1. Las funciones del arte a través
del tiempo
MA Rosa M. Brito

2. Chinese Horse,
cave painting,
Lascaux Caves,
Dordogne, France.
c.15,000-10,000
b.c.
Durante el Paleolítico, el hombre esculpe y pinta
con una intención mágica: para propiciar sus
actividades de caza, para transmitir ritos y leyendas
y su naciente religiosidad.
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3. En las culturas egipcias y mesopotámicas, los artistas-
artesanos instalaban sus talleres junto a los templos y
palacios. Los sacerdotes y los nobles controlaban la producción
de los artistas-artesanos y se beneficiaban de ella. En Egipto
destaca la figura del “arquitecto”, constructor de templos,
tumbas y palacios.
Pirámide de Khufu y
Great Sphinx, Giza,
Egipto, c.2600 b.c.
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4. The Parthenon, Acropolis, Atenas, Grecia, c.447 b.c.
En Grecia, las obras son destinadas a la contemplación y a
la admiración, así como a lo religioso y funerario. El artista
ahora es artífice-artesano. Su dignidad social depende de
su mayor o menor participación en el trabajo manual. En la
sociedad griega, solo la danza, la música y la poesía son
consideradas como actividades nobles.
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5. Durante el Helenismo (surgimiento de la cultura
clásica), se reafirma el gusto por el arte y se desarrolla
el coleccionismo. Como en tiempos anteriores, el artista
trabaja para el poder político y económico.
Dying Gaul,
c.240 b.c.
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6. En Roma, la utilización que el estado hace
del arte como divulgador del poder (la
imagen es información, ilustración,
noticia), propicia el coleccionismo entre las
clases dirigentes. Las casas romanas se
llenan de obras originales y
reproducciones, fruto de botines de
guerra o de la compra.
En esa época, el artista buscaba educarse en todas las
ciencias, específicamente aritmética y geometría, para
mejorar su rol en la sociedad romana, la cual daba a los
artistas el mismo nivel social de los cocineros, herreros y
barberos.
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7. Catacumba,
Good
Shepherd,
Orants, and
the story of
Jonah, 4th
century a.d.
Rome
El Cristianismo le da al arte un valor didáctico, pedagógico y
propagandístico
MA Rosa M. Brito

8. En el Bizancio, el arte acompaña al poder teocrático para
presentar su carácter religioso-político y ostentoso.
Madonna and
Child with the
Emperors
Justinian and
Constatine,
A.D. 986-94,
Hagia Sophia,
Instanbul,
Turkey.
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9. En la Edad Media, del Siglo VI al Siglo XIV, el arte se
relaciona con al iglesia y con el poder político.
En los inicios de este periodo, los monjes se encargaban de
la producción artística.
Durante este período,
las mujeres estaban
Monasterios de
excluidas de las artes
San Juan de la
porque no les era
Peña, España
permitido instruirse en
c.922
el conocimiento y las
habilidades del artista
El Gótico, Siglo XIII-XIV, presenta un abandono del arte
monacal, pero un desarrollo de los gremios de artesanos. Se
establece una burguesía comercial y una ampliación del área
del consumidor de arte. Además de la iglesia y la monarquía,
como controladores y consumidores del arte, se unen ahora
los grupos de las cortes reales y los comerciantes burgueses.
MA Rosa M. Brito

10. Con el Renacimiento, Siglo XV, se recupera el valor
hedonístico y económico del arte clásico del período romano.
Los encargos de obras de arte son para compradores
procedentes de las cortes monárquicas y de la burguesía
ciudadana, además de las donaciones a la iglesia. Poseer obras
de arte de reconocidos artistas significa una fuente de
prestigio social.
Se desarrolla una nueva
actitud hacia la obra de
periodos pasados: una Mona Lisa,
Leonardo da
valoración estética e histórica.
Vinci,
c.1503-06
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11. Durante el Manierismo, siglo XVI, ( la protesta en contra de
la búsqueda del balance del Renacimiento), el arte se vincula
más a los círculos intelectuales provenientes de la corte
pontificia, de la burguesía económicamente poderosa e
influyente o de las antiguas familias de las casas reales.
Parmigianino,
The Madonna
with the long
neck, c, 1535
El Greco, El
martirio de San
Mauricio, 1580
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12. Es durante el Renacimiento que aparecen las primeras teorías
sobre el arte. Giorgio Vasari, arquitecto, pintor y teórico
italiano publica en 1568 su obra Vidas, un tratado para el
conocimiento del periodo artístico, teorías del arte, artistas y
anécdotas. Teóricos como Vasari establecen las directrices
estéticas del arte y de los artistas.
En esta época, se construye el
primer edificio destinado a
albergar un museo: El Palacio
de los Uffizi (Palacio de los
Oficios) en Florencia, obra de
Vasari.
MA Rosa M. Brito

13. A mediados del Siglo XVI se desarrollan las academias. La
primera fue la Accademia del Disegno, dirigida por Vasari y
auspiciada por Cosme de Médecis, fundada en Florencia en
1563, con Miguel Ángel a la cabeza de la institución y 36
otros artistas.
El artesano lentamente es considerado un
artista. La figura ideal del pintor es la de una
persona erudita, un hombre de formación
completa. Los artistas enseñan a sus discípulos
en sus propios talleres.
MA Rosa M. Brito

14. En el periodo Barroco, Siglo XVII, el arte
está vinculado a la iglesia católica y a la
iglesia protestante (promotora de ciertos
criterios de libertad en artistas y
consumidores), a las monarquías absolutas
y a los burgueses. La demanda de obras de
arte condiciona al artista tanto en la
expresión como la temática de su obra. Los
coleccionistas compran no solo por
prestigio social, sino también por gusto
personal y contemplativo.
Rubens, Daniel in
the Lions´Den,
Gian Lorenzo Bernini, c. 1613
David, 1623
MA Rosa M. Brito

15. A finales del Siglo XVII y durante
el Siglo XVIII, el gusto italiano
del Renacimiento da paso a la
francesa Edad de la Razón e
Ilustración, con la que aparecen
los academicismos en sentido
artístico. Es una época en la que el
arte es llamado a
intelectualizarse. Este periodo
histórico y movimiento cultural
pretende disipar “las tinieblas de
la humanidad” con la “luz de la
razón”. La expresión estética de Elizabeth Vigée Le Brun,
estos movimientos intelectuales y Baroness Anna
Sergeevna Stroganova
culturales se llamará and Her Son Sergey,
Neoclasicismo. 1793
MA Rosa M. Brito

16. “Desde finales del siglo XVIII, aparecen nuevos “mecenas”. Hasta
entonces, los mecenas tradicionales han sido el Estado y la Iglesia,
y el arte ha sido básicamente de encargo.
A partir de ahora, con la creación de las Academias, cambia el
mercado del arte: los artistas, por una parte, se ven “obligados” a
buscar nuevos compradores para sus pinturas y esculturas (por eso
organizaban exposiciones anuales o salons, donde mostraban sus
obras), y por otra parte, tratarán de realizar temas que gusten a
sus potenciales compradores. Así, se puede afirmar que el artista
goza de libertad de creación, pero, paralelamente, debe estar
pendiente del espectador-mecenas que juzga, enjuicia e interpreta
su obra.” (Figueroba, Historia del Arte)
Sir Joshua Reynolds,
Lady Elizabeth
Hamilton, 1758
Thomas
Gainsborough,
The Blue Boy,
c.1770
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17. Los clamores a favor de la libertad creativa empezaron a
propagarse con la Revolución Francesa, hasta culminar con el
Romanticismo, principios del siglo XIX. En este momento nace
el artista contemporáneo.”
Eugene Delacroix,
The Lion Hunt,
1860-61
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18. Los románticos abogaban por la libre creatividad. Por lo tanto
rechazaban todo control sobre su arte: mecenas públicos y
privados, así como academias de arte, las cuales, según los
románticos, bloqueaban la formación del artista dirigiéndola
hacia una rigidez estilística que no dejaba espacio para la
inspiración, la originalidad y la libertad en el proceso
creativo.
El pintor romántico regresa a
su taller, llamado estudio, el
cual facilita su creatividad al
tener una relación directa,
personal, y en soledad, con su
obra.
En este período se realizan
numerosos retratos o
autorretratos que representan
al artista en su lugar de
trabajo. Este hecho refuerza
Gustave Courbet, The Artist´s Studio, la idea del genio personal
1855
MA Rosa M. Brito

19. A mediados del siglo XIX, Paris abre los primeros Salones
(exposición sistemática de pinturas). Paris, el corazón mundial
del arte y capital de una nación que había sufrido muchos
cambios políticos y económicos crea y encumbra a una
burguesía consumidora de arte, con una más amplia
participación de la clase media.
Los Salones acercaban la demanda a la oferta y daban publicidad al
arte. El papel de la publicidad fue muy importante porque fomentó el
gusto artístico en la sociedad y provocó el nacimiento del crítico del
arte.
MA Rosa M. Brito

20. El mundo contemporáneo, Siglo XX, es testigo del
surgimiento y presencia de artistas innovadores, con una
formación más o menos autodidacta e independiente, lo que
favorece el desarrollo de las vanguardias estilísticas, proceso
que se inicia en los Salones parisinos y que se prolongará
hasta la Segunda Guerra Mundial.
Citando a Antonio Figueroba (Historia del Arte, 1997)
En la actualidad, la imagen que tenemos del artista es de que goza de una
gran libertad creativa, sin embargo han surgido otra serie de
servidumbres y condicionamientos que favorecen la creación de un marco
social dominado por la mercantilización del arte, el dominio valorativo de la
crítica y la presión del gusto social. La historia de los artistas del siglo XX
es la búsqueda del equilibrio entre la independencia creadora y el
compromiso con los factores históricos condicionantes.
MA Rosa M. Brito

21. BIBLIOGRAFÍA Y REFERENCIAS
Arte Paleolí-tico. (n.d.). ARTE EN ESPAÑA. Retrieved July 10, 2012, from
http://www.arteespana.com/paleolitico.htm
Biografía de Giorgio Vasari. (n.d.). Biografías y Vidas .com. Retrieved July
10, 2012, from
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vasari.htm
Figueroba, A., Madrid, M. T., & Flores, M. T. (1997). Historia del arte, 2o.
de bachillerato. Madrid [etc.: MacGraw-Hill.
Paris Salon « Blogging Manet's Olympia in 1865. (n.d.). Blogging Manet's
Olympia in 1865. Retrieved July 10, 2012, from
http://olympia1865.wordpress.com/paris-salon/
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