Este documento describe el estilo artístico Rococó, que se desarrolló en Francia entre 1730 y 1770. Resalta las características del Rococó en la pintura, escultura, arquitectura y mobiliario, con énfasis en artistas clave como Watteau, Fragonard, Boucher, Falconet y Tiepolo. También cubre la influencia del Rococó en otros países como Inglaterra, Italia y España.
2. • El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que
se desarrolla de forma progresiva entre los
años 1730 y 1770 aproximadamente.
• Su precedente se sitúa en los inicios del siglo
XVIII coincidiendo con la regencia de Felipe de Orleans,
cuando empezaron los tímidos cambios que anunciaban el
final del estilo tardo barroco y su evolución hacia la
expresión de un gusto más contemporáneo, independiente y
hedonista.
• La transición del Rococó, también conocido como el «estilo
Luis XV», a nuevas formas y expresiones artísticas empezó
hacia 1720.
9. JEAN SIMÉON CHARDIN
(1699- 1779)
El parisino Chardin representa una posición
radicalmente opuesta al arte de Corte dominante en la
pintura francesa del siglo XVIII.
Mientras que los artistas contemporáneos
como Watteau o Boucher buscan en las frondosidades
del jardín y entre las sábanas de las alcobas de la
aristocracia temas de “una educación picante”, Chardin
observa con simpatía la esfera del afecto familiar de la
mediana burguesía.
Las costumbres cotidianas, los gestos repetitivos, los
sentimientos ligeros, alternan con naturalezas muertas
hechas con cosas banales, poco rebuscadas.
10. LA MESA DE LA COCINA
Jean Siméon Chardin
(1763)
Museo del Louvre
Objetos rústicos y objetos refinados se
mezclan con una virtuosidad
hecha de contrastes.
12. JEAN ANTOINE WATTEAU
(1684-1721)
En 1717 ingresó en la Academia donde
había presentado el cuadro
“Peregrinación a la isla de Citerea”, que
va a constituir la consagración oficial de
un nuevo “género” que él mismo creó:
las “fiestas galantes”.
Watteau realizó también escenas de
género, cuadros mitológicos, desnudos,
figuras aisladas y retratos: todas estas
obras ofrecen un repertorio iconográfico
y estilístico que marcará uno giro
fundamental en la pintura europea.
Antoine Watteau, en un retrato al pastel
realizado por Rosalba Carriera (1721).
15. La enseña de Gersaint
(1720)
Jean Antoine Watteau
Berlín, Castillo de Charlottenburg
16. JEAN HONORÉ FRAGONARD
(1732-1806)
Es uno de los pintores más significativos del periodo
rococó. Encasillado como pintor frívolo, lo cierto es que
Fragonard desarrolló una intensa actividad en el
ámbito de la pintura mitológica y religiosa, el retrato y
el paisaje.
Se formó con Chardin y Boucher, con quién debutó con
pinturas de temas galantes plasmados con una alegre
gama cromática.
Por la sola fuerza de la evocación, de la sugerencia,
crea atmósferas delicadas e insinuantes.
Durante la revolucion Francesa queda en el olvido.
19. FRANÇOIS BOUCHER
(1703-1770)
El reinado de Luís XV se caracterizó por la pintura
erótico-galante, particularmente adaptada a la
atmósfera de la Corte y reflejando los gustos del rey
y de Madame de Pompadour.
Boucher y otros pintores célebres de esta época,
pintan temas mitológicos de marcada sensualidad
jugando con gamas de colores que van desde los
tonos más cálidos, como en la pintura flamenca
hasta los más ácidos, pero cuyos contrastes son
mitigados por tintes más claros y a menudo con un
toque vibrante.
Fue el pintor favorito de Madame de Pompadour. Retrato de Boucher por Gustav
Lundberg, 1741.
20. MADAME POMPADUR
RETRATO DE FRANCOIS BOUCHER (1756)
Amante de Luís XV, y personaje
esencial en la difusión del arte
de su tiempo, ambiciosa
comitente de obras de arte y de
mobiliario, Madame de
Pompadour fue la protectora
más importante de Boucher. Su
fastuoso mecenazgo, en
particular en la creación de la
manufactura de porcelana de
Sevres, es inherente al
desarrollo del estilo rococó.
21. Boucher y las pastorales
idílicas
Escena pastoral
(1730)
François Boucher
San Petersburgo,
Museo del Hermitage
22. Boucher y las mitologías galantes
Venus y la
paloma
(1751)
François Boucher
Nueva York,
Metropolitan
Museum
23. Escenas de la vida diaria
El desayuno
1739
François Boucher
París, Museo del
Louvre
25. Madame Marsollier y su hija
(1749)
Jean-Marc Nattier
Nueva York, Metropolitan Museum
En la intimidad de un “boudoir”, madame
Marsollier prueba a su hija adornos para el pelo,
mientras contempla el efecto delante del espejo.
Jean-Marc Nattier especialista del retrato, supo
reproducir todos los matices psicológicos, sobre
todo en las mujeres, cuyo papel en la sociedad iba
creciendo. Madame Marsollier era hija del
abogado de Luís XV.
26. El Puente Nuevo de
París visto desde el
muelle de la
Mégisserie, hacia
1750-1760, Nicolas
Raguenet, (París,
Museo Carnavalet).
El ajetreo de carrozas,
portadores de sillas,
caballeros y carretas
que obstruían la
circulación, era típico
de este puente. Este
cuadro ofrece con todo
detalle el aspecto y el
ambiente de París en
el siglo XVIII.
28. JOSHUA REYNOLDS
(1723-1792)
Dotaba a los modelos de sus retratos de
actitudes inspiradas en obras religiosas o
mitológicas del pasado y adoptaba para
sus obras soluciones cromáticas
extraídas de los grandes maestros de la
pintura.
Es considerado el mejor retratista
británico de la historia.
30. THOMAS GAINSBOROUGH
(1727-1788)
Fue un pintor de paisajes y retratista inglés.
considerado como uno de los grandes
maestros del retrato y del paisaje.
Se destacó por la rapidez con la que aplicaba
su pintura, y trabajó más a partir de sus
observaciones de la naturaleza (y la
naturaleza humana) que de ninguna
aplicación de las reglas académicas.
Sus obras están imbuidas de melancolía
poética, efecto logrado a través de una luz
muy tenue, clara reminiscencia de los
paisajes flamencos del siglo XVII que tanto le
influyeron.
31. LAS HIJAS DEL ARTISTA,
MOLLY Y PEGGY
THOMAS GAINSBOROUGH
(1760)
33. GIOVANNI BATTISTA TIEPOLO
(1696-1770)
Fue un pintor y grabador italiano, considerado el último
gran pintor de la era barroca. Es una de las figuras más
importantes del rococó italiano. La fama de Tiepolo se debe
a las pinturas murales que realizó en los palacios y en las
Cortes principescas, pero se le considera sobre todo como
un artista versátil, capaz de trabajar en espacios totalmente
diferentes y adaptarse a temas diversos, utilizando distintas
técnicas y dimensiones.
Excelente pintor, influyó en Goya debido a una notable
técnica que posteriormente alcanzaría un gran
reconocimiento: la «iluminación» de partes precisas del
cuadro.
Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista
y parecen abiertos al cielo.
35. GIOVANNI CANALETTO
(1697-1768)
Su verdadero nombre fue Giovanni
Antonio Canal , tomó el nombre
de Canaletto para distinguirse de su
sobrino. Fue un pintor italiano, famoso
por sus paisajes urbanos de Venecia.
Durante los años 1730-1746, el pintor vive
su mejor época creativa.
Destacan las visiones de Venecia y las
pinturas que reflejan acontecimientos de
la vida en el ducado.
37. FRANCESCO GUARDI
(1712-1793)
Es considerado entre los últimos
practicantes, junto con sus
hermanos, de la clásica escuela de
pintura veneciana. Su pintura se
caracteriza por colores expresivos y
contornos esfumados.
La primera obra firmada por
Francesco es un Santo adorando la
eucaristía, de hacia 1739.
Sus obras de este periodo incluyeron
paisajes así como representaciones
figurativas. Francesco Guardi, retratado
por Pietro Longhi 1764
40. ÉTIENNE-MAURICE FALCONET
(1716–1791)
• Es considerado uno de los mejores representantes escultores del rococó
francés, Madame Pompadour fue su mecenas.
• En general, este estilo fue expresado mejor mediante la delicada
escultura de porcelana, más que con estatuas imponentes
• Los motivos amorosos y alegres son representados en la escultura, así
como la naturaleza y la línea curva y asimétrica
41. El amor amenazante (1757)
Gracias a Madame de
Pompadour, fue nombrado
director del Atelier de
Escultura de
la Manufactura de
Porcelana de Sevres entre
los años 1757 hasta 1766.
Durante todo ese periodo
realizó infinidad de
encantadoras figuras en
porcelana, que ejemplifican
en sí mismas todas las
características
emblemáticas del estilo
Rococó.
42. " EL AMOR (O CUPIDO)
AMENAZANTE“
(1757)
ESCULTURA DE ETIENNE-MAURICE
FALCONET
52. El Rococó se expandió desde Francia hacia países
como España, Austria y Alemania, donde se convirtió
en un estilo mucho más importante que en la nación
francesa, puesto que allí también fue empleado en
construcciones de carácter religioso.
Otros países donde adquirió especial relevancia
fueron Portugal e Italia.
ARQUITECTURA
53. • El tipo de construcción del rococó se caracterizo por su
ornamentación recargada, el uso de columnas en forma de espiral.
• El interior es un lugar de fantasía y colorido mientras la fachada se
caracteriza por la sencillez y la simplicidad.
• La forma dominante en el rococó era la circular.
• Lo importante es la decoración, completamente libre y asimétrica,
con líneas irregulares, onduladas, curvas y contracurvas asociadas
en ritmos ligeros.
• Esta decoración incluye estucos y rejas forjadas. Este aspecto hace
del Rococó un arte íntimo, más de interior que de exterior.
ARQUITECTURA
59. PALACIO DE VERSALLES
Era una casa de campo modesta construida por Luis XIII. En este lugar, el rey solía ir
de caza y descansar.
Cuando su hijo Luis XIV fue coronado comenzó a buscar un lugar para vivir, cansado
de haber habitado en diversos lugares como el Louvre o el Palacio Real.
Decidió construir Versalles como una pequeña ciudad alejada de los problemas,
para lo que invirtió más de la mitad de los ingresos de todo un año del país para
convertir la sencilla casa en un palacio digno de la realeza.
• Luis XIV obsesionado con crear un palacio y entorno sin igual, encargó a su
arquitecto Luis Le Van el embellecimiento y ampliación del edificio primitivo, sobre
el que se construyó la Galería de los Espejos, sin duda la sala más impresionante del
Palacio de Versalles, y que sirvió por ejemplo de sala para la firma del Tratado de
Versalles.
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64. Plaza Stanislas
La plaza fue un proyecto
imaginado por Estanislao I
Leszczynski, duque de
Lorena y anterior rey
de Polonia-Lituania, como
una forma de unir la
antigua ciudad medieval de
Nancy y la nueva ciudad
construida por Carlos III en
el siglo XVII.
La plaza sería también
una place royale en honor
de su yerno, el rey de
Francia Luis XV.
70. IGLESIA DE WIES
Fue realizado por los
hermanos Dominiku
Zimmermann y Johann Baptist
Zimmermann
Es un tesoro del rococó,
declarada patrimonio de la
humanidad. Adornos
turbulentos y envolventes se
reparten por todas partes,
consiguiendo que la estructura
se disuelva y transmitiendo la
sensación de que los motivos
decorativos están suspendidos
en el espacio. El objetivo
religioso de este tipo de
ornamentaciones era el de
proporcionar al peregrino una
visión de la gloria.
78. • La influencia del barroco desarrollado en Alemania fue
notable en las naciones centroeuropeas, donde se llevó a
cabo una arquitectura igualmente cargada de detalles,
lúdica y fantasiosa.
• Los frontones comenzaron a adquirir formas curvas,
contracurvas y espirales, y, en planta, fue habitual la
adopción de las formas ovales, elípticaovales y otras.
• Adquirió gran popularidad la colocación de grandes
columnas que llegaban a abarcar varios niveles, y vino
impulsada por los nuevos ricos que afloraron en las grandes
ciudades.
79. PALACIO DE SANSSOUCI
• Sanssouci es el nombre de un conjunto de edificios y jardines que
incluyen el antiguo palacio de verano oficial de Federico II el Grande, rey
de Prusia, en Potsdam, cerca de Berlín.
• Se trata de una de las obras cumbres del estilo Rococó, y es también
notable por los numerosos templetes y pabellones diseminados por
el parque que rodea el conjunto.
• El palacio fue obra del arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, y
fue construido entre 1745 y 1747 como residencia privada del rey
Federico, donde pudiera relajarse lejos de la pompa y la ceremonia de la
corte de Berlín.
87. •En Italia, el Rococó floreció en Roma y estuvo
profundamente influido por Borromini.
• Los arquitectos más destacados fueron Francesco de
Santis y Filippo Raguzzini.
•El primero acometió la obra de la escalinata de
la Plaza de España, mientras que el segundo hizo lo
propio en la Piazza Sant’Ignazio.
92. • Ya que la cultura del Rococó se caracterizaba por la búsqueda del placer
personal, ese placer también incluyo a la indumentaria, la cual fue
elevada a la categoría de arte.
• Francia ya había sido líder reconocido de la moda durante el reinado de
Luis XIV, el período rococó confirmó la reputación del país como líder de
la moda en todo el mundo.
• Para las mujeres, el espiritú esencial de la moda rococó residía en la
elegancia, el refinamiento y la decoración, así como en elementos
caprichosos y extravagantes, como coquetería.
MODA
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95. El atuendo femenino típico del rococó era el
llamado vestido a la francesa, y este estilo
persistió como traje de etiqueta para la corte
hasta la época de la Revolución.
96. La moda femenina de la corte se caracterizaba por una
enorme falda ahuecada lateralmente por un
guardainfante, y un alto peinado. Esta moda expresaba
la cumbre de la belleza del artificio; vestidos tratados
como construcciones arquitectónicas.
99. • El fin del arte Rococó se inicia en torno al 1760, cuando personajes como
Voltaire y Jacques-Francois Blondel extienden la crítica sobre la
superficialidad y la degeneración del arte.
• Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble mezcla de conchas,
dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneo y en el 1780 el
Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y
la seriedad del estilo neoclásico.
• El arte rococó fue perdiendo terreno a medida que el "nuevo estilo"
neoclásico, austero y funcional ganaba espacios. Identificamos al estilo
rococó con la aristocracia, frente al neoclásico burgués.
• A finales del siglo XVIII y con el inicio de la Revolución Francesa,
desapareció de manera repentina y por completo.
FINAL DEL ROCOCO
