Para Fundamentos del Arte II 18-19

1. LA ABSTRACCIÓN EN ARTES PLÁSTICAS: KANDINSKY, MOORE, PEVSNER Y GABO

2. La Abstracción fue un conjunto de
tendencias artísticas que se centraron en la
eliminación de todos los elementos
figurativos, para concentrar la fuerza
expresiva en formas y colores que no tienen
relación con la realidad visual. El arte
abstracto deja de considerar justificada la
necesidad de la representación figurativa y
tiende a sustituirla por un lenguaje visual
autónomo, dotado de sus propias
significaciones. Los artistas que avanzaron
hacia la abstracción entre 1910-1917 no
formaron un movimiento único ni sujeto a
ningún programa.
Entre los artistas que iniciaron el camino a la
abstracción destacan el pintor Wassily
Kandinsky y los escultores Henry Moore,
Naum Gabo y Anton Pevsner.
AMARILLO, ROJO, AZUL (1925), KANDINSKY

3. WASSILY KANDINSKY
Pintor de origen ruso y uno de los
iniciadores del arte abstracto del siglo XX.
Tomó clases de música y dibujo antes de
Derecho y Economía en la Universidad de
Moscú. Tras licenciarse en 1892, comenzó a
dar clases en la universidad, pero en 1895
visitó la exposición de impresionismo
francés y quedó fascinado por una obra de
la serie de los almiares de Monet. Un año
más tarde Kandinsky decidió abandonar su
profesión y dedicarse por completo a la
pintura. Se trasladó a Alemania y estudió
pintura en Múnich. En 1901 participó en la
fundación de Phalanx, una asociación que
organizaba exposiciones para introducir las
vanguardias francesas en Múnich y abrió
una escuela de arte. Entre 1906 y 1907 se
instaló en París.
ALMIARES, MONET

4. Sus primeras obras, en los inicios del siglo XX, fueron sobre todo paisajes realizados a espátula,
los primeros muy sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauvista. También pintó
algunos temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. De esta
época destacan obras como El cometa o Vista de Murnau (1908).
EL COMETA VISTA DE MURNAU

5. La lectura de los escritos de Wilhelm
Worringer en 1909 y la música del
compositor Arnold Schönberg le llevaron a
un creciente interés por el arte no objetivo.
Kandinsky estaba preocupado por el
materialismo del mundo moderno y veía en
la abstracción una vía de liberación del
hombre. Fue miembro fundador de la Neue
Künstlervereinigung de Múnich (Nueva
Asociación de Artistas), donde conoció a
Franz Marc. Junto a él abandonó
posteriormente este grupo para, en 1911,
comenzar a publicar juntos el
almanaque Der Blaue Reiter (El Jinete Azul),
en torno al cual se aglutinó un variado
grupo de artistas que configuraron la
segunda generación del expresionismo
alemán. En las páginas de Der Blaue Reiter
Kandinsky defendía una función mística
para el arte, un arte no objetivo que
respondiera no a un reflejo de las
apariencias, sino a la fuerza interior del
artista.
FRANZ MARC Y KANDINSKY

6. En 1912 publicó De lo espiritual en
el arte, en su opinión “una teoría
artística basada en la posibilidad de
un arte no figurativo, en la forma y
el color como elementos básicos de
un lenguaje que pretende crear
emociones mediante esos recursos
plásticos que ha puesto en juego el
artista. Son los colores los que
proporcionan sentido a los
motivos.”
Se dio cuenta de que la
representación del objeto en sus
pinturas era secundaria e incluso
perjudicial y que la belleza de sus
obras residía en la riqueza cromática
y la simplificación formal.
EL JUICIO FINAL (1911)

7. Kandinsky personificó la llamada
Abstracción Lírica, caracterizada por la
ausencia de contornos geométricos y la
búsqueda de la belleza a través de la
combinación armónica de líneas y colores,
comparándolos con acordes musicales, con
el objetivo de despertar determinadas
emociones. Para él, el color era un medio
para influir en el alma, como quiso
demostrar en sus:
- Impresiones: impresiones directas de la
naturaleza exterior
- Improvisaciones: expresión en gran
parte inconsciente, espontánea, de
carácter interior, de naturaleza no
material, sino espiritual
- Composiciones: expresión de un sentir
interior lentamente formado,
elaborado repetidamente y de un modo
casi pedante, declaración de sus ideas
artísticas.
IMPRESIÓN III (CONCIERTO)
IMPROVISACIÓN (DILUVIO)

8. IMPROVISACIÓN 30 (CAÑONES)
IMPROVISACIÓN 31 (BATALLA NAVAL)

9. COMPOSICIÓN VIIICOMPOSICIÓN IV
COMPOSICIÓN IX

10. En 1914 regresó a Moscú, donde trabajó en el
Comisariado de Educación Popular en los primeros
momentos de la Revolución Bolchevique. Al
imponerse el realismo socialista como estética
dominante, en 1921 Kandinsky regresó a Alemania y
entró a trabajar como profesor en la Bauhaus, al
tiempo que su pintura se contagiaba de la tendencia
geométrica de esta escuela. En esta época publicó
Punto y línea sobre el plano (1926).
Con la llegada al poder de Hitler en 1933 y el cierre
de la Bauhaus, Kandinsky huyó a París y se instaló en
las afueras, en Neuilly-sur-Seine, donde su pintura
recuperó la abstracción más libre de sus primeros
años. En esta última etapa de su vida continuó en su
particular búsqueda de formas inventadas, que
plasmó por medio de colores combinados de
manera compleja e inspirándose en signos
geométricos y en motivos decorativos eslavos,
como había hecho ya al comienzo de su trayectoria
pictórica.
EN AZUL, 1925

11. AMARILLO, ROJO, AZUL, 1925
ALGUNOS CÍRCULOS, 1926
HACIA ARRIBA, 1929

12. COMPOSICIÓN IX, 1936
COMPOSICIÓN X, 1939
COMPOSICIÓN, 1944
https://www.wikiart.org/es/wassily-kandinsky/all-works

13. HENRY MOORE (1898-1986)
Es considerado como el más
importante escultor británico del siglo
XX. Su obra, centrada en la figura
humana, en especial en la mujer, está
compuesta de esculturas y una gran
cantidad de dibujos, en los que
enlazaba su amplio conocimiento del
arte del pasado con las nuevas
tendencias del siglo XX. Se inspiró en
las formas de la naturaleza y fue uno
de los grandes maestros de la escultura
biomórfica, de la llamada la
abstracción biomórfica. Influyó
decisivamente en la escultura figurativa
de la 2ª mitad del siglo XX.

14. Desde 1921 estudió en el Royal College of
Art de Londres, lo que le permitió visitar
con frecuencia el British Museum.
Además de las esculturas griegas, Moore
se sintió fascinado por las expresiones
artísticas no occidentales, como el arte
africano, de Oceanía y, en especial, el
precolombino. Durante la década de 1920
viajó a Francia y a Italia y allí admiró la
obra de Cézanne, Rodin, Picasso, Hans
Arp y Modigliani, pero también la de
maestros del Renacimiento como Giotto
y Massaccio.
INFLUENCIA DE PICASSO

15. Moore desarrolló una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría especial
importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas curvas y grandes
volúmenes. Sus obras tempranas están muy influidas por el arte primitivo egipcio, etrusco,
precolombino y africano. A partir de 1926 realizó numerosas figuras reclinadas, inspiradas
en el dios azteca de la lluvia Chac Mool.
CHACMOL, ESCULTURA AZTECA

16. FIGURA RECOSTADA EN TRES PIEZAS
FIGURA RECLINADA
FIGURA RECLINADA
MADRE E HIJO
Después evolucionó hacia la abstracción, pero siempre conservando la referencia a las formas
derivadas de la naturaleza. Realizó numerosas versiones de mujeres reclinadas y maternidades.

17. En 1933 Moore entró a formar parte del
grupo Unit One, que integraba a pintores,
escultores y arquitectos vanguardistas,
entre los que se encontraban Barbara
Hepworth, Ben Nicholson o el crítico
Herbert Read. También se aproximó a los
surrealistas británicos y expuso en 1936 en
la International Surrealist Exhibition de las
New Burlington Galleries de Londres.
En 1940 su estudio fue dañado por las
bombas, y poco después el Gobierno le
encomendó la tarea de plasmar sobre papel
a los londinenses que se refugiaban en las
estaciones de metro. Para realizar estos
dibujos, Moore volvió a un estilo más
naturalista, a pesar de que tampoco
abandonó por completo la figuración en sus
aproximaciones a la abstracción.

18. En 1946 nació Mary, su única hija. Durante esta
etapa sus dibujos y estudios reflejaron la vida
doméstica familiar. La mujer sola o
acompañada por un niño, tema que ya había
aparecido con frecuencia en su obra anterior, se
convirtió en la gran protagonista de su obra a
partir de entonces.
En muchas de sus composiciones las figuras
aparecen recostadas o reclinadas, con
predominio de las líneas curvas y formas
cóncavas y convexas, cerradas, sin aristas,
sinuosas, tridimensionales, en las que se
observa un equilibrio entre masa y vacío, con
un trabajo de las superficies de gran plasticidad.
Moore trabajó mucho la relación entre el objeto
escultórico y el espacio que lo rodea, muy
particularmente cuando se exponen en el
exterior, en la naturaleza.
FAMILIA AUMENTADA, 1949

20. TRES FORMAS, VÉRTEBRAS
DOBLE ÓVALO
En 1948, la Bienal de Venecia le concedió el Premio Internacional de Escultura, que
consolidó su reputación internacional. A partir de entonces, recibió encargos para
realizar obras públicas, lo que le permitió que el tamaño de sus esculturas aumentase.
Algunos ejemplos son Madre e hijo (1946), la Figura reclinada (1956- 1958), de la
UNESCO en París, la obra del mismo título realizada para el Lincoln Center de Nueva York
(1963-1965) y Doble óvalo (1966).

21. FIGURA RECLINADA, UNESCO
FIGURA RECLINADA, LINCOLN CENTER
MARIPOSA

22. ENERGÍA NUCLEAR
https://trianarts.com/henry-moore-escultura-arte-en-la-calle/#sthash.3H9AXjdo.dpbs

23. NAUM GABO (1890-1977)
Su nombre real era Naum Pevsner, pero
cambió su nombre para evitar
confusiones con el de su hermano,
Antoine Pevsner, también artista. Fue
uno de los principales artistas del
constructivismo. Inicialmente, estudió
medicina e ingeniería en Múnich.
En 1912 visitó a su hermano, Antoine
Pevsner, en París, y al año siguiente entró
en contacto con los expresionistas de Der
Blaue Reiter en Múnich. En 1914
comenzó a crear bustos y cabezas de
inspiración cubista con láminas de metal
recortado, cartón o celuloide. Estas
primeras obras entre 1915 y 1917 son
deudoras de la descomposición de
volúmenes en planos del cubismo
analítico. Fue el primero en utilizar
plásticos industriales en la escultura,
como en su Cabeza constructiva II (1916).

24. CABEZA CONSTRUCTIVA II, 1916

25. Pasó los años de la 1ª Guerra Mundial
en Oslo, donde se reunió de nuevo con
su hermano Antoine. Tras la Revolución
Bolchevique volvieron a Rusia y entre
1917 y 1922 participaron en la
fundación del movimiento
constructivista en Moscú. En 1920
publicaron el Manifiesto Realista, que
preconizaba la utilización de formas
artísticas nuevas, basadas en el
espacio y el tiempo, trazando las líneas
fundamentales de lo que se conocería
como constructivismo, que abogaba
por la construcción de esculturas a
partir de materiales industriales, en
vez de utilizar el tradicional tallado en
piedra o vaciado en bronce.
MODELO DE TORSO CONSTRUCTIVISTA, 1917

26. Pronto prescindió de toda referencia figurativa para indagar en la introducción de factores
hasta entonces inéditos en la escultura, como el movimiento (Construcción cinética, 1920) o
la transparencia (Construcción en el espacio equilibrada entre dos puntos, 1925), ligados a la
experimentación de los nuevos materiales industriales (acero, plexiglás, vidrio). Siguiendo
estas premisas realizó varias obras con partes dotadas de movimiento, a las que denominó
esculturas cinéticas.
CONSTRUCCIÓN CINÉTICA, OLA VERTICAL, 1920
CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO EQUILIBRADA
POR DOS PUNTOS (1925)

27. La obra de Naum Gabo se caracteriza por la
constante investigación espacial llevada a
cabo de forma científica. Más adelante se
interesó menos por los ritmos cinéticos y más
la evocación potencial de energía y
movimiento en esculturas inmóviles. Se
interesó por los nuevos materiales
industriales, en especial los transparentes,
que le permitían construir superficies regladas
y desarrollables, elementos que materializan
ecuaciones matemáticas tridimensionales y
exploran el espacio entendido en su sentido
metafísico. Su constante fue la sugestión de
transparencia y de energía activa. La escultura
tenía para Gabo y para su hermano una
función ontológica, en el sentido de que
permitía visualizar las realidades virtuales en
las que se internaba el conocimiento
científico.
RELIEVE CIRCULAR, 1925
MODELO PARA CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO, DOS CONOS

28. Vivió en Alemania entre 1922 y
1932 y allí ejecutó piezas que se
caracterizan por su calidad
arquitectónica monumental,
como la Columna (1923), de
cristal, metal y plástico.
En París, Pevsner y Gabo
lideraron el grupo
constructivista Abstracción-
Creación, un grupo de artistas
que representaba diversas
corrientes del arte abstracto.
COLUMNA, 1923

29. CONSTRUCCIÓN SOBRE UNA LÍNEA, 1937 CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO (CRISTAL), 1937-39
TEMA ESPIRAL, 1941 CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO CON CRISTAL, 1940

30. Durante la 2ª Guerra Mundial
continuó produciendo en
Londres obras de esas
características, como
Construcción lineal, variación
(1943), en la que hay un
espacio oval trazado por unas
formas plásticas nítidas
delicadamente entretejidas
con unos planos de
intersección en hilos de nailon.
En 1946 se afincó en Estados
Unidos
CONSTRUCCIÓN LINEAL, VARIACIÓN (1943)

31. Una de sus obras más notables es un
monumento de 26 metros de alto, en forma de
árbol, de 1957, que le encargaron para el
Edificio Bijenkorf de Rotterdam (Holanda),
recuerdo a los caídos durante la destrucción de
la ciudad por los nazis en 1940.

32. Su última obra importante, realizada en 1976, fue la Fuente del hospital de
Santo Tomás en Londres.

33. ANTOINE PEVSNER (1888 –1962)
Tuvo, como su hermano Naum, una formación
inicial científica. En 1911 abandonó la
Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y
viajó a París, donde admiró los trabajos de,
entre otros, Delaunay y Léger. En una segunda
visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a
Archipenko, que estimularon su interés por el
cubismo. Durante la 1ª Guerra Mundial
permaneció en Oslo. Volvió a Rusia en 1917 y
enseñó en la Academia de Bellas Artes de
Moscú. En 1920 publicó junto con su hermano
el Manifiesto Realista, en donde afirmaban
que el arte tiene un valor absolutamente
independiente y una función que desempeñar
en la sociedad. En 1923 visitó Berlín, donde
conoció a Duchamp. Este encuentro le decidió
a abandonar la pintura y se volcó en la
escultura constructivista. Luego se instaló
definitivamente en París, obteniendo la
ciudadanía francesa en 1930.
CONSTRUCCIÓN EN EL ESPACIO, 1923 - METAL Y CRISTAL DE
BACCARAT

34. Como escultor, rechazó los materiales clásicos
utilizados en la escultura tradicional, como piedra, la
madera, el yeso y la terracota, y trabajó el metal, el
vidrio, el plexiglás, el cemento, el celuloide y
distintos plásticos, demostrando que estos
materiales podían ser aprovechados para producir
obras de arte. De los materiales tradicionales sólo
utilizó el bronce, pero con un tratamiento nuevo,
puesto que introdujo el color por medio de la
oxidación del metal. Como otros escultores
contemporáneos, uno de sus retos fue el de
incorporar el vacío o el espacio a sus obras.
Tuvo la idea de jugar con vidrio y otros materiales
transparentes que multiplican la eficacia de los
vacíos. Pevsner adaptó las formas de sus obras a los
materiales en los que iban a ser realizadas. Después
de 1930 en sus creaciones aparece una búsqueda de
dinamismo
FUENTE, PLÁSTICO
COLOREADO, 1925

35. PROYECCIÓN EN EL ESPACIO, 1924 - BRONCE OXIDADO
CONSTRUCCIÓN CON SUPERFICIE DESARROLLABLE.

36. PROYECCIÓN EN EL ESPACIO, 1938 - COBRE, BRONCE
OXIDADO Y PLÁSTICO
PROYECCIÓN EN EL ESPACIO, 1938

37. PROYECCIÓN DINÁMICA (1928),
CONSTRUCCIÓN DINÁMICA ( 1947)

38. PROYECCIÓN DINÁMICA EN 30° (1950-1951)
CONSTRUCCIÓN ESPACIAL EN LA 3ª Y 4ª
DIMENSIÓN

39. DIRECCIÓN DEL MOVIMIENTO DE UNA CONSTRUCCIÓN
ESPACIAL, (1961)
Pevsner exploró nuevos conceptos
escultóricos centrándose sobre todo en el
desarrollo de formas en el espacio. La
exploración de las conjunciones de
planos y las tensiones e interacciones de
las líneas de fuerza de sus
composiciones geométricas fueron los
factores primordiales de su investigación
plástica y matemática que se asentó
fundamentalmente en el uso de
estructuras, láminas e hilos metálicos.
Sus esculturas, construidas en gran parte
con elementos metálicos, se organizan
alrededor de un eje central, en torno del
cual se acumulan estructuras y planos.
VISIÓN ESPECTRAL, 1959 - COBRE Y BRONCE OXIDADOS

40. EL MUNDO COLUMNA DE LA PAZ