Este documento proporciona una introducción a la música clásica, incluida su historia, características y géneros principales. Explica que la música clásica se refiere principalmente a la música producida en Europa entre los siglos XI y XX, aunque sus características principales se codificaron entre 1550 y 1900. También describe brevemente los principales períodos históricos de la música clásica como el Renacimiento, el Barroco y el Clasicismo.
La música clásica es la corriente musical que casa principalmente la música producida o basada en las tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente, principalmente Europa Occidental.
El documento resume la historia de la notación musical a través de los tiempos. Comenzó con los griegos usando letras para representar notas, luego los neumas en la Edad Media que mostraban la dirección melódica pero no la altura exacta. Finalmente, Guido de Arezzo introdujo el pentagrama y los nombres de las notas que se usan hoy, estableciendo el sistema de notación musical moderno.
El documento resume la historia de la polifonía medieval, describiendo los estilos de organum paralelo, mixto y libre desde el siglo IX al XII. Explica que el organum paralelo consistía en voces en paralelo en 5as o 4as inferiores, el organum mixto evitaba el tritono y las voces convergían en el unísono, y el organum libre permitía todo tipo de movimientos entre las voces. También describe el estilo de organum florido del siglo XII donde la voz inferior mantenía el tenor
El documento describe la historia y características de la música clásica. Resalta que surgió en Europa aproximadamente en 1450 y floreció entre 1750 y 1820, período conocido como Clasicismo. Algunas formas musicales importantes de este período fueron la sonata, la sinfonía, la cantata, la ópera y el concierto. La música clásica se caracteriza por el uso de melodías regulares y ritmos naturales, así como por reflejar la armonía y perfección.
La notación musical occidental.pptx. alejandro patrizioOSCARPATRIZIO
La notación musical occidental se basa en un pentagrama con cinco líneas y dos ejes, uno horizontal que representa el tiempo y otro vertical la altura de los sonidos. Las notas se leen en relación a una clave colocada al inicio que asigna una nota a una línea. El discurso musical está dividido en compases marcados por líneas verticales. Las figuras musicales como la redonda, blanca y negra representan diferentes duraciones de las notas.
HISTORIA DE LA MÚSICA PREHISTÓRICA Y LA ANTIGUAPamelitaNCTO
La música ha estado presente desde los orígenes de la humanidad. En la prehistoria, se cree que los primeros instrumentos eran objetos cotidianos como huesos y conchas. Las pinturas rupestres muestran personas bailando. En las primeras civilizaciones como Mesopotamia, la música se usaba en rituales religiosos y militares, y los instrumentos incluían flautas y arpas. La música clásica se basaba en la armonía y proporción, y estaba presente en teatro y rituales.
La grafía musical ha evolucionado desde los primeros neumas del siglo VIII, que indicaban la dirección melódica pero no el ritmo o la altura, hasta el sistema actual. Guido D'Arezzo desarrolló el pentagrama y el sistema de nombres de notas como do, re, mi para facilitar el aprendizaje. La invención de la imprenta permitió la difusión de partituras, mientras que la notación mensural y otros desarrollos agregaron indicaciones de ritmo, tempo y dinámica. La notación moderna data del siglo XX y perm
Este documento describe la música y la notación musical occidental. Explica que la música occidental se ha considerado universal pero ignora la complejidad de la música de otras culturas. También describe la división del trabajo musical en Occidente, con compositores, intérpretes y propietarios de derechos de autor por separado. Finalmente, resume el sistema de notación musical occidental, incluidas las claves, compases, figuras, silencios y términos para indicar velocidad e intensidad.
La música clásica es la corriente musical que casa principalmente la música producida o basada en las tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente, principalmente Europa Occidental.
El documento resume la historia de la notación musical a través de los tiempos. Comenzó con los griegos usando letras para representar notas, luego los neumas en la Edad Media que mostraban la dirección melódica pero no la altura exacta. Finalmente, Guido de Arezzo introdujo el pentagrama y los nombres de las notas que se usan hoy, estableciendo el sistema de notación musical moderno.
El documento resume la historia de la polifonía medieval, describiendo los estilos de organum paralelo, mixto y libre desde el siglo IX al XII. Explica que el organum paralelo consistía en voces en paralelo en 5as o 4as inferiores, el organum mixto evitaba el tritono y las voces convergían en el unísono, y el organum libre permitía todo tipo de movimientos entre las voces. También describe el estilo de organum florido del siglo XII donde la voz inferior mantenía el tenor
El documento describe la historia y características de la música clásica. Resalta que surgió en Europa aproximadamente en 1450 y floreció entre 1750 y 1820, período conocido como Clasicismo. Algunas formas musicales importantes de este período fueron la sonata, la sinfonía, la cantata, la ópera y el concierto. La música clásica se caracteriza por el uso de melodías regulares y ritmos naturales, así como por reflejar la armonía y perfección.
La notación musical occidental.pptx. alejandro patrizioOSCARPATRIZIO
La notación musical occidental se basa en un pentagrama con cinco líneas y dos ejes, uno horizontal que representa el tiempo y otro vertical la altura de los sonidos. Las notas se leen en relación a una clave colocada al inicio que asigna una nota a una línea. El discurso musical está dividido en compases marcados por líneas verticales. Las figuras musicales como la redonda, blanca y negra representan diferentes duraciones de las notas.
HISTORIA DE LA MÚSICA PREHISTÓRICA Y LA ANTIGUAPamelitaNCTO
La música ha estado presente desde los orígenes de la humanidad. En la prehistoria, se cree que los primeros instrumentos eran objetos cotidianos como huesos y conchas. Las pinturas rupestres muestran personas bailando. En las primeras civilizaciones como Mesopotamia, la música se usaba en rituales religiosos y militares, y los instrumentos incluían flautas y arpas. La música clásica se basaba en la armonía y proporción, y estaba presente en teatro y rituales.
La grafía musical ha evolucionado desde los primeros neumas del siglo VIII, que indicaban la dirección melódica pero no el ritmo o la altura, hasta el sistema actual. Guido D'Arezzo desarrolló el pentagrama y el sistema de nombres de notas como do, re, mi para facilitar el aprendizaje. La invención de la imprenta permitió la difusión de partituras, mientras que la notación mensural y otros desarrollos agregaron indicaciones de ritmo, tempo y dinámica. La notación moderna data del siglo XX y perm
Este documento describe la música y la notación musical occidental. Explica que la música occidental se ha considerado universal pero ignora la complejidad de la música de otras culturas. También describe la división del trabajo musical en Occidente, con compositores, intérpretes y propietarios de derechos de autor por separado. Finalmente, resume el sistema de notación musical occidental, incluidas las claves, compases, figuras, silencios y términos para indicar velocidad e intensidad.
La música no se define por una combinación correcta de sonidos, sino por ser una práctica social. Aunque comparten elementos, las músicas de diferentes culturas varían en instrumentos, voces, ritmo, melodía y función social. Las definiciones de música a menudo solo consideran la música occidental, ignorando la diversidad cultural. La notación musical occidental se desarrolló a partir del canto gregoriano en la Edad Media, utilizando un pentagrama y símbolos para indicar altura y duración de los sonidos.
El documento proporciona información sobre conceptos musicales básicos como el pentagrama, las notas y las claves. También describe diferentes tipos de figuras musicales, compases y signos como el puntillo y la ligadura. Explica brevemente la historia y elementos de la danza, mencionando diversos estilos como la danza clásica, moderna y urbana. Finalmente, resume bailes específicos como el bollywood, el hip hop y bailes latinos como la salsa, bachata, chachachá y el tango.
Este documento lista varias formas musicales medievales y renacentistas junto con sus definiciones breves. Algunas de las formas musicales más importantes del periodo medieval incluyen el canto llano/gregoriano, himnos, conductus, coral y secuencia. Algunas formas renacentistas clave son el madrigal, la misa, la ópera y el motete.
La música barroca para teclado floreció entre 1600 y 1750. Los principales instrumentos eran el clave y el clavicordio. Compositores como Frescobaldi, Froberger, Couperin, Bach y Haendel escribieron obras maestras para estos instrumentos como preludios, fugas, suites y variaciones que aprovechaban las características del continuo y la tonalidad. J.S. Bach es considerado el máximo exponente del periodo y escribió obras emblemáticas para teclado como El clave bien temperado y las Vari
La cantata surgió de la evolución del madrigal y puede estar escrita sobre textos religiosos o profanos. Está formada por arias y recitativos e interviene solistas, coros y orquesta. Johann Sebastian Bach fue el gran maestro de la cantata religiosa, que generalmente tenía un coro inicial seguido de arias con recitativos cortos. Las cantatas se crearon para ritos religiosos protestantes y católicos. En el barroco también existió la cantata profana de origen italiano compuesta por una sucesión de recitativos
El documento describe la historia de la orquesta desde sus orígenes en la Grecia antigua hasta la actualidad. Explica cómo la orquesta evolucionó de pequeños grupos variables en el siglo XVI a conjuntos más organizados y estandarizados en el siglo XVIII, con la consolidación de la orquesta sinfónica entre 1750 y 1800. También describe los principales tipos de orquestas y cómo compositores como Haydn, Mozart, Beethoven y Berlioz fueron ampliando progresivamente la plantilla instrumental y el papel de cada sección orquestal
La notación musical ha evolucionado a lo largo de los siglos desde los primeros neumas hasta el sistema de pentagrama y claves que se usa hoy en día. En los siglos VIII-IX surgió la notación neumática donde se colocaban signos sobre el texto para guiar la melodía. Hacia 1150 estos neumas adoptaron una forma más definida. En el siglo X se empezaron a usar líneas para indicar la altura de los sonidos, dando origen al tetragrama y luego al pentagrama de cinco líneas que se impuso en el siglo
El documento habla sobre conceptos musicales como la altura, frecuencia y tono de los sonidos, las figuras musicales que representan la duración de los sonidos, las escalas musicales como sucesión ordenada de notas, los acordes formados por combinaciones de notas, las tríadas como acordes de tres notas, y las partes fundamentales del piano como el teclado, cuerdas y caja de resonancia.
Escrito tomado de Wikipedia, pero complementado con ejemplos en vídeos musicales de Youtube para hacer más fácil el entendimiento de las formas musicales de la Edad Media.
La música barroca se caracterizó por el uso del bajo continuo, el desarrollo de nuevas formas como la sonata y la ópera, y el auge de la música instrumental. Johann Sebastian Bach, la cumbre de este período, creó obras maestras como la Pasión según San Mateo, el Oratorio de Navidad y El clave bien temperado durante su trabajo como cantor en la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig.
El documento describe los diferentes sistemas de notación musical a través de la historia, incluyendo los primeros trazos en Babilonia, los sistemas silábicos, acentuales, de tablatura, alfabéticos y neumáticos, hasta llegar a la notación vigente. Explica cómo cada sistema cumplió un papel importante para preservar la música a través de la escritura y permitir su transmisión y enseñanza.
Este documento describe las características musicales del período barroco entre 1600 y 1750. Explica que la música barroca se centraba en el contraste, la expresión de sentimientos y la teatralidad. Se utilizaba el bajo continuo, un ritmo mecánico y un estilo fugado. Formas musicales importantes fueron el concierto y la suite. Compositores notables del período barroco incluyen a Bach, Vivaldi, Händel y Telemann.
este trabajo se hizo con el fin de informar a las personas sobre música las diapositivas tiene un contenido musical que habla sobre lo que la música es y como se percibe
El documento define la música como el arte de organizar sonidos y silencios de forma coherente usando principios como la melodía, armonía y ritmo. Explica que la música es un producto cultural cuya función es provocar una experiencia estética en el oyente. Luego describe los elementos básicos de la música como la melodía, armonía, ritmo y métrica, e introduce diferentes tipos de instrumentos musicales como de viento, cuerda, percusión, electrónicos y sus características. Finalmente, define el ritmo musical como un flujo
El documento describe la importancia creciente del director de orquesta a través del tiempo. Explica que el director es fundamental para el éxito de una orquesta y que su papel ha evolucionado desde marcar el ritmo hasta convertirse en una figura central. También destaca algunos directores históricos importantes como Lully, Weber, Furtwängler y Mahler, y resume las responsabilidades básicas de un director como marcar el compás y coordinar ensayos.
El documento resume el período barroco musical entre los siglos XVII y XVIII. Explica el contexto histórico del absolutismo real en varios países europeos y las características musicales como el uso del contrapunto y la homofonía. Luego describe los principales géneros musicales de la época, incluyendo música vocal religiosa como la misa y el oratorio, música vocal profana como la ópera y zarzuela, y música instrumental como la suite, sonata y concierto.
El documento describe el origen y características del estilo musical barroco. Se desarrolló entre 1600-1750 d.C. e introdujo nuevas formas como la ópera, el concerto grosso y el ballet francés. Se caracterizó por dar prioridad a lo emocional sobre lo racional y por el estilo vocal recitativo. Incluyó cuatro etapas: el barroco temprano con Monteverdi, el alto barroco, el barroco tardío y la transición al clasicismo.
Este documento resume las características principales de la música del periodo barroco, desde sus orígenes a principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Explica que surgió una nueva textura musical basada en el bajo continuo y el contraste, y que se estableció el sistema tonal. Describe las principales formas musicales vocales como la ópera, el oratorio y la cantata, e instrumentales como la suite, la sonata y el concierto. También analiza los principales instrumentos musicales de la época.
Son referencia a un tipo determinado de obra musical. En este sentido, una Sonata sería una forma y una Sinfonía otra diferente, por poner algunos ejemplo
El documento proporciona información sobre varios géneros musicales clásicos como la sonata, sinfonía, cantata, ópera y concierto. Explica que la sonata y sinfonía fueron formas dominantes durante el período clásico, con la sonata generalmente para uno o dos instrumentos y la sinfonía para orquesta. También describe brevemente la cantata, ópera y concierto, señalando sus orígenes y características distintivas.
La música no se define por una combinación correcta de sonidos, sino por ser una práctica social. Aunque comparten elementos, las músicas de diferentes culturas varían en instrumentos, voces, ritmo, melodía y función social. Las definiciones de música a menudo solo consideran la música occidental, ignorando la diversidad cultural. La notación musical occidental se desarrolló a partir del canto gregoriano en la Edad Media, utilizando un pentagrama y símbolos para indicar altura y duración de los sonidos.
El documento proporciona información sobre conceptos musicales básicos como el pentagrama, las notas y las claves. También describe diferentes tipos de figuras musicales, compases y signos como el puntillo y la ligadura. Explica brevemente la historia y elementos de la danza, mencionando diversos estilos como la danza clásica, moderna y urbana. Finalmente, resume bailes específicos como el bollywood, el hip hop y bailes latinos como la salsa, bachata, chachachá y el tango.
Este documento lista varias formas musicales medievales y renacentistas junto con sus definiciones breves. Algunas de las formas musicales más importantes del periodo medieval incluyen el canto llano/gregoriano, himnos, conductus, coral y secuencia. Algunas formas renacentistas clave son el madrigal, la misa, la ópera y el motete.
La música barroca para teclado floreció entre 1600 y 1750. Los principales instrumentos eran el clave y el clavicordio. Compositores como Frescobaldi, Froberger, Couperin, Bach y Haendel escribieron obras maestras para estos instrumentos como preludios, fugas, suites y variaciones que aprovechaban las características del continuo y la tonalidad. J.S. Bach es considerado el máximo exponente del periodo y escribió obras emblemáticas para teclado como El clave bien temperado y las Vari
La cantata surgió de la evolución del madrigal y puede estar escrita sobre textos religiosos o profanos. Está formada por arias y recitativos e interviene solistas, coros y orquesta. Johann Sebastian Bach fue el gran maestro de la cantata religiosa, que generalmente tenía un coro inicial seguido de arias con recitativos cortos. Las cantatas se crearon para ritos religiosos protestantes y católicos. En el barroco también existió la cantata profana de origen italiano compuesta por una sucesión de recitativos
El documento describe la historia de la orquesta desde sus orígenes en la Grecia antigua hasta la actualidad. Explica cómo la orquesta evolucionó de pequeños grupos variables en el siglo XVI a conjuntos más organizados y estandarizados en el siglo XVIII, con la consolidación de la orquesta sinfónica entre 1750 y 1800. También describe los principales tipos de orquestas y cómo compositores como Haydn, Mozart, Beethoven y Berlioz fueron ampliando progresivamente la plantilla instrumental y el papel de cada sección orquestal
La notación musical ha evolucionado a lo largo de los siglos desde los primeros neumas hasta el sistema de pentagrama y claves que se usa hoy en día. En los siglos VIII-IX surgió la notación neumática donde se colocaban signos sobre el texto para guiar la melodía. Hacia 1150 estos neumas adoptaron una forma más definida. En el siglo X se empezaron a usar líneas para indicar la altura de los sonidos, dando origen al tetragrama y luego al pentagrama de cinco líneas que se impuso en el siglo
El documento habla sobre conceptos musicales como la altura, frecuencia y tono de los sonidos, las figuras musicales que representan la duración de los sonidos, las escalas musicales como sucesión ordenada de notas, los acordes formados por combinaciones de notas, las tríadas como acordes de tres notas, y las partes fundamentales del piano como el teclado, cuerdas y caja de resonancia.
Escrito tomado de Wikipedia, pero complementado con ejemplos en vídeos musicales de Youtube para hacer más fácil el entendimiento de las formas musicales de la Edad Media.
La música barroca se caracterizó por el uso del bajo continuo, el desarrollo de nuevas formas como la sonata y la ópera, y el auge de la música instrumental. Johann Sebastian Bach, la cumbre de este período, creó obras maestras como la Pasión según San Mateo, el Oratorio de Navidad y El clave bien temperado durante su trabajo como cantor en la Iglesia de Santo Tomás en Leipzig.
El documento describe los diferentes sistemas de notación musical a través de la historia, incluyendo los primeros trazos en Babilonia, los sistemas silábicos, acentuales, de tablatura, alfabéticos y neumáticos, hasta llegar a la notación vigente. Explica cómo cada sistema cumplió un papel importante para preservar la música a través de la escritura y permitir su transmisión y enseñanza.
Este documento describe las características musicales del período barroco entre 1600 y 1750. Explica que la música barroca se centraba en el contraste, la expresión de sentimientos y la teatralidad. Se utilizaba el bajo continuo, un ritmo mecánico y un estilo fugado. Formas musicales importantes fueron el concierto y la suite. Compositores notables del período barroco incluyen a Bach, Vivaldi, Händel y Telemann.
este trabajo se hizo con el fin de informar a las personas sobre música las diapositivas tiene un contenido musical que habla sobre lo que la música es y como se percibe
El documento define la música como el arte de organizar sonidos y silencios de forma coherente usando principios como la melodía, armonía y ritmo. Explica que la música es un producto cultural cuya función es provocar una experiencia estética en el oyente. Luego describe los elementos básicos de la música como la melodía, armonía, ritmo y métrica, e introduce diferentes tipos de instrumentos musicales como de viento, cuerda, percusión, electrónicos y sus características. Finalmente, define el ritmo musical como un flujo
El documento describe la importancia creciente del director de orquesta a través del tiempo. Explica que el director es fundamental para el éxito de una orquesta y que su papel ha evolucionado desde marcar el ritmo hasta convertirse en una figura central. También destaca algunos directores históricos importantes como Lully, Weber, Furtwängler y Mahler, y resume las responsabilidades básicas de un director como marcar el compás y coordinar ensayos.
El documento resume el período barroco musical entre los siglos XVII y XVIII. Explica el contexto histórico del absolutismo real en varios países europeos y las características musicales como el uso del contrapunto y la homofonía. Luego describe los principales géneros musicales de la época, incluyendo música vocal religiosa como la misa y el oratorio, música vocal profana como la ópera y zarzuela, y música instrumental como la suite, sonata y concierto.
El documento describe el origen y características del estilo musical barroco. Se desarrolló entre 1600-1750 d.C. e introdujo nuevas formas como la ópera, el concerto grosso y el ballet francés. Se caracterizó por dar prioridad a lo emocional sobre lo racional y por el estilo vocal recitativo. Incluyó cuatro etapas: el barroco temprano con Monteverdi, el alto barroco, el barroco tardío y la transición al clasicismo.
Este documento resume las características principales de la música del periodo barroco, desde sus orígenes a principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Explica que surgió una nueva textura musical basada en el bajo continuo y el contraste, y que se estableció el sistema tonal. Describe las principales formas musicales vocales como la ópera, el oratorio y la cantata, e instrumentales como la suite, la sonata y el concierto. También analiza los principales instrumentos musicales de la época.
Son referencia a un tipo determinado de obra musical. En este sentido, una Sonata sería una forma y una Sinfonía otra diferente, por poner algunos ejemplo
El documento proporciona información sobre varios géneros musicales clásicos como la sonata, sinfonía, cantata, ópera y concierto. Explica que la sonata y sinfonía fueron formas dominantes durante el período clásico, con la sonata generalmente para uno o dos instrumentos y la sinfonía para orquesta. También describe brevemente la cantata, ópera y concierto, señalando sus orígenes y características distintivas.
La música clásica se refiere principalmente a la música del período entre 1750 y 1820 conocido como Clasicismo. En este período, las formas musicales como la sonata y la sinfonía alcanzaron su máxima expresión, con estructuras bien definidas y el respeto a las normas musicales. Otras formas como la cantata, la ópera y el concierto también florecieron durante este tiempo de perfección y armonía en la música europea.
El documento describe los conceptos básicos de la notación musical, incluyendo el pentagrama, las figuras musicales, los compases, el ritmo y el canon. También describe los principales tipos de instrumentos de viento-madera, voces humanas, música (culta, popular moderna, folclórica y religiosa).
El documento describe la música clásica, sus características y formas musicales principales como la sonata y la sinfonía. Explica que la música clásica se refiere a la música culta compuesta entre mediados del siglo XVIII y principios del XIX, destacando compositores como Haydn, Mozart y Beethoven. También define las cualidades de la música clásica como melodías regulares y tonalidades simples, buscando la perfección formal. Finalmente, resume las características de la forma sonata, incluyendo su e
La música clásica surgió tomando elementos de tradiciones musicales antiguas como la griega y la romana. Los hitos que definieron su rumbo fueron el descubrimiento de la polifonía, el desarrollo de la armonía, y la evolución de la notación musical. La música clásica se extendió a otros continentes durante la era de los descubrimientos y experimentó fusiones con tradiciones musicales locales.
La música clásica se refiere a la música académica de Occidente entre 1750 y 1820, conocida como el período Clásico. Se buscaba crear melodías hermosas derivadas de la música folclórica, con frases regulares y tonalidades simples. Las formas musicales dominantes eran la sonata y la sinfonía, que seguían estrictamente las reglas musicales para lograr la perfección. La música clásica tenía como ideal crear obras puramente bellas que no sirvieran a ningún propósito fuera
Este documento proporciona una definición general de la música, describiéndola como el arte de organizar sonidos y silencios de manera coherente utilizando principios como la melodía, armonía y ritmo. Luego explica algunos conceptos musicales fundamentales como la melodía, armonía, métrica y ritmo. Por último, brinda una breve descripción del sistema de notación musical occidental.
La música se define como el movimiento organizado de sonidos a través del tiempo. Existen diferentes definiciones culturales de la música y cada cultura ha desarrollado su propio estilo musical, aunque comparten elementos como la melodía, el ritmo, la armonía y el timbre. La música cumple funciones sociales diferentes en cada cultura y existe en tres niveles: música artística, folclórica y popular.
Este documento presenta una introducción general a la música. Define la música como un movimiento organizado de sonidos a través del tiempo que desempeña un papel importante en todas las sociedades. Explica que aunque todas las culturas tienen su propia música, las definiciones varían culturalmente. Finalmente, destaca que la música funciona como un sistema cultural dentro de cada sociedad, con diferentes estratos y roles, desde la música artística hasta la popular.
La música clásica se refiere a las composiciones musicales cultas y académicas de Europa, principalmente desde el siglo XVIII hasta el siglo XIX. Se desarrolló a partir de tradiciones como la música gregoriana y adoptó formas como la sonata y la sinfonía. Los compositores clásicos buscaban crear obras complejas y estructuradas que comunicaran emociones a través del desarrollo musical. La música clásica se distingue por el uso de instrumentos orquestales inventados antes del siglo XIX.
Este documento analiza cómo han evolucionado los gustos musicales a lo largo de la historia. Examina los principales estilos musicales desde la música primitiva hasta la música del siglo XX-XXI, describiendo los cambios en la complejidad de la música, los instrumentos y contextos musicales en cada época. Concluye que aunque los gustos musicales han cambiado a través de las generaciones, la música no siempre ha evolucionado linealmente, a veces volviendo a estilos musicales anteriores.
Este documento analiza cómo han evolucionado los gustos musicales a lo largo de la historia. Examina los principales estilos musicales desde la música primitiva hasta la música del siglo XX-XXI, describiendo los cambios en la complejidad de la música, los instrumentos utilizados y los contextos sociales. Concluye que aunque los gustos musicales han cambiado a través de las épocas, en ocasiones la música ha vuelto a estilos anteriores, por lo que no siempre ha habido una evolución lineal sino también ciclos
Este documento presenta información sobre música, incluyendo definiciones, elementos, géneros y preferencias musicales. Explica que la música se compone de sonidos y silencios, y define cuatro parámetros fundamentales: altura, duración, intensidad y timbre. También describe el sistema de notación musical occidental y menciona algunos géneros musicales populares. Finalmente, muestra una encuesta sobre las preferencias musicales de los estudiantes.
La música puede definirse como la combinación organizada de sonidos a través del tiempo. Existen diferentes nociones culturales de lo que constituye la música. Cada cultura posee su propio sistema musical, con elementos como la melodía, el ritmo y los instrumentos organizados de manera característica. La música cumple diversas funciones en las sociedades, como acompañar actividades religiosas, rituales y entretenimiento.
Este documento define la música y sus elementos fundamentales. Explica que la música es el arte de organizar sonidos y silencios mediante principios como la melodía, armonía y ritmo. Describe los parámetros del sonido como la altura, duración, intensidad y timbre. También cubre la notación musical occidental y cómo esta organiza los sonidos a través del tiempo y la altura sobre un pentagrama.
La forma sonata se convirtió en la forma dominante para la música instrumental clásica. Consistía típicamente en tres secciones (A-B-A) con temas claramente definidos que el público podía reconocer y tararear fácilmente. Esta forma se utilizó ampliamente en sonatas para cuartetos y orquestas durante el período clásico.
El documento describe los orígenes e historia de la música clásica, desde sus raíces en la música griega y romana hasta su desarrollo en Europa y expansión a otros continentes. Explica que la música clásica se distingue de la popular por sus instrumentos, formas de interpretación y desarrollo, y divide su evolución en periodos como el Renacimiento, Barroco, Clásico y Romántico.
El documento describe la teoría musical de la antigua Grecia. Los griegos consideraban la música como una actividad importante presente en todas las actividades sociales y relacionada con lo religioso, el estado y la medicina. Las principales fuentes de información sobre la música griega son las obras literarias, la arqueología y los pocos fragmentos musicales que han sobrevivido. La música griega se basaba en escalas de tetracordos y diferentes géneros y modos melódicos, y se escribía usando una notación alfabética.
Centro Español de Accesibilidad cognitiva..pdfJosé María
La accesibilidad cognitiva es hacer el mundo más fácil de entender. Por ejemplo: hacer documentos fáciles de entender, diseñar páginas webs sencillas, colocar señales para no perdernos en los edificios como los hospitales, etc..
3. INTRODUCCION
La música clásica es la corriente musical que casa
principalmente la música producida o basada en las
tradiciones de la música litúrgica y secular de Occidente,
principalmente Europa Occidental. Abarca un periodo de
tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la
actualidad, aunque esta definición no es aplicable a la
música realizada en el siglo XX a pesar de presentar las
mismas características,1si bien las principales características del género fueron
codificadas principalmente entre 1550 y 1900, que es habitualmente considerado como
el período característico de producción de la música clásica. En un sentido
historiográfico, la música clásica se divide en varios periodos: música antigua o
medieval, que abarca el periodo comprendido por la Baja Edad Media en Europa
(1000-1400); la música renacentista (1400-1600); la música barroca, que coincide con
desarrollo del arte barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en la Historia
de la música y la musicología es a veces llamado «música clásica»;2
el Romanticismo (1800-1910); y la música contemporánea, que comprende las distintas
corrientes de música clásica del siglo XX, que adopta la composición atonal y
disonante y otras tendencias opuestas a corrientes anteriores.
Debido tanto a sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la
profesión de músico y compositor, y al contexto socio-cultural en el que se desarrolla
(bajo el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es
habitualmente definida como la música de tradición culta.3
En ese sentido, la música clásica se distingue de la
música "popular" y de otras formas musicales no
europeas por su característica notación musical
simbólica, en uso desde aproximadamente el siglo XVI.4
Dicha notación permite a los compositores prescribir de
forma detallada el tempo, la métrica, el ritmo, la altura y
la ejecución precisa de cada pieza musical. Esto limita el
espacio para la improvisación o la ornamentación ad libitum, que son frecuentes en la
4. música artística no-Europea y en la música popular.567 Otra característica es que
mientras la mayoría de los estilos «populares» tienden a desarrollarse alrededor del
género de las canciones, la música clásica se ha caracterizado por el desarrollo de
formas y géneros musicales altamente sofisticados y relajantes, y por el empleo de una
muy variada y compleja instrumentación.8 Por ello, la música clásica suele requerir de
tanto los músicos como los compositores un alto grado de profesionalización y
especialización.
El término música clásica aparece por primera vez a principios del siglo XIX, en un
intento para destacar el período como una edad dorada de la música.9110 En la
actualidad está asociado a la tradición de música culta y académica descrita arriba, y es
a veces sustituido por música culta o música académica para incidir en la existencia de
música de corte «clásico» (en oposición a contemporánea), en otros géneros como por
ejemplo la música rock (véase Rock clásico). Sin embargo, de forma popular, el
término música clásica suele reservarse casi en exclusiva para referirse al contenido de
este artículo.
INTERPRETACION
Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música
de una relación muy profunda entre su contenido
afectivo (emocional), y los medios con los que lo logra.
Muchas de las obras clásicas más elogiadas hacen uso
del desarrollo musical, el proceso por el que un germen,
idea o motivo musical es repetido en distintos contextos,
o alterados de tal manera que la mente del oyente,
conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de la
forma sonata y la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. (Ver
también Historia de la forma sonata). Generalmente, las obras de música clásica
muestran una gran complejidad musical gracias al uso que hace el compositor del
desarrollo, modulación (cambios de tonalidad), variación
antes que la exacta repetición, frases musicales que no
siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía
y una armonía sofisticada. Además, muchas obras
clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son
5. construidas a partir de jerarquías de unidades más pequeñas: las frases, los periodos, las
secciones y los movimientos. El análisis schenkeriano es una rama de la música que
intenta distinguir estos niveles estructurales.
NOTACIÓN MUSICAL
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música
occidental) existen formas de notación musical. Sin
embargo, es a partir de la música de la Edad
Media (principalmente canto gregoriano) que se
comienza a emplear el sistema de notación musical que
evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó
con los rasgos más o menos definitivos con que lo
conocemos hoy, aunque ―como todo lenguaje― ha ido variando según las necesidades
expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir
del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas
se leen en relación a un pentagrama (un conjunto de cinco líneas horizontales) que al
comienzo tiene una «clave» que tiene la función de atribuir a una de las líneas del
pentagrama una determinada nota musical. En un pentagrama encabezado por la clave
de sol en segunda línea nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la
segunda línea (contando desde abajo), como la el sonido que se escribe en el espacio
entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los
sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más
usadas son las de Do en tercera línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63
Hz, el do central del piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una
quinta por encima del do central), y la de fa en cuarta (referida al fa que está
una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de
tiempo llamadas compases: cada línea vertical que
atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el
comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama
habrá una fracción con dos números; el número de arriba
indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás; el
6. número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.
Para escribir las duraciones se utiliza un sistema
de figuras musicales: la redonda (representada como un
círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un
palito vertical llamado plica), la negra (igual que la
blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que
la negra pero con un palito horizontal que comienza en
la punta de la plica), la semicorchea (igual que la
corchea pero con dos palitos horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora:
la blanca vale la mitad que una redonda y el doble que una negra, etc.
Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en
determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del
compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca
corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra, etc.
Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará dividida en compases en los que entren
tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4/8
tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio
de redonda, de blanca, etc.
Como se ve, las duraciones están establecidas según una
relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la
subdivisión por tres, que será indicada con «tresillos».
Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue
la mitad de su duración, se le coloca un punto a la
derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure,
además de su valor, otro determinado valor, se escriben
dos notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de
prolongación.
En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas
más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo,
las intensidades se indican mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano,
suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos o tempo se indica con
7. palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de
velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.
INSTRUMENTACION
Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de
una relación muy profunda entre su contenido afectivo
(emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas
de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del
desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea
o motivo musical es repetido en distintos contextos, o
alterados de tal manera que la mente del oyente,
conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de
la forma sonata y la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. (Ver
también Historia de la forma sonata). Generalmente, las obras de música clásica
muestran una gran complejidad musical gracias al uso que hace el compositor
del desarrollo, modulación (cambios de tonalidad), variación antes que la
exacta repetición, frases musicales que no siempre tienen la misma
longitud, contrapunto, polifonía y una armonía sofisticada. Además, muchas obras
clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son construidas a partir de jerarquías
de unidades más pequeñas: las frases, los periodos, las secciones y los movimientos.
El análisis schenkeriano es una rama de la música que intenta distinguir estos niveles
estructurales.
Mientras que el temperamento igual fue gradualmente
aceptado como el sistema de afinación en el siglo XVIII,
otros tipos de temperamento, de origen histórico, se
emplean a menudo en la música de períodos anteriores al
Barroco tardío; El clave bien temperado de Johann
Sebastian Bach es utilizado como referencia temporal
para indicar el comienzo de ese cambio de temperamento. Por ejemplo, la música del
Renacimiento inglés se acostumbra a ejecutar con el temperamento medio.
FORMALIZACIÓN
La música clásica está hecha exclusivamente para ser
oída, a diferencia de otras músicas adjuntas a otras
8. formas de entretenimiento (la música de cine a veces se ejecuta en salas de concierto).
Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el
público esté en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de
ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la
música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público.
Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad
trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana.
Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta
honda de exploración en la emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que
ha sido denominado lo «sublime» en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para
demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización del poema de Friedrich Schiller «Oda a
la Alegría» en la Novena sinfonía de Beethoven, que suele interpretarse en actos de
independencia nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión en que la
dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición
japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores,
como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes
es arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información
de la pieza es lo supremo.
A lo largo de la historia, los padres se aseguraron de que
sus hijos fuesen instruidos en la música culta desde muy
temprana edad. Una experiencia musical temprana daba
las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos
que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es
prácticamente imposible de aprender a nivel profesional
si, o al menos un instrumento similar, no eran
aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por
razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de la autodisciplina; las
lecciones parecen mostrar también un incremento en el desempeño académico. Se
considera además, que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte de una
buena cultura general.
COMPOSITORES EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA CLÁSICA
EL RENACIMIENTO
9. Durante los siglos XV y XVI se produjo un movimiento
cultural sin precedentes en Europa Occidental. Una
transición entre la Edad Media y la Edad Moderna en la
que la imprenta posibilitó que los compositores pudieran
imprimir sus obras, contribuyendo así a la difusión
musical.
En esta época aparecen
los sostenidos, bemoles y becuadros. Claudio Monteverdi es clave en esta transición. De
sus obras han trascendido piezas musicales de tres a seis voces que cuentan una historia
laica, llamadas madrigales. Y qué decir de La fábula de Orfeo, que se considera la
primera ópera de la historia.
EL BARROCO
Esta época está caracterizada por fuertes disputas
religiosas entre países católicos y protestantes, así como
marcadas diferencias políticas entre Estados absolutistas
y parlamentarios. La música clásica busca en esta época
la oposición en el ritmo, en los matices, en la sonoridad
o en los instrumentos. Además, surge la orquesta con
instrumentos agrupados por familias: cuerda, viento y a
veces percusión.
El alemán Friedrich Händel dedicó su carrera a obras instrumentales y vocales en
inglés, poniendo música a los grandes eventos de la corte, como la Música acuática,
compuesta para los paseos en barco por el Támesis del rey Jorge I o la Música para los
reales fuegos de artificio. El Mesías es una de las piezas fundamentales de la música
sacra de todos los tiempos.
En El Barroco también hay que destacar a Antonio
Vivaldi, autor de las inmortales Las cuatro
estaciones. Vivaldi compuso más de 700 obras, entre
ellas 46 óperas y más de 400 conciertos.
10. Llegando al final de la época barroca nos encontramos al considerado por muchos como
el más grande compositor de todos los tiempos, Johann Sebastián Bach. El arte de la
fuga, El clave bien temperado y Pasión según San Mateo son algunas de sus obras
más notables.
El calado que el músico alemán representó para su época fue tal, que a su muerte en
1750 se consideró finalizada la era barroca en la música.
EL CLASICISMO DE LA ILUSTRACIÓN
La Ilustración se caracterizó por su declarada finalidad de disipar las tinieblas de la
ignorancia de la humanidad mediante las luces del conocimiento y la razón. Los ideales
de igualdad, libertad y fraternidad también llegaron a la música de la mano de El
Clasicismo.
En esta época se dejan atrás las florituras y artificios del
barroco, pasando a la búsqueda de la
agradabilidad. Joseph Haydn fue uno de los músicos
más influyentes del clasicismo. El austriaco se hizo
famoso con sus cuartetos de cuerda, logrando grandes
aportaciones al desarrollo de la sinfonía, que a partir de
entonces se comenzó a estructurar en cuatro
movimientos.
Incluso el talentoso Haydn se rindió a uno de los mayores genios musicales de la
humanidad, Wolfang Amadeus Mozart. Mozart compuso una obra original y poderosa
que abarcó géneros tan distintos como la ópera bufa, la música sacra y las sinfonías.
Mozart prefiguró la sensibilidad romántica y fue, junto con Händel, uno de los primeros
compositores que intentaron vivir al margen del mecenazgo de nobles y religiosos.
ROMANTICISMO
Dentro de este movimiento que confiere prioridad a los
sentimientos, la música clásica se erigió como defensora
de la libertad creadora del artista. El Romanticismo
musical se inicia con la 1ª Sinfonía de Ludwig van
11. Beethoven, considerado el primer artista independiente. Tras una etapa de éxitos,
denominada ‘década heroica’, Beethoven sufrió una profunda sordera, relegando su
música a un pequeño número de expertos.
Con un Romanticismo ya avanzado, Fredéric Chopin se erige como el mejor intérprete
del instrumento romántico por excelencia, el piano. El compositor polaco exploró un
estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido
igualado.
Cuando el Romanticismo llegaba a su fin, Richard Wagner regaló a sus
contemporáneos unas obras dotadas de gran expresividad. En sus óperas, cada personaje
tenía una tonalidad distinta. La música estaba al servicio de la expresión dramática.
Con los compositores buscando un lenguaje único, Wagner buscó que las distintas artes
de una ópera tuvieran la misma importancia Él mismo escribió el libreto y diseñó la
escenografía de, entre otras, El anillo de los Nibelungos o Tristán e Isolda, sentando las
bases del teatro contemporáneo.
LA MÚSICA CLÁSICA DEL SIGLO XX
Con la dispersión y variedad de movimientos musicales,
unido al uso de melodías y ritmos poco convencionales,
se produjo el consecuente rechazo de la tonalidad
clásica.
Pero hoy día, si la música clásica está más viva que
nunca es gracias a compositores como Claude
Debussy (Preludio a la siesta de un fauno), Ígor
Stravinsky (La consagración de la primavera), Sergei Prokofiev (ballet Romeo y
Julieta) o Dmitri Shostakóvich (su Sinfonía nº 1 está considerada una obra maestra por
su vanguardismo estilístico).
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