Velazquez

Ejercicio de imágenes
De 2 en 2

El Cristo de Velázquez
Miguel de Unamuno
Fragmento
¿En qué piensas Tú, muerto, Cristo mío?
¿Por qué ese velo de cerrada noche
de tu abundosa cabellera negra
de nazareno cae sobre tu frente?
Miras dentro de Ti, donde está el reino
de Dios; dentro de Ti, donde alborea
el sol eterno de las almas vivas.
Blanco tu cuerpo está como el espejo
del padre de la luz, del sol vivífico;
blanco tu cuerpo al modo de la luna
que muerta ronda en torno de su madre
nuestra cansada vagabunda tierra;
blanco tu cuerpo está como la hostia
del cielo de la noche soberana,
de ese cielo tan negro como el velo
de tu abundosa cabellera negra
de nazareno

Hase de pintar, pues, en este aseadísimo
misterio esta Señora en la flor de su edad, de
doce a trece años, hermosísima, lindos y
graves ojos, nariz y boca perfectísima y rosadas
mexillas, los bellísimos cabellos tendidos, de
color de oro; en fin, cuanto fuere posible al
humano pincel. (...) Vestida del sol, un sol
ovado de ocre y blanco, que cerque toda la
imagen, unido dulcemente con el cielo;
coronada de estrellas; doce estrellas
compartidas en un círculo claro entre
resplandores, sirviendo de punto la sagrada
frente; (...) debaxo de los pies, la luna que,
aunque es un globo sólido, tomo licencia para
hacello claro, transparente sobre los pies; por
lo alto, más clara y visible la media luna con las
puntas abaxo.

El espíritu español en la pintura
La visión de Ortega, Zambrano y Gaya

El aspecto fantasmagórico en
Velázquez
Ortega

la pura retina”. Entidades sin cuerpo, hechas
sólo de manchas coloreadas.
“Las Meninas vienen a ser algo así como la
crítica de

Bello es para Ortega justamente lo que no es,
lo que ha sido
embellecido (falseado) para garantizar la
complacencia estética.
Se trata, para él,
de la característica principal de la pintura
italiana del Renacimiento que, en
tanto traiciona el aspecto real de las cosas, no
puede tampoco considerarse como
realista.

En lugar
de idealizar, Velázquez “tiraría” de los mitos
hacia abajo hasta reintegrarlos
desprestigiados en la realidad mundana, y
después los traspasaría al lienzo en la
forma superior del realismo de lo fantasmal.

The Triumph of Bacchus (Los Borrachos, The
Topers)
c. 1629
Oil on canvas, 165 x 225 cm
Museo del Prado, Madrid

Las meninas, de Las hilanderas o del
mismísimo papa Inocencio X: “Son
documentos
de una exactitud extrema, de un verismo
insuperable, pero a la vez son fauna
fantasmagórica”.

The Fable of Arachne (Las Hilanderas)
c. 1657

Portrait of Innocent X
c. 1650
Galleria Doria Pamphilj, Rome

La piedad en Zurbarán
Zambrano

Zambrano carecía de la intención de sumar
más datos de tipo
histórico o artístico a la bibliografía que, a la
altura de los años sesenta, existía
ya sobre ese pintor. Su propósito radicaba más
bien en arrojar luz sobre una obra
que para ella resumía los caracteres del arte
español y, en última instancia, de la
idiosincrasia misma de los españoles.

Lo curioso es que
Zambrano insinúa que la desatención sufrida
por el artista constituye la garantía
de su superioridad.

Zambrano opinaba, sin embargo, que en esa
modestia radicaba su
importancia y su valor, ya que su actitud
democrática o piadosa hacia todos los
seres indicaba que el artista era capaz de
trascender lo ampuloso y avistar
belleza en la simplicidad de una pieza de fruta
o de un cordero dócil e
inmaculado. Podríamos decir que, para ella, el
valor artístico de Zurbarán
radicaba en su capacidad para dignificar lo
insignificante.

Precisamente, en ese ejercicio de
ennoblecimiento de la realidad vulgar tenía
mucho que decir su estilo realista o naturalista.
A diferencia de Ortega, a
Zambrano le interesaba este estilo porque lo
consideraba un acto de sinceridad y
de reconocimiento o legitimación de todas las
cosas.

Pensemos que se trata de lo
contrario que practica la pintura italiana del
Renacimiento tal y como la describe
Ortega, es decir, como una búsqueda de la
belleza y, por tanto, como una
negación de la realidad. El realismo, en
cambio, afirma las cosas, y lo hace en
todo su esplendor.

Y se refería (Zambrano)
también a la santidad que exhalaban las cosas
insignificantes, como el famoso
tazón de vino que comparte protagonismo con
los dioses en el cuadro conocido
popularmente como Los borrachos.

Zurbarán practicaría ese alegato con los temas
divinos y
humanos, consiguiendo, según interpreta la
pensadora, divinizar el mundo o
santificar la realidad. De ahí el interés que
suscita en Zambrano, defensora,
desde joven, del materialismo y del realismo
españoles entendidos como estilo,
forma de vida o práctica artística piadosa y
conmiserativa con todo género de
realidad; y escrutadora, al mismo tiempo, de
una relación amistosa entre lo
sensible y lo religioso.

Autor Francisco de Zurbarán, c.1650
Técnica Óleo sobre lienzo
Estilo Barroco
Tamaño 46 cm × 84 cm
Localización Museo del Prado, Madrid,
Flag of Spain.svg España

La virgen niña en oración
Autor Francisco de Zurbarán, 1630
Estilo Barroco
Localización Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York, Flag of the United States.svg
Estados Unidos

El niño de Vallecas
Desde su perspectiva, Velázquez pintó un
personaje, susceptible
incluso de identificar con la abstracción
topográfica del exiliado

El niño de Vallecas. Francisco Lezcano
Artist Diego Velázquez
Year 1643–1645
Type Oil on canvas
Dimensions 106 cm × 83 cm (42 in × 33
in)
Location Museo del Prado, Madrid

Cristo contemplado por el alma cristiana
Autor Diego Velázquez, Hacia 1626-1632
Estilo Barroco
Tamaño 165,1 cm × 206,4 cm
Localización National Gallery, Londres,
Bandera de Reino Unido Reino Unido

En ello radicaba la maestría, compartida con
el artista de Fuente de Cantos, de Velázquez,
un pintor –ahora sí– que resultaba
excepcional por haber sacrificado su
excepcionalidad, por borrar su personalidad
artística para dignificar y santificar, cual pintor
genuinamente español, lo más
nimio e insignificante.

La superioridad de Velázquez
Gaya

Gaya opinaba de él lo mismo que de Miguel de
Cervantes y de San Juan de la Cruz, para él,
tres raros especímenes que
sobresalían en la historia de la creatividad
artística nacional.

El artista sevillano se convierte en
el verdadero y en el genuino creador, en el que
mejor atrapa la esencia de la
realidad. De nuevo, una excepción.

(Velázquez) va a defraudar si se esperaba
encontrar en ella algún tipo de
Emoción (…)

Las condiciones del pájaro solitario son cinco:
la primera, que se va a lo más alto; la
segunda, que no sufre compañía, aunque sea
de su naturaleza; la tercera, que pone el
pico al aire; la cuarta, que no tiene
determinado color; la quinta, que canta
Suavemente.

(Gaya) escribe que, en la pintura de Velázquez,
no es posible
encontrar color alguno, pero que no se trata
de una carencia, sino justamente de
una elevación o purificación. Gaya es de la
opinión de que el color ha sido usado
en la pintura como un excitante de lo real
dotado de una doble función: por un
lado, tiene un valor expresivo, que convierte el
pigmento en una especie de
palabra activa y comunicativa; y, por otro, el
color puede ser un valor en sí, lo que
hace de él no más que decoración.

Gaya piensa que Velázquez usa los pigmentos
como
“invitados ocasionales”, “por indulgencia pura”.

Velázquez es un
desertor, un displicente que parece haber
renunciado a pintar. Entiéndase aquí
“pintar” como componer cuadros, lo que, en
los escritos de Ramón Gaya y a la
vista de lo dicho en el párrafo anterior, no
constituye más que un mero hacer, un
alarde sin mérito creativo. De hecho, es un
componente reiterado de su estética
distinguir arte de creación.

Crear, para él, (Velázquez) es más que poseer
destreza material o
formal; es acceder a la esencia misma de las
cosas y llevarlas al lienzo sin que la
técnica obstaculice su conocimiento o
percepción. La creación está pues “más allá
del arte”.

(…) los cuadros de Velázquez no han sido
compuestos o fabricados. Al contrario, son
cuadros des-hechos, trans-formados
(trans-figurados), en el sentido de que todos
los elementos que contienen –color,
composición, dibujo…– han dejado de ser lo
que son para transmutarse,
directamente, en vida. Por eso Velázquez es
para Gaya mucho más que un mero
pintor.

Las Meninas or The Family of Philip IV
1656-57

El acercamiento que hemos hecho a estas tres miradas sobre la pintura de
Velázquez revela un interés compartido por buscar la forma de glorificar una
obra que, desde su nacimiento, no dejó de suscitar admiración. Es curioso que se
pueda llegar a una conclusión similar partiendo de aproximaciones tan dispares.
Ortega insistía en destacar el carácter fantasmagórico de sus figuras y, con ello,
su alejamiento de la pintura española tradicional; Zambrano, no sin esfuerzo,
incorporó a Velázquez a una corriente artística genuinamente española para
destacar así la excepcionalidad mostrada por el pintor al abandonar
momentáneamente su originalidad y solidarizarse con la escuela artística que
más cosas tenía que decir sobre España; Ramón Gaya, finalmente, ahondó en el
misterio creador de Velázquez para averiguar, y tal vez imitar, cómo era posible
vitalizar lo que de por sí era materia inerte. En los tres casos, Velázquez
alcanzaba, por razones dispares, la categoría de lo irrepetible y de lo
inclasificable; una verdadera excepción.

Breakfast
c. 1618
The Hermitage, St. Petersburg

Old Woman Frying Eggs
1618
National Gallery of Scotland, Edinburgh

Christ in the House of Mary and Martha
c. 1620
Oil on canvas, 60 x 103,5 cm
National Gallery, London

Evangelio de San Lucas (10, 38-42): “Yendo de
camino (Jesús) entró en una aldea y una mujer,
Marta de nombre, le recibió en su casa. Tenía
ésta una hermana llamada María, la cual,
sentada a los pies del Señor, escuchaba su
palabra. Marta andaba afanada en los muchos
cuidados del servicio y, acercándose dijo:
Señor no te da enfado que mi hermana me
deja a mí sola en el servicio? Dile, pues, que
me ayude. Respondió el Señor y le dijo: Marta,
Marta, tu te inquietas y te turbas por muchas
cosas; pero pocas son necesarias, o más bien
una sola. María ha escogido la mejor parte que
no le será arrebatada”.

Abbess Jerónima de la Fuente
1620

The Waterseller of Seville
1623
Oil on canvas, 106,7 x 81 cm
Wellington Museum, Apsley House, London

Philip IV in Armour
c. 1628

The Forge of Vulcan
1630

Joseph's Bloody Coat Brought to Jacob
1630
Monasterio de San Lorenzo, El Escorial

Sibyl
c. 1632

Philip IV in Brown and Silver
1631-32

he Surrender of Breda (Las Lanzas)
1634-35

Philip IV on Horseback
1634-35

Prince Baltasar Carlos on Horseback
1635-36

The Dwarf Don Juan Calabazas, called
Calabacillas
1637-39

El bufón Don Sebastián de Morra
Autor Diego Velázquez, hacia 1645
Estilo Barroco
Tamaño 106,5 cm × 81,5 cm, medidas no
originales

Aesop
1639-41

The Coronation of the Virgin
1645

Juan de Pareja
c. 1650
Oil on canvas, 81,3 x 69,9 cm
Metropolitan Museum of Art, New York

Venus at her Mirror (The Rokeby Venus)
1649-51
Oil on canvas, 122,5 x 177 cm

Queen Doña Mariana of Austria
1652-53

Infante Felipe Próspero
c. 1660
Oil on canvas, 128,5 x 99,5 cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

Felipe Próspero José Francisco Domingo
Ignacio Antonio Buenaventura Diego Miguel
Luis Alfonso Isidro Ramón Víctor de Austria
(Madrid, 20 de noviembre de 1657 - ibídem, 1
de noviembre de 1661). Príncipe de Asturias,
fue el tercer hijo y primer varón del
matrimonio formado por Felipe IV de España y
Mariana de Austria y pese a morir a muy corta
edad llegó a ser nombrado príncipe.

Gaspar de Guzmán, conde duque de Olivares,
a caballo
Autor Diego Velázquez, h. 1638
Estilo Barroco

Retrato ecuestre del duque de Lerma
Autor Pedro Pablo Rubens, 1603
Estilo Barroco
Tamaño 290,5 cm × 207,5 cm

Pedro Pablo Rubens
Copia conservada en los Uffizi del Retrato
ecuestre de Felipe IV destruido en el incendio
del Real Alcázar de Madrid de 1734.nota 3

Retrato del Conde duque de Olivares
Autor Diego Velázquez, 1625
Estilo Barroco
Localización Colección José Luis Várez
Fisa, Madrid, España

The Needlewoman
c. 1640
National Gallery of Art, Washington

La dama del abanico
Autor Diego Velázquez, c. 1635
Estilo Barroco
Localización Colección Wallace,
Londres, Bandera de Reino Unido Reino Unido

algunas damas de la corte van vestidas «con
un trage tan deshonesto que verdaderamente
me parecieron rameras; pues tanto adorno y
tan desvergonçado, no permitía más caudal de
entendimiento (...) de más de llevar
descubierto hasta la media espalda, y trages
costosissimos».
Capitán Francisco Santos
Los gigantones de Madrid

El bufón don Diego de Acedo. “El Primo”
Autor Diego Velázquez, c. 1636-1645
Estilo Barroco

Tentación de Santo Tomás de Aquino
Autor Diego Velázquez, 1632
Estilo Barroco
Localización Museo Diocesano de Arte
Sacro (Orihuela), Orihuela, España

Mercurio y Argos
Autor Diego Velázquez, ca. 1659
Estilo Barroco
España
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Pedro Pablo Rubens, Mercurio y Argos 1636 - 1638. Óleo sobre lienzo, 180 x 298 cm.
Museo del Prado

Le fifer
Artist Édouard Manet
Year 1866
Type oil painting
Dimensions 160 cm × 97 cm (63 in × 38
in)
Location Musée d'Orsay, Paris

Study after Velázquez's Portrait of Pope
Innocent X, 1953

Las Meninas
Artist Pablo Picasso
Year 1957
Type Oil on canvas
Dimensions 194 cm × 260 cm (76 in ×
100 in)
Location Museu Picasso

Vista de la villa Medici
Autor Diego Velázquez, c. 1630
Estilo Barroco
Tamaño 44,5 cm × 38,5 cm
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