Trabajo de Técnicas de Actuación-UPTAEB

1. REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA
MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN UNIVERSITARIA
UNIVERSIDAD POLITÉCNICA TERRITORIAL DEL ESTADO LARA
“ANDRÉS ELOY BLANCO”
PNF EN CIENCIAS DE LA INFORMACIÓN
INFORME
UNIDAD II
TECNICAS DE ACTUACIÓN, LA EXPRESION CORPORAL,
LA RESPIRACIÓN, VOZ Y DICCIÓN
DOCENTE: LCDA. VALENTINA HERALDI
ESTUDIANTE: ZULEIDY J. PÉREZ
SECCIÓN 2101 ESTETICO LUDICO II-GRUPO-A

2. Informe sobre las técnicas de actuación, la
expresión corporal, la respiración, voz y dicción
2020
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INDICE
INTRODUCCIÓN 1
TÉCNICAS DE LA ACTUACIÓN DE RECONOCIDOS REPRESENTANTES
DEL TEATRO 4
LA EXPRESIÓN CORPORAL 13
LA RESPIRACIÓN 14
VOZ 15
DICCIÓN 17
CONCLUSIÓN 20
REFERENCIAS 23

3. Informe sobre las técnicas de actuación, la
expresión corporal, la respiración, voz y dicción
2020
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INTRODUCCIÓN
El presente trabajo pretende abordar, la importancia de los actores, directores y otros
grandes representantes del teatro, la metodología de cada uno de ellos en cada
interpretación, teniendo en cuenta la corriente de la estética de la recepción, los aspectos
escénicos del hecho teatral. Y a su vez dar relevancia a las características de dichos
representantes de la actuación para la aceptación de la obra por parte del público que es
quien al final la acoge.
En este informe se solicita conocer las siguientes interrogantes: Tales como, las
técnicas de la actuación de reconocidos representantes del teatro. Así como explicar que es
la expresión corporal, ¿cuáles son los elementos que la integran? ¿Cuál es su importancia
para el trabajo del actor?
Para finalizar, se pide plasmar ¿qué es el aparato fonador?, ¿cómo se produce la
voz?, ¿cuáles son las técnicas adecuadas de respiración para la emisión vocal?, ¿qué es la
dicción?, ¿proyección, volumen o intensidad, tono o altura? y ¿qué son los resonadores y su
importancia en el trabajo del actor?

4. Informe sobre las técnicas de actuación, la
expresión corporal, la respiración, voz y dicción
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TÉCNICAS DE LA ACTUACIÓN DE RECONOCIDOS REPRESENTANTES DEL
TEATRO
Las técnicas de actuación modernas surgen de las prácticas de grandes directores de teatro
como Konstantin Stanislavski, Jerzy Grotowski, Antonin Artaud, entre otros; a partir de la
búsqueda de nuevas formas de representación actoral. Muchas de estas Mecánicas nacen a
partir de teorías psicoanalíticas.
Las técnicas teatrales
Las Técnicas Teatrales hacen posible la transformación. Nos ayudan a ponernos y quitarnos
la Máscara. Máscara activa, que nos da alas positivas o negativas. Máscara que nos da la
libertad de hacer o no hacer, de ser o no ser, adquiriendo roles diferentes en situaciones
diferentes.
Descubrimos quiénes somos, quiénes no queremos ser y quiénes podemos llegar a ser.
Utilizamos improvisaciones para trabajar emociones, miedos, sensaciones, dudas,
inquietudes, voz, actitud corporal, la empatía y espacio escénico.
Ejemplos de Técnicas Teatrales
Memoria emotiva
Nosotros mismos somos un canal para los personajes que vamos a representar. Abrimos el
armario de nuestros sentimientos, de nuestras emociones, de nuestras experiencias, y nos
vestimos de ellas para vestir al personaje. Cuando acabamos, nos desvestimos, y volvemos
a dejarlos en el armario. Y lo cerramos. Este proceso nos da la posibilidad de poder entrar y
salir del personaje, y de vestirlo de verdad. Es un proceso enriquecedor, que nos ayuda a
amar, a comprender al personaje, y a la vez, a nosotros mismos.
Explorar los sentidos
Comer una fruta, saborear con el gusto, tocar con el tacto, oler con la nariz, escuchar con
los oídos el ruido que hace al masticar, mirar con los ojos… Sólo hay una condición. La
fruta está… sólo en nuestra imaginación.
Existen cinco técnicas de teatro muy utilizadas comúnmente en el teatro: se encuentran en
la relajación, activación, concentración, memorización y vocalización. Esto gracias a los
cambios originados al Sistema Stanislavki.

5. Informe sobre las técnicas de actuación, la
expresión corporal, la respiración, voz y dicción
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1 Konstantín Stanislavski
Según, Stanislavski (1863-1938) “La Verdad Escénica Los actores (y esto va unido a la
creencia en la cuarta pared) deben pretender convertir la obra en realidad teatral: para
eso deben sentir y actuar como si las circunstancias y condiciones escénicas fuesen reales.
Esto da sentido de verdad a la obra teatral: las acciones dramáticas son vividas por los
actores, no son fingidas. Si se finge, se crea la mentira escénica. El actor que se comunica
directamente con los espectadores pertenece a la categoría de los actores rutinarios. En el
arte de las vivencias y acciones auténticas, el actor busca relacionarse con los otros
actores y con los objetos de la escena para influir o dejarse influir por ellos. Durante toda
su vida, Stanislavsky estuvo buscando soluciones al problema psicológico de vivenciar el
papel y logró encontrarlas, aunque sea de forma parcial, en el interior del espíritu
(memoria afectivo-emotiva) y con bastante más acierto en los dominios del cuerpo
(acciones físicas) y en los de la dicción (subtexto)1”
.
En este sentido Stanislavki desarrolló una técnica en que el actor debía buscar la verdad, es
decir que su personaje pareciera real y es por lo tanto, que esta metodología sugiere la
importancia de que el objetivo se manifiesta sobre la construcción de un personaje con la
creación del pasado y el futuro al que se representa basado en el presente que se interpreta.
Entre otras de las técnicas de Stanislavsky se encuentra la “Memoria afectivo-emotiva.
Llamamos memoria emotiva al recuerdo de las sensaciones que hemos experimentado en
una ocasión pasada. Esta memoria puede hacer regresar los mismos sentimientos que ya
se experimentaron entonces. Hay que entregarse a esas emociones para que puedan
manifestarse en la interpretación. Tiene que dar la sensación de que se vive el papel”. 2
Que el actor puede realizar sobre sus vivencias pasadas en la vida real, para darle realidad a
su personaje.
Otra de sus técnicas es el Subtexto “en el momento de la representación, el texto es
proporcionado por el autor, pero el subtexto (cómo se dice, cómo se recita, con qué
intención o sentido se dice) lo proporciona el actor. Si no fuera ese el caso, la gente no
asistiría al teatro, sino que permanecería en su casa y se conformaría con leer la obra”3
.
En este contexto para Stanislavski también es importante esta técnica de que el actor
intérprete su personaje dándole un subtexto, con la idea de darle un toque de real de manera
de dar la sensación, de lo que dice lo siente y así de la misma manera lo pueda sentir el
público.

6. Informe sobre las técnicas de actuación, la
expresión corporal, la respiración, voz y dicción
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Principios del Sistema Stanislavski
 Concentración: Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el “personaje”
que estamos interpretando.
 Sentido de verdad: Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavski creía que
existen leyes naturales de la actuación que se deben seguir.
 Circunstancias dadas: Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores para
crear el mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de verdad y
medios orgánicos.
 Relajación: Eliminación de la tensión física y relajación de los músculos mientras se
hacen las presentaciones.
 Trabajar con los sentidos: Descubrir la base sensorial del trabajo; aprender a memorizar
y recordar sensaciones, comúnmente llamada "memoria sensorial" y/o "memoria
afectiva"; aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndola, técnica
llamada por Stanislavski "esferas de atención".
 Comunicación y Contacto: Sin violar el contenido del libreto desarrollar la habilidad de
interactuar con otros personajes espontáneamente.
 Unidades y Objetivos: Aprender a dividir el papel o rol en unidades sensibles que
puedan ser trabajadas individualmente. Desarrollar la habilidad de definir cada unidad
del rol, por un deseo activo de objetivos, en lugar de una mera idea literaria.
 Estado mental creativo: Es una culminación automática de todos los pasos previos.
 Trabajar con el texto del libreto: Desarrollando la habilidad de descubrir el sentido
social, político y artístico del texto, y viendo que esas ideas están contenidas en la
actuación.
 Lógica y credibilidad: Descubrir cómo es verdadero que la suma de objetivos
combinados son consistentes y coherentes, y que ellos se encuentran en línea con el
libreto como un todo.
Otros aspectos.

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 Luchar contra la palabra ampulosa. Escuchar las réplicas.
 La naturaleza del personaje y la propia, muchas veces son contrarias, por eso el actor
debe estudiar cómo pronunciar cualquier discurso sin dejarlo a la casualidad.
 Hablar siempre con naturalidad y sinceridad.
 Aquellos que son grandes actores, son los que escuchan todo lo que está ocurriendo en
escena.
 Nunca hay que precipitarse, en un monólogo los silencios pueden creerse que son
detenciones, pero no lo son el absoluto, son "conversaciones con el silencio” No hay
una interrupción de la comunicación con el espectador. Es preferible no abusar, ya que
el actor se está percatando mentalmente de lo que está hablando.
 Cuando un actor no está capacitado lo suficiente, sin remedio alguno se pierde, deja de
vivir con los sentimientos e ideas de su personaje.
 Si el actor ve por sí mismo aquello sobre lo que debe hablar o de lo que debe convencer
a su interlocutor en escena, conseguirá conquistar la atención del espectador con sus
visiones, convicciones, creencias. Con sus sentimientos.
 Al presentarse el actor ante el espectador como una persona viva de una u otra época, la
más pequeña falta de autenticidad de su actitud interna o externa obligará
inmediatamente a un espectador perceptivo a ponerse en guardia.
 El actor debe aprender a visualizar los sucesos de la vida del personaje, para que así, al
hablar de ellos, comunique al menos una pequeña parte de lo que sabe acerca de los
mismos.
 Los grandes actores escuchan todo lo que ocurre en escena.
Todos estos principios fueron seguidos por grandes representantes del teatro, que también
algunos fueron modificados o les integraron otras creaciones diferentes a las que el Sistema
Stanislavski.

8. Informe sobre las técnicas de actuación, la
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2 Jerzy Grotowski
En el caso de otro gran personaje como Jerzy Grotowski (Rzeszów 1933-1999), “su técnica
que él se resiste a llamarla con ese nombre, define que el actor es el que debe iluminar el
escenario; el actor debe desprenderse de todo accesorio externo, como maquillaje,
vestuario, construyendo el personaje desde su interior, remplazando por ejemplo el uso de
máscaras por la expresión facial del actor, tiene una oposición muy espiritual ante el
método de actuación, puesto que él sostiene que esto solo lo puede lograr una persona
dispuesta a liberarse y desprenderse del mundo material; su motivación debe ser interna y
de amor, manteniendo una posición. Para Grotowski, el actor debe ser él mismo en escena,
el representar una obra debe ser un acto de entrega. Él divide en la actuación en dos
planos de nivel realizativo, por un lado, desde el punto de vista religioso, la representación
actoral es una vía de transmutación interior, y desde lo artístico, es una situación
de catarsis, es un acto de autorrealización. Por lo tanto el teatro para Grotowski es un
instrumento de liberación. Es la ficción la que permite mostrar lo que ese comportamiento
oculta y enmascara. Grotowski sostiene que el ser humano posee todas las vivencias en su
interior y solo a través de un acto de introspección puede hallarlos. La técnica es una vía
negativa, no apunta a desarrollar destrezas, sino a la eliminación de obstáculos. Más que
aprender cosas nuevas el actor deberá liberarse de viejas costumbres. La técnica le
permitirá detectar y eliminar aquello que lo bloquea.4
En este contexto Grotowski mantiene que el actor es "la base del teatro", puesto que es él
quien genera la relación entre la obra y el espectador.
Grotowski haciendo una comparación con la pobreza, sostiene que el “actor debe
"desnudarse", mostrarse a sí mismo al público; bajo esta ideología el actor es el
representante de la riqueza dentro de la obra”.
Su técnica representa que la personificación del actor debe liberarse de todo lo material y
mostrarse tal como es, siendo muy espiritual, decía que el actor es la base del teatro.

9. Informe sobre las técnicas de actuación, la
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3 André Leonar Antoine
Según “André Léonard Antoine, (1858 -1943), en sus montajes consideró la importancia
de todos los actores, que cada miembro del reparto actuara en función de los
requerimientos de su personaje y de la obra; los actores deberían comportarse con
naturalidad, no decir su discurso de cara al público sino actuar como si este no existiese,
moverse con libertad, sin importar que en algún momento saliesen de su campo visual o
hablar de espaldas a este, comportarse como lo harían en la vida real. Igualmente,
modificó los hábitos en escenografía sustituyendo los bastidores de tela pintada por
mobiliario; puertas y ventanas dejaron de ser elementos simulados y se convirtieron en
auténticas puertas y ventanas practicables. Fue director de escena, autodidacta, fundador
y animador del Théâtre Libre en París. Innovó el mundo de la escena francesa e
internacional influenciado por las teorías sobre teatro naturalista de Taine y de Zola. Se le
considera como el primer director de escena moderno. Antoine con sus montajes innovó el
mundo de la escena. Huyó de la afectación y el artificio y sus representaciones se
caracterizaron por la sencillez y la naturalidad. Modificó la interpretación; si hasta
entonces la compañía giraba en torno a su actor o actriz principal”.
Su técnica se basa en la importancia de que el personaje actuara con naturalidad, de manera
que el público pudiese ver escenas reales, así como para el era de gran importancia tener
una escenografía autentica, por lo que le dio al escenario la importancia de verse más
realista.

10. Informe sobre las técnicas de actuación, la
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4 Antonin Artaud
“Nació en Marsella en 1896 y murió en París en 1948. Fue un poeta, dramaturgo y actor,
cuyas teorías y trabajos influyeron en el desarrollo del teatro experimental. Fue co-
fundador del Théâtre Alfred Jarry en 1927, en el que produjo varias obras, incluyendo una
suya, The Cenci (1935), una ilustración de su concepto de “teatro de la crueldad”. Artaud
utilizó este término para definir un nuevo teatro que debía minimizar la palabra hablada y
dejarse llevar por una combinación de movimiento físico y gesto, sonidos inusuales, y
eliminación de las disposiciones habituales de escenario y decorados. Con los sentidos
desorientados, el espectador se vería forzado a enfrentarse al fuero interno, a su ser
esencial, despojado de su civilizada coraza.
Escribió el manifiesto Teatro de la crueldad, publicado por la Nouvelle Revue
Française en su número 229, donde presentó las bases de lo que posteriormente sería su
principal obra crítica, El teatro y su doble (1938), la cual, junto a Ubú rey de Alfred Jarry,
representa la síntesis del drama vanguardista del siglo XX. En su teoría, Antonin Artaud
asigna al teatro la función de destruir los valores culturales artificiales impuestos por
siglos de dogmatismo racionalista, y propone volver al ritual primitivo para reflejar la
verdadera realidad del alma humana y las condiciones en que vive: "el drama de
crueldad".
Entretanto había publicado una colección de ensayos, una novela (Le Moine, 1931)
y Heliogábalo o El anarquista coronado (1934). El estreno de su tragedia Los
Cenci (1935), inspirada en Stendhal y en Shelley, constituyó un rotundo fracaso y
determinó en el autor el abandono definitivo del teatro.
La imaginación, para Artaud, es la realidad; sueños, pensamientos e ideas delirantes no
son menos reales que lo de "fuera" del mundo. Realidad parece ser un acuerdo, el mismo
acuerdo que la audiencia acepta cuando va a un teatro para ver una obra, que por un
tiempo pretende que lo que están viendo es real.”
Sus trabajos influyeron el desarrollo del teatro experimental, se basó bajo un concepto de
realizar un teatro de la crueldad, Antonin Artaud ganó en cierta manera la inmortalidad con
su resistencia al mundo exterior.

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5 Eugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brecht
Según, Eugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brecht “(Augsburgo, 1898- 1956)
dramaturgo y poeta alemán, uno de los más influyentes del siglo XX, creador del teatro
épico, también llamado teatro dialéctico. Su llamado teatro épico, narrativo, continúa
apuntando en las escenificaciones de hoy a provocar la conciencia crítica de espectadores
y actores. Hay que desmenuzar el texto, no sentirlo, examinarlo desde lejos, tomar
distancia del propio yo. Nada de sentimentalismos que provoquen lágrimas en el
escenario. Brecht hizo gala de antisentimentalismo, así como de su condolencia para los
pobres y su sufrimiento, al tiempo que atacaba la falsa respetabilidad de los burgueses. El
famoso efecto de distanciamiento creado por Brecht es un arma contra el romanticismo y
el sentimentalismo. La crítica social, la compasión por los seres humanos y el consiguiente
cambio de la sociedad debían desempeñar el papel esencial. Así, las canciones
interrumpen los parlamentos, el telón priva al escenario de la magia teatral, y un cartel
plantea la exigencia. Los actores de Brecht son sus alumnos: les deja actuar en el
escenario y de ese modo edifican la pieza, mientras que el director la destruye. La
genialidad y la ingenuidad mantienen un equilibrio. Esta combinación es el secreto del
éxito de Brecht.
Brecht figura entre los autores más importantes del siglo XX. Es el prototipo del intelectual
revolucionario que ha tratado de descifrar la realidad a través del arte. Lo cierto es que su
obra teatral y sus numerosos escritos teóricos han ejercido enorme influencia sobre los
escritores contemporáneos a él.”
Su técnica o método era diferente a otros personajes influyentes del teatro, porque era más
bien critico, revisaba minuciosamente el texto de manera de encontrarle la crítica social y
compasión al público y realizar cambios en la sociedad.

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6 Vsévolod Meyerhold
Otro gran personaje del teatro, era, Vsévolod Meyerhold “(1874-1940) en Penza Moscú.
Era Director, actor y teórico ruso fue el impulsor de la biomecánica teatral, a pesar de
estar en contra de las enseñanzas del Teatro Maly (Moscú) pasó todas las tardes en la
galería superior del mismo como estudiante. Al abandonar el Teatro del Arte de Moscú,
sus proyectos le permitieron experimentar en el teatro y crear métodos de puesta en
escena, así como defender el simbolismo en el teatro. Se enfrentó fieramente a los
principios del academicismo teatral, que eran incapaces de adaptarse a la nueva realidad.
En sus obras utilizó escenarios desnudos, objetos en lugar de decorados y la disposición
intencional de movimientos. Posteriormente se opuso al realismo socialista y en 1930,
cuando lósif Stalin atacó todo arte de vanguardia y experimentación”.
Su estilo causaron diferencias con la política de su país, por sus cambios en sus obras de
teatro, su técnica realizaron cambios impresionantes de esa época, que fue de gran
influencia para el teatro actual.

13. Informe sobre las técnicas de actuación, la
expresión corporal, la respiración, voz y dicción
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La Expresión Corporal
Es la forma más antigua de comunicación entre los seres humanos, anterior al lenguaje
escrito y hablado. Es el medio para expresar sensaciones, sentimientos, emociones y
pensamientos. De esta forma, el cuerpo se convierte en un instrumento irreemplazable de
expresión humana que permite ponerse en contacto con el medio y con los demás.
La expresión corporal dentro del amplio y variado mundo de la labor teatral, es la
conjugación del movimiento y el gestos abordable ambas prácticas en concepto de
«plástica».
El cuerpo tiene un idioma mudo en cuanto a las líneas de texto y voz; más en su especial
forma de comunicar entabla un diálogo.
Los cinco elementos del lenguaje corporal
 La sonrisa: Lowndes afirma que para influenciar a otros debes entender cómo algo
tan simple como la sonrisa afecta a los otros. Hay diferentes tipos de sonrisas:
cálidas, frías, falsas y reales. Los estudios muestran que una sonrisa rápida muestra
menos sinceridad que una responsiva. Cuando saludas a alguien, Lowndes dice,
“mira la cara de la otra persona durante un segundo. Detente. Sumérgete en su
persona y deja que una gran sonrisa invada tu cara e inunde tus ojos. Este segundo
de espera mostrará que tu sonrisa es genuina y sólo para él o ella”.
 Contacto visual: Aunque algunas personas inseguras piensen que esto es
algo intrusivo, en general funciona para despertar sentimientos de respeto, afecto y
hasta para dar la impresión de ser un pensador abstracto e inteligente. Esto funciona
entre los sexos, pero cuando un hombre mira fijamente los ojos de otro hombre éste
se puede sentir amenazado.
 Ojos pegajosos: Según, Lowndes que puede causar Hombre a mujer o mujer a
hombre puede causar lo que da una impresión como de “estoy aquí para ti”.
Pretende que tus ojos estén fijos en los de tus compañero/a, no rompas ese contacto
aunque haya dejado de hablar. Cuando debas mirar a otro lado hazlo lentamente.
Para los hombres hablando con hombres, puedes modificar esto al usar los ojos
pegajosos con las conversaciones del día a día pero no cuando se trate de asuntos
personales. Si usas esta táctica apropiadamente tendrás el poder de cautivar a tu
oyente.
 Postura: La postura es otra parte de tu lenguaje corporal que puede hacer que te
veas como un gran ganador sin importar donde vayas. Cuando te paras
con confianza con tus hombros hacia atrás y tu cabeza arriba con una sonrisa cálida

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te ves como alguien refinado, exitoso y orgulloso. Estira tu cuerpo hasta alinearse
perfectamente: conserva tu cabeza arriba, haz tus hombros para atrás, mantén tu
pecho abierto y tu espalda recta como si fueras muy alto. Si relajas los hombros en
esta posición, darás la impresión de estar relajado y tener confianza.
La importancia de la expresión corporal en el actor
Dentro del ámbito artístico, el actor es aquel que desarrolla un papel importante, siendo éste
el responsable de comunicar a la audiencia. Por esta razón, aparece la importancia del
actor como artista, y su habilidad y destreza de transmitir el mensaje adecuado.
La Respiración
La respiración es una función automatizada de nuestro organismo a la que, raramente,
prestamos atención. Es un aspecto caudal en la interpretación teatral y no puede disociarse
del trabajo de la voz y la dicción. Pero la respiración no solo está relacionada con la
fonación, la práctica de cualquier ejercicio físico requiere de la toma de conciencia de la
propia respiración y aprender a regularla para conseguir un mejor desempeño.
Observar la respiración no sólo nos permite ser atender a ella, sino que además podemos
percibir los estados internos que, de forma inconsciente, en ella se reflejan. La respiración
es una función básica del cuerpo que facilita todas las demás, pero también es un elemento
de comunicación no verbal. Como receptores, captamos las sutilezas sobre el estado del
otro en la manera en que respira, en su agitación o su calma.
El Aparato fonador
Es el conjunto de órganos del cuerpo humano encargado de generar y ampliar el sonido que
se produce al hablar.
Lo componen tres grupos de órganos diferenciados:
 órganos de respiración (cavidades infraglóticas: pulmones, bronquios y tráquea);
 órganos de fonación (cavidades glóticas: laringe, cuerdas vocales y resonadores -nasal,
bucal y faríngeo-);
 órganos de articulación (cavidades supraglóticas:
Paladar, lengua, dientes, labios y glotis).
Además, el correcto funcionamiento del aparato fonador lo controla el sistema nervioso
central, puesto que más allá de la mera fonología está el significado. Específicamente, se
sabe que el control del habla se realiza en el área de Broca, situada en el hemisferio
izquierdo de la corteza cerebral.

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La Voz
La voz del teatro
Tiene unos requerimientos específicos: el actor o actriz teatral ha de poder dar un grito, reír,
llorar y jugar con las entonaciones con el fin de expresar emociones con la voz. El volumen
de voz puede oscilar de la intensidad más alta hasta casi un susurrro, pero siempre ha de ser
audible desde las últimas filas.
La Voz como es producida
La voz humana es producida en la laringe, cuya parte esencial, la glotis, constituye el
verdadero órgano de fonación humano. El aire procedente de los pulmones, es forzado
durante la espiración a través de la glotis, haciendo vibrar los dos pares de cuerdas vocales,
que se asemejan a dos lengüetas dobles membranáceas. Las cavidades de la cabeza,
relacionadas con el sistema respiratorio y nasofaríngeo, actúan como resonadores.
Ejercicios y trucos para el desarrollo de la técnica vocal
 Calentar la voz
Calentar la voz es imprescindible, no esperes sacar tu mejor tono a la primera. Así que es
absolutamente necesario el calentamiento vocal para que la modulación sea adecuada al uso
que vayas a dar a tu voz en cada sesión.
Subir y bajar tonos modulando la voz es un ejercicio básico para calentar la voz y ejercitar
tu técnica vocal en los rangos tonales que vayas a usar. Debes medir tu voz siguiendo una
melodía, por ejemplo, de piano. Es válido el do, re, mi, fa, sol, la, si.. contando con el
ejemplo sonoro de esas notas musicales para tu referencia auditiva. Repite los tonos y
controla tu voz en la gama sonora desde tu tesitura hasta bajar y subir con fluidez.
Practica el Humming de voz, modulando la «m» y percibe cómo el sonido resuena por
tus fosas nasales, las comisuras de tus labios y tu vibración craneal. Son señales de que el
ejercicio lo estás realizando correctamente. Utiliza los tonos y modula con la boca cerrada
para ejercitar la resonancia de tu recurso óseo.
Para utilizar la voz profesionalmente, existen diferentes prácticas de educación de
voz, modulación, colocación de la voz, proyección de voz y dominio de la musculatura
maxilofacial. Como no podía ser de otro modo, calentar la voz es esencial para tener una
voz entrenada. También es importantísimo enfriar la voz, después de exposiciones orales
prolongadas.
La potencia de voz que emitas debe ser pura. Es fundamental utilizar la voz sin forzar la
garganta ya que eso te generaría problemas de afonías y disfonías.

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 Respirar con el diafragma
Control y desarrollo de la respiración diafragmática
Hay que trabajar para mantener una presión de aire que asegure un buen volumen de
voz y una correcta transmisión del sonido a través del tracto vocal. El aparato
resonador recibe el aire libremente y hay que modularlo con decisión y control. El
aire será impulsado por el diafragma y pasará por la laringe.
Ejercicios de respiración con el diafragma
Túmbate boca arriba en la cama o en el sofá y coloca un libro sobre tu abdomen,
aspira –hinchándolo- para que el libro se eleve. Hazlo lenta y
profundamente. Aspira todo el aire que puedas, llenando tu estómago. Expira todo
el aire que te sea posible, hundiendo tu abdomen lo más abajo que puedas. Visualiza
cómo el libro sube y baja, conforme respiras. Concéntrate en el movimiento del
diafragma.
Inhala de manera continua durante 8/10 segundos. Retén el aire durante otros 8/10
segundos variando la presión interna. Exhala durante 8/10 segundos. En
la inhalación, la retención, y la exhalación; el diafragma debe estar en movimiento.
Prueba el «fuelle» que es tu diafragma para ayudarte de la presión necesaria que te
permita sacar «chorro de voz».
Relajamos, calentamos y fortalecemos la voz, por medio de la emisión de tonos
continuos de voz y aire. Agilizamos el diafragma.
Controlando la respiración diafragmática conseguimos aumentar nuestra capacidad
respiratoria y potenciar nuestra fuerza y técnica vocal.
Proyectar la voz
Proyectar la voz permite la Impostación de la Voz, y se consigue, entre otros medios,
gracias a la elevación del paladar blando para que el sonido que sale de nuestra faringe –
ayudado por el diafragma y modulado por nuestras cuerdas vocales– sea proyectado hacia
el exterior.
Obtenemos un sonido puro que deberá ser bien vocalizado para hacerlo entendible por
medio de la dicción y la modulación de vocales y consonantes.

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Impostación de la voz
El proceso para la impostación de la voz se consigue cuando la laringe está firmemente
colocada en posición baja, permitiendo una mayor apoyatura de los músculos y asegurando
mayor capacidad al primer resonador, la faringe.
Resonadores de la voz
Es imprescindible dominar el uso de las cavidades de resonancia (faringe, boca, fosas
nasales) a partir del dominio de los órganos articuladores móviles (lengua, labios y velo del
paladar), ya que un resonador bien ajustado amplifica el sonido, y en caso contrario lo
amortigua. Son importantes para el actor por todo lo planteado anteriormente.
Dicción
Cuando se ha de decir un texto a gran velocidad es importante no caer en elisiones y
coarticulaciones inapropiadas. En la perfecta articulación se encuentra la perfecta
inteligibilidad. Más aún, vocalizando cuidadosamente, se cumplen buena parte de los
criterios acústicos que definen la impostación de la voz.
Cuando se recita con gran precisión, el sonido llega mucho más claro y nítidamente al
auditorio, necesitando menos volumen de emisión. Esto ofrece margen para regular las
intensidades.
Igual que se dice en el hecho de hablar en público, hay que jugar además con las pausas y
las entonaciones, importantísimas para reflejar con exactitud la intención del texto.
..
La dicción es la técnica de articular palabras. Una de las herramientas fundamentales para
una correcta dicción es la lengua. Existen algunos ejercicios para calentar y relajar la
lengua.
Articulación
Para una perfecta articulación, imprescindible en la dicción, es fundamental ejercitar
la musculatura y articulación maxilofacial; com son el músculo masetero y la articulación
témporo mandibular.

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 Ejercicio del músculo masetero y la articulación témporo mandibular
Realiza con la boca 10 series de movimientos en forma de onda. Estos irán de
mayor a menor diámetro (comenzado en “a” y acabando en “o”) y viceversa
(comenzado en “o” y acabando en “a”). Series de 6 repeticiones. Descansa y auto-
masajea la articulación y el músculo circularmente con tus pulgares.
Ejercitación tu músculo masetero y tu articulación témporo mandibular. para
conseguir fluidez articular y evitar lesiones y dolores en este área sensible.
 Ejercicios prácticos para soltar tensión en la lengua y calentarla.
Lectura de trabalenguas, incrementa la velocidad en cada lectura y enfatiza “in-
crescendo” la interpretación del texto.
 Trabalenguas para mejorar la dicción
Hay miles de trabalenguas para practicar la dicción y calentar voz y la musculatura
facial y lograr avances en tu técnica vocal. Te proponemos uno para reforzar la «r».
Hay otros muchos, dependiendo de la dificultad que tengas con aquellas
consonantes que se te resistan.
 Ejercicios de Trabalenguas
Erre con erre, cigarro; erre con erre, barril; rápidas corren y ruedan las rápidas
ruedas del ferrocarril. Un ruin relato retorcidamente redactado réplica rebatiendo
rotundamente el retorno retrógrado del rebelde Ramiro Ramírez Ramos, ratificando
la reforma revolucionaria de su rutilante ruta republicana. Recia la rajada rueda,
rueda rugiendo rudamente rauda: rauda, recia rueda, rauda reciamente rueda, ¡rueda
recia, rauda rueda, rugiente, rajada rueda! ¡Señor, qué calor, sin par, rendido, que
por dar sabor de color local, provoca un hedor de puro sudor!, ¡señor, qué calor!
 Ejercicios de lectura con obstáculo
Lectura con un lápiz entre los dientes, trasversalmente.
Ejercicio práctico para soltar tensión en la lengua y calentarla antes de abordar la
lectura. Utiliza el obstáculo y lee un texto. Libera el obstáculo y lee de nuevo el
texto. Al realizar repetidamente este ejercicio, la lengua se despliega con mayor

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facilidad, al no tener ningún obstáculo que la interrumpa en su movimiento, y con
ello la fluidez se va consiguiendo.
El Tono o Altura
Varía principalmente según la frecuencia, es decir, la cantidad de vibraciones que tenga la
onda sonora, y nos permite diferenciar los sonidos graves (o bajos, de poca frecuencia) de
los sonidos agudos (o altos, de mucha frecuencia). Otros factores físicos que afectan el tono
son la presión sonora y el envolvente acústico.
La Intensidad
Se relaciona con la amplitud de la frecuencia, depende principalmente de la presión
sonora y se relaciona en proporción directa con el volumen. Mediante este parámetro
podemos diferenciar sonidos débiles (suaves) y fuertes (intensos). En la voz humana la
intensidad se regula mediante el control del proceso de inspiración y expiración. Otros
factores físicos que afectan en menor medida la intensidad son el espectro de parciales
(armónicos) y la duración.
El Timbre
Nos permite distinguir la calidad de dos sonidos de igual tono (frecuencia) e igual
intensidad (presión) cuando son emitidos por dos focos sonoros diferentes. Por ejemplo dos
voces cantando la misma nota, o dos instrumentos reproduciendo en simultáneo la misma
partitura. Es una cualidad relacionada con los matices característicos de cada sonido. Estas
sutiles diferencias responden en mayor medida al espectro de parciales (armónico) pero
también al pico de intensidad y la envolvente.

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CONCLUSION
Una vez examinado, lo expuesto por los autores citados. Se concluye lo siguiente en el
campo de las técnicas de la actuación de reconocidos actores del teatro, en las cuales
podemos señalar, como el mayor representante y más influyente de la interpretación estuvo
creada por Stanislavski y su sistema, de muchos años de esfuerzos, que dio como
resultado, que otros representantes lo siguieran como líder artístico y emprendieran su
continuidad, porque pudo controlar el rendimiento de los aspectos impalpables e
incontrolables del comportamiento humano, tales como las emociones e inspiración
artística.
Entre sus principales Principios del Sistema Stanislavski se fundamentó la importancia de
los siguientes elementos que podemos enumerar como los más trascendentes en la historia
de las técnicas de actuación y que fueron seguidas por otros representantes de la actuación,
ya que permitió cambios más reales y no al farsa que ya el público no lo veía con muy
buenos ojos.
Estas son: La concentración, el sentido de verdad: la circunstancias dadas: la relajación,
trabajar con los sentidos, comunicación y contacto, unidades y objetivos, estado mental
creativo, trabajar con el texto del libreto, lógica y credibilidad. Otros aspectos no menos
importantes: La lucha contra la palabra ampulosa, la naturaleza del personaje y la propia,
hablar siempre con naturalidad y sinceridad. Sin precipitaciones, capacitación suficiente
del actor, el actor debe convercer a su espectador con sus visiones, convicciones, creencias,
sentimientos. Representar la época con autenticidad, visualizar los sucesos de la vida del
personaje. Los grandes autores escuchan todo lo que ocurre en escena.
Otro representante muy conocido es Jerzy Grotowski según su teoría era la importancia
del actor como eje central en la puesta en escena, ser la luminaria del escenario, el
desprendimiento de todo lo material, de manera de edificar el personaje desde su interior,
su oposición muy espiritual, su motivación debe ser interna y de amor. El actor debe ser el
mismo en escena, por lo que representar una obra debe ser un acto de entrega.
André Léonard Antoine fue otro representante que consideró la importancia de todos los
actores, y de que actuara, según los requerimientos del personaje y de la obra, el
comportamiento del actor debía ser natural, como si no hubiese público y con mucha
libertad en el movimiento de escena. Modificó los hábitos en escenografía sustituyendo los
bastidores de tela pintada por mobiliario; colocando puertas y ventanas autenticas. Realizó
cambios más modernos, que hoy se puede visualizar en las escenas de teatro del mundo.

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Antonin Artaud cuyas teorías y trabajos influyeron en el desarrollo del teatro
experimental. Fue co-fundador del Théâtre Alfred Jarry, Artaud utilizó este término para
definir un nuevo teatro que debía minimizar la palabra hablada y dejarse llevar por una
combinación de movimiento físico y gesto, sonidos inusuales, así como, la eliminación de
las disposiciones habituales de escenarios y decorados. Sus teorías asignan al teatro la
función de destruir los valores culturales artificiales impuestos por siglos de dogmatismo
racionalista, y propone volver al ritual primitivo para reflejar la verdadera realidad del alma
humana. Lamentablemente por su enfermedad se enfrentó a serios problemas de salud, que
le trajeron consecuencias lamentables. Pero igualmente dio cambios muy significativos en
técnicas del teatro.
Eugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brecht, creador del teatro épico, narrativo, continúa
asentando en las escenificaciones de hoy, al provocar la conciencia crítica de espectadores
y actores. Él decía que se debía desmenuzar el texto, no sentirlo, examinarlo desde lejos,
tomar distancia del propio yo. Nada de sentimentalismos que provoquen lágrimas en el
escenario. Fueron cambios que dieron origen a diferentes tipos de obras que existen hoy en
día.
Otro gran personaje del teatro, era, Vsévolod Meyerhold. Era director, actor y teórico ruso
fue el impulsor de la biomecánica teatral, a pesar de estar en contra de las enseñanzas del
Teatro Maly, sus proyectos le permitieron crear métodos de puesta en escena, así como
defendió el simbolismo en el teatro. Se enfrentó fieramente a los principios
del academicismo teatral, que le trajo graves consecuencias en su vida, pero que fueron la
pieza clave en la transformación del teatro.
En La Expresión Corporal tenemos como uno de los instrumentos más trascendentales
para la expresión de sensaciones, sentimientos, emociones y pensamientos. Por lo tanto, el
cuerpo es un elemento obligatorio de la expresión humana que permite ponerse en contacto
con el medio y con los demás. Es el idioma mudo en cuanto a las líneas de texto y voz; más
en su especial forma de comunicar entabla un diálogo. Según, Lowndes Los elementos que
la integran son la Sonrisa, ya que manifiesta si son cálidas, frías, falsas y reales, o si fue una
sonrisa rápida o más lenta que refleja más sinceridad.
Otro elemento es el Contacto Visual porque despierta sentimientos de respeto, afecto y
puede dar la sensación de pensador abstrato e inteligente. Puede funcionar entre sexos,
pero si es entre hombres puede que el otro hombre se sienta amenazado por lo que es
importante su utilización sea considerada en escena. También existen otros elementos como
los Ojos pegajosos, que Lowndes asegura que puede dar la impresión de que esta allí para
esa persona, por lo que puede cautivar a tu oyente. Y por último se encuentra en La
postura que es otra parte del es tu lenguaje corporal que puede hacer que te veas como un
gran ganador sin importar donde vayas, así como puede hacer lo contrario en la escena.

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Para el actor es importante todo lo que le ayude a verse más seguro en escena, que haga al
espectador creer que lo que ve es real y ver al actor como ese personaje que lo lleva a una
sensación de encontrarse en ese momento y en ese lugar, de manera que se identifique con
el personaje en el momento de la actuación, visualizar a cada actor de la escena y crear un
momento natural y verdadero del personaje.
Entre otras cosas no menos importante se encuentra La Respiración, la voz del actor, de
cómo se produce, las técnicas adecuadas. La dicción, proyección, volumen o intensidad, el
tono o altura de su voz, la importancia de que son los resonadores para el actor. En la
respiración es trascendente en la interpretación teatral y no puede descomponerse del
trabajo de la voz y la dicción.
El Aparato Fonador se basa en el conjunto de órganos del cuerpo humano encargado de
generar y ampliar el sonido que se produce al hablar, controla el correcto funcionamiento
el sistema nervioso central.
La voz humana es fundamental en el teatro, es producida en la laringe, cuya parte esencial,
la glotis, constituye el verdadero órgano de fonación humano. La Proyección de la
Voz admite su imposición, permitiendo una mayor apoyatura de los músculos y asegurando
mayor capacidad al primer Resonador, (la faringe, boca, fosas nasales), ya que un
resonador bien ajustado amplifica el sonido o por el contrario lo amortigua. Todo esto es
esencial para el actor, porque debe hablar en público en una sala con muchos espectadores
y la idea es que todos puedan escuchar, entender y creer en la escena cada palabra que allí
se diga.
Otro papel muy importante lo juega la Dicción, porque por medio de ella se crea la perfecta
articulación de las palabras, por ello cada actor puede hacer la diferencia en escena si no se
tiene una buena dicción puede dañar cualquier escena. Para ello existe una gran cantidad de
ejercicios que el actor debe practicar para una mejor nitidez y claridad en un auditorio.
El Tono o Altura deben ser igualmente revisados porque varía según la frecuencia. Y
existen factores físicos que los pueden afectar. La Intensidad también se relaciona con la
amplitud de la frecuencia y dependen de la presión sonora. Y se puede diferenciar los
sonidos suaves como los intensos. El Timbre de la voz que nos permite distinguir
la calidad de dos sonidos de igual tono (frecuencia) e igual intensidad (presión) cuando son
emitidos por dos focos sonoros diferentes.
Todo lo emitido en este informe tiene relación para el conocimiento de la actuación en
escena del teatro y es significativo aprender de tantos representantes, la capacidad que debe
tener el director, el actor de cada obra que se haya visto en el teatro. Y la profundidad de
todo este movimiento artístico que representa a cada país, para la recreación del público e
incluso aprendizaje a través del teatro.

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REFERENCIAS
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https://www.artenaccio.com/es/metodologia-escuela-teatro/las-tecnicas-teatrales/
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https://web.archive.org/web/20080205050806/http://andamio.freeservers.com/dida/num-
uno/natural.htm. 1.2.3
https://www.arepasgrup.com/metodos-y-tecnicas-de-actuacion-en-teatro/
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https://www.elteatrocomooportunidad.com/teatro-y-crecimiento-personal/respirar-el-
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https://fonologos.com/es/patologias/la-voz-en-el-
teatro/#:~:text=El%20actor%2Factriz%20de%20teatro,trav%C3%A9s%20de%20su%20tracto%20v
ocal.
https://www.entrepreneur.com/article/267447
https://es.wikipedia.org/wiki/Aparato_fonador
http://www.ehu.eus/acustica/espanol/musica/vohues/vohues.html
https://www.vozalia.com/blog/tecnica-vocal-ejercicios-y-trucos-para-mejorar-la-tecnica-vocal/
http://libros.uvq.edu.ar/spm/321_duracin_tono_intensidad_y_timbre.html