Una recolección de artículos, del 2007. Tienes varios errores y notas que envejecieron muy mal--como la que escribí sobre el pop musical de ese momento y Nelly Furtado--; pero hay otras notas que sí vale la pena compartir, por eso lo subo. Espero les guste, si no, tranquis, es gratis.

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RODRIGO ANTEZANA PATTON
UNA CAPRICHOSA
SELECCIÓN
Una década de escribir
©2007

2. 2
Mimeme.over-blog.com

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Hace ya más de una década que escribo para los medios impresos de Bolivia, comencé en
Los Tiempos, un diario de circulación nacional radicado en Cochabamba. Me decidí a
hacer el salto, o sea: escribir para un público, debido a que ya escribía para mí, no mucho
pero algo. Yo todavía tenía 21 años, me encantaba el cine, aunque cada vez estaba más
intoxicado del mismo. No sólo deseaba verlo, quería protestar. Por siquiera un par de
años, había elaborado un muy breve ‘diario de películas’, donde comentaba con un
párrafo las producciones que había visto. Como seguidor del llamado séptimo arte, desde
hace un buen tiempo que leía las críticas que encontraba en la revista Time o Newsweek,
encontré que muchas veces coincidía con la opinión de algunos y que, cuando no lo hacía,
podía argumentar mi posición. En la edición de los domingos, en el periódico Los Tiempos,
no había crítica de cine, por lo que me decidí proponerles escribir una columna sobre el
tema. Envíe dos textos como muestra de lo que podría hacer. En casa no siempre
comprábamos el periódico, así que me enteré recién el lunes que un artículo mío había
sido publicado en la edición del domingo 23 de marzo de 1997, se trataba de ‘Space Jam’.
Fue una gran alegría. Elizabeth Arrázola me llamó comunicándome el hecho, pronto
afinaríamos los detalles, respecto a tamaños y fechas de entregas, pero ya podía celebrar
mi primera nota publicada, que presento a continuación.
La película en cuestión fue una decepción tan grande que ‘Space Jam’ es una de las
razones por las que mi psicología personal decidiese calmarse un poco transfiriendo mi
molestia al lenguaje escrito, sin contar que debía ser publicable. Era la única manera que
tenía de poder siquiera vengarme un poco por el tiempo vilmente perdido en este ya
legendario bodrio. Lamento comenzar con una nota en contra de algo, pero no todos los
comienzos pueden ser positivos. Así, he aquí el artículo, casi tal como fue publicado hace
más de 10 años.

4. 4
Space Jam
Los ejecutivos de Warner Bros. indicaban que "Space Jam" era un intento por
romper el monopolio de Walt Disney sobre los dibujos animados. Si Space Jam es todo lo
que Warner puede ofrecer, Disney & Co. pueden dormir con mucha tranquilidad.
En "Space Jam", Michael Jordan, Charles
Barkley y Larry Byrd, nos muestran porque
escogieron dedicarse al baloncesto y no al cine. "Jam"
se ve como un larguísimo juego de basket por el que
no se tiene ningún interés. El puntaje del partido
cambia dos veces de forma radical, con pocos deseos
de añadir un remoto toque de tensión.
Lo único rescatable de "Jam" son un par de
chistes de los muy conocidos personajes de la Warner.
Destinado a un público masculino y de corta edad,
"Jam" es una película difícil de ver si usted tiene más
de diez años.
En cuanto a trucaje, "Jam" dista mucho de la
complejidad, y novedad, que ofrecía Roger Rabbit. El
productor Iván Reitman se basa sólo en la fama de
Michael Jordan y de los personajes Warner, para
ofrecer una película aburrida para quien no sea un
verdadero fanático de todo lo que tenga que ver con
baloncesto y Michael Jordan.
Con un presupuesto de US$ 80 millones, "Space Jam" muestra lo caro que son la
publicidad y las estrellas de baloncesto, y la poca importancia de las buenas ideas. A pesar
de todo, tal vez a sus hijos más pequeños les guste ver al conejo Bugs, al pato Lucas y a sus
amigos, en la pantalla grande. Aunque infantil, predecible, y con personajes de carne y
hueso muy bobos, "Jam" no es insoportable y puede sacar un par de sonrisas a cualquiera.
Además podrá observar unas cuantas escenas de la última tecnología de animación de los
estudios de Hollywood.
Y eso era todo. No había presentado artículos largos, no se suponía que debían ser
publicados, eran una muestra. Pero prefiero quedarme con la sorpresa de encontrarlo
impreso, en vez de la posiblidad de haber arreglado ese malentendido. Si Elizabeth hubiese
escogido el próximo artículo en vez de “Space Jam”, la nota previa no estaría ni siquiera
en esta caprichosa selección. El segundo artículo enviado trataba de una película que
gustó a un muy reducido número de personas, y en el que me incluyo. Yo no entiendo qué
tanto tienen en contra, es del mejor humor negro que he visto. Aunque es innegable que no
tiene mucho sentido, no importa, te ríes.
Marcianos al ataque
"Marcianos al ataque" de Tim Burton, es la ultima película en llegar al país con la
fiebre marciana que inicio "Los Archivos X", serie de televisión que fue un rotundo éxito
en Europa y los EEUU. Sólo a principios de los ochenta con películas como: "Encuentros
cercanos", "Starman" y "E.T.", se vio algo parecido. Pero la lógica de los noventa, es a la

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inversa, los extraterrestres de "The Arrival", "Independence Day" y "Marcianos al Ataque",
no son buenos, sino todo lo contrario.
Los cabezones y delgados alienígenas de Tim Burton, aparecen graciosos a primera
vista, con sus trajes y
armas de colores
chillones. Pero no se
deje engañar, estos
pequeños marcianos
son la maldad
encarnada. Jack
Nicholson, Glenn
Close, Pierce Brosnan
y Michael J. Fox
interpretan a algunos
de los personajes, en
la más nueva locura
del director de
"Beetlejuice", "Ed
Wood" y "Batman".
"Marcianos al
ataque" será
insoportable para quienes no puedan creer que haya hostilidad más allá de nuestro planeta.
El completamente nihilista film de Burton, no pretende enseñar que buenos somos, o si un
mensaje de unión saldrá de esta catástrofe, es simple humor negro con un gusto bastante
kitsch. El guión de Jonathan Gems, crea un film bastante lento al comienzo, pero
posteriormente gana suficiente velocidad para relatar todo el pandemonium generado por la
invasión marciana.
"Marcianos al ataque" no es un película recomendable para menores, a pesar de
tener un humor bastante básico, ciertas escenas reflejan una crueldad impactante. El único
tipo de público que quedará satisfecho con está lenta parodia de "Independence Day", es
aquel que busque algo de aventura, comedia, terror y un poco de ciencia ficción, sin esperar
un plato completo de ninguno.
Si usted no tuvo bastantes extraterrestres muertos, o si no fue suficiente ver volar las
principales ciudades del mundo, Burton le invita a ver el Taj Majal chamuscado por las
criaturas más hipócritas del sistema solar. ¡Sorpresa! No somos nosotros.
¿Me equivoco o también participa Jack Black en este filme? En ese momento
todavía no era alguien importante, ahora vale la pena recordarle.
Este segundo artículo fue publicado el domingo siguiente, y la idea era mostrar que
no sólo se haría una crítica, también se informaría un poco al público. Vean todas las
películas mencionadas. A partir de entonces comencé a ‘trabajar’ para el periódico como
crítico de cine. Como la gerencia no estaba dispuesta a pagar por un trabajo que podían
obtener gratuitamente, y de buena calidad, de las muchas agencias que ya estaban
contratadas, me ofrecieron pagarme las entradas. Desde esos días, hasta hoy, yo no he
pagado una entrada al cine. Lástima que sea en su mayoría tan, pero tan malas.
Estos meses trabaje concienzudamente, viendo una película semanal, ya que, de
todas maneras, ése era mi ritmo normal de visualización cinematográfica. Yo iba al cine,

6. 6
era una de mis principales actividades fuera de la universidad. Estudiaba economía por
esos años, y me encontraba bastante decepcionado de la educación fiscal en la
Universidad Mayor de San Simón, y más inquieto aún con las perspectivas laborales. Me
encanta, hasta el día de hoy, todo lo que tenga que ver con economía; pero una vez que has
ingresado al mercado laboral, ¿me sería posible encontrar un puesto de trabajo creativo?
De todas las ciencias duras, ninguna tiene por objeto algo más ficticio que la economía,
sin embargo mi cabeza tiraba en otra dirección. Para ese año yo ya había escrito una
novela, ‘El viaje’, y varios guiones, incluyendo una miniserie policial denominada ‘El
Bufón’. La posibilidad de escribir sobre cine me hizo pensar que tal vez valdría la pena
que estudie Comunicación. A medio año ingresé en la carrera, como el viejo de la camada,
detalle que me gusta hasta nuestros días (cuando mis compañeros dicen alguna tontería
que no me preocupo en contra argumentar yo recurro al fácil y siempre respetado; aunque
no por ello menos flojo, calificativo de ‘fetos’, y no es necesario decir más). La mayor
parte de los artículos escritos durante todo este tiempo sólo son críticas que reflejan la
mediocridad del promedio de Hollywood, que es lo que mayormente nos llega (conozco
suficiente de otras filmografías como para poder declarar, sin fallar el blanco, que en
cualquier otro caso sería lo mismo o peor. Con esto quiero decir mediocridad japonesa,
europea o asiática). No son artículos que valga la pena rescatar, porque no son películas
que valga la pena mencionar otra vez. Pero hay excepciones.
La gente dice que hay formula para esto y formula para aquello. Es cierto. Para
hacer una buena película o cocinar un sabroso pastel siempre hay una serie de
procedimientos que se deberían seguir para obtener buenos resultados. Hay una formula
en Borges o Shakespeare. Y los grandes maestros de la cocina sólo saben seguir una
receta. No importa, es difícil hacer una buena obra, es difícil seguir una receta. Se necesita
buen gusto. Y Punto. Pocas personas parecen tenerlo, en el cine o fuera del mismo.
“Volando a casa” es una historia de padre-hija, con el buen tipo a cargo, con la distancia
que debe ser superada, etc. La idea es sencilla, y no por ello deja de ser un muy buen
trabajo. Hacer ésto no es fácil, se requiere talento, que lo tienen muy pocos. Pero si la nota
al lado del título es cierta, pues la gente no pudo leerlo. (Es que para la selección recurro
a mis archivos personales, en computadora, no revisando una hemeroteca).
Volando a casa (No fue impreso)
Amy (Anna Paquin) es una niña que
sufre la perdida de su madre. Tom (Jeff Daniels)
es su padre, un artista distraído, incapaz de
cuidar a su pequeña hija, que él apenas conoce.
Todo será cambiado por unos huevos de
ganso, huérfanos por accidente, que identifican a
Amy como su madre al romper el cascarón. El
problema está en que los pequeños gansos tienen
que emigrar al sur en invierno. Entonces, Amy
tiene que pensar cómo enseñarles a volar y para
ello cuenta con su padre, un enamorado de los
ultraligeros.
Es una historia sencilla, cierto, pero eso
no infiere que sea aburrida en lo más mínimo, al

7. 7
contrario, "Volando a casa" es una película muy amena y bien llevada, carente de tonterías.
La historia conmueve y emociona gracias al excelente ritmo y dirección de Carroll Ballard.
La fotografía de Caleb Deschanel es otro logro de ésta excelente producción.
"Volando a casa" tiene un claro mensaje ecologista, llevado con tal gracia que no
tropieza, en modo alguno, con el contenido humano del film. La película es muy
recomendable para todas las edades. Ningún momento es tonto o aburrido, incluido el viaje
migratorio, que no sucede sin incidentes y combina la tensión con un humor muy fino.
Jeff Daniels maneja bien un papel más serio al acostumbrado por éste actor. En
cuanto a Anna Paquin, se desenvuelve perfectamente en el rol de niña ensimismada. Los
demás personajes del film son pequeños, pero cada uno de ellos tiene una tarea importante
a realizar. Es un buen punto del film no introducir personajes de carácter inocuo. El film no
es apto para cazadores, que difícilmente podrán disparar contra cualquier ave después de
verla, no sea que el simpático Igor esté volando entre ellas.
Escribía film en vez de filme. Si los artículos muestran algún anglicismo, no me
imagino cómo habría sido antes de revisarlos. Por otra parte, la nota de “Volando a casa”
es bastante rígida, sólo menciona que todo está bien. No hay algún comentario interesante,
sólo describe con adjetivos. ¿Será que ya comenzaba a aburrirme del trabajo? En los años
previos yo había visto cine casi hasta la saturación, además, la familia tenía video desde el
’93. Como crítico, con menos de un año en el trabajo, ya me había ganado la fama de
aquél al que no le gusta nada. Por casualidad, cuando me fui a inscribir a la Carrera de
Comunicación, ésa fue mi bienvenida. Yo preguntaba algunos detalles a la secretaria
cuando una alumna de la carrera abordó a quien era la docente de Cine. ‘¿Lo ha leído al
tal Rodrigo Antezana?’, le preguntó. ‘Nada le gusta. Pero naaaada. De “Hércules”,
dibujitos bonitos, dice. La película una macana’. Resultó que la docente me conocía y evitó
cualquier comentario. La cita no es exacta, es como la recuerdo y puedo transcribir ahora.
Pero bueh, ¿qué puedo hacer yo? Yo sólo soy el crítico, no hago las películas. La mayoría
son malas, algunas buenas, y otras son un poco más complicado que eso, éstas son las más
interesantes.
“El paciente inglés” era una película muy famosa para cuando yo la revisé, nos
llegó después de que los comentarios positivos apareciecen en la red. Como producción de
bajo presupuesto, su distribución no tenía la velocidad de las películas más caras. Una
estética muy lúcida, y una escena final que verdaderamente conmovía es lo que más
recuerdo de este filme, el resto del guión; sin embargo, hacía aguas. Creo que fue mi
primera buena película de la que, a la vez, me quejaba un poco.
El paciente inglés
El cine británico
pasa por un muy buen
momento, sus ultimas
producciones incluyen
"Sensatez y
Sentimientos", "Lo que
queda del día" y "Cuatro
matrimonios y un
funeral", todas ellas

8. 8
películas de gran calidad. Ahora llega la gran ganadora de los Oscares de 1996, ceremonia
realizada en 1997 para las producciones del año anterior.
Un hombre herido, conocido solamente como el paciente inglés (Ralph Fiennes),
nos relata su apasionado amor a través de recuerdos. Este método de flashbacks para un
relato tiene un punto en contra y uno a favor. En contra, la lentitud del relato al principio; a
favor, el suspenso que crea la introducción por partes, que también hacen más efectivo el
clímax final.
El guión de "El paciente inglés" tiene algunas escenas insípidas, pero éstas se
pueden contar con los dedos de una mano. Muchas más son las escenas con una gran
belleza visual, una de las características del film, gracias a la laureada fotografía de John
Seale. La música de Gabriel Yared, también ganador de un Oscar, es un justo acompañante
de los maravillosos escenarios del desierto.
¿Quién es el paciente inglés? ¿Dónde conoció a David Caravaggio? Son preguntas
introducidas al espectador y a la enfermera Hana (Juliette Binoche), para llenar de tensión
una historia de amor que contada de otra forma sería poco convincente, es el ritmo preciso
del guión de Anthony Minghella lo que hace de "El paciente inglés" una muy buena
película, a pesar de un par de escenas mal realizadas y algunas debilidades en la trama.
En cuanto a la actuación de "El paciente inglés", no existe un papel exigente y todo
el elenco hace un rol
muy eficiente con sus
respectivos
personajes.
El filme
comienza con Ralph
Fiennes pilotando un
avión biplaza, su
pasajera es una mujer
que parece dormida.
La historia
desemboca en un
desesperado intento
por salvarla, a pesar
de los esfuerzos, ella
muere, el dolor del
fracaso se ve
resumido por la escena final, que nos remite al principio del filme, más la música, el baile
del avión y la soledad del desierto, resultan en una secuencia que es una pequeña joya.
Yo nunca estuve peleado con el cine comercial. Hasta el día de hoy no comprendo
muy bien porque algunos utilizan ‘muy comercial’ como algo peyorativo. Todas las
películas buscan ser comerciales, muy pocas lo logran. “Men in black” es ejemplo de ese
buen cine comercial, que es muy entretenido y alegra al público. Sin embargo hay una
razón más para incluir a esta película en mi caprichosa selección. A este filme le
corresponde el infame honor de tener una de las ideas más idiotas en la historia del cine:
“Otro fallo es...”

9. 9
Hombres de negro
Will Smith vuelve a enfrentarse a una amenaza del espacio exterior en "Hombres de
negro". Esta vez Will es Jay, un policía de Nueva York que por casualidad se encuentra
persiguiendo a un bandido de otro mundo. La habilidad de Jay como policía llama la
atención de Kay (Tommy Lee Jones) un miembro de los Hombres de Negro, una
organización ultra secreta que se dedica al monitoreo de actividad extraterrestre en el
planeta. Una vez dentro del grupo, Jay tendrá un difícil día de novato cuando un alienígena
insectoide, con complejo de inferioridad, entra sin visa a los EEUU. El insecto, además de
buscar un poco de justicia para todos los bichos del universo, desea ‘una cosa muy curiosa’
que Jay y Kay deben encontrar primero.
"Men in black", adaptación al cine de una historieta de Marvel, nos trae una vez más
la nueva formula de Hollywood para hacer películas: efectos especiales, una historia simple
y un par de estrellas.
El film tiene un momento tonto, al principio cuando un ilegal, disfrazado de
mexicano (Vaya idea), tiene un ataque de histeria sin razón aparente. Otro fallo es cuando
el guión de Ed Salomon, intenta mostrar el lado sensible de Kay con la absurda idea de que
él extraña a su amor por nada menos que 25 años.
Notados los errores nos encontramos con una divertida aventura, llena de babosos
alienígenas y espectaculares efectos de Light & Magic. Vincent D'onofrio interpreta al
campesino cuyo cuerpo será utilizado como hábil, pero incómodo, camuflaje. Los
ademanes del extraterrestre en su ‘traje Edgar’ fuera de talla, son un buen punto de "MIB".

10. 10
Will Smith, un comediante con mucha experiencia, no decepciona, y a pesar de
algún predecible chiste, tiene muy buenos momentos. Tommy Lee Jones tiene el papel de
duro agente MIB, a quien ya nada asombra, Jones convence con su frialdad, teniendo que
enfrentar como normal lo sorprendente, es el contrapeso del absorto Jay.
"Hombres de negro" nos introduce a un mundo extraño donde la tierra es visitada
por extranjeros con años luz en sus pasaportes, MIB se encarga de los malos. El film tiene
momentos y pequeños aparatos muy ingeniosos, un exceso de baba pero un todo
convincente. Una comedia/aventura que ofrece buena diversión pegajosa, "MIB" es una
buena forma de pasar una tarde.
Sigue siendo una ligereza no haber sido más contundente en lo que a esa ‘idea’ se
refiere. ¿25 años suspirando frente a una pantalla? Y recién entonces el tipo dice: ‘No,se
acabó, ahora regreso a ella’. ¡Ay! Si serán.
Elizabeth Arrazola había otorgado el puesto del suplemento cultural a Oscar
Jordán, quien se convertiría en un buen amigo y gran apoyo dentro del periódico; ya que
no todos los que estaban ahí gustaban de mi trabajo. El nuevo diseño permitía que los
artículos resalten un poco más en la edición. También tenía más espacio para escribir.
Resulta que yo ya había visto “The frighteners” en video, una de las mejores
películas de Peter Jackson, quedé encantado con esta producción. Sigue siendo una de mis
favoritas y era la prueba de que Jackson estaba para grandes cosas. Ni bien llegó a la
pantalla grande, mucho después de su estreno en los U.S.A., yo no perdí la oportunidad de
darle un buen comentario.
Muertos de miedo
Fairwater es un
pequeño y pintoresco
pueblo con un timador muy
particular. Frank Bannister
(Michael J. Fox) es un
espanta fantasmas, su
trabajo sería encomendable
de no ser por un pequeño
detalle, Bannister está en
asociación con los
fantasmas que el
supuestamente espanta. La
habilidad de Frank para ver
los espíritus, vendrá muy a
mano cuando él deba
enfrentar un criminal del
más allá, y así evitar que lo
inculpen por los asesinatos de los cuales es único testigo.
El director de "Muertos de miedo" es el neozelandés Peter Jackson, una persona con
un pasado fílmico bastante grotesco, pero "The frighteners" redime en gran parte su

11. 11
currículum kitsch. Después de todo Jackson tiene una nominación al Oscar por mejor
dirección. En "Muertos de miedo", Jackson prueba que es capaz de relatar una historia con
agilidad. Una historia por la cual él es parcialmente responsable junto con Fran Walsh.
Es difícil encajar a "Muertos de miedo" en un genero especifico, tiene algo de
terror, comedia, aventuras y policial, es "Asesinos natos" con "Los cazafantasmas". Su
humor es frugal, por momentos de mal gusto, pero efectivo. Otro punto que hay que
destacar es la fotografía de Alan Bollinger y John Blick, sin olvidar que están bajo la
dirección de Jackson un director notado por su particular forma de mover las cámaras que,
sin gozar de una belleza de postal, ayudan al filme a mostrar su propia atmósfera, y a la vez
permite que la historia fluya ante el espectador.
Otro éxito de ambientación son los efectos especiales de Weta Limited, que asustan
divierten e impresionan. Ninguno de los efectos ofrece novedad, pero sí demuestra que un
uso apropiado de ellos puede hacer mucho por un relato.
La actuación del reparto es en promedio más que solvente, en particular Michael J.
Fox, revisando su filmografía puedo decir que es su mejor rendimiento. Jake Busey, hijo de
Gary Busey (La firma), también merece mención aunque su rol sea algo clásico, el de
psicópata, y su labor en acorde a éste. Jeffrey Comss interpreta al traumatizado agente del
FBI, Milton Dammers, un personaje entre cómico y trágico, está muy bien logrado en un
film, tome nota, que tiene algo de comedia.
Junto con la historia, los efectos, la música de Danny Elfman es otra de las razones
para la buena visualización del filme, los sonidos resaltan y redundan la acción de una
forma muy efectiva. Todos
estos elementos, de los cuales
se hace un muy buen manejo,
hacen una buena aventura-
cómica de terror, valga la
expresión, pero aunque
"Muertos de miedo" le haga
pasar un muy buen rato, no es
más que una infantil película
muy bien hecha. Todos los
halagos y observaciones que
hago, las realizo pensando y
ajustando mi retórica al nivel
del filme. No pretendo que al
evitar criticar la actuación, la
dirección o la fotografía se
piense que ante mi punto de vista estemos frente a una producción de alcances épicos, pero
sin duda tenemos una producción comercial de calidad.
Me extraña esa aclaración final. Ya no recuerdo el porqué, sólo puedo especular.
¿Será una referencia a esa tonta idea de que una buena película es necesariamente una
película seria? Entonces todavía consideraba que debía defender mi opinión.
Milton Dammers es uno de los mejores personajes secundarios que recuerdo, a su
vez, Jeffrey Comss, entrega la mejor sobreactuación que he visto.

12. 12
El próximo artículo que incluyo trata sobre una película de ciencia ficción. A pesar
de que cunde el rumor de que muchas películas al año son de este género, eso es falso. La
mayor parte de las películas producidas por Hollywood son comedias románticas o dramas
mediocres, más muchas películas policiales. Lo que sucede es que las películas de ciencia
ficción requieren, por lo general, de un gran presupuesto, así que todos se enteran de su
producción, realización y proyección. Los filmes dentro de este género son relativamente
escasos; aunque a cambio sean muy publicitados. Como seguidor del género yo esperaba
“Event Horizon” con escepticismo y ansiedad. ¿Sería mala?, ¿mediocre?, o, tal vez,
¿interesante?
Event Horizon
Event
Horizon era una
nave experimental
diseñada para
atravesar el espacio
mucho más rápido
que una nave de
propulsión
convencional, la
nave en si no
viajaba a gran
velocidad, lo que
hacía era abrir una
puerta dimensional
que le permitía
aparecer en su
destino en un
mínimo de tiempo. Sin embargo algo sucedió en el viaje inicial, la nave desapareció sin
dejar rastro, hace ya siete años. Ahora, la nave acaba de aparecer misteriosamente en el
lejano planeta Neptuno. La tripulación de la nave, de búsqueda y rescate, Clarck, con ayuda
del Dr. Bill Weir (Sam Neill) diseñador de la Event Horizon, van a tratar de rescatar a los
sobrevivientes de la nave desaparecida y averiguar a dónde fue y por qué regresó.
Aunque en los años cincuenta ciencia ficción era sinónimo de terror, con sus pocas
excepciones, hoy en día los filmes de aquella época provocarían la risa de la mayoría de los
espectadores. El factor de lo desconocido, muy presente en nuestras relaciones con el
espacio exterior, prestaban al género para explotar nuestros temores. Ridley Scott realizó el
filme “Alien” en 1979, una obra maestra de terror y ciencia ficción, el éxito de la película
produjo una serie de imitaciones y cuatro secuelas del filme original, la cuarta, “Alien
resurrection”, recién por estrenarse en el país. “Event Horizon” es la única representante del
terror en esta fiebre de ciencia ficción de finales de los noventa; a pesar de la presencia de
“Alien IV”, ya que la secuela de “Alien” se ha convertido, hoy en día, en aventura intensa
en una sociedad endurecida con mayores dosis de crueldad y violencia.
En la ciencia ficción a la que estamos acostumbrados el diseño de producción y los
efectos especiales juegan un papel primordial. En “Event Horizon” el trabajo de Joseph

13. 13
Bennet no puede dar lugar a quejas importantes, el filme tiene un ambiente futurista creíble
muy bien logrado.
Sam Neill se desenvuelve bien en su rol de Dr. Weir, no es una actuación que
requiera mucho desafío pero Neill logra, salvo por una tonta escena de flashback, mostrar
los dos lados del doctor. Neill es en realidad la co-estrella del show, el rol principal lo tiene
Lawrence Fishburne como el Capitán de la Clarck, Isaac Miller. La fuerte personalidad de
Miller le sienta bien al serio Fishburne, y el actor también logra representar el miedo
necesario ante la tenebrosa realidad de la Event.
“Event Horizon” tiene a su favor una idea original, no es un clon de “Alien”, y la
idea es espeluznante, soy una persona que se ríe de las fantasías de Clive Barker o los
infinitos “Martes trece”, pero debo reconocer que “Event Horizon” me pone nervioso. El
lugar de donde viene
la nave es, por decir lo
menos, muy
desagradable. Sólo la
idea y su permanente
amenaza serían
suficientes para hacer
de “Event Horizon” un
interesante filme de
fuerte suspenso, pero
el guionista Philip
Eisner decidió crear
un pequeño infierno
de crueldad abordo de
la gigantesca nave.
Esto lo realiza no con
el juego psicológico
del inmenso peligro en el que está sumida la tripulación de la nave Clarck, huéspedes
temporales de la Event, sino con imágenes repugnantes y truculentas que agitan el
estomago más que nuestra capacidad de sentir temor, a ello se añaden algunas tontas
escenas de mal gusto de los recuerdos del Dr. Weir. Otro defecto del guión está en que el
“qué”, el “cómo” y “de dónde”, se resuelven en unas pocas líneas de diálogo, mejor que
una charla larga, cierto, pero peor que una deducción basada en datos introducidos al
espectador, y a los personajes dentro del filme. La efectividad del terror de las imágenes
provienen no de la imagen en sí, sino de lo que ellas representan dentro de la idea de la
película, una buena idea pero un mal trato es el problema de “Event Horizon”.
¿Vale más resaltar los defectos de una película que sus méritos? Creo que sí.
Estamos tan acostumbrados a los defectos, estos son tan omnipresentes que muchas
personas ya ni siquiera los consideran tales. El resaltar los defectos de una película invita
al público a permanecer alerta ante ellos, al menos ésa es la teoría. Releyendo el artículo,
puedo ver que la nota no demuestra lo mucho que en verdad me gustó la película, o sea: yo
estaba satisfecho con el filme, a pesar de los defectos mencionados. Quedé muy interesado
por esa nueva premisa creativa, la de una dimensión de dolor y destrucción; lo que es
absolutamente imposible, sin por ello dejar de ser espantosa. Mi gusto por revisitar la
ciencia ficción me hizo escribir otro artículo sobre el género, para la semana siguiente

14. 14
recordé la obra de Ridley Scott. No incluyo esa nota ya que hoy por hoy estaría muy
anticuada, y existen excelentes resúmenes de ese tipo fáciles de encontrar en la red.
A continuación otra nota que también habla de ciencia ficción, pero, una vez más,
eso no quiera decir que sean numerosas las producciones de este género, es sólo una
debilidad personal por éste, y creo que un buen artículo.
Invasión
La sociedad
humana del futuro se
ve amenazada por la
existencia de una
especie extraterrestre
de insectoides,
primitiva en
tecnología pero capaz
de colonizar otros
mundos. Los
arácnidos han
demostrado su
hostilidad para con los
seres humanos y la
humanidad se prepara
para el
enfrentamiento.
El director de la película es Paul Verhoeven que también dirigió “El vengador del
futuro” (Total Recall) y “Showgirls”, el primer filme tiene el ritmo trepidante y una
interesante historia, el segundo es una pésima producción con un nivel de interpretación
nulo. “Starship Troopers” o “Invasión” tiene en común con la primera un ritmo trepidante,
y la presencia de Michael Ironside, y con la segunda una pobre actuación. Pero el
rendimiento de Verhoeven logra anotar un buen punto con las múltiples batallas y escenas
de flotas espaciales que son, en muchos casos, verdaderamente espectaculares.
El guión del filme, basado en una obra del autor de ciencia ficción Robert E.
Heinlein y escrito por Edward Neumeier, ofrece mucho más de lo que se ve en la
propaganda, aparte de la guerra contra los ‘bichos’ podemos observar la imaginada
sociedad humana del futuro, también tenemos una breve asistencia al entrenamiento de la
infantería y los pilotos. De nuestros enemigos tenemos el esbozo de su sociedad insectoide
y el gusto, y disgusto, de observar a sus variados miembros.
Es un ejercicio inútil diferenciar y nombrar a los actores principales y a sus
respectivos personajes, todos actúan más o menos igual. Por un lado es correcto el
infantilismo con el que dan la bienvenida a la guerra con los insectoides, y a la oportunidad
de vengar a sus familiares y amigos perdidos (Lo mismo sucedió en Inglaterra con los
ejercitos voluntarios de la primera guerra mundial), pero una vez pasada la euforia los
personajes deberían mostrar un asomo de dolor, madurez o tristeza y no permanecer con su
eterna actitud de ‘G.I. joes’. Demasiadas sonrisas en medio de tanto dolor restan
autenticidad a la historia que se pretende relatar.

15. 15
La pregunta que se puede leer dentro del argumento de “Invasión” es de suma
importancia, y de una increíble trascendencia dentro de la historia humana. ¿Hay causas por
las cuales vale la pena morir y matar? Es una pregunta de peso. Desde Churchill, Kitchener,
Roosevelt, Bismark, y hasta Sócrates, todos quisieran saber la respuesta, según “Starship
troopers” la respuesta es: ¡rata-ta-ta!, ¡boom!, dzziing!, ¡crack!, ¡crack!, ¡boom!, ¡bang!
Usted puede llegar a conclusiones.
Tal vez el libro tuvo la
intención de despertar esta
pregunta en sus lectores, y
además especular una
respuesta, pero el filme
basado en la novela quiere
divertir. Como ya he
mencionado lo hace de una
forma muy infantil, y trata de
paliar su inmadurez con una
que otra crueldad dentro del
campo de batalla, pero si
usted se deja llevar, y olvida
sus estándares de actuación,
“Starship troopers” se puede
convertir en una amena y bien
lograda (Desde el punto de
vista técnico) película de acción. Lo más difícil de soportar son dos escenas dentro de su
sistema de televisión y ninguna de ellas es larga.
Me divirtió mucho esta película, a pesar de algunas terribles escenas. Terribles, no
por la sangre o el sufrimiento, sino por la mala actuación.
Si alguien me pregunta una razón para darle algún homenaje a Mel Brooks diría
que su carrera es razón suficiente, pero no recuerdo qué en particular me hizo escribir el
siguiente artículo.
Mel Brooks
El 28 de junio de este año Melvin Kaminsky,
también conocido como Mel Brooks cumplirá setenta y
dos años, desde su nacimiento en 1926. Hijo de una
familia judía rusa, Brooks se cambió el nombre para no ser
confundido con un músico con el mismo apellido. Su
carrera comenzó durante su servicio en el ejército, en
1940. Aparte de desactivar minas terrestres, Brooks
organizaba espectáculos para la tropa.
A su regreso a los Estados Unidos, Brooks trabajo
como comediante en el “Borshct Belt”, un club de
comedia. Poco dinero llegaba de su arte pero Mel era feliz
en su labor. Satisfecho y reconocido por el público, el

16. 16
comediante incursionó en la televisión escribiendo para el programa: “The admiral
Broadway Review” (1949). Éste cambió su nombre a “Su show de shows” en 1950, y
continuó con el mismo hasta 1954. Posteriormente trabaja para “Sid Caesar lo invita a
usted” donde recibe un Emmy como mejor escritor, por un show especial.
Después de enfrentar algunos problemas en el
programa, Brooks lo abandona. Con Carl Reiner,
vende la rutina de “El hombre de 2000 años”, fue una
grabación de éxito y realizó algunas apariciones en
televisión, por este trabajo Mel recibió tres Grammys.
Entonces junto a Buck Henry, crea al “Super agente
86" (Get Smart, ingenioso juego de palabras en inglés
que significa: ‘agarren a Smart’ y ‘ponte a pensar’, a
la vez). La sátira del espionaje tiene a Don Adams en
el papel principal, un agente secreto de ‘Control’, un
organismo del gobierno que lucha contra ‘Kaos’, una
organización terrorista, que tiene ciertos paralelos con
‘Spectre’ de James Bond. La serie se produce con
éxito desde 1965 hasta 1970.
Su incursión en el cine le valió un Oscar como
guionista por “Los productores” (1967), por su guión
y libreto. Brooks realiza tres films que tienen poco
reconocimiento o ingresos, pero en 1974 se estrena
“La locura del oeste” (Blazing Saddles). La película
relata las aventuras de un sheriff negro en un racista y salvaje oeste, el libreto tenía
originalmente un título con ‘X’ para hacer un juego de palabras con el líder radical negro
Malcolm X, pero el toque político prefirió evitarse. La censura cortó dos pedazos del film,
pero Brooks no hizo ningún caso y la producción se distribuyó completa. Con mucho
humor de mal gusto, y sin el menor sentido de la realidad, “La locura del Oeste” fue uno de
los mayores éxitos del año. (Ya que tiene mucho de ingenioso y de buen gusto, debía
añadir. Lo hago ahora, años después.)
Pero 1974 todavía no terminaba para Mel. El
mismo año se estrena “Joven Frankenstein”, la película
es una broma pesada a todo el cine clásico de terror y en
especial al fantástico monstruo de Mary Shelley. La
criatura de Brooks quiere ser una estrella y no un
espanto, pero para bailar tiene la habilidad de un
parapléjico. El film fue otro gran éxito.
Haciendo gala de independencia los films de
Brooks contaban con él como director, actor y
productor. Como dice él mismo sobre su estilo de
trabajo, que él como productor confía en sí mismo
como un hábil director, y como director cree que él
mismo puede hacer un buen papel como actor, y lo
dejan todo en familia. Pocas veces da las riendas de su
obra a otras manos, tal es el caso de “Ser o no ser”
(1983), dirigida por Alan Johnson.

17. 17
Desde finales de los setenta el film “La guerra de las galaxias” (Star Wars) y sus
secuelas están de moda. Brooks comenta que sólo escuchaba hablar de ‘Star wars’ y ‘Star
wars’, su pequeña venganza fue “Spaceballs”. Hilarante parodia de la trilogía y la ciencia
ficción, que también cuenta con la presencia de Brooks como ‘Yogurt’ (broma de Yoda) y
el líder de los Spaceballs.
En 1991 llega “Vida de perros” (Life stinks) una de sus mejores producciones, y sin
embargo no logró llegar al público, sin tener el esperado éxito de taquilla. Entonces Brooks
decide regresar a lo suyo, y lo seguro, con “Robin Hood, hombres en licra” (1993), una
broma al Robin Hood de Kevin Costner. Seguidamente, en 1995, estrena “Drácula, muerto
pero feliz” donde vuelve a interpretar un rol principal.
Establecido como uno de los creadores más independientes de Hollywood, Brooks
ha llegado al público mundial con su comedia, con la cual, muchas veces, es imposible no
reír.
Valga añadir que “Spaceballs” es una de las pocas parodias que gusta a los
fanáticos de la obra original. Casi todos los que gustan de “Star Wars” gustaron de
“Spaceballs”. También se puede mencionar el trabajo de tiempo verbal, bastante libre, lo
que no es una buena señal en un escritor.
En estos años se produjeron muchos cambios en Los Tiempos, me sería difícil
recordar a todas las personas que alguna vez estuvieron a cargo de la sección cultural de
un periódico en constante cambio. Un saludo a todos los que intervinieron, ya que todos
me trataron muy bien. Ah, también es interesante mencionar que durante estos años hubo
muchas personas que comenzaron a escribir sobre cine y mandar sus notas al periódico.
Recuerden que yo era compañero de estudios de comunicadores, algunos de los cuales
estaban ansiosos por compartir su criterio fílmico. Publicaron algunas de ellos, pero yo
permanecí como el ‘crítico’ institucionalizado. Vale mencionar que más allá de un acuerdo
verbal no había nada firmado entre Los Tiempos y mi persona. Así de informales somos en
Bolivia, para bien, y para mal. Para estas notas ya estamos en el año 1998. Seguía
escribiendo casi semanalmente.
Y cuando me aburría de ir al cine, o no veía la película semanal, reemplazaba mi
vacío temático con algo que valía la pena recordar.
Sigourney Weaver
(Impreso el Sábado, V&F deja de existir en
domingo, está, me dijeron, bastante cortado)
Sigourney nació en cuna de oro en
1949, en Nueva York, un 8 de octubre. Su
padre
era Sylvester Weaver presidente de la cadena
nacional de televisión NBC. Su verdadero
nombre es Susan Alexandra, aunque su
progenitor, muy interesado en la cultura
romana, deseaba llamarla Flavia.

18. 18
El nombre de Sigourney viene de una novela, The Great Gatsby (El gran Gatsby),
pertenece a uno de los personajes secundarios, ella lo escogió como suyo a los catorce años,
desde entonces la conocen como Sigourney Weaver.
Su madre, Desiree, era una actriz al igual que su tío Winstead Sheffield Weaver,
añadir el hecho de que su padre fuera presidente de una cadena de TV, deja en claro la
fuerte tendencia al espectáculo de la familia. Sin embargo antes de empezar su carrera
como actriz completó su educación universitaria en Stanford y Yale. Su debut en el mundo
de la actuación fue en teatro, en la obra Clásicos de Watergate (Watergate Classics). Al
igual que Paul Newman, Meryl Streep y otros, Weaver es una alumna de The Yale School
of Drama.
Casi cinco años más tarde, su presentación en la pantalla grande fue sumamente
breve, pero con categoría, significaba una participación de seis segundos (en pantalla) en el
filme de Woody Allen: Annie Hall, película que ganó el Óscar a mejor producción del año
1977. En 1978 Weaver se encontraría filmando una película de ciencia ficción con un
director novato, su nombre era Ridley Scott y tenía sólo una película en su haber. El
nombre del filme era Alien, Weaver tenía el papel principal como la teniente Ellen Ripley.
Aunque existía un buen balance entre los personajes del filme, Sigourney tenía para sí toda
la secuencia final de la cinta, en el mano a mano final con la criatura, por lo tanto el clímax
y la gloria eran para ella.
Su trabajo en la pantalla grande en los próximos años siempre fue de calidad y
nunca, hasta el día de hoy, participó en producciones mediocres. En “Ghostbusters I” y II
interpreta a una atractiva artista que llama la atención de un cazafantasma. Comedia, terror,
ciencia ficción, etc. El único común denominador de Weaver era un buen nivel, su
participación en “Gorilas en la niebla” lo probó con creces y le consiguió una nominación
al Óscar por mejor actriz y un premio Globo de Oro. El mismo año también consiguió el
Globo de Oro por mejor actriz secundaria en “Working Girl”, que cuenta con la presencia
de Harrison Ford y Melanie Griffith.
En 1992 tuvo una aparición estelar como la Reina Isabel la Católica en “1492", de
Ridley Scott, con la participación de Gerard Depardieu como Cristóbal Colón. Uno de sus
más recientes éxitos fue “Copycat” (El imitador)
donde ella es una psicóloga de criminales
traumatizada por un violento evento que la
convierte en agorafóbica, pero ahora debe ayudar a
capturar un criminal que gusta de copiar asesinatos
famosos. La película contaba con la participación de
Holly Hunter.
A pesar de su gran a habilidad como actriz y
fortaleza de sus personajes, la mayor parte del
público la conoce por su participación en la saga de
“Alien” como la Teniente Ellen Ripley, última
sobreviviente de la nave comercial Nostromo. La
segunda película, “Aliens”, le consiguió una
nominación como mejor actriz a los Oscares y El
Globo de Oro. En cuanto a su salario, por “Alien 3"
se le pagó diez millones de dólares y por “Alien: La
resurrección” once millones.

19. 19
Hasta el día de hoy ‘la saga’ lleva cuatro películas, y todas ellas de gran calidad,
cuatro directores diferentes, distintos personajes en cada una, distintas estrellas, pero un
común denominador: la poderosa presencia de una muy hábil actriz, Sigourney Weaver y
su némesis, los Aliens.
Puedo especular, y como nota biográfica comentar, que había una razón para
escribir sobre Sigourney, y es que había escrito, para un amigo, una serie de artículos
sobre la cuadralogía de ‘Alien’. Entonces tenía mucha información sobre Weaver, lo que
permitió la elaboración de este artículo (no estoy seguro pero creo que sí). Minibiografías
como ésta también escribí de muchas(os) otras(os): Winona Ryder, Jodie Foster, John
Travolta y Ridley Scott, vienen rápido a mi mente.
La siguiente película no fue muy de mi agrado, pero venía con mucha buena
publicidad y un gran número de comentarios positivos. Estoy seguro que la novela en que
se basa esta producción debe ser muy superior, la película no termina por encontrar el
rumbo y se pierde en innumerables personajes. Interesante retrato de la guerra, débil
conjunto.
Delgada línea roja
“Delgada línea roja” es una película sobre la guerra y los soldados. Como toda
película de guerras está llena de muertos, de uno y otro lado, norteamericanos y japoneses
en este caso. En el filme, la permisividad con imágenes crueles es mucho más limitada que
en “Rescatando al soldado Ryan”, la atención de “Delgada línea roja” está en la crueldad de
la vida para aquellos que luchan y sobreviven, más que en las grotescas posibilidades de sus
muertes.
Hollywood y sus técnicos rara vez decepcionan, y nadie puede negar que los
Estados Unidos tienen una respetable cantidad de buenos actores, Sean Penn; que interpreta
al sargento primero en el filme, es uno de ellos. Los problemas de Hollywood y las razones
de su mediocridad son otros.
Las reconstrucciones, aunque pocas, son excelentes. Las explosiones, los sonidos, y
los golpes de bala, también son realistas. El ketchup también está repartido con habilidad en

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los múltiples heridos y muertos, sólo algunos extras, en ataque o en defensa, se ven
privados de una apropiada decoración escarlata, incluyendo el efecto de penetración de la
bala que destruye el tejido.
En la guerra, como en cualquier asunto de peso, hay una gran diversidad de
opiniones, y algunos pueden llegar a escribir un libro con ellas. El filme “Delgada línea
roja” está basado en un libro de opiniones sobre la guerra, el libro es un medio donde se
puede meditar largo y tendido, el cine no lo permite con tanta facilidad.
En las meditaciones de voz en off escuchamos frases que son justas e interesantes,
pero un par de oraciones inteligentes no hacen a una película inteligente. En el filme, uno
de los soldados confiesa con tristeza haber matado un hombre, en defensa propia, su
conmoción de esa muerte en medio de una hecatombe de vidas humanas bordea en lo
ridículo, su frase no invita a la meditación sino a la risa.
Salvo Witt, los demás personajes son sencillos, a pesar de que cubren gran parte del
espectro de personalidades militares: el valiente, el desafortunado, el mediocre, el
preocupado, etc. Witt es la flor silvestre, el espíritu libre atrapado en la guerra, pero como
se pasa la mayor parte del tiempo agachado, esquivando balas, es difícil observar en qué
consiste su encanto y cómo enfrenta su sensibilidad la crueldad de la batalla, parece que
igual que todos.
“Delgada línea roja” presenta una serie de situaciones con mucha voz en off y
lastimera música ambiental, sin personajes profundos y sin una historia interesante, el filme
no dice nada que no se haya dicho mejor antes. Exponer que en la guerra se sufre, que unos
tienen suerte y otros no, sorprenderá a muy pocos.
Yo soy de la opinión que es un buen ataque, este párrafo final me gusta. Claro,
recuerden que no siempre uno tiene la posibilidad de hacer comentarios interesantes, el
crítico depende muchas veces del objeto del artículo, y cuando se trata de simples películas
de acción uno no puede ser muy exigente,
en cambio con los filmes que pretenden ser
inteligentes, pues... con eso, sí. Ah, filme en
vez de film, ¿lo notaron?
El Show de Truman (¿Fue impreso?)
El estreno de “El show de Truman”
llega cuando ya conocemos, y bien, la serie
de reacciones que generó en su país de
origen, la más destacada es el globo de oro
obtenido por Jim Carrey por mejor actor.
Sin embargo, Carrey no está nominado al
Oscar y “El show de Truman” tiene pocas
nominaciones en las que competir el 21 de
Marzo, reacción de la Academia.
Escuchar comentarios de un buen
rendimiento por parte de Jim Carrey es una
gran sorpresa, su interpretación en todos sus
filmes, hasta “Truman”, se caracterizaban
por una exageración de los gestos, estilo que

21. 21
se convirtió en su característica. El buen rendimiento económico de sus películas dejaba
muy en claro que un amplio público estaba satisfecho con esa forma de actuar. Pero, Carrey
no estaba tan satisfecho.
Defiendo a Carrey por la honestidad de sus personajes, algo que, a excepción de él
mismo, no sucede en las comedias comunes. Su actuación es harina de otro costal, no se
puede defender lo que no existe, si bien el resultado final de su desempeño es, en general,
un protagonista honesto, eso no significa alabar a una ejecución reconocida como de mal
gusto.
En “Truman”, Carrey no se presenta como usualmente lo hace. Hay varias
ocasiones donde su estilo de comedia, practicado por él durante toda su vida, se hace
presente (era inevitable), pero, esas reacciones puestas en el personaje de Truman Burbank
tienen sentido y no aparecen forzadas. Su rendimiento en “Truman”, a pesar de algunas
deficiencias, merece reconocimiento, un par de ocasiones demuestran que Carrey tiene
futuro en el campo dramático y la prueba ya es presente.
“Truman” es un guión maestro y una excelente realización. Dentro de la historia
surgen algunas incongruencias, los directores y realizadores difícilmente cometerían el
error de crear un mundo tan repetitivo, al contrario, el set de Seahaven estaría dispuesto
para dar amplio espacio a las improvisaciones, tal arreglo no cambiaría la historia, la única
debilidad del guión.
Un pequeño defecto no
impide que “Truman” se lleve la flor
por una narración presente en
posters, propagandas, sonidos y
acciones. La introducción a la
historia, los personajes, la
presentación de ese mundo falso, del
rol de los directores, realizadores, el
papel y efecto que ‘El show de
Truman’ tiene en el mundo real, se
muestra a través de flashbacks,
afiches, accidentes, videocaseteras e
imágenes del conjunto, en el momento preciso. Como narración “El show de Truman” no
tiene iguales entre las producciones del 98, y 99 hasta el momento. ¿Le gusta el cine?, ¿no?,
no importa, le gustará “El show de Truman”.
A pesar de que la idea central del guión es insostenible, la construcción alrededor
de la misma es excelente, una vez que te dejas llevar por la historia. Fue la primera
producción dramática de Carrey, actor con el que yo simpatizo bastante, a pesar de que no
defiendo lo indefendible, de ahí los primeros y defensivos párrafos. Resulta que yo ya había
escrito sobre Carrey, mencionando lo honesto de sus personajes. Por lo general las
comedias idiotas son protagonizadas por personajes tontos que acabarán haciendo algo
inteligente, vienen a mi mente, y rápido, producciones como “Los picapiedra”—¡Horrible!
¡horrible! — o “Tommy Boy” —patética. En cambio “Ace Ventura”, 1 y 2, “Mentiroso,
mentiroso” y “La máscara”, son protagonizadas por personajes coherentes, con talento,
que actúan como idiotas.
The Matrix

22. 22
“La Matriz” es la historia de Neo (Keanu Reeves), el elegido, no sabemos cómo ni
cuándo, pero, Morfeo (Laurence Fishburne) cree que la búsqueda de una vida ha terminado
con la llegada de Thomas Anderson, apodado Neo, él es la persona que todos esperaban.
El mundo creado para “Matrix” es alucinante, un buen ejemplo de la mejor
imaginación de ciencia ficción. Sin embargo, toda la sorpresa, tenebrosa realidad e
increíble naturaleza del mundo de la matriz nos es relatado en menos de diez minutos por
Morfeo, comandante de una nave de la
resistencia contra la Matriz, por lo tanto el
punto fuerte de la película, el pedazo que
merece todos los halagos, es apenas
utilizado por los guionistas.
Los hermanos Wachowsky prefieren
utilizar su tiempo en pantalla para mostrar
prácticas de Jiu-jitsu y Kung-fu. También
hay ocasión para aprender a saltar en el
mundo de la Matriz y tener una absurda
reunión con la ‘Pitonisa’. El resto del filme
es acción, buena acción, pero sólo acción.
Todavía le quedan a “The Matrix” un par
de buenas ideas y un buen momento de
clímax, sin embargo, exponerlos sería
revelar demasiado.
Otro problema es el tema de la
libertad en el filme. Morfeo, Neo y el grupo
que conforma toda la resistencia, buscan la
libertad y están dispuestos a sacrificar su
vida por ella. -- Por que no me gusta pensar
que no estoy en control de mi vida --,
responde Neo ante la pregunta si cree en el destino. Ésta muy buena respuesta es arrojada
por el caño el resto de la historia. Neo es producto del destino, de igual manera el personaje
de Trinity (Carrie Anne-Moss) también es presa de un control superior a su voluntad, así,
con estos dos ejemplos, se sacrifica otra buena idea del filme: la libertad. ‘Libres de la
Matriz, tal vez, pero no libres del destino’, es un mensaje contradictorio.
De todas formas, la imaginación del filme permanece y, redundando en lo
expresado, es muy interesante. Después de las palabras de Morfeo todavía le esperan, al
espectador, los enfrentamientos de artes marciales, que pueden verse con el encanto de un
juego electrónico, y el momento del todo por el todo, al final del filme.
En la mejor tradición de la ciencia ficción Cyberpunk, “La Matriz” se convierte en
el más atractivo exponente de este submundo (muy lejos está el fallido intento de historia
“Johnny Mnemonic”, también con Keanu Reeves). “La matriz” es un filme obligatorio para
los amantes de la CF y las películas de acción.
‘Libres de la matriz, tal vez, pero no libres del destino’, es una frase mía, no está en
el filme, a lo que me refiero es simple, dentro de la película los personajes pelean por su
libertad, pero el propio guión, narrativamente, se las ha quitado: Morfeo había sido
destinado a encontrar a ‘el uno’, Trinity se enamoraría de ‘el uno’, y Neo era, bueno, era

23. 23
el ‘uno’. Por lo tanto, ¿de qué libertad están hablando? Y la pitonisa, ¡qué escena más
mala!, ¡qué idea más absurda! Desde el principio supe que el corazón de esta serie estaba
podrido. Rescato su aporte visual, un aplauso, pero nunca fue más que una película de
acción impactante. La idea central, ‘La matriz’, no fue explorada en ninguna de las
películas como podría haber sido. ¿Y cómo podría haber sido? Como en los magníficos
cortos que esta película inspiró en “Animatrix”.
Ojos bien cerrados
Para cualquier crítica existe un acuerdo
tácito de no revelar demasiado, es con esta
limitante que debo hablar sobre “Ojos bien
cerrados”. Hay muchas cualidades por halagar
en “Eyes wide shut”, sin embargo, la historia
tiene sus deficiencias y a pesar de ser
largometraje no es compleja, por lo tanto, en
este caso el relato es tabú; para no desanimar a
nadie de una visita al cine por una torpe
revelación de mi parte. Quejarse vale, contar,
no.
Pero eso no quiere decir que renunciaré
al deber de observador, entonces hablemos del
mundo donde se lleva a cabo este relato, el
ambiente y los personajes. El defecto de el
vistazo social que entrega “Eyes wide shut” es
el mismo de “Barry lyndon” (1975), también de
Kubrick. “Barry Lyndon” es una obra donde, el
que más el que menos, todos son mediocres. No pretendo pedir al autor una sociedad donde
todos tengan sólo cualidades, pero el hecho de resaltar y mostrar los defectos y de
exponerlos con mayor énfasis crea un mundo incompleto.
En “Eyes”, Bill (Tom Cruise) es un hombre que desea acostarse con otras mujeres,
instinto al que se predispone después de que su esposa confesara un deseo similar, fuera del
círculo familiar están los amigos de Bill y las personas que conoce por accidente, salvo los
personajes que conocemos muy brevemente, todos ellos tienen algún problema, perversión
o defecto, de orden sexual. Él, ella, la niña, el padre, los asiáticos, el cliente, la hija del
muerto, los señores de la fiesta,
las modelos, el húngaro, la
drogadicta, etc.
La moral está por los
suelos en esta obra de Kubrick.
Insatisfacción, hipocresía,
perversión, represión, etc. son
la orden del día. La decepción
que muestra este tipo de mundo
es un defecto, el teatro de los
‘pervertidos’; folletinesco, su
maldad; repugnante. Esta danza

24. 24
de malvados e impuros será siempre un mundo incompleto, en un mundo incompleto es
difícil crear una buena historia. El mundo ideal no existe, pero, una ciénaga donde todos
estamos atrapados también es motivo de risa.
Tal vez mi vida es demasiado sencilla y mi concepción, por mucho, muy ingenua.
Sin embargo, no veo un mundo de personajes donde la maldad aflora en cada esquina,
entonces, contemplo con humor la infantil visión de un mundo poblado por demonios. Este
defecto, aliado a personajes poco interesantes, nubla la última obra de un genial director.
Genial director, y también algo loco. En cuanto a la profusa presencia de desnudos
en el filme sólo puedo citar un aforismo, que, creo, me pertenece: ‘Hay dos tipos de
artistas, buenos y malos. A los bueyes no los conozco’. Estoy más que seguro que el
abuelito Kubrick disfrutaba de cada escena en la que debía verse rodeado por perfectas
mujeres desnudas. ¿Quién no? Repito, a los bueyes no los conozco.
Cada que uno abre el pico siempre hay alguien que tiene una opinión en contra de
la opinión de uno. Siempre hubo comentarios sobre mis comentarios desde que comencé a
hacerlos públicos. Ah, otro problema es que todo el mundo me preguntaba ‘¿y qué te
pareció la película?’, ¿se imaginan esa pregunta varias veces por semana? Pero mi
artículo sobre “Ojos” provocó lo que, creo, fue la primera replica escrita a mi posición.
Una señora escribió en contra de mi artículo, no sería la última vez, aunque los firmantes
cambiarán en cada ocasión. Me temo que el argumento presentado, que recuerde, era
bastante torpe: ‘Kubrick’, decía ella, ‘nos quiere sin máscaras’, como símbolo de
genuinos, sinceros. Eso, en mi opinión, no importa un pepino. No es relevante el mensaje
de un filme, puede ser el más divino, o el más corriente, por lo que valdrá una película
siempre será su historia y el cómo la cuentan. Era que en vez de ocuparse de su elevado
mensaje, Kubrick trabaje más en el guión. ¿No les parece obvio?
Ahora, con más libertad, puedo declarar, sin el más mínimo temor a equivocarme,
que “Eyes” es una tontería, la historia es muy mala. Sólo otra producción, “Requiem for a
dream”, me produjo más discusiones personales que mi desaprobación de esta sonserita de
Kubrick. ¿Es que no se dan cuenta que es una mala historia? ¿Mediocre y tonta? Durante
mucho tiempo estuve con el problema: ¿cómo demostrarles que es mala, si es obvio?
Después me di cuenta que no, no se daban cuenta y punto. Límites de sensibilidad y lógica.
¿Qué puedo yo hacer? Nada. Sólo mucho después me di por vencido en el intento de
aclarar mi posición.
El comentario de ‘¿impreso?’ que aparece al lado de algunos de los artículos
elegidos, demuestra que todavía no había un punto fijo para mis notas. Mayormente eran
utilizados los días domingos, pero también los podían utilizar otros días, o no utilizarlos.
Fight Club (¿impreso?)
Se fue. En un ranking de dos “El club de la pelea” no llega al segundo lugar, está en
el primero, pero, ya no se la puede ver en el cine, al menos no en esta ciudad. Edward
Norton y Brad Pitt comparten la pantalla en una película de David Fincher, director de
“Alien 3”. La historia nos introduce a la vida de un hombre (Edward Norton) con el extraño
trabajo de revisar los accidentes de autos para la compañía fabricante. El insomnio, el tedio

25. 25
de su existencia, su baja autoestima y un elevado nivel de estrés, están destruyendo su vida.
Entra Tyler Durden (Brad
Pitt) y muchas cosas van a
cambiar.
Cuando la vida de
estos dos hombres se cruza,
el sencillo mundo de
nuestro relator cambiará por
completo. La historia es
introducida a un buen
ritmo, como público nos
dejamos llevar a través de
los caminos que recorre
nuestro Virgilio,
protagonista y narrador de
los sucesos que sacuden su
vida. Entramos junto con él
a la euforia del Club de la
pelea y, también junto con él, nos cansamos de ella. El disgusto que surge en la voz de
Norton es también el nuestro, pero ya es demasiado tarde para él, ahora deberá seguir el
juego a su mentor: Tyler.
La omnipresente voz en off de Norton durante la película es una desventaja que
debe sufrir la traducción, convertida en lectura por los subtítulos. Sobre ésta se debe decir,
sin embargo, que no comete nunca el error de nombrar o describir la imagen que uno
observa al público. La voz en off llena los vacíos o comenta, ingeniosamente, los eventos
que suceden. Jugando con nosotros y compartiendo bromas, la voz en off de Norton es un
compañero al oído que nos comenta el filme, sin redundar en la imagen.
El humor de “Fight Club”, por momentos vulgar, está siempre presente. Es casi
imposible borrar la permanente sonrisa del rostro mientras se observan los juegos crueles,
los duros juicios y las bromas sutiles, siempre ahí, en pantalla o en la voz de Norton. La
obra comienza como tragedia, termina con otra, de forma tan cínica y descarada que es
imposible no sonreír.
Bien interpretada, bien dirigida, buena música y con un guión de premio, “Fight
Club” tiene la desventaja de que, llegado cierto momento, la realidad se desvanece y nos
encontramos con unos personajes poco creíbles dentro del proyecto Mayhem (mutilación).
Pero, los sueños locos siempre carecen de un toque de realidad, más difícil es creer en
Shaum-Kim-Ryo o los davidianos, todos ellos reales. El resultado es “Fight club”, una
buena película a todos los niveles.
El género de “El club de la pelea” es comedia, de humor muy negro. La película
me encantó, sólo después me enteré que el filme había sido un rotundo fracaso económico
no sólo en Bolivia, de la que desapareció a los pocos días, sino en los Estados Unidos,
donde le costó el puesto a uno de los gerentes de la compañía.
Las alas de la Paloma

26. 26
Helena Bonham Carter es Kate, una joven dependiente de su tía rica, Maud. Las
reglas de la alta sociedad impiden que ella se vea comprometida con un periodista
independiente, Merton (Linus Roache), quien apenas tiene una frágil independencia
económica. A esta relación debemos añadir a Milly (Alison Elliot), una joven interesante.
Desconocemos el origen de la pasión entre Kate y Merton, se entiende
perfectamente la relación romántica entre ellos y su mutua necesidad de uno por el otro,
pero no tenemos una
descripción clara de Kate,
no es un personaje muy
bien desarrollado. La
característica de su
personalidad que llamó la
atención del periodista está
dada por sobrentendida, él
la ama. Kate es una
persona agradable, no
parece ser algo más o algo
menos. Al llegar Milly a la
historia, ella entraba
amistad con Kate, esta
amistad llega a ser muy
profunda, de un momento a
otro ambas logran una gran
afinidad personal, los
detalles de este proceso son
abandonados a la
imaginación del
espectador.
Más que conocer a
Kate con precisión, el
personaje principal de la
historia, conocemos su
situación. De Merton
obtenemos un esbozo
rápido y claro que nos dice
quién es y qué piensa.
Respecto a Milly, más allá
de la veloz y profunda
amistad entablada con
Kate, no hay preguntas;
aunque más detalles de su personalidad serían bienvenidos, de todas formas sólo
necesitamos saber que ella es una buena persona, información provista al espectador.
La fotografía del filme es atractiva, no tanto por una habilidad en el manejo de
cámaras como por la belleza de los paisajes que acompañan esta historia. Una edición bien
trabajada, acompaña al eficiente control de las tomas. La ambientación de la película, desde
los coches hasta los trajes, son nuevas muestras de la capacidad del cine anglosajón, es un
verdadero paseo por el Londres de principios de siglo.

27. 27
Lo único que se debe mencionar sobre las actuaciones es que éstas son sólidas en
todos los casos. La narración del filme es lineal, la fotografía agradable sin mucho esfuerzo,
la ambientación precisa y, finalmente, llegamos a la historia. Hay un crimen contra la
conciencia y un castigo acorde, “Las alas de la paloma” cuenta una muy buena historia con
sorpresas y encanto que sólo pertenecen al relato. La película es como un cuadro muy
expresivo, pero, realizado con trazos gruesos. Buena película.
“Alas” fue en primer lugar una novela, y siempre es difícil narrar la profundidad
intelectual de los personajes escritos. En el libro hay más espacio, todo el necesario, tiene
más posibilidades, desde el monólogo interior hasta la descripción de ellos que hace el
narrador, carece de límites de presupuesto. Estos dos trucos no quedan muy bien en el
cine. Diría que es por eso que los personajes de “Alas” aparecen débiles. Aquí puedo
contar la escena del filme que me conmovió, muy profundamente, y no podía mencionar en
la nota que debe seguir ciertas reglas periodísticas, no puedes contar el final. Sucede que
Kate y Merton engañarán a Lilly, enferma y destinada a morir, heredera de una gran
fortuna, para que ella se enamore de Merton. Él, conflictuado por su culpa y traición
decide confesarle a Lilly que no la ama, que está enamorado de Kate. Lilly comprende, y lo
acepta, se lo dice: ‘Yo lo sabía. Yo quiero que ustedes tengan mi dinero’. Puesto en
evidencia, Merton se derrumba. Cuando Lilly muere, él ya no puede desprenderse de ese
recuerdo de alguien tan puro, comparado con su vileza. Así mismo ya no puede querer a
Kate, ya que ella estuvo involucrada en la estafa. ¡Qué idea! ¡Magnífica! Buena película.
Toy Story 2
Para todos aquellos que
dicen que segundas partes no son
buenas llega “Toy story 2", mejor o
igual que la primera. Esto de
‘igual’ no se lo debe tomar en un
sentido figurativo, al menos no del
todo, “Toy story 2" tiene la misma
dinámica que su predecesora. En
ambos filmes el nudo de la historia
es un rescate, en la primera el deber
fue de Woody, ahora es el turno de
Buzz. Esta vez, en el rescate
participarán más juguetes, pero, en esencia la estructura es la misma.
Dejando a un lado este detalle de similitud, “Toy story 2" es cien por ciento
novedad. Hay nuevos personajes y junto a ellos se encuentran nuestros viejos conocidos,
cada uno con su propio repertorio de nuevas bromas. Tampoco se repiten los espacios, el
filme trae consigo nuevos lugares llenos de aventura, con un clímax en el aeropuerto difícil
de olvidar, o superar.
Aunque es una cualidad que nace con el primer filme, esta nueva historia de
animación por computadora continua sorprendiendo por la calidad de la imagen y los bien
logrados gestos y expresiones de los distintos personajes, ya sean dinosaurios o Señores
papa. En cuanto a arte se refiere “Toy story 2" no tiene rival, Walt Disney tendrá que

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ofrecer nuevas ideas con sus dibujos animados o tendrá que cambiar lápices y pinceles por
computadoras.
El punto débil del filme procede de un eterno defecto de la cultura de los Estados
Unidos, los programas para la familia o infantiles deben incluir, obligatoriamente, su
mensaje, el detalle educativo de la narración. En ningún caso el mensaje es malo, pero el
meditar sobre la realidad de los juguetes como si fuese la realidad humana, bueno, pues
simplemente olvida muchas cosas. Un mundo falso para divertir es positivo, un mundo
falso para enseñar contiene un grado, por ligero que sea, de mentira o simpleza.
“Toy story 2" está hábilmente diseñado para el público amplio, aunque es una
película para menores; por eso está doblada, jóvenes y personas mayores podrán disfrutarla
sin problemas. Es imposible aburrirse con este filme, las bromas se suceden una tras otra y
están acompañadas de una emocionante aventura. El éxito de la primera película
garantizaba la creación de una segunda parte, ahora el suceso de esta segunda parte, más la
simpatía de los creadores de Pixar por sus creaciones de juguete, auguran un tercero por
venir, esperemos que logren mantener la elevada calidad de los dos filmes precedentes.
Y el tercero no llegó. La película me gustó y divirtió mucho. Pero esa idea
mencionada, la meditación de los juguetes sobre sus propias vidas, pretende profundidad
pero es sólo una gran e idiota metida de pata. Sería un ejemplo de no saber lidiar
apropiadamente con la ausencia de reglas de realidad, o reglas de realidad rotas. Todos
sabemos que los juguetes no tienen vida, si otorgas vida a los juguetes, dentro de una
historia sencilla, no te compliques, mantenlo simple, o acabarás por pisarte la cola. En el
fondo, las dos películas de “Toy Story” tienen ese defecto, pero está mucho mejor llevada
en la primera.
Notarán que ya no hay ni siquiera un breve resumen o introducción sobre la
historia del filme.
Los muchachos no lloran
Uno de los permanentes defectos del
cine comercial de Hollywood es su falta de
agallas, la infantil y bondadosa realidad que
intentan crear en sus películas. “Los
muchachos no lloran” es la cara opuesta de
esta cobardía. Cruda, trágica, explícita, el
filme de Kimberly Peirce es todo lo que el
común de las películas estadounidenses no es.
Dentro de la lógica comercial fílmica,
un filme no debe tener mucho de real para
poder decir que está basado en una historia
verdadera. Para observar “Los muchachos no
lloran” el grado de realismo en comparación
con los hechos no tiene relevancia, se observa
la construcción de un filme creativo, no de un
documental preciso.
En toda película siempre existen varios
temas, el central en “Boys don’t cry” es

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bastante espinoso, sobre todo en una sociedad conservadora como la nuestra. Defender el
filme no significa estar a favor de las conductas homosexuales, sólo me refiero a la obra. El
filme está claramente a favor de la tolerancia sexual, pero, para presentar su caso, construye
un buen relato con mucha habilidad.
La ambientación de Peirce, mostrando el pequeño pueblo urbano, es excelente. Las
tomas cerradas nos introducen a las casas pequeñas y tristes realidades del pobre hombre
blanco. Nos muestra las cantinas abarrotadas, la vida sin mucho futuro, los sueños perdidos
y la elevada presencia del alcohol. Las tomas panorámicas aceleradas son un excelente
recurso para crear esa terrible sensación de flujo estancado.
Sin embargo, es la introducción, creación y desarrollo de los protagonistas el punto
álgido de esta producción. Entre todos los bien realizados personajes es Hillary Swank,
interpretando a Brandon; el personaje central, quién merece un verdadero aplauso, ganó el
Oscar merecidamente. Tiene un rol muy difícil, pero su buen trabajo le otorga realismo en
todo momento.
Se debe hacer notar que rodeando a Brandon se encuentran una multitud de bien
construidos personajes, Chloë Sevigny (Lana), Peter Sarsgaard y el resto, deben interpretar
a personas completas, con lados buenos y malos, aspectos introducidos con medida y
habilidad en el guión de Kimberly Peirce, también directora del filme.
La historia es fuerte y está presentada sin eufemismos, la buena actuación, la hábil
ambientación, asociados a un buen relato crean un conjunto que será difícil de olvidar,
como toda buena película.
Hay pocas historias terribles que son buenas historias. “Eyes wide shut”,
“Requiem for a dream”, “American history x” son algunas de las mediocres producciones
que pretenden ser más serias que el promedio sólo por exhibir crueldades, en cambio “Los
muchachos no lloran” se preocupó por construir buenos personajes y contar una
interesante historia. Eso es lo que hace una buena película, no los sollozos, los crímenes o
lamentos.
Billy Elliot
Fue una breve, pero
agradable, visita la
realizada por el filme “Billy
Elliot” a nuestra ciudad.
Esta película demuestra,
una vez más, lo beneficioso
que resulta para el Reino
Unido ser parte de la
cultura europea y participar,
en pleno, del circuito anglo
parlante de Hollywood.
“Sensatez y sentimientos”,
“La tierra de las sombras”,
“Trainspotting” y “Lo que
queda del día”, son algunas

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de las producciones británicas que prueban, sin lugar a dudas, la calidad del cine realizado
en la pequeña isla.
Muchos de los defectos, eternos defectos, de Hollywood: inmadurez, facilismo,
simpleza, fantaseo; en vez de sana fantasía, etcétera, no afectan con tanta fuerza al cine
británico. Los isleños no pueden darse el lujo de hacer películas propias al estilo de la
producción norteamericana, por una simple razón, las estadounidenses tienen, a pesar de
todo, mayor presupuesto. Entonces, inteligentemente, los productores británicos han
buscado esforzarse más, en lo que a la historia se refiere, y gastar menos.
Así, los ingleses, a pesar de exportar gran parte de su capital humano al otro lado del
atlántico, todavía pueden encandilar nuestra mirada con creaciones como “Billy Elliot”.
Excelente actuación, gran guión, buena fotografía y banda sonora, “Billy Elliot” es una
película como pocas.
La historia nos narra el encanto de un niño por el ballet y la desgarrante realidad de
su familia, inmersa en la dura realidad de los mineros de carbón. Un contexto hábilmente
situado y presentado, nos permite asistir a una lección de esperanza, apoyo y comprensión,
y sentirlas reales gracias al contraste presentado por los severos conflictos laborales. El
resultado es un filme maduro, fuerte, carente de falsa sensibilidad. No hay victorias sin
precio en “Billy Elliot”, no hay logros gratuitos. Otro detalle provisto por el guión de Lee
Hall es el humor. “Billy Elliot” es un drama completo al que no le faltan las risas.
Generadas con moderación, las bromas surgen con sutileza de las situaciones inesperadas y
los avispados comentarios, sin perder nunca la realidad de los personajes.
Las actuaciones de la totalidad del elenco son muy buenas, con una aplauso
particular para el joven Jamie Bell (Billy Elliot). La fotografía, sin ser compleja, es fluida,
elegante y precisa. Una banda sonora bien elegida contagia la alegría y apoya a la acción.
“Billy Elliot” es un filme para ver, disfrutar y recordar, como muy pocos.
En verdad como muy pocos. Yo ya había visto la película en vídeo cuando apareció
en la pantalla grande. Una de las mayores pruebas de su calidad es que les mostré el vídeo
a mis estudiantes de Cine de cada fin de año, en el
colegio San Agustín, y también les gustó, logró
cautivar a esos niños inquietos.
Pero ese ‘en verdad muy pocos’ me remite
a la situación del momento. Billy Elliot fue impresa
en el 2001, pero ya el 2000 escribí mucho menos
que antes. Simplemente ya no me interesaba, tenía
cine gratuito, pero eso no es suficiente cuando
deberás invertir tu tiempo en ver la película y
escribir la nota. Yo lo hacía por el placer de
hacerlo y la mayor parte del Cine es malo, así que
la saturación finalmente me había llegado. Desde
este año cada vez escribí menos. Aunque las cosas
ya se habían ordenado en Los Tiempos, con Michel
Zelada a cargo de la sección cultural desde
entonces hasta el día de hoy.
La momia regresa

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“La momia regresa” ya llegó, ¿qué viene después? ¿“El contraataque de los
arqueólogos”? ¿“La guerra de los faraones? Quien sabe, sin embargo de que viene algo es
seguro. Este filme ya fue un éxito en los Estados Unidos y será un éxito aquí. Resulta que la
película es muy divertida, absolutamente idiota, pero muy divertida. Sus incoherencias y
absurdos añaden gracia al relato, se podría decir que lo único aburrido son los chistes
intencionales, en general muy malos. Criticar esta producción es una tarea titánica, ¿por
dónde empezar? y, sobre todo, ¿por dónde acabar? Es mejor reírse de todo el asunto.
La religión del filme: es egipcia; por uno que otro dios que frecuentaba el Panteón
de los faraones, es hindú; por la cuestión de las reencarnaciones (en el antiguo Egipto las
almas se van a los Campos Elíseos). Además, hay una imagen que me recuerda mucho al
infierno cristiano o al hades griego. Sin olvidar las adaptaciones propias de Hollywood, por
ejemplo: Anubis, dentro de la tradición del antiguo Egipto, era un dios tranquilo, con su
balanza, sus templos y sus sacerdotes, no un cruel y poderoso dios de la muerte. El
conjunto es New Age, donde todo vale, en ese puré de tubérculos con frutas que son las
concepciones religiosas de hoy en día.
En la película encontrará: A tantos caninos juntos como usted no podrá contemplar
ni aunque vea “Los 101 dálmatas” en 15 pantallas simultáneamente, estoy hablando de
unos cuantos miles de chacales bípedos. A un orgulloso halcón, con mucha estirpe y
pedigrí, su madre fue una excelente ave de caza y su padre... un fax—aunque hay rumores
de que fue un modem, usted ya sabe como son los chismes. A unos escorpiones de carreras
con vocación de topo acelerado y uno de ellos tan grande y monstruoso que haría perder su
vocación a más de un entomólogo. A un niño tan ágil que su pasatiempo es esquivar balas
(de espaldas al tirador) y hacer sorprendentes esculturas con barro; tan rápido que su
guardián no puede decir “ya vuelvo”. A un hábil guerrero medjai, imbatible con la espada,
pero bizco con una ametralladora (jocoso y terrible error de dirección). A un impresionante
ejército de caballeros atravesando el desierto, el aun más impresionante número de
camellos que cargan con el agua lo dejan a nuestra imaginación.
Con un pretexto por historia, esta veloz película; poblada de sentido gnóstico
posmoderno (destino por allá, reencarnación por aquí, etc.), divierte y distrae gracias a
fórmulas de narración. “La momia regresa” es la peor mediocridad de Hollywood en su

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punto más elevado. Consultando su cartelera cinematográfica local lamentará saber que hay
peores opciones.
A estas alturas mis artículos salían en distintos periódicos del país. Desde La
Prensa en La Paz, donde trabajaba Ricardo Bajo, y había dirigido Erika Bruzonic, hasta
La Cruz del Sur, un periódico de Sucre. No sé si he sido publicado mucho en Santa Cruz.
Comprenderán por qué está este artículo aquí, hizo reír a mucha gente, espero que lo haga
otra vez. Ah, me olvidaba mencionar que el año 2001 mi novela, ‘El viaje’, había sido,
finalmente, publicada.
Me enteré de la filmación del señor de los anillos, allá por los años 97-98, ya que la
red permitía la circulación de cualquier información a velocidad instantánea. Por lo que
fui uno de los muchos que aguardó por la película durante mucho tiempo. Como ya era
bastante caprichoso con mis escritos, escribí una extensa crítica sobre la película, no fue
suficiente así que me dedique a investigar (utilizando libros, algo que hago todavía hoy, se
puede decir que soy chapado a la antigua) y escribí el siguiente artículo. Sólo tenía otro
precedente, en lo que a tamaño se refiere, y ése fue la crítica al filme, precisamente.
La historia de Sauron
Tolkien, siempre fascinado por
las historias, las leyendas y las
mitologías, construyó una propia,
basándose en parte en relatos nórdicos,
celtas y de otras fuentes. Sobre éste
conjunto de narraciones aportó con su
propia imaginación y estética. Es
sorprendente ver hasta que punto su
universo creativo, su “subcreación”
(utilizando un término suyo), es
coherente. Dentro de esta mitología
propia, que a él le gustaría se reconozca
como inglesa, la historia relatada en El
Señor de los Anillos es sólo un par de
años en medio de milenios. Si bien El
señor era, inicialmente, una continuación
de El hobbit, Tolkien no pudo evitar
incorporarlo a su mitología, y poco a
poco la historia alcanzó proporciones
épicas. Por lo tanto, la historia de
muchos personajes dentro de esta obra se
pueden remontar a siglos atrás, tal es el caso de Sauron.
Tolkien literalmente comenzó por el principio. “En el principio estaba Eru, el
único” (Ainulindalë, El Silmarillion) que los elfos llamarán Ilúvatar. Esta criatura/dios creó
a los Ainur, otros dioses pero no iguales al único, que se dividían entre Valar y Maiar. Los
Valar eran pocos, tan sólo quince, y en general representan personificaciones de las fuerzas
de la naturaleza (viento, agua, fuego, etc.). Los Maiar son los poderosos ayudantes de estos
dioses.