1. Historia del traje II
Del renacimiento a la actualidad
Semana IV
Rococó
Docente: Karen Gómez

2. El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se
desarrolla de forma progresiva entre los años 1720 y 1740.
El rococó es definido como un arte individualista, anti formalista
y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos,
suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la
naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos,
el arte oriental y especialmente en los temas galantes y
amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias
religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones
humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable,
refinado, exótico y sensual.

3. Su precedente se sitúa en los inicios del siglo XVIII coincidiendo con la
regencia de Felipe de Orleans, cuando empezaron los tímidos cambios
que anunciaban el final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la
expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y
hedonista, contrapuesto al arte oficial, inflexible y ostentoso del
reinado de Luis XIV. La transición del rococó, también conocido como el
«estilo Luis XV», a nuevas formas y expresiones artísticas empezó hacia
1720.
Este estilo, llamado en su tiempo «del gusto moderno», fue
despreciado por sus críticos y detractores neoclasicistas con la palabra
rococó, que es una composición de «rocaille» (piedra) y «coquille»
(concha marina), puesto que en los primeros diseños del nuevo estilo
aparecían formas irregulares inspiradas en rocas marinas, algas y
conchas. Otras versiones buscan el origen enrocaille, un tipo de
ornamentación de los decoradores de grutas de los jardines barrocos y
que se distinguía por su profuso ensortijamiento.

4. Aunque el Rococó haya sido un arte convencionalista y cortesano, es un
ejemplo de cómo el arte es expresión de la vida social y de cómo un
estilo puede estar dirigido a individuos dentro de dicha sociedad y no a
sus monarcas o dioses.
El estilo se expresa sobre todo en la pintura, la decoración,
el mobiliario, la moda y en el diseño y producción de objetos. Su
presencia en la arquitectura y la escultura es menor, puesto que su
ámbito fundamental son los interiores y, en menor grado, las
composiciones monumentales.
Las excavaciones entre 1738 y 1748 de Pompeya y Herculano y su
divulgación despertaron una verdadera fascinación por el «gusto a la
griega», embrión del que, una vez consolidado, conoceríamos
como Neoclasicismo y que coincide con el reinado de Luis XVI. Durante
este periodo el rococó mantuvo una gran hegemonía sobre los demás.
Este periodo tiene un final abrupto con la revolución francesa en 1789.

5. Del Barroco al Rococó
Durante el reinado de Luis XV, la vida de la corte se desarrolla en el palacio de
Versalles, extendiendo el cambio artístico del palacio real y permite su
difusión a toda la alta sociedad francesa. La delicadeza y la alegría de los
motivos rococó han sido vistos a menudo como una reacción a los excesos del
régimen de Luis XIV.
Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al
servicio de la aristocracia y la burguesía. El artista pasa a trabajar con más
libertad y se expande el mercado del arte. El rococó se presenta como un arte
al servicio de la comodidad, el lujo y la fiesta. Las escenas de su pintura
recogen este nuevo estilo de vida.
Con respecto a la vertiente social, se inicia un cambio en el papel de la mujer,
que se convierte en organizadora de reuniones para hablar de literatura,
política, juegos de ingenio o para bailar. Este entorno de alta actividad social
dentro de la alta burguesía es el lugar adecuado para que los artistas se
promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó buscan reproducir el
sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de preocupaciones, o de
novela ligera, más que batallas heroicas o figuras religiosas.

6. En el desarrollo y extensión del nuevo
estilo dentro de la sociedad francesa, jugó
un papel clave la influencia de Jeanne
Antoinette Poisson, marquesa de
Pompadour y amante del rey. Su interés
por el arte que, como aficionada,
practicaba asesorada por François
Boucher o Quentin de La Tour, se
transmitió a las clases acomodadas
de París. La década de 1730 fue el periodo
de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó
en Francia. El estilo se inició en la
arquitectura y llegó al mobiliario, la
escultura y la pintura (entre los trabajos
más significativos, encontramos los de los
artistas Jean- Antoine Watteau y François
Marquesa de Pompadour (1756), François Boucher Boucher). El estilo rococó se difunde sobre
todo gracias a los artistas franceses y a las
publicaciones de la época.

7. Pintura
A pesar de que el Rococó debe su origen
puramente a las artes decorativas, el estilo
mostró su influencia también en la pintura,
llegando a su máximo esplendor en la
década de 1730. Esta pintura debe
llamarse propiamente como Pintura
Galante y no como Pintura Rococó, pues
este término engloba el contexto estético
en que se encontraba. Los pintores usaron
colores claros y delicados y las formas
curvilíneas, decoran las telas con
querubines y mitos de amor. Sus paisajes
con fiestas galantes y pastorales a menudo
recogían comidas sobre la hierba de
personajes aristocráticos y aventuras
amorosas y cortesanas. Se recuperaron
personajes mitológicos que se
entremezclan en las escenas, dotándolas
de sensualidad, alegría y frescura.
Jean-Honoré Fragonard: El columpio, 1766.

8. Jean-Antoine Watteau
(1684–1721) es considerado el
más importante pintor rococó,
creador de un nuevo género
pictórico: las «fêtes galantes»
(fiestas galantes), con escenas
impregnadas con un erotismo
lírico. Watteau, a pesar de
morir a los 35 años, tuvo una
gran influencia en sus
sucesores, incluidos François
Boucher (1703–1770) y Jean-
Honoré Fragonard (1732–
1806), dos maestros del
periodo tardío. También el
toque delicado y la sensibilidad
La canción de amor, h. 1717. de Thomas Gainsborough
(1727–1788) reflejan el
espíritu rococó.

9. Mobiliario
El diseño de muebles es la principal actividad
de toda una dinastía de ebanistas
parisienses, alguno de los cuales había
nacido en Alemania, que desarrollan un estilo
de línea curva en tres dimensiones, donde las
superficies embarnizadas se completaban
con marquetería de bronce.
La factura de estas obras corresponde,
mayoritariamente, a Antoine Gaudreau,
Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Françoise
Oeben y Bernard van Risen Burgh.
En Francia el estilo se mantiene muy sobrio,
puesto que los ornamentos, principalmente
de madera, eran menos macizos y se
presentaban como composiciones de
motivos florales, escenas, máscaras
Diseño de una mesa de Meissonnier, París, ca. 1730
grotescas, pinturas e incrustaciones de
piedra.

10. En Inglaterra, el nuevo estilo fue
considerado como «el gusto francés por el
arte». Los arquitectos ingleses no
seguirían el ejemplo de sus colegas
continentales, a pesar de que la platería,
la porcelana y las sedas sí estuvieron
fuertemente influenciadas por el
Rococó. Thomas Chippendale transformó
el diseño del mobiliario inglés mediante el
estudio y la adaptación del nuevo
estilo. William Hogarth contribuyó a crear
una teoría sobre la belleza del Rococó; sin
referirse intencionadamente al nuevo
estilo, afirmaba en su obra Análisis de la
belleza (1753) que la curva en S presente
en el Rococó era la base de la belleza y de
la gracia presente en el arte y en la
naturaleza.
Un escritorio Chippendale del siglo XVIII, hecho de madera
pintada y dorada con motivos chinescos.

11. Arquitectura
Una de las características del estilo Rococó
será la marca de diferencia entre exteriores
e interiores. El interior será un lugar de
fantasía y colorido, mientras la fachada se
caracterizará por la sencillez y la
simplicidad. Se abandonan los órdenes
clásicos, y las fachadas de los edificios se
distinguirán por ser lisas, teniendo, como
mucho, unas molduras para separar plantas
o enmarcar puertas y ventanas. La forma
dominante en las edificaciones rococó era
la circular. Un pabellón central,
generalmente entre dos alas bajas y curvas
y, siempre que era posible, rodeado de un
jardín o inmerso en un parque natural.
Otras edificaciones podían tomar la forma
de pabellones encadenados, en contra del
típico edificio «bloque», propio de la etapa
anterior.
Fachada del Palacio del marqués de Dos Aguas, en Valencia.

12. En Alemania, especialmente
en Baviera, el Rococó entra con
mucha fuerza y supera las fórmulas
barrocas. Destaca, a diferencia de
Francia, la capacidad de adecuar el
estilo a construcciones religiosas que
consiguió el rococó alemán. Entre los
autores de las obras más destacadas
encontramos a artistas franceses y
Palacio de Charlottenburg. alemanes como François de
Cuvilliés, Johann Balthasar
Neumann y Georg Wenzeslaus von
Knobelsdorff, que realizaron la
preparación de Amalienburg cerca
de Múnich, la residencia de
Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam,
Charlottenburg en Berlín, los Palacios
de Augustusbur y Falkenlust en Brühl,
Bruchsal, el Palacio Solitude
de Stuttgart y Schönbrunn en Viena.
Palacio de Schönbrunn

13. Interior de estilo rococó del palacio de Gatchina, cerca de San Petersburgo, en Rusia.

14. La moda en el Rococó
Con la muerte de Luis XIV y la coronación
de Luis XV en 1715, floreció un estilo
elegante y refinado llamado “Rococó”.
La cultura responsable del estilo rococó se
caracterizaba por la búsqueda del placer
personal.
Con ese placer naturalmente incluida la
indumentaria, también esta fue pronto
elevada a la categoría de arte. Aunque
Francia ya había sido líder reconocido de l
moda durante el reinado de Luis XIV, el
periodo rococó confirmo la reputación del
país como líder de la moda femenina en
todo el mundo.
Madame de Pompadour, en un retrato al pastel realizado
por Maurice Quentin de La Tour (Louvre, París).

15. En cuanto a la moda femenina podemos
ver un vestido muy distintivo denominado
a la Watteau. El nombre fue puesto en
honor a un pintor que solía retratar a
chicas con este estilo de vestido.
El rasgo principal de esta prenda es una
gran capa o volante que cae por detrás
sostenida en los hombros. Las mangas de
este vestido se llaman pagoda porque
imitaban aquellas casitas chinas de varios
techos. El paralelismo se lograba con tres
volantes de encaje. Los bordados y
estampados estaban muy dirigidos hacia
temas de la naturaleza. Grandes rosas,
ramajes, lo pastoral era el tema de moda y
por ende se usaba en todas las prendas de
vestir.
Vestido Watteau

17. La falda que formaba parte del vestido
tenia sobre sus laterales dos jaulas por así
llamarlas que generaban un gran volumen
horizontal. Se las denominaba tontillos
(paniers). Completan este vestido el uso
de unos zapatos denominados babuchas
que tenían la punta doblada hacia arriba y
taco. Hay una gran influencia de todo lo
que es oriental tanto en los detalles como
en el maquillaje (rostro pálido con lunares
artificiales) pasando por los accesorios y
los bordados. Podemos nombrar también
el uso de gorros, mantillas, cofias y
sombreros de paja.

18. El uso de los tontillos se exagero hacia
mitad de siglo llegando a un ancho
desproporcionado.

19. El vestido a la francesa o de pliegues Watteau es quizás el
más característico el periodo Rococó.

21. Este vestido proviene de
la moda negligé que se
dio en la ultima etapa del
reinado de Luis XIV.

22. La mirada de lo privado
nos deja ver nuevas
prendas de primera piel
como la mantilla.

23. Irónicamente, la figura más importante en la
moda rococó fue la amante de Luis XV,
Madame Pompadour. Adoraba los colores
pastel y la estilo de luz. Convirtió estos
gustos en tendencia de la época, que
incluían, líneas claras y patrones florales..
Hacia el final del período, María Antonieta
se convirtió en el líder de la moda francesa,
como lo hizo su modista Rose Bertin.
Extravagancia extrema era su marca
registrada, que terminó mayormente avivar
las llamas de la revolución francesa.
Vestido Pompadour

24. María Antonieta
(Viena, 1755 - París, 1793) Reina de
Francia. Hija de los emperadores de
Austria, Francisco I y María Teresa,
contrajo matrimonio en 1770 con el delfín
de Francia, Luis, que subió al trono en
1774 con el nombre de Luis XVI. Mujer
frívola y voluble, de gustos caros y
rodeada de una camarilla intrigante,
pronto se ganó fama de reaccionaria y
despilfarradora. Ejerció una fuerte
influencia política sobre su marido (al que
nunca amó), ignoró la miseria del pueblo
y, con su conducta licenciosa, contribuyó
al descrédito de la monarquía en los años
anteriores a la Revolución Francesa.

25. Vestido Polonesa, era un estilo
muy popular, recogido en la
parte posterior, utilizado por
María Antonieta.

27. Vestido Brunswick, es un vestido de
mujer de dos piezas de mediados del
siglo XVIII.
El vestido Brunswick cuenta con una
chaqueta larga de caderas con cuello alto
y una capucha, combinado con una falda
a juego. Las mangas de la chaqueta
consistirá en una manga con unos
volantes apretado en el codo, manga
larga.
El Brunswick es una de versiones
informales de la indumentaria del
Rococó, usado por la clase obrera, hecha
a partir de tejidos finos.
Originario de Francia (basado en una
moda alemana), el Brunswick fue
también muy popular en Inglaterra y
Estados Unidos como un traje de viaje.

29. Vestidos en el estilo inglés, más simples,
livianos y cómodos
María Antonieta, con vestido al estilo inglés

30. Vestido en el cual es visible el petticoat
o vestido interno (en la parte central)

31. Vestido con fichú o mantilla en los hombros

32. El lazo en el cuello
complementa el vestido
típico del Rococó.

33. Estampados típicos de la época

34. Calzados típicos,
puntiagudos y delicados

35. Tocados exagerados e incomodos

36. Pelucas típicas de la época Tocados y sombreros típicos

37. María Antonieta es un ejemplo claro del estilo
de la época, maquillaje empolvado,
estampados recargados, encaje, colores
pasteles y accesorios numerosos

38. El traje del hombre sigue la línea que se
promovió en el ultimo periodo del
barroco. Se sigue usando la casaca con
chaleco y calzas. El cambio esta en la
cantidad de bordado y adorno que se le
agrega a las prendas superiores. La casaca
empieza a tomar otras formas dando lugar
a nuevas piezas de sastrería como el
redingote usada para cabalgar y salir de
caza. Los zapatos siguen teniendo taco y
adornos en la punta como moños y
rosetones. El uso de peluca prolifera
dando lugar a distintos tipo de peluca
según su uso forma de uso. El color mas
común para este accesorio es el blanco y a
veces el gris. Se completa el conjunto con
un sombrero tricornio y el bastón como un
símbolo de elegancia y pereza del hombre
adinerado.

39. El redingote de corte masculino constaba de
una capa larga hasta la rodilla con una falda
abierta por detrás. Constituyó el capote
largo de los siglos XVIII y XIX, derivado de la
capa de campo con un ancho y gran collar
llamado frock.
En francés, redingote venía utilizado
habitualmente para describir un frock
coat ceñido. El corte actual del redingote de
hombre podría ser el de un capote largo
ceñido o del más voluminoso impermeable,
con añadido de mantelinas y collares, casi
un redingote con garrick.

40. Vestimenta masculina:
pantalones hasta las rodillas,
camisa, chaqueta y casaca

43. Pelucas empolvadas, típicas tanto de hombre
como de mujer, y maquillaje muy blanco

44. Rococó en la moda actual

45. En 1995-96, Vivianne Westwood se
inspiró en el rococó francés para su
colección. El artista en el que centró su
trabajo fue, cómo no, Watteau.