, que crea el relieve.
Masaccio,
Leonardo no fue un pintor prolífico pero, en cambio, fue Mantegna,
Leonardo,
un dibujante muy productivo; llegó a llenar sus diarios Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la
Miguel
de pequeños croquis y dibujos muy detallados para Ángel, sanguina, el lápiz y la tinta sobre papel. Pero si el dibujo
dejar constancia de todo lo que había atraído su Rafael, no tuvo mucho interés para los artistas del
atención. Además de sus notas, existen numerosos renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre
estudios de sus pinturas. Enseñaba a dibujar siguiendo
los alemanes fue muy cultivado y se trabajó como una
tres etapas sucesivas: copia de dibujos, generalmente de
Rafael o Miguel Ángel; de yesos de figuras clásicas; y por técnica autónoma, paralela a la de la pintura, en sus
último del natural: anatomía y perspectiva de hombres dos formas principales: el grabado en metal
bien proporcionados. (calcografía) y el grabado en madera (xilografía), a cuya
difusión contribuyó el reciente invento de la imprenta
Por su parte, Rafael advierte que la perfección de la en 1450.
pintura no está sólo en el dibujo que atiende a los
cánones del desnudo, si no se complementa con la
invención, la perspectiva y los ropajes, tomando así
mismo como base el dibujo. No olvidemos que Rafael Vasari: Lorenzo el magnífico Mantegna: Cristo muerto Judith con la cabeza de Holofernes
representa la pureza clásica de la línea, frente al
expresionismo romántico y tumultuoso de Miguel Ángel.

Reiteradamente se ha considerado que la cima y
máxima perfección del arte de la pintura estaba en la
asociación del dibujo de Miguel Angel con el colorido de
Tiziano, según apunta, entre otras referencias, la teoría
ecléctica de Paolo Pino.

Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes
de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que
conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o
Sanzio, quienes se destacaron por su majestuosa obra
pictórica, revelan gran maestría en el manejo del lápiz.

Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con
valor por sí misma, no fue considerado en la época,
quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la Antonio Pollaiuolo: Batalla de hombres desnudos s XV - Domenico del Barbiere: Dos hombres desollados y esqueletos s XVI
pintura.

Leonardo: Autorretrato

Leonardo: Anciano pensativo Estudios para La Natividad Hombre de Vitrubio Estudio de caballo Estudio sobre las turbulencias


Giovanni Bellini: El festín de los dioses s XVI Tintoretto: El origen de la Vía Láctea Filippino Lippi: Juventud de pie y leyendo Alberto Durero: Adán y Eva

El Greco: Vista de T oledo Pedro de la Campaña Tiziano: Dos sátiros en un paisaje Correggio: La Anunciación
Retablo de la Purificación


RAFAEL
Cuando estaba satisfecho con una composición a
menudo la trasladaba a cartón a escala real, que
posteriormente perforaba con un punzón, dejando
Antagonismo entre la pureza clásica de Rafael, y el agujeros por donde dejaba pasar un poco de
apasionamiento temperamental de Miguel Ángel. hollín, de modo que quedaban líneas en la
superficie final como guía.
Rafael Sanzio: uno de los dibujantes más finos en la También hizo un uso exhaustivo y poco habitual,
Historia del Arte Occidental y uno de los que usó tanto en papel como en yeso, de una «aguja
ampliamente el dibujo para planear sus composiciones. ciega», marcando líneas que dejaban sólo una
hendidura, pero ninguna marca.
En sus últimos años fue uno de los primeros
artistas en usar modelos femeninos para dibujos
preparatorios, aunque cabe mencionar que
habitualmente se usaban hombres para estudio de
ambos sexos.
Rafael: La resurrección de Cristo, estudio y obra terminada Retrato de Baltazar de Castiglioni

Rafael: La escuela de Atenas La Galatea Miguel Ángel: Copia de la parte central de La Batalla de Cascina

Miguel Ángel: La Resurrección Capilla Sixtina Adán

Sin precedentes en gran formato, a excepción de las No inventaron la técnica al óleo, pero si se encargaron
vidrieras; miniaturas, empleo de colores brillantes, de aplicarla sistemáticamente, contribuyendo a su

pintores Flamencos detallismo. Este rasgo permite el avance técnico que
sobre el óleo ya existía, pero tenía un proceso de secado
consolidación y difusión durante el siglo XV y XVI.
Utilizaban tintas fluidas y transparentes, aplicadas por
tan lento que no lo hacía demasiado útil. medio de veladuras para obtener las luces, para
sombrear delicadamente, o para matizar el color del
fondo.

Los flamencos usaban una técnica mixta de temple y
óleo. Una primera capa, normalmente al temple, se
usaba para definir el dibujo y el modelado con sus luces
y una ligera indicación del color. La siguiente capa, al
óleo, servía para que el artista se dedicase
exclusivamente a la representación del efecto
cromático.

Conservaron como soporte la tabla, que había sido el
más importante durante la Baja Edad Media, a pesar de
que en Venecia ya se estaba empezando a generalizar
Pieter Brueghel: Autorretrato Juego de niños el uso del lienzo. Esto es indicativo de lo íntimamente
unidos que estaban los conceptos de artista y artesano
aún en aquella época.

Bosco: Jardín de las delicias- La Tentación de San Antonio Rubens: Las tres gracias Danza de aldeanos La masacre de los inocentes

El teórico Pierre-Henri Valenciennes (1750-1819) al distinguir entre "pintores y dibujantes" y "pintores coloristas", recomienda no entremezclar ambas posturas. Aduce a este respecto que "cuando Rubens
quiso dibujar mejor, coloreó peor; y cuando Rafael quiso colorear mejor, sus cuadros perdieron la finura de dibujo que hizo famoso a este autor".

Los artistas "poussinistas" defendían la primacía del Al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos.
dibujo frente a la fuerza del color, del que hacían
bandera los "rubenianos". Que el color exultante
era insuficiente para determinadas mentes de la
época, se refleja en la calificación que hace
Chambry de "pintura libertina" a la que carece del
orden y la disciplina del dibujo.

Expresa desde la calamidad de la pobreza hasta lo
fastuoso de la riqueza. Se rompe la rectitud y la
uniformidad en las representaciones pictóricas y se
intenta al máximo conmover y atraer al espectador.

Rembrandt: Uso del claroscuro, manejo
escenográfico de la luz y la sombra —fuertemente
influido por Caravaggio—, visión dramática y
emotiva de temas que tradicionalmente habían sido
tratados de una forma impersonal. Sentimiento de Poussin: Paris y Enone Fedra enamorada de Pegaso
empatía que desprende su visión de la humanidad,
independientemente de la riqueza o la edad del
retratado.
Barroco sXVII

Su propio entorno familiar -su mujer Saskia, su hijo
Titus, su amante Hendrickje- suelen aparecer de
forma visible en sus pinturas, en ocasiones
representando temas bíblicos, históricos o
mitológicos.

El arte barroco pretendía evocar la emoción y la
pasión en lugar de la tranquila racionalidad que
había sido apreciada durante el Renacimiento

Charles le Brun: Las pasiones del alma Lucas Jordan: Salomón y la princesa de Saba

Caravagio: La muerte de la Virgen - Cena de Emaús Velásquez: Estudio para el cardenal Borja A. Van Dick: Autorretrato Sansón y Dalila


Rembrandt: Autorretrato Cristo en la tormenta en el lago de Galilea - El rapto de Europa León Elefante

José de Rivera: Apolo y Marsias Vermeer: La lección de música - El arte de la pintura Luis de Nain: Familia campesina La Tour: San José Caríntero
Según el maestro
Neoclasicismo s XVIII

Mengs, pintor
áulico de Carlos
Academias de Roma, París, Florencia, Nápoles y III, para hacerse
Génova, entre otras pintor hay que
aprender las
disciplinas
La Academia Francesa llegaba al exceso de poner
en manos de sus alumnos el librito de Le Brun pertinentes, y
titulado "Physiognomie", en el que se incluían las precisamente en
expresiones de miedo, ira, asombro, etc., evitando este orden: 1º.
así que los educandos tuviesen que consultar la dibujo, 2º claro-
Naturaleza... oscuro, y 3º
colorido; luego
El color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia añade la armonía,
el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como composición,
complemento. gracia, y
proporciones del
David: Napoleón Cupido y Psiquis El juramento del juego de pelota
cuerpo humano.


Rafael Mengs Maella Ingres: Lucien Bonaparte: El baño turco
En pleno siglo XIX se repite entre Ingres y Delacroix la vieja pugna de dibujo vs color que ya existió entre Miguel Ángel y Tiziano.
Y es curioso que en ese mismo XIX sea Delacroix el único artista con categoría suficiente para enfrentarse en Francia con un soberbio dibujante: Daumier, autor de planchas magistrales.

Ingres La gran odalisca Juana de Arco La fuente Napoleón en su trono imperial


Sentimentalismo, misticismo, expresión de los
sueños.

El gran Ingres, autor de la archifamosa frase "le
ROMANTICISMO

dessin est la probité de l'art" –el dibujo es la verdad
del arte-, afirma también: "Si yo tuviese que poner
un anuncio sobre mi puerta, escribiría: Escuela de
Dibujo, y estoy seguro de que crearía pintores".

Ingres mereció el siguiente juicio de Baudelaire: "El
dibujo de M. Ingres es el de un hombre convencido.
Cree que la Naturaleza debe ser corregida, Daumier: Gargantúa Los trenes del placer Una discusión literaria
enmendada; que el engaño agradable, hecho para
el placer de la vista, no es solamente un derecho,
sino un deber".

Delacroix cuando decía: "Un buen dibujo no es una
línea rígida, cruel, despótica, inmóvil, que encierra
una figura como una camisa de fuerza; porque el
dibujo debe ser como la Naturaleza: vivo y agitado",
frase que pone bien de manifiesto la filiación
romántica de quien la pronunció.

Delacroix: La libertad guiando al pueblo - La barca de Dante - La matanza de Quíos

David Friedrich: Naufragio Constable Chassériau Goya: Aquelarre
en un mar helado


Goya: Carga de los mamelucos El sueño de la razón produce monstruos Cómicos ambulantes Asalto de ladrones

Géricault: La monomanía de a envidia Turner: El incendio del parlamento - El lago Lucerna David Friedrich: Viajero frente al mar de niebla


Realismo

Millet: Pastora con su rebaño Gisbert: El fusilamiento de Torrijos Coubert: Un entierro en Ornans Rodin: Dos figuras femeninas

Morbelli: En los campos e arroz Millet: Camino al trabajo Daumier: Vagón de tercera clase Pelliza da Volpedo: El cuarto estado

Dibujaban directamente con los pigmentos.
Impresionismo

Énfasis en la luz y el color, más que en los
contornos del dibujo.

Sisley: Puente en Villeneuve Monet: Estanque de nenúfares


Degas: Retratos en un taller de algodón Seurat: El baño de Asnieres La Parade Renoir: La Balançoire
Expresionismo

Marc: Tirol Kirchner: Jinete de circo Van Gogh: La iglesia de Auvers Autorretrato El dormitorio
En el dibujo expresionista los contornos de las personas y cosas vibran con un pálpito de vida propia y se deforman, sin dejar de ser reconocibles. Se ha dicho que las deformaciones fruto del amor son más verdaderas que la mayor exactitud representativa. Porque si una cosa
se dibuja con amor, jamás será falsa. Tal sucede en el retrato que el niño dibuja de su padre, o el de la Virgen dibujada por la monja inocente e indocta. La culminación de este dibujo entrañable, por lo común muy detallista, es el dibujo naïf.


Cubismo

Con carácter muy marcado, toma como valor
representativo más sólido la "anatomía de los
objetos", puesto que el color resulta engañoso al
depender de la luz.

Gris: Guitarra y mandolina Mujer sentada Retrato de Picasso El fumador

Picasso: Guernica Violín y guitarra Llorando

Picasso: Pesca nocturna Tres músicos Desnudo, hojas verdes y busto Jacqueline

En pleno siglo XX se repite el antagonismo Rafael-Miguel Ángel (pureza clásica frente a apasionamiento temperamental) en el binomio Juan Gris-Picasso, el primero autor de un cubismo racionalísta
casi cartesiano, y el segundo impulsivo y revolucionario hasta hacer saltar por los aires los conceptos de perspectiva y colorido imperantes en el mundo occidental desde el Renacimiento.

Concepto artístico basado en la dinámica de la
velocidad de la vida moderna. Símbolo: el automóvil
Futurismo

de carreras.

Retrato del movimiento donde el espectador está
quieto mientras el objeto se mueve. En el dibujo, la
representación futurista del movimiento simultáneo
de un perro que trota por la calle, puede tener
veinte patas y seis colas, con efecto parecido al de
una larga exposición fotográfica de algún objeto
que se mueve.

Boccioni: La calle ante la casa Dibujo Carrá: La musa metafísica Partido de fútbol Persecución

Para los surrealistas la obra nace del automatismo
puro, es decir, cualquier forma de expresión en la
que la mente no ejerza ningún tipo de control.
Intentan plasmar por medio de formas abstractas o
figurativas simbólicas las imágenes de la realidad
más profunda del ser humano, el subconsciente y el
Surrealismo

mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos
como: animación de lo inanimado, aislamiento de Max Ernst: Une semaine de bonté
fragmentos anatómicos, elementos incongruentes,
metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones
entre desnudos y maquinaria, evocación del caos,
representación de autómatas, de espasmos y de
perspectivas vacías. El pensamiento oculto y
prohibido será una fuente de inspiración, en el
erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo
será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos
primitivos, el arte de los niños y de los dementes.
Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos,
lo que significa que importaba más el asunto que la
propia realización.

Tanguy: Derivacion Magritte: El tiempo detenido La voz de los vientos La violación


Masson: Gradiva Oleo y arena sobre lienzo Dibujo automático Chagall: Yo y la aldea Dibujos

Miró: Fisuras I Perro que llora a la luna El carnaval de Arlequín Naturaleza muerta con zapato viejo

Dalí: La miel es más dulce que la sangre La persistencia de la memoria El Ángelus arquitectónico de Millet Premonición de la guerra civil


Abstracción

Mondiran: Neoplasticismo Jean Raine: Action painting Klee: Castillo y sombra Caballero negro

Surgido en Estados Unidos a finales de los años 60
Hiperreali
del siglo XX, propone reproducir la realidad con
smo
más fidelidad y objetividad que la fotografía.

Mauro David: Plato de cristal Imán Maleki (Irán)

Op Art

Vasarely


El cómic, o arte secuencial, como prefiere llamarlo
Will Eisner, desarrolla un argumento en imágenes
sucesivas, con o sin la apoyatura de un texto
escrito. España cuenta con una nómina excepcional
de dibujantes de cómic, con figuras como Sió, Beá,
Hernández Palacios, Segrelles, etc., creadores del
"cómic de autor", estimado sobremanera en el Hergé: El asunto Tornasol Aterrizaje en la luna Tintín Superman
mercado mundial, y particularmente en USA.
Comic
El cómic es un género que ha alcanzado auge
insólito en nuestro siglo, oscilando entre la etapa
clásica americana de los años 30, con Raymond,
Hogarth y otros nombres importantes, hasta los
alaridos imaginativos que son los dibujos refinados
y virtuosístas de Frazetta, Rowena o Vallejo, que
nos descubren mundos nuevos, o la carga de
contracultura que supone el cómic "underground"
de los años 60s.

Gracias

MIGUEL ANGEL CAÑAS RESTREPO

PD. Agradezco sus comentarios

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