Rayonismo
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El rayonismo fue un estilo artístico iniciado en 1909 por Miguel Larionov y Natalia Goncharova en Moscú, que se basaba en la observación de los rayos de luz y su interacción, inspirándose en descubrimientos científicos sobre la radiactividad. Se caracterizaba por el uso rítmico de "rayos de colores" dispuestos en secuencias paralelas, perpendiculares o convergentes para construir el espacio pictórico y hacer del color el tema central, deformando la realidad.
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La composicion y sus elementos
Este documento describe los elementos básicos de la composición y el diseño como el punto, la línea, el plano y el volumen. Explica que la composición se refiere a la disposición de objetos dentro de un cuadro o imagen. Luego define y explica otros elementos visuales como la forma, el tamaño, el color y la textura. Finalmente, discute cómo estos elementos se relacionan entre sí y cómo afectan la percepción visual.
La forma plástica: realista, figurativa y abstracta
El documento describe diferentes conceptos relacionados con la forma plástica en el arte, incluyendo la forma realista, figurativa y abstracta. Explica que una forma plástica puede ser realista, figurativa o abstracta dependiendo de cuán fielmente reproduce la apariencia del objeto que representa. También discute estilos artísticos como el realismo, la figuración y la abstracción, así como conceptos como la iconicidad y diferentes técnicas para sintetizar formas.
La Composicion
Organizacion de la forma y su entorno en el plano.
Presentacion para la asignatura de Educacion Plastica y Visual en 3 ESO.
Elementos MorfolóGicos De La Imagen
El documento describe los elementos básicos de la imagen, incluyendo puntos, líneas, planos, color y otros. Explica conceptos como la modelización icónica de la realidad a través de la imagen, los diferentes tipos de modelización como la representación, el símbolo y el signo, y el grado de iconicidad de una imagen. También analiza los diversos elementos morfológicos de la imagen y sus funciones plásticas.
Interrelación de formas - Fundamentos del Diseño Gráfico
Interrelación de formas - Fundamentos del Diseño Gráfico
Wucius Wong
Por: Profr. Héctor Cuitláhuac Rosas Cárdenas
Preparatoria UNIVA - GDL, Mex.
Sep 2013
Las vanguardias latinoamericanas
Las vanguardias latinoamericanas de las décadas de 1920 a 1940 se nutrieron de las innovaciones introducidas por las vanguardias europeas para elaborar una propuesta artística que construyera una identidad nacional y se preocupara por las tradiciones culturales locales. Algunas de estas propuestas incluyeron el muralismo mexicano de Rivera, Orozco y Siqueiros, el nativismo de Pedro Figari en Uruguay, el rescate de la herencia afrocubana por parte de Wilfredo Lam, y las obras que representaban el Brasil mulato de Di Caval
El Lenguaje Visual
El documento clasifica los diferentes tipos de lenguaje, incluyendo el lenguaje verbal, gestual, musical y visual. Explica que el lenguaje visual utiliza imágenes y signos gráficos como pinturas, esculturas, fotografías, pictogramas y logotipos. También describe los elementos clave de la comunicación visual como el emisor, mensaje, receptor, código, canal y contexto. Finalmente, resume los diferentes medios para crear imágenes, incluyendo dibujos, pintura, grabados, escultura, arquitectura, fotograf
Fundamentos del diseño.1.
El documento describe los elementos básicos del diseño como planos, líneas y puntos. Explica composiciones formales e informales, con las formales basadas en traslación, rotación, reflexión y dilatación, y las informales considerando la gravedad, contraste, ritmo y centro de interés. También cubre conceptos como líneas, puntos, espacio positivo y negativo en el diseño.
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Rostro Humano en el Canon
hablando de un conjunto de proporciones que nos ayudan a dibujar una cara más o menos estándar, de medidas más o menos frecuentes esto no significa que todos los rostros tengan esas proporciones o que una persona sea más guapa si sus rasgos encajan en ese esquema simplemente marca unas proporciones medias basadas en la observación
CANON CUERPO HUMANO EN EL ARTE
El documento resume la representación del cuerpo humano en el arte a través de la historia. Comienza con las primeras representaciones en la prehistoria y continúa discutiendo las convenciones artísticas en las culturas egipcia, griega y romana. Luego describe la representación del cuerpo durante la Edad Media y el Renacimiento, así como en los períodos Barroco, Rococó y moderno, con ejemplos de artistas notables como Miguel Ángel, Bernini, Velázquez, Goya y Picasso.
Recursos visuales: balance, movimiento, ritmo, volumen, escala.
Material para la clase Discurso Visual, FCH, UABC. Recursos visuales. Balance, movimiento, ritmo, volumen, escala...
La composición
Este documento describe los principales factores que intervienen en el proceso de composición visual, incluyendo el formato, esquemas compositivos, figura y fondo, equilibrio, simetría y ritmo. Explica que la composición es el proceso de organizar elementos visuales como puntos, líneas y planos para crear un efecto de unidad y orden. Detalla diferentes tipos de formato, esquemas compositivos, y cómo estos factores influyen en la percepción visual y crean efectos como movimiento y equilibrio.
Panofsky: Iconografía e iconología
Este documento presenta un resumen de tres niveles de significado en el análisis de obras de arte propuesto por Erwin Panofsky:
1. Significado primario o natural: Descripción de los elementos visuales y su significado factual o expresivo más básico.
2. Significado secundario o convencional: Análisis iconográfico que identifica temas, historias y alegorías representadas según tradiciones culturales.
3. Significado intrínseco: Síntesis iconológica que busca el significado más profundo revel
Línea del Tiempo ARTE CONTEMPORÁNEOSubproducto2
El documento presenta una cronología del arte contemporáneo desde el impresionismo hasta el arte conceptual, incluyendo movimientos como el posimpresionismo, fovismo, expresionismo, cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo, expresionismo abstracto, arte pop, arte povera y arte conceptual. Cubre desde la segunda mitad del siglo XIX hasta finales del siglo XX, destacando los principales estilos y características de cada movimiento artístico.
Simetria y asimetria
Este documento trata sobre la simetría y asimetría. Explica que la simetría se refiere a la correspondencia exacta en tamaño, forma y posición de las partes de un todo. Luego describe brevemente la historia de la simetría, sus diferentes tipos como la bilateral, rotacional y de semejanza, y provee ejemplos como las manos humanas, moléculas y la arquitectura. Finalmente, define la asimetría como la ausencia de correspondencia exacta entre las partes de un elemento.
Teorias del arte panofsky 2016
Erwin Panofsky desarrolló el método iconológico para interpretar el significado más profundo de las obras de arte más allá de su forma o contenido literal. Este método implica tres niveles de análisis: 1) el nivel primario de la forma pura, 2) el nivel secundario del contenido convencional o iconográfico, y 3) el nivel terciario del significado intrínseco influenciado por el contexto histórico y cultural. Panofsky aplicó este enfoque multifacético para obtener una comprensión más rica
A.Elementos Pictoricos
El documento describe los diferentes elementos pictóricos que componen una obra de pintura, incluyendo los materiales, técnicas, temas, perspectiva, color, luz y composición. Explica los diferentes tipos de pintura según el soporte como mural, móvil y técnicas como fresco, temple, óleo y acuarela. También describe conceptos como línea, color, perspectiva, volumen, luz y composición.
Semana 5 figura y fondo
Este documento explica los conceptos de figura y fondo en la percepción visual. Define la figura como el elemento principal de una imagen que se destaca del fondo, el cual envuelve y contiene a las figuras. Ambos son necesarios para componer una imagen y se vinculan a través de contrastes en tamaño, color, forma u otros elementos. El documento también analiza figuras dobles, reversibles e imágenes virtuales y concluye que nuestra mente tiende a establecer un orden al percibir colocando una figura sobre un fondo.
3. la figura humana
Este documento trata sobre la representación de la figura humana a lo largo de la historia del arte. Explica conceptos como el canon (proporciones ideales del cuerpo), la línea estructural, el contrapposto y el claroscuro. También analiza cómo representar diferentes partes del cuerpo como las manos, los pies y el rostro, así como figuras en movimiento o en distintas posturas. El documento proporciona ejemplos de obras clásicas y ejercicios prácticos para dibujar la figura humana.
Indicadores del espacio
Este documento describe seis indicadores de espacio que pueden usarse para sugerir profundidad en superficies planas: 1) superposición y transparencia, 2) movimiento diagonal, 3) perspectiva, 4) disminución de detalle, 5) color que avanza y retrocede, y 6) disminución de tamaño. Estos indicadores incluyen la ocultación parcial de figuras, líneas diagonales, puntos de fuga en perspectiva, detalles borrosos en objetos lejanos, valores de color más claros que parecen ac
El Peso Visual
El documento explica los principios del peso visual en la composición de imágenes. Define el peso visual como la capacidad de un elemento de atraer la atención del espectador. Luego describe los factores que determinan el peso visual de un elemento, incluyendo el tamaño, la posición, el aislamiento, las texturas, las formas, el color, y el contraste.
Art pop
El Art Pop emerge en la década de 1950 en el contexto de la posguerra y la Guerra Fría. Se contrapone al arte abstracto al incorporar objetos cotidianos y elementos de la cultura popular como la publicidad. Los principales exponentes fueron Richard Hamilton, pionero del movimiento en Gran Bretaña; Roy Lichtenstein, conocido por sus ampliaciones de viñetas de cómics; y Andy Warhol, cuya obra carecía de mensaje preciso y era abierta a múltiples interpretaciones.
Elementos dinámicos de la imagen
Este documento discute los conceptos de equilibrio, ritmo y movimiento en fotografía. Explica que el equilibrio visual de una imagen depende de factores como la ubicación, tamaño, forma, color y profundidad de los elementos en la composición. También habla sobre cómo el ritmo se puede lograr a través de la repetición y alternancia de formas, tamaños y texturas. Finalmente, describe cómo la oblicuidad, lo curvo y la difuminación de contornos sugieren ideas de movimiento en una imagen aunque los objetos aparezcan quiet
Las tecnicas artísticas
El documento resume las principales técnicas pictóricas como el temple, el fresco, el óleo y la acuarela. Explica que el temple se realiza mezclando pigmentos con yema de huevo, agua y colas. El fresco se pinta sobre humedad en la pared. El óleo utiliza pigmentos mezclados con aceite y permite rectificaciones. La acuarela usa agua para disolver los pigmentos y debe aplicarse rápidamente.
Movimiento en la composición
en estas diapositivas encontraras a cerca del movimiento en la composición artística y como esta relacionada con la vida real y así mismo parte de historia en el siglo XX
La tensión en el arte
La tensión en la obra de arte, su relación con el movimiento y la idea de obra viva son factores indispensables, a tener en cuenta, a la hora de analizar una obra de arte.
La composición. Tema 7
Este documento describe los conceptos fundamentales de la composición en arte, incluyendo los diferentes formatos (cuadrado, vertical, circular, ovalado, triangular), esquemas compositivos (simples y compuestos), ritmos visuales (rectilíneos, quebrados, curvos, ondulados), y principios de equilibrio visual (simétrico, asimétrico, ley de la balanza, ley de tercios, rectángulo áureo). Explica cómo estos elementos organizan las formas visuales para crear cohesión y orden en una obra de arte
Iconicidad
Este documento describe los diferentes grados de iconicidad en las imágenes y su relación con la realidad. Explica que una imagen nunca es la realidad misma pero siempre está relacionada con ella. Además, introduce la escala de iconicidad que clasifica las imágenes de mayor a menor realismo y define tres tipos de modelización icónica: representación, símbolo y signo. Por último, propone algunas actividades para aplicar estos conceptos.
Pop art
El Pop Art surge en 1960 en Nueva York y utiliza técnicas de yuxtaposición de elementos como cera, oleo y materiales de desecho en collages y assemblages. Refleja la vida cotidiana y las realidades de una época capitalista y tecnológica, con temas como Coca-Cola, helados y cigarrillos. Pasó por fases como la pre-Pop, el apogeo con Andy Warhol y Roy Lichtenstein, y su extensión a Europa y el movimiento hippie contra la sociedad de consumo.
Land art
El arte de la tierra o land art utiliza materiales naturales como la tierra, rocas y agua para crear obras a gran escala en el paisaje. Los artistas mueven y distribuyen estos materiales en el desierto, playas u otras áreas abiertas para dejar su huella en la naturaleza sin usar materiales tradicionales. Algunos de los principales exponentes de este estilo son Christo & Jeanne-Claude, Michael Heizer y Robert Smithson.
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3. Significado intrínseco: Síntesis iconológica que busca el significado más profundo revel
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3. la figura humana
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El Art Pop emerge en la década de 1950 en el contexto de la posguerra y la Guerra Fría. Se contrapone al arte abstracto al incorporar objetos cotidianos y elementos de la cultura popular como la publicidad. Los principales exponentes fueron Richard Hamilton, pionero del movimiento en Gran Bretaña; Roy Lichtenstein, conocido por sus ampliaciones de viñetas de cómics; y Andy Warhol, cuya obra carecía de mensaje preciso y era abierta a múltiples interpretaciones.
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Iconicidad
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Vorticismo
El movimiento artístico Vorticismo surgió en Gran Bretaña a principios del siglo XX a partir del cubismo, aunque también estuvo influenciado por el futurismo. Se caracterizó por mostrar la vida moderna como una disposición dinámica de líneas y colores discordantes que guiaban la mirada del espectador hacia el centro de la obra. Aunque duró menos de tres años, sus principales exponentes fueron Wyndham Lewis, William Roberts, Edward Wadsworth, David Bomberg y Frederick Etchells. Publicaron la revista BLAST, cuya tipografía vanguardista influ
Arte cinético
El arte cinético es una corriente artística en la que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Sus primeras manifestaciones se dieron en los años 1910 con el futurismo y las obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calder inventó el móvil, una escultura formada por alambre y piezas de metal que se mueven. El arte cinético busca integrar la obra y el espectador a través de recursos como el viento, el agua o motores que crean movimiento.
Constructivismo (21)
El constructivismo surgió en Rusia en 1914 como un movimiento arquitectónico y artístico creado después de la revolución de octubre para expresar las nuevas formas democráticas de producción y distribución buscadas por la Revolución Soviética. Se basó en el cubismo y se relacionó con la ingeniería y arquitectura, con composiciones construidas matemáticamente sin objetos reales ni fantasías. Más adelante, los constructivistas se dedicaron al diseño de carteles, tipografía, fotografía
Purismo (20)
Los artistas Léger, Le Corbusier y Ozenfant propusieron un nuevo estilo pictórico en los años 20 llamado purismo, que representaba objetos cotidianos con formas sintéticas y colores puros sin exceso de detalle para recuperar la pureza estética a través de la sobriedad y el rigor formal.
Orfismo (19)
El orfismo fue un movimiento artístico creado por Guillaume Apollinaire en 1913 que se caracterizó por pintar conjuntos nuevos con elementos creados por el artista en lugar de tomarlos de la realidad, exaltaba el color puro como forma y tema, sustituía imágenes naturales por formas de color y no dejaba espacios sin pintar. Algunos pintores representativos fueron Fernand Léger, Francis Picabia y Marcel Duchamp.
Fauvismo
El Fauvismo fue un movimiento pictórico francés que se desarrolló entre 1904-1908, en el que los artistas rechazaban las reglas académicas y enfatizaban el valor del color por sí mismo de manera espontánea y fresca, tomando influencia de Van Gogh y Gauguin pero reaccionando contra el Impresionismo. Algunos de los principales artistas Fauvistas fueron Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz y Rouault.
El experimentalismo literario
El experimentalismo literario rompe con los modelos anteriores buscando nuevas formas de expresión a través del método de prueba y error, utilizando técnicas novedosas como diferentes formas de discurso. Algunos representantes importantes del experimentalismo son Vargas Llosa, Carlos Fuentes y Julio Cortázar.
Existencialismo (13)
El existencialismo surgió en Alemania después de las guerras mundiales como una corriente filosófica irracionalista que enfatiza la responsabilidad individual y la creación de una ética propia más que seguir sistemas de creencias. Se tradujo en el arte a través de temas de dolor, desasosiego y rechazo de lo figurativo.
Neorrealismo 12
El neorrealismo fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia después de la Segunda Guerra Mundial. Se caracterizó por el uso de actores no profesionales, plasmar la trama de forma naturalista y utilizar localizaciones reales en lugar de estereotipos. La primera película neorrealista fue Roma, ciudad abierta de 1945, que reflejó las difíciles condiciones económicas y morales de la posguerra en Italia.
El cosmopolitismo
El documento describe tres tipos de cosmopolitismo en la literatura: Intelectual y Fantástica, que involucra literatura fantástica que se introduce en la realidad y provoca emociones negativas; Existencial y Urbana, que presenta situaciones angustiosas donde el hombre solo existe sin valores; y Realismo Mágico, que muestra un mundo cotidiano mezclado con lo insólito.
El impresionismo
El impresionismo surgió a finales del siglo XIX y se centró en los efectos de la luz natural sobre los objetos y en capturar la realidad distorsionada por la velocidad en lugar de representaciones exactas. Artistas como Monet, Degas y Manet pintaban al aire libre usando colores puros y pinceladas sueltas para capturar la vibración cromática y lumínica producida por la luz.
Estridentismo
El estridentismo surgió en México en la década de 1920 como una vanguardia artística que rechazaba el tradicionalismo y el modernismo. En 1921, Manuel Maples Arce lanzó el primer manifiesto estridentista y en 1923 Maples Arce y List Arzubide publicaron el segundo manifiesto en Puebla. En 1924, varios artistas vanguardistas se reunieron en el Café de Nadie en la primera exposición estridentista que combinó literatura, música y artes plásticas.
Ultraísmo
El ultraismo fue un movimiento poético en España y Latinoamérica en las primeras décadas del siglo XX que se definió por su rechazo al modernismo y la generación del 98, eliminando elementos como nexos y adjetivos considerados innecesarios y oponiéndose al confesionalismo y la poesía narrativa, en favor de un lenguaje más metafórico y conciso.
Surrealismo
El surrealismo surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y buscaba plasmar los fenómenos subconscientes y el mundo de los sueños. Algunas características comunes en el arte surrealista incluyen la animación de objetos inanimados, máquinas fantásticas, perspectivas vacías y relaciones entre desnudos y maquinaria. Los surrealistas también utilizaban la escritura automática sin control de la razón para producir resultados fascinantes.
Dadaísmo
El dadaísmo fue un movimiento artístico que surgió en Suiza durante la Primera Guerra Mundial y cuestionaba los valores tradicionales y el concepto mismo del arte. Se caracterizó por burlarse del arte burgués y desafiar las convenciones establecidas. Tomó su nombre de forma aleatoria al abrir un diccionario y leer la palabra "dada". Zúrich se convirtió en un refugio para artistas que escapaban de la guerra y reunieron influencias de expresionismo, futurismo y cubismo.
El vanguardismo
El documento describe el movimiento vanguardista en Europa a principios del siglo XX. Busca formas experimentales que se alejen de lo tradicional. Surge como reacción a la crisis de la Primera Guerra Mundial y la pobreza intelectual. Se caracteriza por cuestionar las formas existentes y buscar lo nuevo a través de símbolos. Incluye diferentes ismos como el expresionismo, cubismo y dadaísmo que revolucionaron el lenguaje poético y los temas.
El futurismo
El futurismo surgió en Italia a principios del siglo XX como un movimiento artístico que buscaba romper con la tradición y exaltar la modernidad, la máquina, la velocidad y el dinamismo. Sus características incluían la plasmación del movimiento a través de vibrantes composiciones de color y la creación de ruidos como materia prima musical. También promovía la renovación arquitectónica a través de la reestructuración urbana.
Expresionismo
El expresionismo fue un movimiento cultural del siglo XX que se manifestó primero en la pintura, buscando expresar los sentimientos y emociones del artista más que representar la realidad de forma objetiva. Las obras expresionistas mostraban escenas dramáticas y tragedias internas, inspirándose en el primitivismo africano y oceánico. La arquitectura expresionista se desarrolló en Alemania utilizando nuevos materiales como el ladrillo, el acero o el vidrio, mientras la danza expresionista buscaba nuevas formas
Más de elarteenelsigloxx (20)
Rayonismo
- 1. Rayonismo
- 2. • inicio en el Salón de la libre Esthétique de Moscú, en 1909, por Miguel Larionov y Natalia Goncharova, que profundizaron en el estilo a partir de 1913
- 3. • Larinov para llegar a la concepcion de esta tendencia artistica se basa en la observacion de los rayos solares analizando la luz,las inflexiones y reflexiones luminosas que se entrecruzan entre si
- 4. • Todo esto coincidió con el descubrimiento científico de la radioactividad y de los rayos ultravioletas
- 5. Características • Su estilo se basa en los "rayos de colores“. ordenados en rítmicas y dinámicas secuencias paralelos, perpendiculares o convergentes y divergentes • construyen el espacio pictórico • Deforman la realidad y lo convierten al color en el tema central de la obra