El documento describe el arte de acción y sus características, incluyendo el performance y el happening. También habla sobre la artista Atsuko Tanaka y su vestido eléctrico. Finalmente, explica el readymade de Marcel Duchamp y cómo influyó en el pop art y artistas como Andy Warhol.

1. PLASTICA

2. ARTE DE ACCIÓN
 Tendencia del arte moderno del siglo
XX, se propuso llevar el arte a otro nivel
y ampliar sus horizontes
No es una mercancia, no se puede
comprar ni vender y tampoco es un
objeto para apropiarse de él
Es un acto del ser humano que sucede
en un lugar y tiempo determinado

3. CARACTERISTICAS
 Incluye diferentes manifestaciones:
-Performance
-Body art
-Happening
Se propone llevar el arte a espacios abiertos,
como parques y plazas
Tiene un grupo variado de técnicas y estilos
artisticos
"El arte de acción intenta activar tanto la
imaginación como la potencia crítica de
reflexión"

4. ATSUKO TANAKA
 Es una de las artistas más reconocidas de la vanguardia
japonesa, formando parte del movimiento Gutai entre los años
1955 y 1965.
 El grupo Gutai nace tras la segunda guerra mundial
rechazando el comunismo capitalista y realizando acciones
irónicas

5. COCOON

6. ELECTRIC DRESS
 Es una poderosa confluencia de la tradición del kimono japonés con la tecnología industrial
moderna. Antes de su concepción de este trabajo, Tanaka había aparecido en un vestido de papel
más grande que la vida que fue pelado lejos capa por capa, no a diferencia de la peladura fuera de
las pinturas de Murakami; En última instancia, se desnudó a un leotardo equipado con luces
parpadeantes. Tanaka empezó a imaginar <Electric Dress> en 1954, cuando describió en una
pequeña libreta una conexión notablemente profética entre el cableado eléctrico y los sistemas
fisiológicos que componen el cuerpo humano. (...) Después de fabricar la escultura real, ella se
disfrazó en ella en la tradición de la ceremonia japonesa del matrimonio. Cientos de bombillas
pintadas en colores primarios se iluminaron a lo largo de las vías circulatorias y nerviosas de su
cuerpo.

7. ELECTRIC DRESS

8. MARCEL DUCHAMP
 Fue un artista francés conocido por su actividad artística
 Sus obras ejercieron una fuerte imfluencia en la evolucion del
movimiento pop en el siglo XX. Es uno de los valedores de la
creación artística como resultado de un puro ejercicio de voluntad sin
necesidad de preparación, formación o talento

9. LA FUENTE
 La Fuente (1917) es una obra de arte atribuida a Marcel Duchamp. En ese año
intentó exponer un urinario en una muestra organizada por la Sociedad de Artistas
Independientes de Nueva York, lo tituló La Fuente (Fountain) y lo firmó como «R. Mutt».
Es una pieza denominada readymade, (también objeto encontrado, del francés objet trouvé)2 el
arte realizado mediante el uso de objetos ya existentes que normalmente no se consideran
artísticos. Con esta obra, Duchamp inició una auténtica revolución en el mundo del arte
(introduciendo el vanguardismo) al demostrar que cualquier objeto mundano podía
considerarse una obra de arte con tal de que el artista lo quitara de su contexto original
(en este caso, un baño) y lo situara en un nuevo contexto adecuado -una galería o un
museo- y la declarara como tal. Además, la obra ha sido interpretada de infinidad de
maneras, incluso como órganos sexuales femeninos.

10. LA FUENTE

11. RUEDA DE BICICLETA
En 1913, en su estudio en París, él montó la
rueda invertida verticalmente (es decir, la parte
que tradicionalmente va arriba hacia abajo, y
viceversa) sobre una escalera de madera.
Posteriormente, negó que su invención tuviera
un propósito, aunque es conocida como la
primera de sus obras de arte encontrado.
“Disfruto mirándolas”, afirmó. “Tanto como
disfruto ver las llamas danzando”. No fue hasta
que comenzó a crear arte encontrado unos años
después en Nueva York que decidió que la Rueda
de bicicleta pertenecía a esta categoría; allí realizó la
segunda versión.

12. POP ART
 El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del
siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura
popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del
mundo del cine.

13. ANDREW WARHOLA
 Andrew Warhola (Pittsburgh, 6 de
agosto de 1928 - Nueva York, 22 de
febrero de 1987), comúnmente conocido
como Andy Warhol, fue un artista
plástico y cineasta estadounidense que
desempeñó un papel crucial en el
nacimiento y desarrollo del pop art

14. ANDREW WARHOLA
Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió
fama mundial por su trabajo
en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino
respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como
gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e
intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales,
celebridades deHollywood, drogadictos, modelos, bohemios y
pintorescos personajes urbanos.

15. SOPA CAMPBELL
 Pintura: latas de sopa Campbell –
Campbell’s Soup cans
 Periodo de arte: moderno (pop art)
 Año: 1962
 Autor: Andy Warhol (estadounidense)

16. SOPA CAMPBELL
 La pintura Campbell’s Soup Cans del pintor Andy Warhol, fue
realizada en el año 1962. En este año, ocurrieron una serie de hechos
que permitieron que se creara una historia, hechos económicos,
políticos y principalmente sociales y culturales, que son los hechos
que más se relacionan con la obra.

17. MARILYN MONROE
 Obra: Marilyn
MonroeAutor: Andrew Warhola
[Andy Warhol] (1928-1987)
 Fecha: 1964
 estilo: Pop Art. Pintura del siglo
XX
 Técnica: Serigrafía sobre lienzo.

18. MARILYN MONROE
 Las creaciones del pop art parodiaban, adoptaban y capitalizaban los símbolos del
consumismo, el éxito y la fama, así como la cultura de masas. Uno de los cuadros más
conocidos de Warhol es la reproducción de múltiples imágenes de la fotografía de
Marilyn Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-,coloreada sin atención al
detalle y con tonos planos y extremados. Esta obra se encuadra en una serie de
litografíasque creó a principios de los años sesenta (Liz Taylor, James Dean, bote de
sopas Campbell, botellas de Coca Cola, Mickey mouse, etc.). Todos ellos son símbolos
de la sociedad de consumo sin significado, no esconden ningún sentido oculto como
tampoco hay denuncia. Warhol sólo reflejaba la apariencia de las cosas, no juzgaba, no
opinaba, no tenía nada que decir.

19. ROY LICHTENSTEIN
 El pintor y escultor que expolió
del cómic para convertirlo en material de
museo.
Roy Lichtenstein (1923-1997) fue una de las
figuras clave del pop norteamericano y
como tal sacó la inspiración para su obra
tanto del arte popular:
anuncios comerciales,
revistas, comic…; como de la historia del
arte tradicional: Art
Decó, cubismo, expresionismo abstracto.

20. KISS V
 El cuadro muestra a una mujer
en llantos que abraza su pareja.
¿Son lágrimas de felicidad o tiene
el corazón roto…? Sin las demás
viñetas de la historia, no podemos
más que especular.

21. KISS V
 Roy Lichtenstein iba para expresionista abstracto, pero en algún
momento decidió que se dedicaría a llevar al lienzo imágenes de los
cómics más vendidos. De ahí esas
 características líneas, los colores primarios y los puntos
Benday, simulando la impresión de alta velocidad.

22. M MAYBE

23. M MAYBE
Empleando colores primarios y contornos negros bien definidos, elabora las imágenes
mediante entramados de puntos según el sistema llamado Benday, lo cual acercó al
artista a reinterpretar la tradicional creación pictórica del Puntillismo. Lo anterior puede
observarse en obras como “M-Maybe”, cuya imagen fue tomada de una historieta. En
ella, Lichtenstein aísla una representación de la secuencia de imágenes, trasladándola
ampliada al lienzo. Calca los contornos del modelo elegido, los proyecta en el lienzo y los
fija con un pincel. Con plantillas realiza la trama en algunos lugares, o en todo el cuadro,
utilizando para ello los puntos Benday. Por último, aplica el color y pinta los contornos
de negro. A través de su pintura, Lichtenstein buscaba mostrar el desafío del hombre
moderno para poder distinguir entre las imágenes y la realidad.

24. OP ART
 El Op art, también conocido como optical art y como arte óptico, es un
estilo1 de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.
 En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o
desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por lo tanto se puede
decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. El op-art es un movimiento
pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. Los elementos dominantes
del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados,
ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o
repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples

25. VÍCTOR VASSARELY
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de
abril de 1906 - París, Francia, 15 de marzo de1997) fue un artista al que se
ha considerado a menudo como el padre del op art. Comenzó a
estudiar medicina enHungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se
interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely
(principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno
de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian yMalévich y se interesó por
la astronomía.

26. VÍCTOR VASSARELY
 Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En
esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la
primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un
modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento,
ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó
diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía
consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

27. ZEBRAK
Fue realizada en 1939. Es una de las
obras más destacadas de Victor Vasarely.
En ella se puede apreciar el uso de
curvas que le dan un movimiento al
conjunto de líneas blancas y negras que
está inspirado en unas cebras jugando,
para que se pueda apreciar bien el
contraste de las líneas blancas y negras
estas se han pintado sobre un fondo
negro.

28. JOSEF ALBERS
 Josef Albers (19 de marzo de 1888 -
25 de marzo de 1976) fue un artista y
profesor alemán cuyo trabajo, tanto en
Europa como en los Estados Unidos,
creó la base de algunos de los programas
de educación artística más influyentes
del siglo XX.

29. HOMENAJE AL CUADRADO
 Fecha: 1964
 Dimensiones: 121 x 121 cms
 Técnica: Óleo sobre tela
 Museo en que se encuentra:
Josef Albers Museum. Bottrop,
Alemania

30. HOMENAJE AL CUADRADO
 La obra de Albers se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos, cuya
interrelación acentúa el efecto abstracto, puramente óptico de la composición. Un ejemplo de ello es su
serie denominada “Homenaje al Cuadrado”, la que comenzó en 1950. En este trabajo Albers explora las
interacciones croma áticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el
lienzo. A través de la representación de cuadrados superpuestos con las proporciones muy bien
calculadas y colores que varían en sus matices, llega a la conclusión de que un mismo tono puede parecer
diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales
cuando se asocian a distintos fondos.